“¡Majestad! ¡No niegues la ayuda a tu pueblo!
¡Derriba el muro que se alza entre ti y tu pueblo!
Dispón y júranoslo, que nuestros ruegos sean cumplidos,
y harás la felicidad para Rusia; si no lo haces,
estamos dispuestos a morir aquí mismo. ¡Solo tenemos
dos caminos, la libertad y la felicidad, o la tumba!”.
Petición al zar en el domingo sangriento de 1905

Hacía años que había visto esta peli, pero deseaba verla de nuevo y entrar en detalles, algo que hice con el DVD del filme. Se trata de una cinta sobre la revolución de 1905 y la revuelta en junio de ese año cuando el zar ordenó disparar a la población sin misericordia, en la que cayeron niños, ancianos, mujeres e inválidos.

El director Serguei Eisenstein, oriundo de Riga, actual capital de Letonia, destacada figura del cine ruso y soviético fue quien realizó este filme, que para su época fue toda una hazaña.

La peli está dividida en varias partes, las que van poco a poco mostrando la situación, por un lado, del pueblo ruso-ucraniano en la ciudad de Odessa; por otro, la de la fuerza naval del país. En pocas palabras, miseria y desprecio, sea para el pueblo como para los marineros. Esa política déspota e inhumana de los que gobernaban entonces fue la que unió al pueblo con la fuerza naval, algo que sucedió nuevamente doce años después cuando la insurrección del pueblo y fuerza naval con el buque Aurora en octubre de 1917 en Petrogrado.

No nos confundamos, Eisenstein solo abordó la insurrección de la revolución de 1905 en la peli, la que, como ya apunté, el zar la aplastó criminalmente.

Lo interesante de la peli es el arte del director para reflejar con nitidez la insatisfacción de los marineros (matrosi) por las pobres condiciones de trabajo y la alimentación de perro que recibían. Les daban carne llena de gusanos a comer, lo cual provocaba no pocas broncas entre los marineros hasta con el médico del acorazado. Los marineros no comieron más carne a partir de las primeras discusiones a bordo.

Con igual precisión aparecen los locales, con sus diferencias. Un bando era el de los pobretones, la mayoría, mal vestidos y con semblante de gente inconforme e infeliz. El otro minoritario era aquel bien vestido, sean damas o caballeros, los que miraban con desprecio al pueblo que los circundaba.  

Descontentos en alta mar y en ciudad, se unieron para protestar por las condiciones de vida, la explotación y la ley marcial impuesta. El lugar de esa unión fue la conocida escalinata Potemkin, la que el suscribe pudo subir y bajar en las dos ocasiones que visitó Odessa. Esas escaleras fueron construidas en el siglo XIX y las mismas terminan en su parte baja en la misma costa. IA informa que posee 192 escalones, mide 142 metros de largo y es famosa por su perspectiva y anchura variable, midiendo unos 21.7 metros en la base y estrechándose a 13.4 metros en la parte superior, creando una ilusión óptica que la hace parecer más larga y alta, especialmente por su icónica aparición en la película de referencia.

Los soldados de la guardia zarista dispararon sin cesar y el filme muestra como mueren hasta niños de escasa edad y algún que otro menor sobre un coche, el cual va cuesta abajo cuando la madre del niño recibe un balazo mortal.

La fuerza naval movilizó a otros de sus buques para enfrentarse al acorazado Potemkin, pero le salió el tiro por la culata cuando los buques, supuestamente al ataque, dieron señales de: “estamos con Uds., hermanos.”

Por tratarse de una peli silente y la trama que probablemente no atraiga a muchos a verla, solo la recomiendo para los verdaderos cinéfilos y que deseen observar con detalle el arte de Eisenstein. También es recomendable para aquellos interesados en conocer este triste pasaje de la historia de un país, que en aquel entonces salía del feudalismo con algunos rasgos de capitalismo. La peli dura 70 minutos, por lo que no es tanto el tiempo que se le deberá dedicar para verla, aunque ese tiempo de pantalla para aquella época era como hablar de un largometraje.

Esteban Hernández
23 diciembre 2025

“El mundo no necesita que los blancos
civilicen a otros. La verdadera carga de los
blancos es civilizarnos a nosotros mismos.”
(Robert Jensen, en su obra “The heart of whiteness:
confronting race, racism, and white privilege”)

Nada de lo que se dice ya unido así lo es. Vistas dos pelis sobre el tema de los confederados en la Unión estadounidense, nos revela que esa división aún existe, pero con otros matices.

La primera es “La cabalgada de los malditos (1967)” de Phil Karlson, la que versa sobre el país casi por terminar la guerra y la fuga de unos prisioneros confederados de un fuerte yanqui. Esta peli está protagonizada como Glenn Ford en el papel del Mayor Wolcott y la sueca Inger Stevens, la novia del Mayor, que corrió un riesgo enorme al marcharse de vuelta al Este, pero interceptada por los forajidos confederados. Ya pueden imaginarse cómo se desarrolla la fuga, la sangre que corre y cómo los que huyen son vencidos, una trama conocida, pero lo que me llamó la atención fue en la forma que esos confederados se referían a los soldados yanquis, llamados panzas azules. En la mente de esos no estaba el terminar la guerra. Así estuvieran de rodilla, ellos decían que la guerra nunca terminaría. Ese paso, que era, de hecho, de la esclavitud al capitalismo, no le sonaba bien a ningún blanco del sur. La formación económica y de explotación salvaje sobre los negros había que mantenerla, y el mismo desprecio que podían sentir por sus esclavos, se traducía de igual manera de ellos hacia los yanquis. Solo una minoría de estos confederados mantenía una actitud militar, pero despojada del odio de sus colegas y superiores.

El otro filme se llama “Llanura salvaje (2022), también conocido como “Tensión en Montana”, dirigido por Michael Polish y que contó con el protagonismo de Gina Carano, actriz tejana, a todas luces descendiente de italianos y, por coincidencia, un actor de igual descendencia, Donald Cerrone.

La trama de la peli se desarrolla en una zona inhóspita de Montana, adonde fue a parar un ex confederado con su familia. Se asentó tan lejos para poderse proteger de sus antiguos compañeros de guerra. Él, en un momento de la guerra, se dio cuenta que estaba del lado equivocado, por lo que desertó y en un tiroteo terminó matando a una niña inintencionalmente. El que suscribe no sabía que los confederados practicaban la omertá de la mafia, lo que equivale a fidelidad eterna absoluta y cuidado con soplar algo de lo que hacemos. También es: conmigo todo, sin mi nada.

Los narcotraficantes acostumbran a buscar a aquellos secuaces que escapan con dinero producto del trasiego. Si se van a Groenlandia, hasta allá los persiguen. Los confederados obraban de forma similar, no había límites, y es lo que la peli nos muestra, persecución absoluta y pena de muerte si te tropiezas con el implicado.

Nuevamente, la peli muestra el lenguaje vulgar a la hora de referirse a Abraham Lincoln, a quien llamaban dictador. Los yanquis eran la peste y no merecían la vida. Un detalle visto también en la otra peli fue que para ellos la guerra no había terminado, y en realidad, hoy, año 2025, no lo parece, con la diferencia que antes maldecían al partido republicano de Lincoln, ahora se han casi apropiado de él.

Los confederados son la expresión del supremacismo blanco. Lo peor es lo que vino después, y no es nada más y nada menos que el KKK, Ku Klux Klan, fundado el 24 de diciembre de 1865 casi como un diversión por seis jóvenes que habían combatido en las filas confederadas durante la guerra civil estadounidense 1861-1865, la que se convirtió enseguida en una violenta máquina racista de aterrorizar y matar, primero a afrodescendientes y después a personas judías, católicas, homosexuales, sindicalistas, comunistas, blancas que defendían los derechos de las personas negras y cualquiera que no encajara en su ideología de supremacismo blanco protestante (Mediavilla 2022). Como se parece al denominado proyecto 2025.

Los confederados se asientan en zonas rurales de EE. UU., carentes de desarrollo industrial, y mantienen sus creencias abiertamente o, a veces, solapadamente. El KKK, entiendo, que debe estar en fase de letargo, listo para entrar en acción de ser necesario en sus áreas exclusivas. No obstante, hay una realidad, si bien los poderes del gobierno de este país tomaron medidas para eliminar los monumentos y nombres de confederados en centros militares, ahora comienza un retroceso dictado por las autoridades del país, lo cual a largo plazo no beneficia a nadie. La historia debe reconocer lo negativo sin ninguna limitación.

Fuentes

IMDB.com

Mediavilla Manu. 2022. Klux Klan, símbolo infame del odio racista. Amnistia Internacional, 24 dic. https://www.es.amnesty.org/en-que-estamos/blog/historia/articulo/ku-klux-klan-simbolo-infame-del-odio-racista/

Esteban Hernández
7 diciembre de 2025

“Camina alto como los árboles, vive tan fuerte
como las montañas, sé suave como los  
vientos de primavera, mantén el sol de verano en tu
corazón y el Gran Espíritu siempre estará contigo.”
Proverbio indígena americano

Se trata de una peli dirigida por Bruce Beresford, la que me obligó a interesarme por la historia de Canadá, sus tribus indígenas y sus relaciones, así como los colonizadores permanentes y los mercaderes eventuales. Ese territorio de Norteamérica fue descubierto por los vikingos, liderados por Leif Eriksson, durante el siglo XI, o sea mucho antes que Cristóbal Colón llegara a tierras del Caribe. No obstante, la colonización de Canadá (significa aldea, del vocablo iroqués-hurón Kanata) comenzó décadas después de la llegada del navegante genovés y sus tres carabelas. Los primeros colonos europeos con asentamientos permanentes fueron los franceses, Pierre de Monts y Samuel de Champlain, quienes establecieron Port-Royal en 1604, actual Nueva Escocia, y luego fue la ciudad de Quebec en 1608.

Los colonos galos llegaron a ocupar un extenso territorio llamado “Nueva Francia”, el que se ubicaba en el territorio que hoy conocemos como Canadá, abarcando desde el río San Lorenzo hasta el golfo de México, e incluyendo el valle del Misisipi y la zona de los Grandes Lagos. Fue una colonia francesa entre los siglos XVI y XVIII. El territorio era conocido como «Nueva Francia» hasta 1763, cuando pasó a ser dominio británico tras el Tratado de París.

Cuando la colonización comenzó la iglesia católica estaba presente en su empeño eterno de atraer más devotos a esta religión. La peli de producción australiana, con fotografía y vistas extraordinarias del paisaje canadiense, muestra claramente cómo los curas consideraban a los indígenas locales, a los que sencillamente llamaban salvajes. Había que bautizarlos para que perdieran esa falsa condición.

En los sermones de estos curas no era que los indígenas tomaran los alegatos como ciertos y en más de una ocasión discrepaban si lo que se dijera el cura atentaba contra sus costumbres, las que eran muy simples y más sanas que los religiosos que allí llegaban a incorporarles una fe extraña y venida de otro mundo. Ellos cazaban, comían frutos de la naturaleza, descansaban y fornicaban tranquilamente y sin prejuicios. Esa era una vida salvaje para el criterio del cura, a mi entender, el antihéroe de la peli.

Canadá tuvo o tiene varias naciones indígenas. Los mohawks, junto con otras naciones como los senecas, cayugas, oneidas y onondagas, formaron la Confederación de las Cinco Naciones iroquesas. El mohicano es una nación específica dentro de la gran confederación iroquesa, nación de habla algonquina que tradicionalmente habitaba el valle del río Hudson, pero no confundamos el nombre mohicano con el de mohawk.

Por otro lado, estaban los hurones, también conocidos como Wendat, los que habitaban en la región sur de la actual Ontario, en un territorio que incluía el área alrededor del extremo occidental del Lago Hurón y se extendía hacia el sur entre este y el Lago Michigan. Hoy en día, sus descendientes residen en la reserva de Wendake, cerca de la ciudad de Quebec, y en otros lugares de Canadá y Estados Unidos, incluso en Oklahoma.

Es cierto que esas tribus rivalizaron, pero ahí mucho tuvo que ver la presencia de los colonos, los que entonces querían hacerse de todas las pieles posibles, para lo cual se establecieron rutas de comercio. Los iroqueses entregaban pieles, mientras que los holandeses ubicados en Nueva York comenzaron a venderles armas directamente, incluido algún que otro licor, algo que era del encanto de todos los indígenas. La venta se realizaba sin intermediarios, así los iroqueses acumularon más de 400 armas. Los hurones no querían quedarse atrás y de ahí surgió la rivalidad y guerras entre esas tribus, donde finalmente los iroqueses vencieron a los hurones.

La peli muestra a un cura de apellido Laforgue, el cual va acompañado de algonquinos a la tierra de los hurones, en cuya travesía, los indígenas se enojan con el preste y gran parte les abandonan, algo fatal una vez se encuentran con los iroqueses y sin resistencia posible. La peli basada en el libro homónimo de Brian Moore es una narración de los problemas enfrentados por los jesuitas en su interés de evangelizar Canadá y el poco apoyo recibido de la metrópoli, siempre ávida de obtener más pieles al menor costo material y humano. También la contradicción en la conducta de los colonos de los distintos países europeos participantes, cada cual halando para su beneficio.

Hace un tiempo una persona, en conversación conmigo, trataba de justificar la colonización por el hecho de que las tribus indígenas también peleaban entre sí, lo cual entiendo que es un absurdo. Primeramente, si por eso fuera a Europa tendría que haberla colonizado alguna otra civilización, ya que hasta hoy día no se sale de una guerra en otra. En segundo lugar, las divergencias y rivalidades fueron fomentadas en Canadá por la misma colonización con sus ambiciones, dividiendo pueblos que por lo general habían vivido en paz y nadie le iba a quitar las pieles o el alimento al otro.

Aunque no me agradan algunos aspectos reflejados en el libro y el filme, me resulta asqueroso oír a un cura llamando a los locales salvajes o bestias, así y todo, es una peli que vale la pena ver y que estimula el interés por conocer algo sobre la composición étnica de Norteamérica cuando fue, no descubierta, pero sí colonizada. Así que, si les apetece ver historia y paisajes bellos canadienses, les invito a que la vean, disponible en Amazon prime video. Si está suscrito, la podrá ver gratuitamente. Si lo ve, saque Ud. sus propias conclusiones.

Esteban Hernández
30 noviembre 2025

“Siempre he mirado al mundo y me he preguntado,
¿Qué puedo hacer próximamente?
¿Adónde vamos desde aquí?
¿Cómo podemos arreglar las cosas?”
Harry Belafonte

Esta vez el artículo describe un esbozo biográfico de un personaje muy versátil, cantante muy popular, actor de calidad y un hombre comprometido con la causa de la justicia en este mundo. Se trata de Harold George Belafonte, Jr., ​ nacido el 1 de marzo de 1927 en Harlem, Nueva York, de padre jamaicano[1], ex chef de la Marina Británica, y madre ama de casa.

Cumplidos los ocho años, su familia se mudó de Nueva York a Jamaica, donde se impregnó de la música del país de sus ancestros. Cinco años después regresó a los EE. UU. En su juventud fue reclutado por la Marina de su país para servir en la segunda guerra mundial, terminada la cual se decidió por la actuación y recibió clases, donde mismo las tomaron futuras estrellas como Marlon Brando y Sidney Poitier entre otros. Lo que aprendía lo ponía en práctica en el teatro americano negro.

Como el canto le atraía, trabajó en algunos clubes neoyorquinos, pero sin mucho éxito. No obstante, posteriormente Belafonte popularizó aún más el llamado calypso, el cual tiene sus raíces en la música de los esclavos africanos de la isla de Trinidad y Tobago, que lo cantaban para expresar sus quejas, y que surgió en las décadas de los años 30 y 40 del siglo XX. Belafonte fue capaz de cantar piezas de otros géneros como blues, gospel y folk entre otras. Sus canciones más populares en los 50 fueron “Day-O (The banana boat song)”, “Mary’s boy child”, “Jump in the Line”, “Jamaica Farewell”, entre otras. Por esos éxitos le llegaron a llamar el Rey del Calypso.  

En cine debutó en papel de reparto del drama-musical “La esencia de la vida (1953)” de Gerald Mayer con Dorothy Dandridge y Philip Hepburn. Sus siguientes actuaciones fueron en:

• Otro drama musical “Carmen Jones (1954)” de Otto Preminger con la Drandridge
• Los dramas “La isla del sol (1957)” de Robert Rossen con James Mason, Joan Fontaine y la Dandridge nuevamente, peli en la que por primera vez se ve romance entre Belafonte (el negro) y Joan Fontaine (la blanca).
• “El mundo, la carne y el diablo (1959)” de Ranald MacDougall con Inger Stevens (una rubia), Mel Ferrer (un blanco) y Belafonte (negro), peli en la que participan estos tres intérpretes y se desarrolla en una ciudad devastada por guerra nuclear, y dónde uno trata de saber por quién optará la dama blanca en un ambiente de penurias y carencias.
• El drama-filme de crimen “Apuestas contra el mañana (1959)” de Robert Wise con Robert Ryan y Gloria Grahame.

Durante más de una década Belafonte se mantuvo alejado de la gran pantalla. Su actividad se vio más enfocada en el apoyo a la causa y defensa de los derechos civiles en EE. UU. Se puede afirmar que fue un estrecho colaborador de Martin Luther King.

En 1970 regresó para coprotagonizar con Zero Mostel el drama “El ángel Levine” de Jan Kadar. El ángel de la peli es Belafonte, mientras que Mostel es el sastre judío que recibe la visita del ángel. Le siguieron:

• El oeste-comedia “Buck y el farsante (1972)” dirigida por Sidney Poitier con Joseph Sargent y coprotagonizada por el mismo Poitier (Buck) con Belafonte, el farsante predicador.
• La comedia “Uptown Saturday Night (1974)” de nuevo dirigida y coprotagonizada por Poitier con Bill Cosby y Richard Pryor.

Nuevamente desapareció de la gran pantalla y regresó:

• En papeles de reparto del drama “El juego de Hollywood (The player) (1992)” de Robert Altman con Tim Robbins y Greta Scacchi
• De la comedia “Pret-a-Porter (1994)” del mismo Altman con un extenso reparto que incluía a Sophia Loren y Marcello Mastroianni entre otros.
• Coprotagonizó con John Travolta el drama-suspense “White man´s burden (El atrapado) (1995) de Desmond Nakano
• Otro papel de reparto con Altman en el drama político “Kansas City (1996)” con Jennifer Jason Leigh y Miranda Richardson.

Otra nueva década alejada del cine. Su retorno fue en otro drama político “Bobby (2006)” de Emilio Estévez con Anthony Hopkins, Demi Moore y Sharon Stone, cuya trama es el relato de la vida de varias familias en el momento del asesinato de Robert F. Kennedy.

Doce años después actuó en papel de reparto el drama “Infiltrado en el KKKlan (2018)” de Spike Lee con Alec Baldwin y John David Washington, que fuera su última aparición en cine.

En 2006, en el certamen Premios BET, se le concedió premio humanitario, en 2011 obtuvo el premio Berlinale Camera en el festival de Berlín, premio Leopardo por su carrera en 2012 en el festival de Locarno, en 2015 el premio humanitario Jean Hersholt otorgado por la Academia de Premios (Oscar), premio a su carrera en el festival Internacional Jamerican en 1999, premio de la Amistad en 1999 en el festival de Nashville, premio por su carrera artística en el Festival de Los Ángeles en 2000, cuatro veces nominado para premio Emmy y obtuvo uno en 1960, tres veces nominado para Grammy y obtuvo dos premios en 1966 y 2000. Nominado a premio Photoplay en 1977 y 1978 como estrella favorita de la canción.

Por su actuación en “Bobby (2006)”, nominado como mejor actor para premio SAG, premios Image y premios Critics Choice como mejor actor de reparto. Premio concedido por el Círculo de Críticos de Nueva York como mejor actor de reparto en “Kansas City (1996)”. Nominado para SAG, premios CinEuphoria y la Asociación de periodistas de la Indía como mejor actor por “Infiltrado en KKKlan (2018)”.

Belafonte fue colaborador cercano de Martin Luther King Jr. durante las campañas del movimiento por los derechos civiles en el período de las décadas de los 50 y 60 del siglo XX. Fungió como embajador por la justicia juvenil dentro de la Unión por las libertades en EE. UU. Fue crítico permanente de las políticas de George W. Bush y en el primer mandato de Donald Trump.

Actuó en 22 filmes entre 1953 y 2018, y productor de 15, Falleció de insuficiencia cardíaca congestiva el 25 de abril de 2023 en Upper West Side.

[1] Hay fuentes que afirman que el padre de Belafonte era oriundo de Martinique.

“Pienso que la gente famosa tiende a ser
subdesarrolladas en sus habilidades de humanidad.”
Diane Keaton

Una de las actrices más capaces y de excelentes interpretaciones en la gran pantalla, fue Diane Hall, más conocida como Diane Keaton, nacida el 5 de enero de 1946 en los Ángeles, California, en el seno de una familia de cuatro hermanos, cuyo padre era ingeniero y madre fotógrafa aficionada. Diane creció en Santa Ana, California, cerca de Los Ángeles, y asistió brevemente a universidades comunitarias, primero Santa Ana y luego Orange Coast. A los 19 años, abandonó los estudios y se trasladó a Nueva York para estudiar interpretación en el Neighborhood Playhouse (Gates 2025). Algo de interpretación había estudiado en el Santa Ana College de California. Ya graduada en Nueva York, debutó en Broadway en la obra musical “Hair” (Pelo), después protagonizó la comedia teatral, “Play it again, Sam” (Juega de nuevo, Sam) dirigida y coprotagonizada por Woody Allen. En 1972 ambos protagonizaron en la gran pantalla la versión cinematográfica de la obra anteriormente mencionada.

El cambio de su nombre de Hall por Keaton se debió a que ya existía una actriz con ese nombre. Así debutó en cine en la comedia “Amantes y otros extraños (1970)” de Cy Howard con Beatrice Arthur. Su consolidación como actriz del séptimo arte llegó dos años después al actuar en el drama-filme de crimen “El padrino (1972)” de Ford Coppola con Marlon Brando y Al Pacino. Diane actuó en todas las secuelas de este tema (1972, 1974 y 1990).  

Para Woody Allen, quien fue por un tiempo su amor, volvió a actuar en la comedia “La última noche de Boris Grushenko (1975)”, al que le siguieron:

• La comedia-filme de crimen “Harry y Walter van a Nueva York (1976)” de Mark Rydell con James Caan, Michael Caine y Elliott Gould 
• El drama “Buscando al Sr. Goodbar (1977)” de Richard Brooks con Tuesday Weld
• Bajo la dirección y coprotagonismo de Allen actuó en las comedias “Annie Hall (1977)”, cuya trama relata la relación de una principiante de canto, Annie Hall, que se convierte en amante de un artista divorciado, el cual reflexiona sobre sus relaciones e interrupciones de matrimonio y la de su relación con Annie. Esta peli fue un éxito para Diane en su carrera.
• “Manhattan (1979)” con Meryl Streep, peli en la que Allen se enamora de la amante de un amigo
• El drama “Interiores” (1978), donde Allen no actuó, filme coprotagonizado por Geraldine Page, donde tres hermanas presencian el divorcio de sus padres

En la década de los 80, sus actuaciones más sobresalientes fueron en los dramas:

•  “Rojos (1981)” dirigida y coprotagonizada por Warren Beatty, filme que trata sobre la vida del periodista comunista estadounidense John Reed y en el que Diane actuó impecablemente,
• “Después del amor (1982)” de Alan Parker con Albert Finney, película que aborda los desastres de un divorcio
• “Mrs Soffel, una historia real (1984)” de Gilliam Armstrong con Mel Gibson, peli sobre un caso escandaloso de adulterio con un presidiario de una mujer casada con el alcaide de la prisión, con otra sobresaliente actuación de Diane
• El suspense “La chica del tambor (1984)” de George Roy Hill con Klaus Kinski y Yorgo Voyakis, que trata sobre una espía reclutada a la fuerza por el servicio de inteligencia israelí a fin de capturar a un rebelde palestino. El filme está basado en una obra de John Le Carré.
• “Crímenes del corazón (1986)” de Bruce Beresford con Jessica Lange y Sissy Spacek, historia de tres hermanas del sur de EE. UU. que tratan de saber la causa del suicidio de su madre
• “El precio de la pasión (1988)” de Leonard Nimoy con Liam Neeson, otro drama que aborda los problemas del divorcio y la custodia de los hijos
• También la comedia-drama “Baby, tú vales mucho (1987)” de Charles Shyer con Sam Shepard

En la década de los 90 y en lo sucesivo sus actuaciones más notables han sido en:

• La interesante comedia “El padre de la novia (1991)” de Shyer con Steve Martin, y su secuela en 1995.
• Bajo la dirección de Allen nuevamente en la comedia-filme de crimen “Misterioso asesinato en Manhatttan (1993)” con Allen, Anjelica Huston y Alan Alda 
• La peli de aventura-biográfica para la TV “Amelia Earhart: el vuelo final (1994)” de Yves Simoneau con Rutger Hauer y Bruce Dern, peli sobre la primera mujer que fue la primera pasajera de un vuelo trasatlántico, y que luego intenta hacer otro viaje alrededor del mundo con el mismo piloto de su famoso vuelo anterior
• El drama “La habitación de Marvin (1996)”[1] de Jerry Zaks con Meryl Streep, Leonardo DiCaprio y Robert De Niro, peli en la que Diane es una abnegada hija que cuida a su padre, que agoniza lentamente, y a su atolondrada tía cuando le diagnostican leucemia y necesita un trasplante de médula ósea.
• La comedia “El club de las primeras esposas (1996)” de Hugh Wilson con Goldie Hawn y Bette Midler
• El drama “No te mueras sin decirme adiós (1997)” de Peter Masterson con Sam Shepard y Diane Lane
• Las comedias “Aprendiendo a vivir (1999)” de Garry Marshall con Juliette Lewis,
• “Colgadas (2000)” de su propia dirección con Meg Ryan, basado en una novela de Delia Ephron
• El mediocre “Enredos de sociedad (2001)” de Peter Chelsom con Warren Beatty nuevamente, Andie MacDowell y Nastassjia Kinski
• “Cuando menos te lo esperas (2003)”[2] de Nancy Meyers con Jack Nicholson y Keanu Reeves, peli entretenida y divertida
• “La joya de la familia (2005)” de Thomas Bezucha con Claire Danes

A partir de 2015 hasta su final sus actuaciones más importantes fueron en:

• Puso su voz en el animado “Buscando a Dory (2016)” de Angus MacLane y Andrew Stanton
• Las comedias “Book club (2018)” de Bill Holderman con Jane Fonda, Candice Bergen, Andy García y Don Johnson, y su secuela “Book club, ahora en Italia (2023)” con igual reparto
• “Mejor que nunca (Poms) (2019)” de Sara Hayes con Jacki Weaver
• “Sí, quiero…o no (2023)” de Michael Jacobs con William H. Macy, Richard Gere y Susan Sarandon

Diane dirigió otros filmes, entre ellos:

• El documental “Heaven (1987)” (Paraíso), el cual trata sobre las creencias sobre la muerte
• Los seriales para la TV “Twin Peaks (1990)” y “Pasadena (2001)”,
• El drama “Héroes a la fuerza (1995)” con Andie McDowell

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Rojos (1981)”, “La habitación de Marvin (1996)” y “Cuando menos te lo esperas (2003)”. Obtuvo OSCAR en igual categoría por “Annie Hall (1977)”.

Nominada para Globo de Oro como mejor actriz en drama por “Buscando al Sr. Goodbar (1977)”, “Rojos (1981)”, “Después del amor (1982)”, “Mrs. Soffel, una historia real (1984)”; como mejor actriz en comedia/musical por “Baby, tú vales mucho (1987)” y “Misterioso asesinato en Manhattan (1993)”; y como mejor actriz en miniseries por ““Amelia Earhart: el vuelo final (1994) (TV)”. Obtuvo este premio como mejor actriz en comedia/musical por “Annie Hall (1977)” y “Cuando menos te lo esperas (2003)”.

Nominada para premio BAFTA como mejor actriz por “Manhattan (1979)” y “Rojos (1981)”. Obtuvo premio BAFTA en igual categoría por “Annie Hall (1977)”.

Obtuvo premio David en el David Donatello como mejor actriz extranjera por “Rojos (1981)”. Nominada para premio Emmy como mejor actriz en miniseries por ““Amelia Earhart: el vuelo final (1994) (TV)”. 

Obtuvo premio del National Board Review como mejor actriz por “Annie Hall (1977)” y “Cuando menos te lo esperas (2003)”, así como el mismo premio por el primer filme indicado de la sociedad nacional de críticos de cine de EE. UU y del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York.

Obtuvo Satélite de Oro como mejor actriz en comedia/musical por “Cuando menos te lo esperas (2003)”.

Nominada para premio SAG como mejor actriz por “La habitación de Marvin (1996)” y “Cuando menos te lo esperas (2003)”, como mejor reparto por “La habitación de Marvin (1996)”, y como mejor actriz en miniseries por ““Amelia Earhart: el vuelo final (1994) (TV)”. 

En 1991 obtuvo el premio de mujer del año del Hasty Pudding Theatricals. En 1996 fue nominada para el premio Manzana Dorada como Estrella Femenina del Año. En 1997 obtuvo el premio Crystal.

Actuó en 74 filmes entre 1970 y 2024, directora de 12, productora de 15 y guionista de un filme. Falleció el 11 de octubre de 2025 en Los Ángeles, California.

Fuentes

Aguirre María. 2025. Diane Keaton, sobre su relación con Woody Allen en los años 70: «Tuve un flechazo inmediato en cuanto lo vi por primera vez». Harpersbazaar.com, actualizado 11 oct. https://www.harpersbazaar.com/es/famosas/el-estilo-de/a64881963/diane-keaton-historia-woody-allen-relacion-flechazo-inmediato/

Diane Keaton. IMDB.com. https://www.imdb.com/es-es/name/nm0000473/?ref_=nv_sr_srsg_0_tt_0_nm_8_in_0_q_diane

Gates Anita. 2025. Diane Keaton, estrella de ‘Annie Hall’, ‘El padrino’ y ‘El club de las primeras esposas’, muere a los 79 años. NY Times, 12 octubre. https://www.nytimes.com/es/2025/10/12/espanol/cultura/muere-diane-keaton.html

Moreno Víctor, Ramírez María E., de la Oliva Cristían, Moreno Estrella et al. 2010. Biografía de Diane Keaton. Buscabiografías.com 17 febrero. https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/6061/Diane%20Keaton

[1] También llamada “La sangre que nos une”

[2] También llamada “Alguien tiene que ceder”

“Para actuar uno tiene que ser fuerte, de lo
contrario se pierde la identidad y la personalidad.”
Claudia Cardinale

El 2025 ha venido con no muy buenas intenciones, hace unos días se llevó a Robert Redford, ahora se lleva a una actriz de mi gusto en pantalla por su belleza y arte de actuar.

No voy a repetir su biografía, publicada anteriormente en este blog, por lo que aquí les va el link https://deportescineyotros.com/2018/10/17/claudia-cardinale/, basta con tocarlo y podrán leerlo. También los remito a https://www.espinof.com/actores-y-actrices/muere-a-87-anos-claudia-cardinale-leyenda-cine-italiano-actriz-protagonista-fellini-ocho-medio-81-2-gatopardo-pantera-rosa?utm_source=firefox-newtab-es-es

Claude Joséphine Rose Cardinale, nacida el 15 de abril de 1939 en La Goleta, puerto de Túnez, hija de padres sicilianos, llegó al cine por pura casualidad y gracias a su belleza. Se presentó en un concurso de belleza y lo ganó, lo que le valió ser llevada al festival de cine de Venecia, donde los productores italianos no dudaron en contratarla. Corría el año 1957, entonces la bella Claudia no hablaba italiano. Supongo que en casa le hablaban en siciliano, en la calle en árabe y francés. Así que tenía conocimiento de dos lenguas y el siciliano, pero para actuar en italiano hubo necesidad de doblar su voz en los inicios en el cine.

Para su suerte, su debut en la gran pantalla fue en papel de reparto de la cinta franco-tunecina “Goha (1958)” de Jacques Baratier con Omar Sharif. Un año después actuó en comedia-filme de crimen italiano, de Mario Monicelli, “Rufufu (1958)”, donde pudo codearse con figuras ya consagradas como Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman y Renato Salvatori.

No tengo claro si la llegué a fijarme en ella por primera vez en el drama “Rocco y sus hermanos (1960)” de Luchino Visconti con Alain Delon, o en el de acción “Cartouche (1962)” de Philippe de Broca con Jean Paul Belmondo, lo que sí sé que su belleza me llamó mucha la atención, era la típica mediterránea y su forma de desenvolverse la hacían más atractiva.

El drama “El bello Antonio (1960)” de Mauro Bolognini con Marcello Mastroianni fue otra muestra de lo que era capaz de hacer en pantalla. “La chica de la valija (1960)” de Valerio Zurlini con Jacques Perrin no la acepté tanto. Luego fue muy convincente en “El gatopardo (1963)” de Visconti con Burt Lancaster y Delon, donde el baile de ella con Lancaster, el que cierra el filme es inolvidable. Igual excelencia tuvo en el drama “La novia de Bube (1963)” de Luigi Comencini, la abnegada novia de un joven comunista, llevado a prisión por sus ideas y que ella esperaba su liberación y retorno.

Mucha comedia vino después, algunas entretenidas, hasta que actuó en el recordado Oeste “Hasta que llegó su hora (1968)” de Sergio Leone con Henry Fonda y Charles Bronson, donde Claudia actúa admirablemente.

Entre sus siguientes actuaciones, siempre recordaré el drama “El día de la lechuza (1968)” de Damiano Damián con Franco Nero y Lee J. Cobb, en un ambiente muy siciliano, donde mafia y ley local se dan la mano para hacerle la vida imposible a un agente venido de Roma. El filme de aventura “La tienda roja (1971)” de Mikhail Kalatozishvili con Sean Connery, película de coproducción soviética, donde Claudia interpreta el papel de enfermera, y el drama-filme de guerra “La piel (1981)” de Liliana Cavani, donde de nuevo actúa con Mastroianni y Lancaster, peli basada en la obra de Curzio Malaparte, donde se puede ver lo que era Nápoles al final de la segunda guerra mundial.

Claudia fue participante en filmes de la pantera rosa del director Blake Edwards, en miniseries televisivas como “Jesús de Nazaret (1977)” o “La princesa Daisy (1983)”. También actuó en el drama “El fabuloso mundo del circo (1964)” de Henry Hathaway con John Wayne y Rita Hayworth, luego al lado de Klaus Kinski en el filme de Werner Herzog, “Fitzcarraldo (1982)”.

Fue muy vasta su actividad artística y todo un legado del cine francoitaliano. Siempre será recordada por su excelencia en pantalla y por su innegable belleza. Murió el 24 de septiembre de 2025 en Nemours, Francia.

Grazie mille, Claudia, riposa in pace.

Esteban Hernández
24 septiembre de 2025

“Como director no me gusta ser actor, y
como actor no me gusta ser director.”
Robert Redford

Hay veces que uno escribe con respeto sobre figuras desaparecidas, pero en el caso de Charles Robert Redford Jr. lo hago con tristeza, pues sus pelis, sea como actor o como director, fueron siempre de mi admiración. Redford era el bonitillo, pero sus méritos no fueron porque fuera atractivo, los logró con sus convincentes actuaciones y, no menos, del valor y mensaje de sus filmes dirigidos. Fue galán, pero con excelencia de interpretación, fue gran director con ideas que nada tienen que ver con las retrogradas que tratan de imponerse en su propio país. No me duró nada escribir sobre Redford tan pronto supo de su muerte, así que a sus familiares y amistades cercanas, mis más profundas condolencias.

Redford era nacido el 18 de agosto de 1937 en Santa Mónica, California. En su juventud tuvo que trabajar en varios lugares para poderse procurar dinero para vivir y poder estudiar la interpretación, algo que hizo en París y Florencia durante su primer viaje a Europa. A su regreso a EE. UU. decidió estudiar en la Academia Americana de Arte Dramático, lo que le permitió debutar en Broadway en 1959, y después en una película para la TV, “El repartidor de hielo (1960)” de Sidney Lumet protagonizada por Jason Robards.

Posteriormente apareció en la gran pantalla en el filme antibélico “El que mató por placer (1962)” del director Dennis Sanders, donde también actuó el director Sidney Pollack, muy estrechamente ligado a la vida artística de Redford en lo sucesivo. Posteriormente actuó en:

• Los dramas “La rebelde (1965)” de Robert Mulligan con Natalie Woods y Christopher Plummer,
• “La jauría humana (1966)” de Arthur Penn, con Marlon Brando, Robert Duvall y por primera vez con Jane Fonda, peli en la que interpretó el papel de un preso de familia humilde que escapa de la prisión
• La comedia “Descalzos por el parque (1967)” de Gene Saks con Jane Fonda nuevamente y Charles Boyer
• El oeste “Dos hombres y un destino (1969)” de George Roy Hill con Paul Newman
• El drama “El descenso de la muerte (1969)” de Michael Ritchie con Gene Hackman
• El oeste “El valle del fugitivo (1969)” de Abraham Polonsky con Katharine Ross y Robert Blake

La década de los 70 fue el período más activo de Redford, actuando en interesantes películas, como fueron:

• El oeste “Aventuras de Jeremiah Johnson (1972)” de Sidney Pollack con Will Geer, peli que muestra la vida de un hombre pacífico que pierde su familia a manos de los indios, que Johnson trata de vengar
• El drama “El candidato (1972)”, de Michael Ritchie con Peter Boyle, película que es una caricatura de lo que sucede en las elecciones en Norteamérica
• Redford volvió a coincidir con el director Roy Hill y el actor Paul Newman en otro hit de su carrera, el drama-film de crimen “El golpe (1973)”
• Coprotagonizó con Barbra Streissand el drama “Tal como éramos (1973)” de Sidney Pollack, una peli con muchos matices derivados de la rivalidad política durante la segunda guerra mundial,
• El drama “El gran Gatsby (1974)” de Jack Clayton con Mia Farrow
• El suspense “Tres días del Condor (1975)” de Pollack con Max Von Sydow y Faye Dunaway, filme que mantiene al telespectador en tensión durante todo su desarrollo y se ve el rollo de los servicios de inteligencia
• Los dramas “Todos los hombres del presidente (1976)” de Alan J. Pakula con Dustin Hoffman, excelente peli que muestra a un Redford en tareas de periodista e investigador del famoso escándalo de Watergate
• “El jinete eléctrico (1979)” de Pollack con Jane Fonda nuevamente,
• “Brubaker (1980)” de Stuart Rosenberg con Yaphet Kotto, película que muestra el deplorable regimen carcelario de una prisión en EE. UU

En períodos posteriores, Redford continuó su trabajo de interpretación y debutó como director con el drama “Gente corriente (1980)” con Donald Sutherland. Otro filme dirigido por Redford en el período de los 80 fue el drama-comedia “Un lugar llamado Milagro (1988)” con Rubén Blades y Sonia Braga, trama que se aparta notablemente de los moldes comerciales establecidos en el cine. Entre sus interpretaciones destacadas de los 80 y 90, y en lo sucesivo están:

• Los dramas “El mejor (1984)” de Barry Levinson con Glenn Close, Kim Basinger y Robert Duvall, donde al parecer Redford intentó personificar a un famoso pelotero lanzador y luego, cuando su brazo se afectó, como defensor de los jardines 
• “Africa mía (1985)” de Pollack con Meryl Streep, película filmada en Kenya, un clásico en toda la extensión de la palabra
• El filme de crimen- suspense “Peligrosamente juntos (1986)” de Ivan Reitman con Debra Winger, otra joya para recordar de sus actuaciones
• Los documentales “Yosemite: the fate of heaven” (Yosemite: el destino del paraíso),
• “To protect mother Earth” (Para proteger a la madre Tierra), ambos de 1989,
• “Our biosphere: the Earth in our hands (1991)”, todos ellos de su dirección y referidos a la protección del medio ambiente y la naturaleza
• Los dramas “El río de la vida (1992)” con Craig Sheffer y Brad Pitt,
• “Quiz show: el dilema (1994)” con John Turturro y Ralph Fiennes, el cual ha sido todo un éxito al abordar el asunto de las manipulaciones de los concursos televisivos, relatando un hecho ocurrido en los años 50, en EE. UU,
• “El hombre que susurraba a los caballos (1998)” con Kristin Scott Thomas, filme finamente protagonizado por él
• “La leyenda de Bagger Vance (2000)” con Will Smith y Matt Damon, cuya trama es sobre un jugador de golf, todo éstos de su dirección   

Entre sus últimas interpretaciones están también las de los dramas:

• “Havana (1990)” de Sydney Pollack con Lena Olin
• El mediocre “Propuesta indecente (1993)” de Adrian Lyne con Demi Moore,
• “Intimo y personal (1996)” de Jon Avnet junto a Michelle Pfeiffer, donde ambos interpretan papeles de reporteros y locutores de noticias televisivas,
• “La última fortaleza (2001)” de Rod Lurie con James Gandolfini
• Los filmes de acción o suspenses “Los fisgones (1992)” de Phil Alden Robinson con Sidney Poitier y Jo Marr,
• “Juego de espías (2001)” de Tony Scott con Brad Pitt,
• “La sombra de un secuestro (2004)” de Pieter Jan Brugge con Willem Dafoe
• El drama “Una vida por delante (2005)” de Lasse Hallström con Jennifer Lopez y Morgan Freeman

Redford llegó a poseer su propia compañía de producción fílmica, la “Sundance Film Institute”, que además de la realización de producciones independientes, promovió a nuevos actores y actrices.

Nominado para OSCAR como mejor actor por “El golpe (1973)”, y como mejor director e imagen por “Quiz Show: el dilema (1994)”. Obtuvo OSCAR como mejor director por “Gente corriente (1980)”. En 2002 obtuvo premio honorario a su carrera como director, actor, creador y productor en el mundo del cine.

Nominado para Globo de Oro como mejor director por “El río de la vida (1992)”, “Quiz Show: el dilema (1994)” y “El hombre que susurraba a los caballos (1998)”. Obtuvo este premio como mejor debutante masculino por “La rebelde (1965)” y como mejor director por “Gente corriente (1980)”.  En 1975, 1977 y 1978 obtuvo el premio de Actor Mundial Favorito, y en 1994, el premio Cecil B. DeMille.

Nominado para BAFTA como mejor filme por “El golpe (1973)”, y obtuvo este premio como mejor actor por “El valle del fugitivo (1969)”, “El descenso de la muerte (1969)” y “Dos hombres y un destino (1969)”.

Nominado para DGA como mejor director por “Quiz Show: el dilema (1994)”. Obtuvo igual premio por “Gente corriente (1980)”. Obtuvo premio como mejor director del National Board Review por “Gente corriente (1980)”. En 1970 obtuvo el premio de Hombre del Año del Hasty Pudding Theatricals de EE. UU. En 1996 obtuvo premio SAG por su carrera en el cine. Nominado para premio frambuesa como peor actor por “Propuesta indecente (1993)”.  Redford gustaba de hacer algunas escenas sin necesidad de dobles, pero se aseguraba que a ellos les pagaran y que su actuación en estos casos no los privara de su sustento.

Redford gustaba de hacer algunas escenas sin necesidad de dobles, pero se aseguraba que a ellos les pagaran y que su actuación en estos casos no los privara de su sustento. Actuó en 82 filmes entre 1960 y 2025, productor de 57 y director de diez filmes. Falleció mientras dormía el 16 de septiembre de 2025 en Utah.

Esteban Hernández
16 septiembre 2025

“No hay nada relacionado con la puesta en
escena de una película que una mujer no pueda
hacer con la misma facilidad que un hombre.”
Alice Guy-Blaché

El cine históricamente ha discriminado a las actrices y actores de origen afro, a los homosexuales, estos últimos siempre encubiertos para poder salir adelante, y a las mujeres, las que se les ha visto como inferiores a los hombres en tareas de dirección y otras propias del cine.

Hay una figura femenina que sobresale, la cual se describe a continuación, la que responde al nombre de Alice Guy-Blaché, nacida el 1 de julio de 1873 en Saint-Mandé, Francia, primera directora de cine y pionera como realizadora dentro de los cines americano y francés, reconocida como la primera entre los directores que realizó un filme con un argumento narrativo. Alice estudió taquimecanografía en su juventud y luego comenzó a trabajar en el puesto de secretaria en la Compañía General de Fotografía de Max Richard, empresa adquirida por Leon Gaumont en 1895 y convertida en compañía cinematográfica, donde Alice continuó en sus funciones. Allí pudo presenciar de cerca todos los desarrollos en cine de los hermanos Lumière. La empresa mencionada le permitió usar sus cámaras para que ella realizara su primera peli, “La fée aux choux (1896)” (El hada de los repollos), que mostró las posibilidades de entretenimiento que ofrecía este arte. El éxito de esta peli la llevó a liderar los trabajos de dirección de la compañía Gaumont.

A partir de 1905, Alice decidió extender la duración de sus películas, como sucedió con:

– Los dramas “Esmeralda (1905)”, que lleva el nombre de la gitana heroína en la novela “El jorobado de Nuestra Señora de París” del escritor francés Victor Hugo.
– “La vie du Christ (1906)” (La vida de Cristo) también conocida como “La pasión”.

En el período de 1906 a 1907, dirigió unos 100 cortos acompañados de sonido, donde se utilizaba un cronófono sincronizado con la imagen de la película. En 1907, Alice se casó con el camarógrafo Herbert Blaché, de quien tomó su apellido, ambos marcharon a los EE. UU., donde fundaron su compañía fílmica, Solax, la cual presidió y en la que dirigió más de 40 películas y supervisó un buen número de otras producciones. La Solax dio lugar a otra nueva compañía en 1913, también propiedad de los Blaché, pero que no tuvo el mismo éxito de la anterior. Fue por eso por lo que Alice regresó a Francia en 1922, separada de su esposo, para realizar algunos pequeños trabajos y descubriendo como gran parte de su obra y de sus invenciones habían sido acreditadas a otros directores-hombres.

En 1953, Alice obtuvo el galardón de “Legión de Honor” de parte del gobierno francés en honor a su obra y aportes en el mundo del cine. No hace mucho se descubrió en un cajón de cintas, un filme dirigido por Guy, ““Un tonto y su dinero (1912”, en el que todos sus protagonistas son negros. La realidad es que de su obra poco es lo que existe para ser visto nuevamente, lo que implica una pérdida de un patrimonio del cine de todos los tiempos. Guy regresó a EE. UU. en 1964, donde vivió hasta el final de sus días.

Dirigió 244 películas entre 1896 y 1938, guionista de 12 y productora de 17 filmes. Murió el 24 de marzo de 1968 en Wayne, Nueva Jersey.

Esteban Hernández
9 setiembre 2025

“Una mujer empoderada no es nunca una víctima de la sociedad
patriarcal. Ella reescribe su historia en lugar de quejarse de su situación.”  
Stephanie Licata (consultora de aprendizaje y liderazgo)

El título original del filme es “La nuit du verre d’eau”, la noche del vaso de agua, el que se desarrolla en el Líbano de 1958, coincidente con la caída de la monarquía en Iraq.

Los paisajes que muestra esta peli son típicos del Líbano. La trama se desarrolla en las alturas de este país, donde los terrenos áridos abundan. Sin embargo, el paisaje en la peli no lo es del todo así y tiene partes verdes con arroyos a su alrededor. Las casas en ese entorno son como cabañas, muy parecidas a las que uno puede encontrar en similar hábitat en Chipre.

Allí vive una comunidad de ciudadanos libaneses cristianos y adinerados. No faltan los musulmanes, pero en minoría, y probablemente drusos. La inteligencia artificial me ha ayudado a comprender las diferencias entre musulmanes y drusos, estos últimos no creen en un Dios único y trascendente. Para ellos Dios puede reencarnarse en profetas o personas destacadas como Moisés, Jesús o Mahoma. Ellos creen en la existencia de una fuerza todopoderosa superior, pero no creen en santos.

Interesante que el niño, uno de los protagonistas de la peli, pregunta sobre las diferencias entre cristianos, musulmanes y drusos, a lo que su madre le responde que el problema es complejo en la sociedad libanesa, por lo que trata de evadir la pregunta. El abuelo del niño preconiza la nacionalidad libanesa y no llega a considerarse árabe como tal, aparte de ser muy agresivo con los musulmanes.

El Líbano junto a Siria y Palestina formaban un mismo territorio ocupado por el imperio otomano. Finalizada la primera guerra mundial y con la firma del Tratado de Versalles en 1919, el imperio mencionado desapareció y los territorios árabes ocupados fueron repartidos entre Gran Bretaña y Francia, este último se hizo cardo de Siria y del Líbano. Es por eso por lo que en ambos países se habla el francés, sobre todo por parte de la población cristiana, algo similar a lo que pasaba en la Rusia zarista de principios de siglo XX, la aristocracia hablaba francés entre ellos y el ruso era para dirigirse al pueblo de casta inferior. Los cristianos, una buena parte, sin llegar a ser aristócratas, hablan entre ellos en francés, mientras que el árabe es para usarlo con el resto de la población.   

Sea en uno u otro sector libanés, la sociedad patriarcal está bien establecida y la mujer no es que tenga iguales derechos a los hombres. Eso es precisamente lo que quiso el director libanés Carlos Chahine poner en evidencia, la desigualdad existente, los matrimonios concertados no por amor sino por conveniencia como en las sociedades feudales del pasado. A una mujer puede no gustarle un hombre, pero si su padre decide que tiene que casarse con él, ella prácticamente no puede hacer nada para evitarlo. Ah, Dios te libre que te sorprendan en amoríos con uno de la calle.

De eso trata la peli de forma osada y muestra caso por caso como son las leyes familiares. Es la tragedia de tres hermanas, entre ellas una mujer ya casada, la que rechaza a diario hacer el amor con su marido, mientras sus ojos, sin proponérselo, se le iban al descubrir a un apuesto turista francés aparecido de forma casual. De tanto mirar, la tentación provoca lo normal como Homo sapiens que somos. Eso puede suceder en las sociedades occidentales, donde la mujer es más libre de romper su unión con ese marido e iniciar una vida nueva. En el patriarcado extremo, esa libertad no existe y la mujer puede ser castigada físicamente por el marido sin que intervenga la ley.  La única diferencia es que los musulmanes practican legalmente la poligamia, mientras que los cristianos y los drusos no, pero la mujer en todos los casos carece de libertades.

El otro tema que toca el filme brevemente es el asunto de la homosexualidad, fenómeno del que sufre uno de los sirvientes del padre de las tres hijas. Ese personaje sufre, pero sabe que mientras no sea descubierto estará a salvo y todo el mundo lo verá como un hombre. No obstante, la situación no es la misma para una mujer, por demás, adultera. Tampoco escapa de la visión del espectador la posición del niño, cuyo machismo se va desarrollando sin apartarse de las normas secularmente establecidas.

Hay escenas atrevidas realmente, muy normal para una peli de producción francesa, sin ataduras, mientras que casi todo el reparto, con dos excepciones, es libanés. El protagonismo de la peli recayó en la bella actriz y cantante Marilyne Naaman, mientras que el provocador del adulterio es el actor francés Pierre Rochefort, hijo del actor Jean Rochefort, conocido por su actuación con Jean-Paul Belmondo en Cartouche, y la también actriz-escritora franco-argelina Nicole García. Otras participantes como secundarias en el filme fueron la actriz-directora Joy Hallak, la actriz- y artista de la música libanesa Ruby Ramadan, radicada en París, y Lama Lawand, todas ellas libanesas. Agradable fue ver a la veteranísima actriz francesa Nathalie Baye en el papel de turista y madre de hijo seductor, la que con mucha astucia enseña como ha sido su vida, algo raro a los oídos de las féminas libanesas.

El epílogo de la peli es inesperado, pero sí quieren saberlo, lo mejor que hacen es ver el filme, el cual está disponible en Amazon prime video.

Esteban Hernández
24 mayo 2025

“En Stalingrado la expectativa de vida de
un soldado soviético era de 24 horas.”
Dato proporcionado por Britannica.com

Versiones sobre la cruenta batalla de Stalingrado existen varias, no todas vistas por el que suscribe. Hay una versión de 1993 del director alemán Joseph Vilsmaeier, de la cual no puedo opinar. Hay otra del 2013, producción rusa, del director Fedor Bondarchuk, hijo del famoso actor-director soviético Serguey Bondarchuk, la que tampoco he visto. No obstante, hay otra de producción occidental, “Enemigo a las puertas (2001)” del director Jean-Jacques Annaud, coproducción Francia-EE. UU.-Alemania-Reino Unido-Irlanda, la que me decepcionó. El hecho de no estar Rusia entre los productores del filme puede haber restado información valiosa de lo acaecido.

Siempre hay que poner claro quien es el atacante y quien es el atacado, pero tratar de hacer parecer al atacado como culpable es una forma baja de hacer historia. En este caso, el atacado fue la URSS y la Alemania nazi la atacante. Stalingrado es un símbolo del culto de la personalidad reinante en los años 40 del siglo pasado en la URSS. Stalin vivo y una ciudad a orillas del Volga con su nombre, el que significa Ciudad Stalin (Grad de gorod en ruso, ciudad). Cuando el estalinismo comenzó a criticarse abiertamente en la URSS, una decisión fue cambiar el nombre de la ciudad por el de Volgogrado.

Hitler sabía de la importancia de tomar esta ciudad; era llegar al río Volga y de ahí cruzar para poder alcanzar el territorio asiático de la URSS. Había perdido su intento de ocupar Moscú y mantenía a Leningrado en bloqueo absoluto, pero sin posibilidades de poderla ocupar. Así fue como se decidió a dar el gran golpe, para lo cual movilizó cuanto ejército y armamento fuera necesario. La idea no era realmente de Hitler, era de unos cuantos militares alto de rango, los que lograban siempre seducir a una persona tan acomplejada y, a la vez, autosuficiente como el Führer.

La versión de la peli soviética de 1990, en dos partes, resultó convincente, ya que en la misma aparecía un Stalin autoritario; un Lavrentii Berya, el jefe de la seguridad de la URSS,  intrigante como de costumbre; un Mariscal Zhukov muy decidido en sus acciones, al extremo que provocaba celos de su jefe inmediato, que no era otro que Stalin, alimentado por los chismes de Berya; un Nikita Sergueyvich Jhruschov enviado al campo de batalla como supervisor de esa batalla y resentido en extremo con la actitud de Stalin con su persona. En fin, había mucho de realidad. Tampoco faltaron en pantalla las locuras autoritarias de Hitler, el que no veía otra cosa que ganar a cualquier precio, sin importarle la vida de sus propios soldados.

Es de suponer que el director Yuri Ozerov, el mismo que dirigió el serial “Liberación (1970)”, se haya sentido más libre de caracterizar apropiadamente a sus personajes en este filme. Nada de Stalin precavido, se muestran con claridad las divergencias en los altos mandos, al extremo que Zhukov fue enviado para otro lado, pero no pudo hacerse cargo de la defensa de Stalingrado. La famosa Perestroika estaba en desarrollo cuando se inició el rodaje de la peli y criticarlo todo entonces era permisible.

Hay un incidente poco conocido y es el relativo al hijo de Jrhuschov, Nikolai, el que tenía muy buenas relaciones con Rubén Ibarruri, hijo de Dolores, la famosa Pasionaria. Rubén fue condecorado por sus méritos en la guerra y enviado a Stalingrado a combatir. El hijo de Jrhuschov siempre alardeaba de su buena puntería pistola en manos, al extremo que puso a un compañero con un objeto en su cabeza, se creyó Guillermo Tell. La jugada fue fatal, el disparo dio en la cabeza del joven soldado, el que murió de inmediato. Jhruschov Jr. estaba adolorido por el hecho, del cual Stalin fue informado por parte del sanguinario Berya. La orden fue mandarlo al campo de batalla como soldado raso, nada de encarcelación o proceso judicial, a morir en combate, como así sucedió. Jhruschov padre sabía de lo ocurrido y de la orden de Stalin, pero lejos de reconocer el error estúpido de su hijo, se sintió ofendido una vez más.

La batalla de Stalingrado fue la más cruenta de la segunda guerra mundial, en la que murieron más de dos millones de personas, incluyendo soldados de ambos bandos y civiles soviéticos. La batalla, iniciada el 17 de julio 1942, culminó el 2 de febrero de 1943 con la rendición del ejército alemán. Hitler se opuso a esta capitulación, pero el General alemán Von Paulus no tuvo otra opción y accedió a favor de la vida de sus soldados subordinados. A propósito de este oficial, Hitler le propuso a Stalin un canje, Von Paulus a cambio del hijo del mandamás soviético. La respuesta fue clara: “No canjeamos soldados por generales”.

La peli refleja bien el desastre de la guerra y las dificultades de ambas partes durante el desarrollo de esta para poder triunfar. La URSS sabía que se lo jugaba todo y no escatimó en usar armamentos, otros recursos y fuerza militar para alcanzar la victoria. Algo que se agradece es la ausencia de chovinismo en el relato de esta contienda militar.    

El filme presenta la actuación del hijo de Anastas Mikoyán, ministro de relaciones exteriores de la URSS durante años. Stepan Anastasovitch Mikoyan hace una aparición encarnando el papel de su padre. Mikhail Ulyanov volvió a interpretar el papel de Zhukov, mientras que el de Stalin fue otro actor georgiano, Archil Gomiashvili. El inglés Ronald Lacey fue Winston Churchill; el de Hitler fue interpretado por Achim Petry de Dresden, entonces RDA. Hasta un actor norteamericano, Powers Boothe, interpretó el papel del General Cuikov.

Aconsejo ver este filme para aquellos amantes de la historia y para que puedan observar la conducta de todos esos mandamases autoritarios y engreídos, los que creen saberlo todo, pero que en realidad son a ratos ignorantes. Mal van los países con semejantes gobernantes, peor aún cuando hay un pueblo que los aplaude.

Fuente consultada

IMDB.com https://www.imdb.com/es-es/title/tt0174240/reference/?ref_=fn_all_ttl_3

Wikipedia.org https://es.wikipedia.org/wiki/Enemy_at_the_Gates

Esteban Hernández
23 mayo 2025

“La más importante crítica es el tiempo”
Rouben Mamoulian

Uno de los cineastas que aportó técnicas, además de dirigir películas desde los inicios del cine sonoro, fue Rouben Mamoulian, a quien, no dudo, varios cinéfilos le recuerdan por sus pelis, algunas taquilleras en su momento.

El célebre personaje nació el 8 de octubre de 1897 en Tbilisi (le dicen en español Tiflis), capital de Georgia (Gruzia), entonces territorio del imperio zarista ruso, en el seno de una familia armenia. Su padre, Zakhari Mamoulian era dueño de banco y un conocido filántropo, siempre muy dado a apoyar económicamente a artistas e intelectuales en sus obras. La madre era Virgine Kalantarian, actriz del teatro popular. La opulenta familia opulenta vivía en una casa de tres plantas, la que exhibía una enorme letra M, allí se reunía casi toda la comunidad armenia residente en Tbilisi. Así, el niño Rouben, oyendo a sus familiares y amistades, fue adquiriendo mucho de la cultura de sus ancestros. Rouben tuvo la suerte que su abuela paterna, Ekaterina, le enseñó a leer y a escribir en armenio, ya que en la escuela le enseñaban georgiano y ruso, lenguas muy lejanas del armenio.

Rouben, llegado a su juventud, quiso convertirse en actor y seguir el camino de su madre, pero su padre insistió en que estudiara ingeniería, algo que no se materializó. Finalmente se matriculó para estudiar leyes en la Universidad de Moscú. Fue allí donde vio un anuncio para estudios nocturnos en el teatro artístico de Moscú, con clases impartidas por Evgenii Vakhtanova. Fue un año después que estalló la Revolución de Octubre, por lo que Rouben regresó a Tbilisi, donde se dedicó a actividades de periodismo en ruso y armenio, donde publicaba críticas sobre teatro y algunas otras sobre la realidad nacional, pero bajo el seudónimo de Ruma. Alguna que otra fuente habla del aprendizaje de Rouben en materia teatral con el famoso Stanislavski en Moscú, pero las fuentes rusas consultadas no dan fe de esa enseñanza.  

La hermana de Rouben vivía en Londres, por lo que él decidió visitarla en 1921. En Inglaterra pasó 3 años, primero Londres y luego se trasladó a la antigua ciudad de Rochester del condado de Kent en Inglaterra, no confundir con el Rochester del Estado de Nueva York en los EE. UU. En ese país escribía en un periódico armenio, Oshakan, y dio sus primeros pasos en la dirección teatral. Poco después emigró a los EE. UU., en fecha que no he logrado encontrar. Una fuente afirma que fue cuando tenía 25 años, pero no es fiable, pues entonces Mamoulian habría estado menos de 2 años en Gran Bretaña. Otras citan que llegó en 1927, entonces tenía 30 años. Lo que sí es cierto es que enseguida buscó y encontró trabajo en el mundo teatral de Broadway, Nueva York. Su debut como director fue con una obra basada en la novela “Porgy” escrita por Dubose Heyward, cuya trama aborda las vidas de los negros en el sur de Estados Unidos. El estreno tuvo lugar el 10 de octubre de 1927 y la obra se mantuvo durante 367 funciones, todo un éxito. Previamente, en 1926, había dirigido una peli silente y a color, “The flute of Krishna” (La flauta de Krishna), donde la Eastman Kodak se encargó de la edición.   

El cine sonoro iba acercándose, por lo que los estudios de cine buscaron directores capaces de enseñar a hablar correctamente a las actrices y actores del cine silente. Fue así como la Paramount, entonces radicada en Nueva York, le dio la tarea a Mamoulian de dirigir el filme “Aplauso”, uno de los primeros con sonido y que se estrenó en 1929. El que suscribe vio parte de esta comedia, cuya trama no me atrapó. Sin embargo, si se puede observar tomas de cámara novedosas para aquella época. Lo mismo desde abajo como desde arriba de los protagonistas y resto del reparto. Según se reporta, Mamoulian llegó a combinar tres cámaras y utilizó dos micrófonos a la vez para así poder grabar las voces en escena. También puso una cámara sobre ruedas para así permanecer en constante movimiento, dotando al filme de una dinámica original.

Aunque violaba las leyes neoyorquinas, Mamoulian por primera vez realizó rodaje en exteriores, lo mismo podía ser en un rascacielos, en una estación de metro o de tren o sobre el puente de Brooklyn. Otro aporte importante fue lograr insonorizar al micrófono cuando este estaba en movimiento.

Entre sus mejores pelis bajo su dirección y producción está el filme de terror “El hombre y el monstruo (1931), peli con la cual ganó Oscar el protagonista, Fredrich March, y Mamoulian obtuvo el premio Audiencia en el festival de Venecia. En 1933 dirigió, produjo y fue guionista del drama histórico “La reina Cristina de Suecia”, donde llevó como protagonistas a la pareja de Greta Garbo y John Gilbert, este último con muchas dificultades para adaptarse al cine sonoro. Luego el drama-romance “La feria de la vanidad (1935)”, primera peli sonora a color, en la que Miriam Hopkins, una actriz preferida del director, logró una nominación para Oscar como mejor protagonista. Un año después se estrenó la comedia “El alegre bandolero” protagonizado por Ida Lupino, Nino Martini y Leo Carrillo, por la que Mamoulian recibió el premio de la Crítica del Círculo Neoyorquino. En 1937 combinó la aventura con la música en el filme “La furia del oro negro”, que contó con el protagonismo de Randolph Scott e Irene Dunne. Esta peli versa sobre la locura del descubrimiento y explotación del petróleo en Texas. Otro drama romance fue “Sueño dorado (1939), con el protagonismo de Barbara Stanwyck, el versátil Adolphe Menjou y el entonces joven, William Holden. La trama versaba sobre un pobre italiano que era un virtuoso del violín, pero que a falta de recursos se dedica al boxeo.

La aventura era género del gusto de Mamoulian, por lo que decidió dirigir una nueva versión del Zorro (1940), cuya primera peli era de 1920 protagonizada por Douglas Fairbanks. Esta vez él escogió al joven y atractivo Tyrone Power para interpretar el papel de Don Diego/Zorro, mientras que el villano Esteban Pascual fue Basil Rathbone, actor famoso por sus interpretaciones como Sherlock Holmes. Linda Darnell fue la amada Lolita. Como resultado de este éxito, muy taquillero, Mamoulian repitió con el dúo Power- Darnell, donde agregó a la “perversa” de Rita Hayworth y al “torero” Anthony Quinn en el drama “Sangre y arena (1941)”, cuya trama está basada en la obra homónima del escritor valenciano Vicente Blasco Ibáñez, cuya lectura es muy aconsejable.

Mamoulian incursionó en otros géneros, como fue la comedia-crimen “Anillos en sus dedos (1942)” con el dúo Henry Fonda-Gene Tierney. Inició la dirección del drama-filme negro “Laura (1944)”, que no pudo terminar por divergencia con los estudios y el productor. Su lugar fue ocupado por Otto Preminger. Esta peli fue todo un éxito y protagonizada por la Tierney con Dana Andrews. El musical “Summer holiday (1948)” es de su dirección, en la que se destaca el simpático Mickey Rooney.

El drama “Corazón salvaje (1950)” fue peli famosa con la participación de Jennifer Jones. La misma fue realizada por un trío de directores, entre los cuales Mamoulian realizó algunas tomas durante el rodaje. Un nuevo musical dirigió el experto armenio con protagonismo de Fred Astaire, cuyo título fue “La bella de Moscú (1957)”, al parecer, así rendía memoria a una ciudad en la que vivió y estudió, pero como venía a ser una nueva versión de la peli “Ninotchka (1939)” protagonizada por Greta Garbo, cuya trama giraba alrededor de una agente soviética que había ido a París para supervisar la venta de joyas tomadas de la nobleza rusa allí asentada, Mamoulian se ganó una mala fama como ente antisoviético. En 1959 se estrenó otro musical, “Porgy y Bess”, donde el director acreditado fue Otto Preminger. La peli contó con el protagonismo de destacados artistas afroamericanos como Sidney Poitier, Dorothy Dandridge y Sammy Davis Jr. Por detrás del telón estaba Mamoulian, quien no fue acreditado, pero tuvo labor de dirección, fue él quien dirigió con mucho éxito esta obra en teatro de Broadway en 1927.

Parecido a la anterior peli fue el caso del drama histórico “Cleopatra (1963), donde Joseph L. Mankiewicz aparece como su director, pero él no hizo ese trabajo solo, pues contó con la activa cooperación de Mamoulian. Ese largometraje tuvo a Elizabeth Taylor, Richard Burton y Rex Harrison como protagonistas.

Mamoulian siempre soñó visitar de nuevo a Georgia, Armenia y Moscú, algo que se logró materializar en 1971 y echar a un lado la calificación dada por las autoridades de Moscú como ente antisoviético. A su llegada a la URSS tuvo una buena recepción de otros cineastas locales. Ya tenía una visita planificada y debidamente aprobada. Así pudo visitar exactamente los lugares que deseaba y realmente se entusiasmó, el buen trato no faltó. A su salida, declaró que se llevaba el monte Ararat en su corazón. Mamoulian nunca guardó rencor al régimen que prohibía la exhibición de sus pelis en cine de la URSS.

La esposa de Mamoulian fue Catharine Azadia Newman, con la que se casó en marzo de 1945 y estuvo siempre a su lado hasta su muerte. Lamentablemente la cónyuge sufría de alcoholismo, lo cual le provocaba violencia, al extremo que las mucamas de casa no podían tolerarla. Eso conllevó a que la pareja Mamoulian pasara la mayor parte del tiempo sola y rodeada de sus gatos.

En resumen, dirigió 21 pelis entre 1929 y 1963, fue guionista de 4, y produjo 3. Falleció el 4 de diciembre de 1987 en Woodland Hills, Los Ángeles, California. Fue realmente un experimentador incansable e inteligente, el que dejó un legado en el desarrollo del cine.

Fuentes consultadas

Anon. Рубен Мамулян. IVi.tv, https://www.ivi.tv/person/ruben_mamulyan

IMDB.com. Rouben Mamoulian (1897-1997). https://www.imdb.com/es-es/name/nm0541149/?ref_=nv_sr_srsg_0_tt_2_nm_6_in_0_q_mamoulian

Stepanian Lilit. Рубен Мамулян-крестный отец холливуда (Rouben Mamoulian – El padrino de Hollywood). Armenian National Union. http://novostink.ru/mir/59254-ruben-mamulyan-krestnyy-otec-gollivuda.html

Zatiakian Magdalina. 2022. Рубен Мамулян: творец и Армянин (Ruben Mamoulian-creador y armenio). Голос армении 4 abril. https://golosarmenii.am/article/145928/ruben-mamulyan-tvorec-i-armyanin

Esteban Hernández
21 mayo 2025

“Nunca pienses que la guerra, por necesaria
o justificada que sea, no es un crimen.”
Ernest Hemingway

Se trata de un serial visto anteriormente en cine en Cuba en dos partes, cuando en realidad son cinco episodios, cada uno de más de una hora y media de duración. El material fílmico cubre la historia de la llamada Guerra Patria, ocurrida en el marco de la segunda guerra mundial entre 1941 y 1945, o sea la guerra entre la URSS y la Alemania nazi.

Es natural que se haya hecho con una visión muy soviética, la que presenta a un Stalin mesurado y enérgico en los momentos decisivos. No obstante, no deja de tener valor histórico por la información que se brinda de los combates cruciales en Stalingrado, luego la batalla del llamado arco de Kursk, la ofensiva final que expulsó a los nazis del territorio soviético, la entrada de los aliados en la guerra con su invasión en Francia en 1944 y otros detalles interesantes.

Occidente era consciente de la masacre hitleriana y del carácter invasor del régimen nazi en Alemania. Stalin, algo que no se muestra en el serial, había mandado a su ministro de relaciones exteriores, Molotov, a concluir un acuerdo secreto de no agresión con Ribbentrop, el cual se firmó el 23 de agosto de 1939, y en 1941 Hitler lo echó en el retrete. Stalin pensó que podía repartirse Europa oriental con Hitler, pero el tiro le salió por la culata. Para colmo, el mandamás soviético no hizo caso de la información detallada que le pasaban sus agentes de inteligencia en el exterior. A partir de ahí se inició una guerra bestial, la cual es bastante ilustrada en el serial, disponible en YouTube, y para los que no entienden ruso, subtitulado en español.

Yuri Ozerov es el director de este material, el que contó con el protagonismo de Nikolai Olyalin en el papel del oficial Serguei Tsvetaev. Larisa Golubkina como Zoya, la enfermera y novia de Serguei; el experimentado y, a entender del que suscribe, uno de los mejores actores de la cinematografía soviética, Mikhail Ulianov como el Mariscal Georgui Zhukov, el estratega principal de la contraofensiva soviética. El georgiano Buruthi Zakariadze encarnó a la figura de Stalin. Uno que me llamó mucho la atención fue el actor alemán Fritz Diez como Hitler, papel que interpretó magistralmente. No faltaron otros actores, varios extranjeros, que interpretaron papeles de otros grandes oficiales y de políticos como Franklyn D. Roosevelt y Winston Churchill.

Se puede decir que el reparto, fotografía y montaje del serial estuvieron al más alto nivel. El contenido, con su censura histórica a conveniencia, fue bastante aceptable. Cada vencedor escribe la historia a su gusto, donde hay muchas verdades, pero también omisiones.

El primer episodio se llamó прорыв (ruptura) y aborda la agresión nazi y su avance en el territorio soviético; el segundo Огненная выпуклость (Saco de fuego); el tercero fue Oгненная дуга (Arco de fuego), donde se aprecia el inicio y final de la contraofensiva en la URSS ocupada por los nazis; el cuarto, битва за берлин (La batalla por Berlín), cuyo título lo dice todo, y el quinto Последний штурм (El último asalto).

El serial relata los resultados de las conferencias entre los aliados en Teherán y en Yalta. En esta última Stalin presentó a su contraparte americana y británica evidencias de la inteligencia soviética de como Allen Dulles, representante de la Oficina de Servicios Estratégicos (OSS) en Berna, había establecido diálogo con un enviado de Heinrich Himmler, en el marco de la Operación Sunrise, la que trataba de lograr una rendición separada de las fuerzas alemanas en Italia a los aliados occidentales, pero no así a la parte soviética en Europa central y oriental. Stalin mostró fotos de los protagonistas de estas conversaciones a Roosevelt y a Churchill, los que optaron por callar y no responder. Churchill era partidario de una invasión a los Balcanes y no a Francia. Su idea era cortar el avance soviético por ese territorio europeo, pero habría costado mucho más dinero y vidas de soldados. El juego geopolítico de las potencias era evidente en esas escenas. Los vencedores al final tuvieron bastante responsabilidad en todo lo que ocurrió y permitieron que Hitler hiciera y deshiciera desde 1939.

La plana mayor de la URSS, excepto Jhruschov, siempre fue del criterio que Stalin había sido el gran estratega en la victoria final. Viendo el serial, uno puede concluir que el cerebro militar fue Zhukov y no Stalin.

¿Qué se ve con nitidez? los alemanes pelearon a morir por su líder, el criminal y anormal de Adolfo Hitler. No se engañen, pelearon hasta que los aplastaron en Berlín. Para Hitler, escondido en su bunker, al lado de su compañera Eva Braun, con la que se casó poco antes del epílogo bélico, había que resistir hasta el final, incluso ordenó abrir las esclusas y arrojar toda el agua en el metro de Berlín, sin importarle la vida de los miles de alemanes allí refugiados, entre ellos niños, mujeres y ancianos. Detrás de este ogro sin sentido, estaba el cerebro motor del régimen, más monstruo que su jefe, Paul Joseph Goebbels, bestia que no dudó en inyectar a sus hijos para que pasaran a mejor vida y luego suicidarse junto a su esposa.

La batalla final por Berlín fue bestial, muchas vidas soviéticas y alemanas cayeron en ese asalto final, tampoco faltaron soldados polacos, cuya infantería participó en este asalto final. La parte nazi buscó la forma de capitular, pero con condiciones, algo inadmisible, lo que las fuerzas soviéticas no aceptaron. Capitulación y nada de pedir descuento, ese fue el mensaje de Zhukov, muy lógico. Después de perder 20 millones de vidas en guerra, no era para cederle misericordia alguna a los agresores nazis.

Así quien quiera conocer algo de historia le invito a ver este serial, creo que no lo decepcionará. Hay hechos que los filmes occidentales bélicos no revelan, pero que aquí se ven. Hay escenas de guerra, y también de la toma de decisiones de los agresores y los aliados.

Esteban Hernández
7 mayo 2025

“De pequeño, ser gay, ser afeminado o algo por el
estilo estaba prohibido. Me detestaba profundamente y
temía intensamente de esa parte de mi persona, así que
tuve que ocultarla y convertirme en el
 “Richard perfecto, el típico chico americano”.
Richard Chamberlain

Hablemos ahora de un reconocido actor estadounidense, nacido el 31 de marzo de 1934 en Beverly Hills, California, cuyo nombre completo es George Richard Chamberlain, el que debutó en cine en un episodio del serial televisivo de Alfred Hitchcock en 1959. Se mantuvo participando en seriales hasta 1961 cuando actuó en papel de reparto del Oeste “Fort Comanche” de Joseph M. Newman. En 1963 protagonizó el filme de crimen “Acusación de asesinato” de Boris Sagal, pero previamente, ya desde 1961 había comenzado a interpretar el papel del Dr. James Kildare en un serial que constó de 191 capítulos hasta 1966. Nunca vi este serial, así que no puedo comentar sobre el mismo, excepto hacer saber que Dr. Kildare le dio la fama inicial como eficiente actor en este tipo de filmes televisivos.

Continuó actuando en otros seriales, a la vez que aparecía en papel de reparto del drama “El asesinato de Julio César (1970)” de Stuart Burge e interpretaba el papel del famoso músico Tchaikosvky en “La pasión de vivir (1971)” de Ken Russell. Chamberlain apareció igualmente en papel de reparto del filme “El coloso en llamas (1974)” de John Guillermin, que fuera protagonizado por Paul Newman y Steve McQueen.

En ese período le dio por protagonizar filmes basados en obras del escritor Alejandro Dumas, en varios como Aramis el de los tres mosqueteros en “Los tres mosqueteros: los diamantes de la reina (1973)”, “Los cuatro mosqueteros: la venganza de Milady (1974)” y “El regreso de los mosqueteros (1989)”, todos dirigidos por Richard Lester. También fue Edmundo Dantes en “El conde de Montecristo (1975)” de David Greene, y el doble papel de Philippe y Louis en “La máscara de hierro (1977)” de Mike Newell. En papel de reparto igualmente apareció en la peli de terror “El enjambre (1978)” de Irwin Allen, donde compartió faenas con estelares como Michael Caine, Katharine Russ, Richard Widmark, Olivia de Havilland, José Ferrer, Henry Fonda, Lee Grant y Fred MacMurray entre otros.

Los cubanos de la generación de los 60-80 recuerdan bien el serial de cinco episodios “Shogun (1980)”, el que fuera protagonizado por Chamberlain y contara con la actuación estelar de Toshiro Mifune. Luego llegó “El pájaro espino (1983)”, serial de cuatro episodios, en los que Chamberlain interpreta el papel del cura Ralph de Bricassart, el que mantenía una relación amorosa secreta. Hay quien opina que ese papel reflejaba algo de lo que al actor le atormentaba en su vida personal.  

Dio vida al papel del explorador Allan Quatermain en la adaptación del filme de aventuras “Las minas del rey Salomón (1985)” de J. Lee Thompson con Sharon Stone. La primera versión vista por el que suscribe era de 1950 con el protagonismo de Stewart Granger y Deborah Kerr. Chamberlain volvió a encarnar a Quatermain en el filme “Allan Quatermain y la ciudad perdida del oro (1986)” dirigido por Gary Nelson y con Sharon Stone nuevamente como coprotagonista.

El temible Jason Bourne, personaje luego representado por Matt Damon en varios filmes, lo interpretó Chamberlain en la miniserie de dos capítulos, “La identidad de Bourne (1988)”.

En 1996 volvió a aparecer como el cura Ralph de Bricassart en la peli “El pájaro espino: los años perdidos” de Kevin James Dobson. En esta versión no aparecieron la entonces desaparecida Barbara Stanwyck, tampoco Rachel Ward y Jean Simmons. En lo sucesivo, continuó actuando en miniseries y algunos filmes.

Chamberlain obtuvo varios premios Emmy, así como Globos de Oro por sus actuaciones en Shogun y el Pájaro Espino, además de tres nominaciones, una de ellas por su interpretación como Jason Bourne.

Fue todo un galán en la pantalla, muy parecido al desaparecido Rock Hudson, ambos interpretando papeles muy varoniles, pero las apariencias engañan y el propio Chamberlain reconoció su homosexualidad en su autobiografía “Shattered love (Amor destrozado, 1983)”.  

En resumen, actuó en 86 filmes entre 1959 y 2019, y productor de uno. Falleció el 29 de marzo de 2025 en Waimanalo, Oahu, Hawái, Estados Unidos a causa de complicaciones tras un derrame cerebral.

Fuentes consultadas

IMDB.com. https://www.imdb.com/es-es/name/nm0000328/?ref_=nv_sr_srsg_0_tt_0_nm_8_in_0_q_richard%2520cha

Tejada Sara. 2025. Richard Chamberlain no fue capaz de hablar de su sexualidad hasta los 70 años: «estaba prohibido». ElEconomista.es. https://www.eleconomista.es/informalia/famosos/noticias/13294235/03/25/richard-chamberlain-no-fue-capaz-de-hablar-de-su-sexualidad-hasta-los-70-anos-estaba-prohibido.html

“Me formé para ser actor y no una estrella.
Me formé para interpretar papeles,
pero no para tratar con la fama,
los agentes, los abogados y la prensa.”
Gene Hackman

El 26 de febrero de 2025 Gene Hackaman fue encontrado muerto junto a su esposa. Raro suceso, del cual se hablará al final de este artículo. Es preferible hablar inicialmente de sus logros como actor en Hollywood, uno de los más laboriosos durante la segunda mitad del siglo XX, cuya versatilidad le permitió interpretar distintos papeles en la gran pantalla, lo mismo el de una persona degenerada o criminal, un oficial del ejército, un policía eficiente, un vaquero o científico malvado, en fin, lo que se hubiera propuesto, hecho admirablemente. Eugene Allen Hackman nació el 30 de enero de 1930 en San Bernardino, California, hijo de un operador de imprenta de diarios. En su juventud, sirvió en la marina de su país. Una vez liberado de este servicio, se trasladó a Nueva York, donde realizó distintos trabajos, hasta estudió periodismo y producción televisiva en la Universidad de Illinois. Luego se decidió por la interpretación, para lo cual cursó estudios en la Pasadena Playhouse de California, donde coincidió con el estelar Dustin Hoffman como compañeros de estudios. Terminada esta formación Hackman partió para Nueva York a fin de actuar en Broadway.

Aunque ya había actuado como extra en el filme “Mad dog coll (1961)” (Perro rabioso), su debut real en la gran pantalla ocurrió en el drama “Lilith (1964)” de Robert Rossen con Warren Beatty y Jean Seberg. Luego volvió a actuar en otro drama, “Hawaii (1966)” de George Roy Hill con Max Von Sydow, Julie Andrews y Richard Harris, al que le siguieron papeles de reparto:

• Del drama-filme de crimen “Bonnie y Clyde (1967)” de Arthur Penn con Faye Dunaway y Warren Beatty, donde Hackman es más villano que el mismo Clyde (Beatty)
• De los dramas “Los temerarios del aire (1969)” de John Frankenheimer con Burt Lancaster y Deborah Kerr, con un papel modesto, pero bien interpretado
• “El descenso de la muerte (1969)” de Michael Ritchie con Robert Redford

En la década de los 70:

• Protagonizó los dramas “Nunca canté para mi padre (1971)” de Gilbert Cates con Melvyn Douglas,
• “Caza implacable (1971)” de Don Medford con Oliver Reed y Candice Bergen
• Su primer gran éxito, en el filme de crimen “Contra el imperio de la droga (1971)” de William Friedkin con Roy Scheider y Fernando Rey. Fue aquí, que le conocí y me resultó algo perverso en la escena que él le dice a Scheider de nunca confiar en un negro.
• Los filmes de acción “La aventura de Poseidón (1972)” de Ronald Neame con Ernest Borgnine,
• “Carne viva (1972)” de Ritchie con Lee Marvin
• El drama “Espantapájaros (1973)” de Jerry Schatzberg con Al Pacino
• El filme de misterio- crimen “La conversación (1974)” de Francis Ford Coppola con John Cazale
• La segunda parte de “Contra el imperio de la droga (1975)” de John Frankenheimer con Fernando Rey. Esta vez Scheider estuvo ausente.
• El oeste “Muerde la bala (1975)” de Richard Brooks con Candice Bergen
• El suspense “La noche se mueve (1975)” de Arthur Penn con Jennifer Warren
• La comedia “Los aventureros del Lucky Lady (1975)” de Stanley Donen con Liza Minnelli y Burt Reynolds
• El suspense “De presidio a primera página (1977)” de Stanley Kramer con Richard Widmark, Mickey Rooney y la Bergen nuevamente
• La comedia-filme de guerra “Marchar o morir (1977)” de Dick Richards con Terence Hill, Catherine Deneuve y Max Von Sydow
• El clásico de acción “Superman (1978)” de Richard Donner con Christopher Reeve y “Superman II (1980)” de Richard Lester, donde Hackman interpreta el papel del malvado Luthor

Durante la década de los 80:

• Protagonizó la comedia “All night long (1981)” (A lo largo de la noche) de Jean-Claude Tremont con Barbra Streisand y Diane Ladd
• En un papel modesto del drama “Rojos (1981)” dirigida y protagonizada por Warren Beatty
• En el papel de corresponsal de guerra en el drama “Bajo el fuego (1983)” de Roger Spottiswoode con Nick Nolte y Ed Harris
• El filme de acción “Más allá del valor (1983)” de Ted Kotcheff con Robert Stack
• “La vida puede continuar (1985)” de Bud Yorkin con Ann-Margret y Ellen Burstyn, drama que aborda la vida de un marido cansado y aburrido de su matrimonio
• El filme de acción “Agente doble en Berlín (1985)” de Arthur Penn con Matt Dillon
• El drama “Hoosiers: más que ídolos (1986)” de David Anspaugh, donde interpretó el papel de entrenador de baloncesto de una escuela
• El suspense “No hay salida (1987)” de Roger Donaldson con Kevin Costner, donde Hackman encarna al secretario de defensa de los EE. UU.
• Los dramas “Otra mujer (1988)” de Woody Allen con Mia Farrow,
• “Bat *21 (1988)” de Peter Markle con Danny Glover,
• “Luna llena en agua azul (1988)” de Peter Masterson con Teri Garr,
• “Arde Mississippi (1988)” de Alan Parker con Willem Dafoe, con estupenda interpretación de Hackman como policía que se enfrenta a la despiadada discriminación de los negros en una zona del sur de los EE. UU. Si le vi perverso en “Contra el imperio de la droga”, aquí fue todo lo opuesto, como hombre duro al servicio de la ley federal.
• El suspense “A la caza del lobo rojo (1989)” de Andrew Davis con Tommy Lee Jones
• Las comedias “Un tiro por la culata (1989)” de Bob Clark con Dan Aykroyd,
• “Postales desde el filo (1990)” de Mike Nichols con Meryl Streep y Shirley MacLaine

En la década de los años 90, a pesar de ciertos problemas de salud, actuó en:

• El drama “Acción judicial (1991)” de Michael Apted
• El oeste “Sin perdón (1992)” dirigida y protagonizada por Clint Eastwood, donde Hackman encarna magistralmente el papel del villano de la película
• El suspense “La tapadera (1993)” de Sydney Pollack con Tom Cruise
• Los oestes “Gerónimo: la leyenda (1993)” de Walter Hill con Robert Duvall,
• “Wyatt Earp (1994)” de Lawrence Kasdan con Costner una vez más
• El filme de acción “Marea roja (1995)” de Tony Scott con Denzel Washington
• La comedia “Una jaula de grillos (1996)” de Mike Nichols con Robin Williams
• La peli de crimen “Al cruzar el límite (1996)” de Michael Apted con Hugh Grant, donde su interpretación la considero una de las mejores que haya visto de su parte.
• El suspense “Poder absoluto (1997)” de nuevo bajo la guía y compañía de Clint Eastwood
• El drama “Al caer el sol (1998)” de Robert Benton con Paul Newman y Susan Sarandon,
• La peli de crimen-drama “Bajo sospecha (2000)” de Stephen Hopkins con Morgan Freeman

Entre sus últimas actuaciones están:

• Las comedias “The Mexican (2001)” de Gore Verbinski con Brad Pitt y Julia Roberts, 
• “Los Tenenbaums, una familia de genios (2001)” de Wes Anderson con Anjelica Huston
• El filme bélico “Tras la línea enemiga (2001)” de John Moore con Owen Wilson
• El drama-suspense “El jurado (2003)” de Gary Fleder con John Cusack

Nominado para OSCAR como mejor actor de reparto por “Bonnie y Clyde (1967)”, “Nunca canté para mi padre (1970)”, y como mejor actor por “Arde Mississippi (1988)”. Obtuvo OSCAR como mejor actor por “The French connection: contra el imperio de la droga (1971)”, y como mejor actor de reparto por “Sin perdón (1992)”.

Nominado para Globo de Oro como mejor actor por “La conversación (1974)”, “The French connection II (1975)”, “Dos veces en la vida (1985)” y “Arde Mississippi (1988)”. Obtuvo Globo de Oro como mejor actor en drama por “The French connection: contra el imperio de la droga (1971)”, como mejor actor en comedia/musical por “Los Tenenbaums, una familia de genios (2001)”, y como mejor actor de reparto por “Sin perdón (1992)”. Obtuvo el premio AFI como mejor actor del año por “Los Tenenbaums, una familia de genios (2001)”. Nominado para Satélite de Oro como mejor actor en comedia/musical por “Una jaula de grillos (1996)” y “Los Tenenbaums, una familia de genios (2001)” y “Arde Mississippi (1988)”.

Obtuvo premios del National Board Review de EE.UU. como mejor actor por “The French connection: contra el imperio de la droga (1971)”, “La conversación (1974)”. Obtuvo premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine de EE.UU. como mejor actor por “Los Tenenbaums, una familia de genios (2001)”, y como mejor actor de reparto por “Bonnie y Clyde (1967)” y “Sin perdón (1992)”.  Obtuvo premio de la Sociedad de Críticos de cine de Los Angeles como mejor actor de reparto por “Sin perdón (1992)” y de la Sociedad similar de Nueva York por este mismo film y como mejor actor por “The French connection: contra el imperio de la droga (1971)”. En 1996 fue nominado para la Manzana de Oro como la estrella masculina del año.

Nominado para premio BAFTA como mejor actor por “La noche se mueve (1975)”, “The French connection II (1975)” y “Superman (1978)”. Obtuvo este premio como mejor actor por “The French connection: contra el imperio de la droga (1971)”, “La aventura de Poseidón (1972)”, y como mejor actor de reparto por “Sin perdón (1992)”. 

Obtuvo el Oso de Plata del Festival de Berlin como mejor actor por “Arde Mississippi (1988)”.

Hackman declaró en 2008 su retiro definitivo del cine. En el período entre 1961 y 2004, actuó en 100 filmes, y productor de uno.

Su muerte ocurrida en su casa en Santa Fe, Nuevo México, es un misterio hasta ahora. Las investigaciones realizadas indican que su esposa, la hawaiana, Betsy Arakawa, con la que había contraído matrimonio en 1991, aparecía como muerta horas antes que Hackman. Un perro pastor alemán de su propiedad estaba muerto con la pareja. Igualmente se encontraron píldoras en el hogar de ambos. Ninguno de los cuerpos registraba heridas o daños corporales. Se puede intuir envenenamiento voluntario o inducido por Hackman o por su cónyuge, sea como sea, habrá misterio para un tiempo.

Esteban Hernández
28 febrero 2025

“No puedo pensar que Dios piense que nosotros somos
unos inútiles a no ser que no nos haya creado como tal.
Hay un buen Dios mirándonos a todos allá abajo. Somos
hijos de un mismo Dios. El sol, la oscuridad, los vientos
escuchan todo lo que tenemos qué decir.”
Gerónimo

Con anterioridad se publicó una lista de pelis, donde los indios norteamericanos eran estigmatizados y presentados como salvajes y criminales. La industria cinematográfica ha ido cambiando y ya ese enfoque va quedando algo atrás, aunque no pensemos que ese cine nocivo haya desaparecido. No hace mucho vi una peliculita, se llama “La odisea de los pioneros” (Alone not yet alone) de 2013, el cual mostraba a una población india asentada en el área de Pensilvania, que poco faltaba para que se parecieran a la Gestapo. Por suerte, esa cosa tuvo una calificación por debajo de 5 y demuestra que los críticos de cine ya no asimilan esas invenciones. Los indios del hemisferio occidental son seres humanos con virtudes y defectos, probablemente más de lo primero que de lo segundo, pues sus tradiciones siempre han sido más sanas.

En esta entrega aparece una modesta lista de pelis, donde se les hace justicia a la personalidad de los indios y cómo los colonialistas los maltrataron, asesinaron y luego los llevaron a reservas, no muy lejanas en sus condiciones de los conocidos campos de concentración en Europa.  

Paz rota (1952) de George Sherman con John Lund y Jeff Chandler. Sinopsis: un ataque indio a una caravana pone en peligro el tratado de paz alcanzado por Cochise (Chandler) y el gobierno de EE. UU. Al final se descubre que es el propio consejero del gobierno, un hombre ambicioso, el que quiere romper el tratado de paz.

El salvaje (1952) de George Marshall con Charlton Heston y Susan Morrow, Sinopsis: Un joven blanco es rescatado y criado entre los indios sioux. Ya adulto su corazón se ve dividido entre la lealtad que debe a los que han cuidado de él desde niño, y lo que se supone debería ser su opción racial, los blancos. Especialmente cuando la débil tregua con los pieles rojas está a punto de venirse abajo.

Traición en Fort King (1953) de Bud Botticher con Rock Hudson, Barbara Hale y Anthony Quinn. Sinopsis:  Peli en la que un oficial recién graduado se opone a la maldad de un jefe de fuerte, el que desea acabar con los seminolas a cualquier precio.

Toro sentado (1954) de Sidney Salkow con Dale Robertson y Mary Murphy. Sinopsis: Un oficial de caballería simpatizante con los sioux logra organizar una reunión entre el jefe Toro Sentado y el presidente Grant para una paz, las que se descarrillan parcialmente debido a la deshonestidad de un racista como el general Custer.

Horizontes azules (1955) de Rudolph Maté con Fred MacMurray y Charlton Heston. Sinopsis: Oeste basado en hechos reales, sobre la expedición comandada por el capitán Meriwether Lewis, con su amigo William Clark, por órdenes del presidente Thomas Jefferson. Se trata de explorar los recién adquiridos territorios de Luisiana. En la travesía surgen diferencias por asuntos de amor. Entran en contacto con los indios shoshones, que les ayudan frente a los minnetarees, ocasión en la que Clark se enamora de la nativa, Sacajawea.

Un hombre (1967) de Martin Ritt con Paul Newman y Fredric March. Sinopsis: John Russell, despreciado por sus «respetables» compañeros de viaje de la diligencia porque fue criado por apaches, se convierte en su única esperanza de supervivencia cuando son atacados por forajidos.

Pequeño gran hombre (1970) de Arthur Penn con Dustin Hoffman y Faye Dunaway. Sinopsis: historia de un hombre blanco criado dentro de una tribu india cheyenne, el que relata las falsedades contadas sobre la supuesta maldad de los indios y cómo el General Custer exterminó a una población inocente de ancianos, mujeres y niños cherokees, la que él presenció y le obligó a atacar a los soldados, por lo que fue perseguido y logró esconderse a un bosque cercano.

Soldado azul (1970) de Ralph Nelson con Candice Bergen y Peter Strauss. Sinopsis: una mujer y un soldado presencian como el coronel Iverson y su tropa masacran un poblado cheyenne de Sand Creek, en el que mueren hombres, mujeres y niños son masacrados y que además había hecho antes las paces con los Estados Unidos. Iverson se enorgullece de su miserable hazaña, mientras que el soldado es arrestado por haber tratado de evitar lo ocurrido. Como buena historia de Hollywood, más vale creerla. Al final el criminal Iverson es enjuiciado, condenado a muerte y ejecutado por lo que hizo.  

Chato, el apache (1972) de Michael Winner con Charles Bronson y Jack Palance. Sinopsis: la peli muestra como es tratado un indio cuando entra en un bar a tomar un trago, algo poco creíble. Lo maltratan de palabra y luego intentan dañarlo físicamente, pero la respuesta del indio es consecuente. A partir de ahí se inicia una inútil caza del indio Chato, la que termina mal para todos los cazadores blancos. Un poco de ficción, pero realidad sobre el maltrato a todo aquel que no fuera blanco.

Buffalo Bill y los indios (1976) de Robert Altman con Paul Newman, Geraldine Chaplin, Joel Grey y Burt Lancaster. Sinopsis: Un cínico Buffalo Bill contrata a Toro Sentado para explotarlo y añadir credibilidad a la visión distorsionada de la historia presentada en su Wild West Show.

Bailando con lobos (1990) dirigida y protagonizada por Kevin Costner con Mary McDonell. Sinopsis: la vida de un oficial, que logra conocer de la vida de los Sioux y se hace un replanteamiento en su vida, retirándose de la vida civil anterior y estableciéndose con su pareja, criada por los Sioux en un mundo sano y alejado de eso que mal llaman civilización.

Gerónimo, una leyenda (1993) de Walter Hill con Jason Patric, Gene Hackman y Robert Duvall. Sinopsis: un intento por aclarar parte de la biografía del jefe indio, quien luchó por los derechos de su tribu.

Entierra mi corazón en Wounded Knee (2007) de Yves Simoneau con Aidan Quinn, Anna Paquin y Adam Beach. Sinopsis de Filmaffinity: relato épico sobre los últimos tiempos de los indios como pobladores autóctonos de Norteamérica. Todo comienza tras la victoria sioux sobre el general Custer en Little Big Horn. La historia sigue a tres personajes: Charles Eastman (Adam Beach), né Ohiyesa, un joven médico sioux educado en Dartmouth que es el paradigma de la integración; Toro Sentado (August Schellenberg), el orgulloso jefe de Lakota que se niega a someterse a los EE. UU. y a sus políticas diseñadas para despojar a su pueblo de su identidad, su dignidad y su tierra sagrada; y el senador Henry Dawes (Aidan Quinn), uno de los arquitectos de la política gubernamental sobre asuntos indígenas. Mientras Eastman y la maestra patricia Elaine Goodale (Anna Paquin) trabajan para mejorar la vida de los sioux en la reserva, el senador Dawes presiona al presidente Grant (Thompson) para que los nativos reciban un trato más humano, oponiéndose a la postura belicosa del general William Tecumseh Sherman (Feore). La esperanza aumenta para los sioux en la forma del profeta Wovoka (Studi) y la Danza de los fantasmas, un movimiento mesiánico que promete el fin de su sufrimiento bajo el hombre blanco. Pero esta esperanza desaparecerá después de la muerte de Toro Sentado y la masacre de cientos de hombres, mujeres y niños Lakota por parte del Séptimo de Caballería en Wounded Knee Creek el 29 de diciembre de 1890. El libro es fenomenal, se los recomiendo

Esteban Hernández
23 febrero 2025

“Cuando tengas dudas, quédate quieto y
espera; cuando la duda ya no exista,
entonces sigue adelante con valentía.”
Águila Blanca, jefe de la tribu Ponca

El cine de Hollywood en sus primeros tiempos fue realmente supremacista blanco. Basta ver el respeto cuando se comenta la peli “El orgullo de una nación (1915)” del tan ponderado director D.W.  Griffith, la que muestra a los negros como ignorantes, solo aptos para la diversión y el sexo, algo en lo que los blancos no incurren, pero en otro momento hablaré de la discriminación a la población afroamericana en este cine. Esta vez la referencia es sobre la poca indulgencia con los verdaderos norteamericanos, las distintas etnias indígenas, por parte de la filmografía hollywoodense en las primeras décadas del cine hasta los 60. Los indios eran entonces eran mostrados en pantalla como salvajes, asesinos y sádicos con la población blanca.

Mucho ha cambiado en estos últimos cincuenta años, ya Hollywood no es el mundo de gente con ideas como las de actores como John Wayne, Gary Cooper, Clark Gable, Ward Bond y otros más, o de directores como el mencionado D.W. Griffith y Cecil B. DeMille entre otros. Algunos como Wayne y Bond no dejaron de manifestar sus simpatías por ideas neonazis. Quedan algunos pocos, pero afortunadamente ahora son minoría. Duela a quien le duela, Hollywood es otra cosa en la actualidad.

Hubo actores muy consecuentes con la causa de los indios de su país. Uno de ellos fue Paul Newman, probablemente el actor más progre de su época, otro tanto con Marlon Brando, el que no aceptó premio Oscar en protesta por la historia fílmica ofensiva e injusta de Hollywood con los indios. Hay otros más. Probablemente el género del Oeste haya caído en desgracia cuando ya muchas actrices y actores no aceptaran actuar en tales filmes. Uno puede observar que los Oestes ahora van más a presentar la maldad de los blancos en sus actos de colonizar nuevas tierras y sus conflictos, y tratan hasta cierto punto de evitar el tema indio.

Pero lo hecho, hecho está, y aquí les doy una muestra de esas pelis, unas presentando al indio como el diablo mismo, algunas engañosas, las que le pasan la mano al indio, pero al final terminan matándolo o convirtiéndolo en criminal.

El famoso John Ford era muy dado a dirigir este tipo de filmes, mientras que John Wayne, Charlton Heston y Ward Bond, entre una extensa lista, eran de los que gustaban protagonizar esas carnicerías.

La Diligencia (1939) de John Ford con John Wayne, Claire Trevor, John Carradine y Thomas Mitchell. Sinopsis: Una diligencia se ve acosada y atacada continuamente por los indios bajo el mando de Gerónimo. Wayne y Carradine no se cansan de matar indios a lo largo del filme luego premiado.

Murieron con las botas puestas (1941) de Raoul Walsh con Errol Flynn y Olivia de Havilland. Sinopsis: filme que trata de exaltar la figura del carnicero de indios, George Armstrong Custer, papel interpretado por Flynn. En la peli Custer muere al final en Little Big Horn, pero como todo un “héroe”, de ahí el título que Walsh le dio al filme.

Los inconquistables (1947) de Cecil B. DeMille con Gary Cooper y Paulette Godard. Sinopsis: una mujer condenada a muerte por un tribunal británico, a la que ofrecen conmutar la pena a cambio de ser sirvienta en América. Hay una competición por comprarla entre el capitán Christopher Holden (Cooper) y Martin Garth (Howard Da Silva), la cual Holden gana, pero es solo para liberarla. Luego el “héroe” Holden se ve en batallas contra los verdaderos norteamericanos, los indígenas, para conquistar las tierras que no les pertenecen.

Fort Apache (1948) de John Ford con John Wayne, Henry Fonda, Shirley Temple y Ward Bond. Sinopsis: un enredo entre un oficial joven y otros experimentados, donde de por medio se insertan escenas de batallas bestiales entre indios y el ejército regular.

La Legión Invencible (1949) de John Ford con John Wayne, Joanne Dru y Ben Johnson. Sinopsis: El capitán Nathan Brittles, en vísperas de su retiro, organiza una última patrulla para detener un inminente ataque indio masivo. Abrumado por mujeres que deben ser evacuadas, Brittles ve su misión en peligro.

Entre dos juramentos (1950) de Robert Wise con Joseph Cotten, Linda Darnell y Jeff Chandler. Sinopsis: Alrededor de 1864, el mayor Henry Kenniston (Chandler) es un oficial de la caballería de los Estados Unidos que odia por igual a los indios y a los confederados. Pese a ello, la falta de soldados impuesta por la guerra le obliga a aceptar a un grupo de prisioneros sudistas que se han ofrecido voluntarios para luchar contra los pieles rojas y salir así del campo de prisioneros. El odio racista de Kenniston le lleva a matar al hijo del jefe de una de las tribus de la zona, lo que provoca un levantamiento contra los blancos de la zona que culmina con un ataque al fuerte. ¿Por qué peleaban contra los indios, a los que sutilmente tratan de hacerlos aparecer como plagas?

Río Grande (1950) de John Ford con John Wayne, Maureen O´Hara, Ben Johnson. Sinopsis: Un oficial de caballería de servicio en el Río Grande se enfrenta a unos “asesinos apaches”, a un hijo que es un recluta arriesgado y a su esposa de la que ha estado separado durante muchos años.

Flecha rota (1950) de Delmer Daves con James Stewart y Jeff Chandler. Sinopsis: una historia parecida al Piel roja (1950), un hombre blanco hace amistad con los indios liderados por Cochise, pero por H o por B, la paz lograda se rompe. La peli deja claro que no fueron los indios los culpables, pero esas escenas de masacre no faltan. A Cochise (Chandler) se le trata con consideración en el filme, no así al rebelde Gerónimo.

Solo el valiente (1951) de Douglas con Gregory Peck, Barbara Payton y Ward Bond. Sinopsis: El capitán Richard Lance es injustamente acusado por sus hombres e incluso por su novia de la muerte del apreciado teniente Holloway, que ha sido asesinado por los indios. Con un pequeño grupo de soldados, Lance ha de defender un fuerte abandonado hasta que lleguen refuerzos. Los “héroes” entablan combate con los indios, a los que finalmente vencen. Desconozco todavía la causa para que los indios fueran tan violentos en esa peli.

El piel roja (1951) de George Sherman con Van Heflin e Yvonne De Carlo. Sinopsis: Año 1889, en el oeste estadounidense descubrió un enorme yacimiento de oro, allá van los blancos a dorarse, construyen un fuerte en una zona que había sido cedida a los indios Sioux. Para llevar a cabo la tarea, el gobierno contrata a Jim Bridger (Van Heflin), que está casado con una india cheyenne. Jim no comparte las intenciones del estado norteamericano, pero necesita el dinero y no puede permitirse el lujo de rechazar la oferta. A Heflin lo ponen como un pacificador, que al final se rinde ante la realidad en que vive. Este Oeste trata mejor a los Sioux que en otros filmes, pero se queda cortico de la verdad histórica.

El último baluarte (1952) de Roy Rowland con Ray Milland y Helena Carter. Sinopsis: trama sobre la rivalidad de dos oficiales del ejército, los que integran las filas del tristemente célebre George Armstrong Custer, muy dado a masacrar a los indios. La peli muestra decenas de indios caídos en combate y el justo final de Custer en Little Big Horn.

Asalto al fuerte Clark (1953) de George Sherman con Jeff Chandler y Maureen O´Hara. Sinopsis: El mayor Howell Brady (Jeff Chandler) acaba de llegar a Fort Clark en el estado de Oklahoma, para luchar contra los indios kiowas liderados por el jefe tribal Satanta. Allí le espera el coronel Jackson Meade (John McIntire), con el que decidirá reclutar un ejército de indios seminolas a cambio de alguna que otra provisión y una porción de tierra. Los acontecimientos que se cuentan en la película desembocaron en la conocida como «Masacre de la caravana Warren», que tuvo lugar el 18 de mayo de 1871. Los indios caen en la peli como moscas.

Sombras en el rancho (1953) de Nathan H. Juran con Audie Murphy y Lori Nelson. Sinopsis: Jim Harvey (Murphy), un decidido y joven aventurero, es contratado para escoltar una caravana que debe atravesar territorio indio. Durante el viaje son atacados por la tribu del jefe Águila. La ayuda que Jim prestó al hijo de éste podría ser la única circunstancia que los librara de la muerte. Los indios malos desde el inicio luego son buenos por razones de una amistad cuando la rebeldía india tenía causas más profundas y justificadas.

La dama marcada (1953) de Henry Levin con Charlton Heston y Susan Hayward. Sinopsis: una historia sobre el presidente Andrew Jackson, cuya trama muestra levemente su animadversión a los indios, a los que se enfrenta en una escena de la peli. De todas formas, el filme es sobre el matrimonio de Jackson con Rachel Donaldson Robards, el cual fue considerado ilegal en su momento, lo que conllevó a que el mandatario apelara a todos los recursos para resolver el caso.

El triunfo de Buffalo Bill (1953) de Jerry Hopper con Charlton Heston y Rhonda Fleming. Sinopsis: el dudoso héroe del Oeste lucha junto a Wild Bill Hickok en esta peli para establecer el Pony Express, lo cual les obliga a combatir a los indios cheyennnes y algunos blancos no interesados en que se estableciera esa vía de correo.

Hoguera de odios (1953) de Charles Marquis Warren con Charlton Heston y Jack Palance. Sinopsis: Ed Bannon es el jefe de los exploradores del puesto de caballería de Fort Clark en Texas. Conoce muy bien a los apaches, porque ha vivido con ellos durante su niñez. Sin embargo, los dejó cuando fue mayor, porque el hijo del jefe de la tribu, Toriano, que no tiene escrúpulos, lo odia por tenerlos y haber actuado contra él por ello una vez. El blanco es el bueno y el indio es quien no tiene escrúpulos, es el malo, la estigmatización a la enésima potencia.

Apache (1954) de Robert Aldrich con Burt Lancaster y Jean Peters. Sinopsis: una historia sobre un apache rebelde y contrario a la paz concertada por Gerónimo, el que se fuga de su traslado a la Florida y, en tierra de cherokees, descubre la agricultura como forma de vida para renunciar a su violencia (¿libertad?). Un poco tonto ver a un violento Lancaster convertirse en paloma de la paz al ver a su hijo nacer.

Raza de violencia (1954) de Douglas Sirk con Rock Hudson y Barbara Rush. Sinopsis: Hudson encarna el papel de un indio apache (Taza), hijo de Cochise y amante de la paz, el que se enfrenta a la violencia de Gerónimo, el malo de la peli.  

Centauros del desierto (1956) de John Ford con John Wayne, Jeffrey Hunter, Nathalie Wood, Ward Bond y Vera Miles. Sinopsis: Un veterano de la guerra civil estadounidense se embarca en un viaje de años para rescatar a su sobrina de los comanches después de que el resto de la familia de su hermano sea masacrada en un asalto a su granja de Texas.

Brigada de mujeres (1957) de George Marshall con Audie Murphy y Kathryn Grant. Sinopsis: un controvertido sureño convertido en oficial yankee y considerado desertor por los de su tierra logra conocer del peligro de un ataque comanche a un pueblo de su tierra natal, donde organiza las mujeres allí presentes para defenderse del ataque, donde lógicamente ellas salen triunfantes. El pueblo carecía de hombres, los esclavistas que estaban en el frente de batalla contra los yankees.

Los que no perdonan (1960) de John Huston con Burt Lancaster, Audrey Hepburn y Audie Murphy. Sinopsis: una familia de granjeros tiene en su seno a una chica, la que hacen aparecer como hermana del resto de los hombres de la casa, la que en realidad había sido una india Kiowa secuestrada por esa familia blanca, la que al cabo del tiempo su tribu original desea recuperar, lo que desata una mini guerra. Extraño ver a Huston dirigir una peli así.

Rifles Apaches (1964) de William Witney con Audie Murphy y Michael Dante. Sinopsis: A un joven oficial de caballería, El capitán Jeff Stanton, se le asigna la tarea de capturar a una banda de apaches que han estado aterrorizando a las zonas rurales. Los indios detenidos son torturados y el capitán cambia de actitud, aparte de enamorarse de una india. La peli no dice la causa de la rebeldía de los indios, los hacen aparecer como malos de nacimiento. No obstante, es un filme intermedio, los diaboliza al inicio y luego los santifica.

Mayor Dundee (1965) de Sam Peckinpah con Charlton Heston y Harry Julian Fink. Sinopsis: un oficial decide cruzar frontera con un ejército mixto de yankees, mercenarios y confederados a fin de destruir a los Apaches.

Comanche blanco (1968) de José Briz Méndez con William Shatner y Joseph Cotton. Sinopsis: La nación comanche ha sido vencida y recluida en una reserva. Notah (William Shatner), un mestizo de padre blanco resiste en las montañas junto a grupo de “desesperados” que se dedican a sembrar el “terror” en los campamentos mineros y las diligencias de pasajeros. Pelear por su soberanía es un acto desesperado y, lógicamente, los comanches son los terroristas de la peli.

Sol rojo (1971) de Terence Young con Charles Bronson, Toshiro Mifune y Alain Delon. Sinopsis: un grupo de bandidos dirigidos por Bronson secuestran un tren, en el que viajaba una misión de Japón, la que llevaba un regalo al presidente de los EE. UU. El jefe es traicionado una vez en poder del botín y se ve obligado a cabalgar/caminar grandes distancias en unión del nipón, especialista en artes marciales. En la travesía se tropiezan varias veces con tribus de indios, a los que se enfrentan, donde lógicamente al final los indios son derrotados.

La venganza de Ulzana (1972) de Robert Aldrich con Burt Lancaster y Bruce Davison. Sinopsis: Después de que el “feroz” jefe de guerra Ulzana y un pequeño grupo de guerra saltan la reserva empeñados en “asesinar y aterrorizar”, se asigna a un joven teniente sin experiencia para localizarlo. La peli nunca llega a indicar la causa de la rebeldía de Ulzana, tal parece que nació rebelde.

Las aventuras de Jeremiah Johnson (1972) de Sydney Pollack con Robert Redford y Will Geer. Sinopsis: Un ermitaño debe enfrentarse a una tribu Crow, la que lo asedia continuamente. Extraño ver a Pollack como director y a Redford como actor en una peli, donde los malvados son los indios y muy crueles, por cierto. El filme toma la trama del libro “Crow Killer” de Vardis Fisher.

En una próxima entrega se publicarán los títulos de pelis con respeto a los indios. La mayoría realizada en las últimas décadas.

La información de dirección y protagonistas de las pelis fue tomada de IMDB.com

Esteban Hernández
17 febrero 2025

“El opresor nunca da la libertad voluntariamente,
esa hay que exigirla por los oprimidos.”
Martin Luther King Jr.

Es bueno hablar de las películas de calidad y también de aquellas que, para el que suscribe, entran en la categoría de las falsedades, sobre todo cuando un filme se desarrolla en un país como Kenia que, por mi trabajo, visité muchas veces.

El director Terence Young era muy dado a realizar filmes de aventuras y de acción. En la década de los 60 se destacó con las pelis sobre el agente 007 entre las 39 que logró dirigir. “Safari” es una mezcla de jungla con ingredientes políticos históricamente falsos. Esto último verificado en fuentes de especialistas de historia, que los lectores pueden ver en documentales en YouTube.

Resulta desagradable ver a un cazador, verdadero depredador, matar a un elefante, algo que hoy en día se censura, pero que en aquella época no tenía mucha importancia. Matar a un animal por pura diversión o entretenimiento es un acto delictivo y en contra de la protección de la biodiversidad. Luego aparece el asunto de un león, a cazarlo también, estaba herido y había que matarlo. Previamente aparece en escena un rinoceronte, “asesino”, por cierto, y “ajusticiado”. Luego el héroe de la peli (Victor Mature) matando a varios cocodrilos y salvando a la heroína (Janet Leigh), la que se había lanzado imprudentemente a navegar en una especie de laguna, que en lo sucesivo se convirtió en lago, como para reír, y sus corrientes terminan en una especie de cascada. Lo ridículo es que en esos lagos abundan de siempre hipopótamos y cocodrilos, los que en la peli aparecen minutos después de que la heroína se hubiera lanzado al cuerpo acuático. Parece que no los vio o vino a saberlo en ese momento después de varios días de safari en el lugar.

El filme es una secuencia de escenas superpuestas con animales, todos ellos “peligrosos”, los que, por su sola presencia, según guion, merecían la muerte, ¿no?  Presentan a los masáis como cazadores, correcto, pero ellos no salen a cazar leones, su objetivo es alcanzar a otros animales para poder tener carne que comer. Un detalle, los leones andan en manadas con dos machos y el resto hembras, las que son excelentes cazadoras. El león que deambule en solitario es por ser viejo y expulsado de forma natural de la manada.

La gran falsedad estriba en la presentación de los Mau Mau, movimiento rebelde surgido a finales de la década de los 40 del siglo pasado en Kenia, el que luchó clandestinamente contra los colonizadores británicos. Los Mau Mau son aquí como sinónimos de apaches, comanches, todos villanos y criminales. No voy a santificar a los Mau Mau, palabra que creo se deriva de la expresión Kikuyu, uma uma (¡váyanse, váyanse!). Ellos pueden haber cometido excesos, pero en una balanza, fueron más los colonizadores quienes llevaron a buena parte de la población kikuyu a una especie de campos de concentración, privados de todo derecho humano. Cuando la corona en Londres se dio cuenta que ese movimiento era indetenible, comenzaron a hacerle propuestas, muchas de ellas finalmente aceptadas por los rebeldes al darles la posibilidad a la población de tener tierra para cultivar y otros derechos. La guerra de los Mau Mau fue un paso importante en el logro de la independencia de Kenia en 1963. Demonizarlos está muy lejos de la realidad histórica.

No invito a nadie ver este filme, no obstante, los curiosos pueden verlo y comprobar todo lo que aquí afirmo. Les advierto que Kenia tiene mucha fauna, pero no tan desorganizada como la muestra la peli. Les anticipo que, al menos, la actuación de Janet Leigh, peor no pudo ser.

Esteban Hernández
4 diciembre 2024

“La injusticia en cualquier lugar es una
amenaza para la justicia en todas partes”
Martin Luther King Jr.

Desde que vi el título me llamó la atención, todo lo que tenga que ver con ese régimen oprobioso y criminal del apartheid en Sudáfrica despierta mi curiosidad. Esta vez fue algo desconocido, ciudadanos blancos al servicio del Congreso Nacional Africano en acciones de agitación política. Una verdadera sorpresa, agradable, por cierto, saber que había ciudadanos blancos que comulgaban con las ideas de un líder como Nelson Mandela, todo un gigante en la prisión y luego al frente del nuevo gobierno, el de la conciliación. Mandela, a diferencia de esos tiranos vulgares, que quieren dar idea de ser progresistas, nunca le pidió a su pueblo venganza por lo ocurrido, todo lo contrario, convivencia entre negros y blancos a fin de crear una sociedad prospera y de justicia.  

A pesar de tratarse de una peli con mucha historia veraz, el director afro inglés Francis Annan, logró modelarla como todo un suspense. Los agitadores fueron capturados, llevados a juicio, donde el fiscal no tuvo mucho que hablar, al juez le bastaban las evidencias presentadas para sentenciar y fuertemente. Los reos Tim Jenkin y Stephen Lee, ambos jóvenes blancos, papeles interpretados por Daniel Radcliffe, famoso como Harry Potter en otras pelis, y el australiano Daniel Webber, así que Daniel al cuadrado, fueron llevados a una prisión de máxima seguridad cerca de Pretoria a cumplir condena por años. En esa cárcel no faltaron otros condenados blancos por igual forma de pensar, entre ellos un francés, quien no se callaba ante los carceleros para denunciar sus abusos.

Y bien, no era Alcatraz, pero si una prisión de la que nadie puede escapar y eso fue lo que se propusieron los dos condenados mencionados y el presidiario francés. Es interesante ver la peli para poder apreciar hasta donde llega la inteligencia en caso de necesidad. Dialécticamente se afirma que de la necesidad surge la causalidad, y esto se demuestra por los efectos (resultados) de ese empeño. Los dos condenados jóvenes eran realmente inteligentes para observar y crear. Puede que la peli tenga un poco de ficción en ese sentido, pero uno tiene que inclinarse a creer que hacer lo realizado es obra de ingenieros. Nadie debe pensar que esta fue una fuga tipo Conde de Montecristo, nada de eso, fue algo mucho más elaborado y difícil de realizar técnicamente. Así que, si les interesa, los dejo intrigados para que se animen a ver este filme.

La posición de muchos de los condenados era la de resistir la condena y quedar más tarde en libertad para continuar la lucha. Los jóvenes presidiarios no compartían esa forma de resistencia, era más productivo escapar para así ayudar mejor. El otro aspecto que es fácil de suponer es la crueldad de los carceleros con los presos y con los pocos negros que usaban como empleados y trataban como animales.

Ver un filme de esta naturaleza lo hace a uno pensar en los miles de presidiarios en países con tiranías en este mundo, donde el trato no se diferencia en nada a la de los salvajes del apartheid en Sudáfrica. Sin embargo, sobre el tema no se habla, no se denuncia, hasta se acepta como algo inevitable, y lo peor de todo es que muchos que suelen llamarse progre o socialdemócratas callan y son incapaces de levantar su voz en contra de estas prácticas. Si bien hay que trabajar a favor de la paz en este mundo, a favor de combatir el hambre y las enfermedades, hay que combatir la crueldad en las prisiones de muchos países de este mundo y sancionarlos hasta que cesen sus prácticas criminales.

Esteban Hernández
2 diciembre 2024

“Varón y hembra los creó. Y los bendijo Dios y
les dijo: Sed fecundos y multiplicaos”
Génesis 1:27-31

La ciencia de siempre ha tenido un enemigo, las creencias y las instituciones que las fomentan. La peli de referencia es un ejemplo de ello, esas formas de pensar no son solo típicas de países en desarrollo o de tribus, la respuesta es más amplia que un sí cerrado. Esos prejuicios llegan a todos los confines y se agudizan más en las naciones desarrolladas debido a que son las que tienen el capital humano y monetario para poder llevar investigaciones que hagan avanzar la sociedad y nos saquen de falsas creencias o modo de pensar, pero que pueden chocar con los preceptos establecidos.

Vayan a los EE. UU., la primera potencia y allí todavía se discute sobre la fecundación in vitro, como si eso fuera un pecado, lo que cae en el mismo saco que el aborto. La peli no se desarrolla en los EE. UU., transcurre en Gran Bretaña, donde realmente se logró este avance, el cual permite a miles de mujeres con dificultad para fecundar, llegar a tener descendencia dignamente, pero ese desarrollo fue más difícil que una carrera de 3 mil metros con obstáculos. Las objeciones llovieron como si se tratara de crear al monstruo de Frankenstein.

A veces los consejos científicos se convierten en órganos de manifestación de dogmas y lejos realmente de llegar a un análisis justo del tema a tratar. A lo largo de la historia ha habido más objeciones que consejos o resoluciones para disipar las dudas en avances científicos que luego han resuelto muchos problemas en la sociedad. Eso sucede cuando los integrantes del consejo padecen de una enfermedad llamada dualismo, científicos de nombre e idealistas en la discusión. A la hora de desenredar hay que objetar con juicios científicos. Con esto no niego la importancia de la ética. Por solo citar un ejemplo, si me viera en una discusión sobre la clonación humana, me opondría por razones profundamente éticas, nada que ver con credos religiosos, pero es que el caso de la fecundación es distinto, se trata de procrear a un bebé y no de duplicar a un monstruo, algo que no se puede lograr naturalmente por impedimentos que puede tener la mujer o el hombre. La ciencia está ahí para que la pareja pueda procrear. Una hija o hijo es una parte importante en el seno familiar y fortalece el nexo entre ambos cónyuges. El proceso implica el uso de óvulos fecundados por la misma pareja, el óvulo de la mujer fijado por el espermatozoide del hombre.

Este desarrollo se alcanzó después de años de trabajo durante horas prolongadas del día por una trilogía de personas, un científico, una enfermera muy avezada y un cirujano, los que encontraron dificultades varias y lógicas dentro del proceso de la investigación, lo cual afecta a muchas mujeres y parejas que aceptaron ser objeto de la investigación y someterse a pruebas de fecundación, las iniciales fallidas.

El investigador parte de una idea basada en su experiencia y plantea la ruta a seguir, la cual se irá corrigiendo con los resultados que se vayan obteniendo. Cuando uno trabaja con plantas o animales el error es perdonable, pero no así cuando hay un ser humano de por medio en espera que todo resulte positivo y logre la criatura deseada. Cuando aparece el error, a esa hora hay que buscar una explicación. La ruta fue correcta, pero y ¿los reactivos u otros materiales utilizados?

Vean la peli y aprenderán mucho de una compleja investigación realizada en hospital de Oldham, Reino Unido, en colaboración con la Universidad de Cambridge. Las actuaciones fueron muy convincentes por parte de Bill Nighy como el cirujano Patrick Steptoe, Thomasin McKenzie como la enfermera Jean Purdy y James Norton como el científico Bob Edwards.

Ya se han logrado más de 6 millones de niños en probeta o mediante el método FIV (fecundación in vitro). El primero nació en 1978 en Inglaterra. España es uno de los países que marcha entre los más avanzados en este campo. El nivel de éxito alcanza un 69,7% en un primer intento.

Esteban Hernández
1 diciembre 2024

“Como recuerdo a mi querido padre”

Hablaré de la peli de referencia, pero también de un incidente que siempre recordaré. Nada qué ver con la trama de la peli. Como pueden ver del título se trata de un filme de 1956, el cual fue más conocido como “Melodía inmortal” en su estreno en Cuba. El tema sobre la vida de un famoso pianista, las vicisitudes para llegar al estrellato y cómo luego se hizo de bienes a partir de las ganancias que le proporcionó su trabajo como músico y compositor.

El director George Sidney contó con un buen guion preparado por Samuel A. Taylor y Leo Katcher. La peli camina agradablemente desde sus inicios, con un romance protagonizado por el experimentado Tyrone Power, tenía entonces 42 años, y la novel Kim Novak, una dama muy aficionada de siempre a la pintura en su vida personal, pero que gracias al productor Harry Cohn logró entrar en el mundo del cine. La Novak, como ya he apuntado en otros escritos, era una mujer muy atractiva en aquellos momentos, con un swing muy particular y con mucha fisionomía eslava. Al final la Novak como Marjorie Oelrichs, la esposa en la vida real de Eddy Duchin, logra desarrollar un papel muy convincente, donde lleva romance, cariño y tristeza.

No menos eficiente fue el papel menor dado a la novata Victoria Shaw como Chiquita Wynn, la encargada de la educación y cuidado de Peter, el hijo de Eddy Duchin. Sobresalió James Whitmore, el hombre de confianza de Duchin y el mentor sentimental de esa familia.

La trama muy bien lograda, pero mejor aun fue la banda sonora con piezas famosas de música ligera de Duchin, las que fueron ejecutadas por el famoso pianista Carmen Cavallaro y su orquesta. Música agradable hasta para desconectar de este mundo. Duchin se hizo más famoso cuando fue llamado al servicio producto de la segunda guerra mundial y su rol fue, junto a su orquesta, la que él mismo creó, dar entretenimiento a las tropas en las zonas de combate.

Como siempre, evitando spoilers, no les digo más, búsquenla y véanla, les encantará, pero como prometido, les diré lo de la incidencia familiar, la recordé en estos días debido a que coincidía con el cumple de mi difunto padre.

En 1959 mi padre se hizo de algún dinero producto de los ahorros a partir de la reducción de los alquileres en ese año en Cuba. Decidió comprarse un radio tocadiscos, de esos que no puede poner hasta seis discos en el eje y escucharlos continuamente. Uno podía poner discos LP o también de 45 revoluciones, los llamados extended play, para lo cual se ponía un tubo en el eje y se podían colocar seis discos igualmente. Terminaba uno, caía el otro y así sucesivamente. Los discos no era que costaran poco para el bolsillo de un obrero. El extended play de 45 RM oscilaba alrededor de los 2,50 pesos (el peso era igual al dólar americano entonces), el LP costaba un poco más del doble. No obstante, comprar un tocadiscos sin discos no era muy sensato, por lo que mi padre decidió comprar algunos discos, entre ellos el LP con la banda sonora del filme sobre Eddy Duchin, la que él mismo aseveraba, era de su agrado.   

Pasaron décadas, el disco LP desapareció en los mismos 60 del pasado siglo, me imagino que mi padre se olvidó de su existencia, atareado con muchas cosas de la época. En 1997 vino a Italia por segunda vez y yo había comprado el VHS de la peli en cuestión. Me imaginé la alegría que le daría ver la peli nuevamente. No hubo alegría realmente, mi padre juraba de no haber visto nunca esa peli, algo que sabía que no era cierto. Esa peli estaba entre sus preferidas, como lo fue también “Música y lágrimas (1954)” sobre la vida de otro músico, Glenn Miller.

Triste, pero ya entonces su memoria fallaba continuamente y esa fue una evidencia clara de esto. He recordado a mi padre y este incidente de la peli en estos días cuando habría cumplido año de estar vivo. Agradezco a “Melodía inmortal” por este recuerdo.  Recomiendo ver la peli para todo aquel que no la haya visto, seguro estoy que les va a agradar. Su carácter sentimental, por coincidencia, tiene que ver también con el amor entre padre e hijo.

Esteban Hernández
18 noviembre 2024

“Si morimos, lo haremos defendiendo nuestros derechos”.
Toro Sentado

Una peli con valor histórico, la que enseña quien era en realidad el cacique Lakota Sioux “Toro Sentado”. Le estoy muy agradecido a la directora Susanna White y al guionista Steven Knight por la realización de este filme, el que coincidentemente me hizo recordar la lectura del libro “Entierra mi corazón en Wounded Knee” hace décadas en Cuba.

La industria de Hollywood del pasado demonizó a los indios en la mayoría de las pelis protagonizadas por John Wayne y Randolph Scott entre otros. Diría que el telespectador gozaba cada vez que un indio era muerto a tiros o de un cuchillazo. Por suerte, esa orientación falsa de las poblaciones indígenas de Norteamérica ha ido cambiando en el cine en las últimas tres décadas y se ofrece información más real de quienes eran esos rebeldes como Gerónimo, Caballo Loco y otros caciques más.

Esta peli tiene mucho de real, ya que relata las vicisitudes de la pintora Catherine Weldon, interpretada por Jessica Chastain, la que abandona su vida pacífica en el Este de EE. UU. para ir a tierras lejanas con la idea de poder pintar al mismísimo Toro Sentado, pacificado con un tratado nada favorable para su población y el que sufre en silencio sus vivencias de niños, mujeres y ancianos masacrados en nombre de la civilización blanca.

A la Weldon le pusieron trabas de todo tipo para poder llegar al lugar, donde se encontraba el jefe indio. Ella se las arregló para burlar la “ley” impuesta. Cuando las autoridades se oponen a que la gente viaje a un lugar ya sin guerra, es porque ocultan o planean hacer algo más no bien vistos a los ojos de personas ajenas al conflicto y de la prensa. Esa suposición surge cuando va viendo la peli y observa con que obstinación se persigue a los ojos de los extraños.

Toro Sentado, interpretado por el actor canadiense Michael Greyeyes, de origen indio de Saskatchewan, se presenta como un hombre con sus convicciones morales, sus creencias, sin ánimo de faltar el respeto a nadie, pero jamás dado a mentir. Su conducta logra la simpatía de la pintora, la que de forma natural abraza la causa de los sufridos indígenas, reducidos a una reserva con abastecimientos limitados de alimentos por parte del gobierno.

La peli se buscó al mejor actor para ser el villano odioso, Sam Rockwell, aquel que en el filme “La milla verde (1999)” es el psicópata presidiario. Realmente logra una actuación excelente como el sinvergüenza blanco supremacista, ente que odia y discrimina a los indios.

Este filme no es un Oeste, aquí no van a ver tiros ni a un Clint Eastwood haciendo el papel de vengador, nada de eso. Es la historia de los indígenas relegados después de haber sido vencidos por el poder de las armas del ejército de la Unión. A esos que se le prometió paz a cambio de migajas. El final se lo pueden imaginar, pero mejor será que vean la peli y la analicen.

La pintura de Toro Sentado realizada por Catherine Weldon se halla en el museo de Arkansas, copia que pueden apreciar al inicio de este artículo. Me llama la atención que la calificación de la peli no llega a 7, pero yo le di un 8, muy merecido, a mi entender.     

Esteban Hernández
1 diciembre 2024

“Hay tres cosas en el mundo que no merecen
piedad: hipocresía, fraude y tiranía.”
Frederick William Robertson (Teólogo 1816-1853)

Hablemos de una peli, añeja, de las primeras que aparecieron en cinemascope, la que he visto varias veces por escenas atrayentes e interpretaciones convincentes. Sin embargo, la última vez que la vi, observé detalles que, probablemente pasaron desapercibidos para este espectador.

La peli es dirigida por Joshua Logan, un director tejano que fue un maestro en el limitado número de pelis que dirigió, 11 filmes entre 1938 y 1969. El protagonismo recayó sobre el experimentado William Holden, igualmente gancho de taquilla para las féminas, y la entonces novel Kim Novak, una dama hermosa, la que igualmente animaba a los espectadores masculinos. El reparto lo completaba Betty Field en el papel de madre de Madge (Kim Novak), la joven Susan Strasberg, hija del maestro de escuela de cine Lee Strasberg, el entonces debutante Cliff Robertson, las veteranas Rosalind Russell, en papel de solterona y mujer neurasténica, y la anciana bondadosa Verna Felton. El original Arthur O´Connell igualmente interpretó el papel del solterón y hombre que teme a un matrimonio.

La trama gira alrededor de un golfo (Holden), el cual deambula buscando trabajo de cualquier cosa para sobrevivir. Era hombre herido en sus sentimientos a nivel familiar y luego un inadaptado en sus pocos años universitarios, a los que llegó más que todo por sus habilidades deportivas. Cuando vio que no superaba nada, decidió huir de este mundo y ganar para comer algunas migajas. De tanto andar, llegó a un pueblo con industria para poder trabajar y donde conocía al hijo del propietario de la fábrica, ya que habían estudiado juntos. Llegada a esa villa y una nueva vida, ¿odisea?

Como era un macho ya forjado al calor de los sufrimientos sentimentales y materiales, pero que no perdía su atractivo físico, no faltaron jóvenes y más maduras que fijaran sus ojos en algo que por allí no solía abundar.

Logan dibuja el sueño americano de sociedad, todos blancos, nada de oscuritos, nada de latinos o de inmigrantes, nada de eso. Si los había, en la peli no salen. Llegado a este punto uno puede decir que no hay discriminación. Ahí uno puede equivocarse, los de clase media o alta sí discriminan a los pobres o de escasos recursos, los consideran inferiores y reciben el mismo rechazo que un negro o un latino. La perfección no existe y no se logra con una sociedad con predominancia de blancos. En la peli todos lo son, pero el golfo y otros pobres son discriminados, vistos como la peste en la sociedad en que viven. Es como si el ser humano necesitara para su confort tener a alguien a quien odiar o rechazar.

William Holden interpreta cabalmente el papel asignado y sus declaraciones a lo largo del filme dan ganas de llorar. Era un individuo con deseos de adaptarse nuevamente y encajar en la sociedad existente, pero no lo lograba, pues apestaba y todo lo que dijera o vistiera era objeto de interrogación.

Por otro lado, está el asunto de las castas, los padres de los ricos no quieren que sus hijos se casen con las pobres, mientras que estas últimas se ven forzadas por sus progenitores a conseguir un buen partido como cónyuge, o sea un hombre de billetones, el tipo opulento, así sea un depravado o una persona inmadura o un impotente, el asunto es procurarse los billetes. Cuando aparece uno con defectos, pero que es hombre a la legua y no tiene dinero, comienza la odisea de la dama que lo ama.

Logan logra mostrar la hipocresía de esa sociedad y lo hace con una trama que pasa suavemente en su primera parte, pero que en la medida que avanza, crece la expectación del que pasará. Una escena para siempre recordar es la del baile, muy sensual, de la Novak con Holden, con banda sonora (Moonglow) de George Duning.

Picnic puede catalogarse entre los mejores dramas del cine en la década de los 50 por su imagen, su tema musical, la profesionalidad de los intérpretes y el guion, además de la acertada dirección de Logan en esta cinta.

Esteban Hernández
13 noviembre 2024

“Mi política es muy personal y subjetiva”
James Earl Jones

Se fue otro grande de la pantalla quien, a pesar de haber sido un actor destacado, no protagonizó tantas pelis proporcionales a su calidad. Se le veía usualmente en funciones de reparto.

Una curiosidad de la vida de este actor fue que en su niñez tenía dificultades para hablar. Él afirmaba que tenía que pensar antes de decir algo. Ahí lo tienen, poseía una voz impresionante, probablemente su mejor atributo como actor. Todd Jones nació el 17 de enero de 1931, en Arkabutla, Mississippi, actor ampliamente conocido por su voz de barítono y sus interpretaciones en la trilogía de películas de “Star Wars” (Guerra de las Galaxias) de George Lucas, donde interpretó el papel del malvado Darth Vader o como el también malvado león Mufasa en el animado “El rey León (1994)”. Jones era graduado de la Universidad de Michigan y estudió drama en el American Theatre Wing. En 1961 comenzó a actuar en Broadway, interpretando papeles de héroes de las obras de Shakespeare, como Otelo, en el Festival Shakespeare de Nueva York. En 1968 interpretó, en el teatro, el papel del boxeador y primer campeón de los pesos superpesados Howard Sackler, en la obra “La gran esperanza blanca” (The great white hope), que le valió un Tony por su actuación.

Dos años después (1970), esta obra fue llevada a la gran pantalla por el director Martin Ritt y protagonizada por el propio Jones magistralmente. Su debut real en el cine fue en la comedia de guerra “¿Teléfono rojo? Volamos a Moscú (1964)” de Stanley Kubrick con Peter Sellers y Sterling Hayden.  En lo sucesivo interpretó papeles de reparto o de hombre duro en varios filmes, entre ellos:

• Los dramas “Los comediantes (1967)” de Peter Glenville con Richard Burton y Liz Taylor
• “End of the road (1970)” (Fin del camino) de Aram Avakian con Stacey Leach,
• Protagonizó los dramas “The man (1972)” (El hombre) de Joseph Sargent con Martin Balsam
• “King Lear (1974)” (El rey Lear) de Edwin Sherin con Tom Aldredge, filme para la TV en el que Jones interpretó el papel del monarca en cuestión
• “Claudine (1974)” de John Berry con Diahann Carroll,
• “The river Niger (1976)” (El río Níger) de Krishna Shah con Louis Gossett Jr.
• El suspense “Justicia violenta (1976)” de Ivan Nagy con Don Murray
• El ya mencionado “Guerra de las Galaxias (1977)” de George Lucas
• Los dramas “Yo, el mejor (1977)” de Tom Gries y Monte Hellman con Muhammad Ali y Ernest Borgnine, donde Jones encarnó a Malcolm X
• La comedia-filme de crimen “De profesión: estfadores (1977)” dirigida y protagonizada por Sidney Poitier con Bill Cosby
• El drama “Paul Robeson (1979)” (TV) de Lloyd Richards con Burt Wallace, donde interpretó el papel del famoso cantante negro Paul Robeson
• También actuó en el primer capítulo del serial TV “Raíces”, con guion de Alex Hadley

La década de los 80 fue bastante movida para Jones, así se le vio actuar en:

• Los filmes de acción “La espada del samurái (1981)” de Tom Kotani con Richard Boone y Toshiro Mifune.
• “Conan el bárbaro (1982)” de John Milius con Arnold Schwarzenegger y Max Von Sydow, donde Jones es el monarca malvado
• “La guerra de las galaxias: el regreso del Jedi (1983)” de Lucas
• La comedia “Una escuela muy loca (1986)” de Steve Miner con C.T. Howell
• El drama “My little girl (1986)” (Mi pequeña chica) de Connie Kaiserman con Geraldine Page
• La comedia-filme de acción “Tres fugitivos (1989)” de Francis Veber con Nick Nolte
• El estupendo drama “Campo de sueños (1989)” de Phil Alden Robinson con Kevin Costner y Burt Lancaster.

Entre sus actuaciones más destacadas de los 90 están:

• El filme de acción ”La caza del octubre rojo (1990)” de John McTiernan con Sean Connery y Alec Baldwin
• El drama “Convictos (1990)” de Peter Masterson con Robert Duvall
• Las pelis de acción “Juego de patriotas (1992)” de Phillip Noyce con Harrison Ford, “Los fisgones” (1992)” de Phil Alden Robinson con Robert Redford y Sidney Poitier
• Los dramas “Sommersby (1993)” de Jon Amiel con Richard Gere y Jodie Foster; y Protagonizó “Llanto por la tierra amada (1995)” de Darrell Roodt con Richard Harris.

Con su extraordinaria voz, Jones, además, dio vida a muchos héroes de animados que han sido del deleite de los niños, como fue el caso de “el rey león (1994)”, además de narrador de muchos filmes, labor que realizó con más intensidad a partir de la década de los 90. Por otro lado, fue protagonista de una buena cantidad de filmes para la TV, entre estos están el drama “Fuego y odio (1990)”. los seriales “East side/West side (1963)”,“La pasión de Gabriel (1990)”, “Pros and Cons (1991)”, “Pickets fences (1992)” (Piquetes de vallas), “Happily ever after: Fairy tales for every child (1995)” (Por siempre felices: Cuentos de hadas para todos los niños), antología animada para niños televidentes; “Under one roof (1995)” (Bajo un mismo techo), “Frasier (1993)”     

Nominado para OSCAR como mejor actor por “La gran esperanza blanca (1970)”.  Nominado para Globo de Oro como mejor actor en drama por “La gran esperanza blanca (1970)” y como mejor actor en comedia/musical por “Claudine (1974)”, como mejor actor en drama para la TV por “La pasión de Gabriel (1990)” y “Pros and Cons (1991)”. Obtuvo Globo de Oro como actor más promisorio por “La gran esperanza blanca (1970)”. 

Nominado para Emmy como mejor actor por “East Side/West Side” (1963); como mejor actor en series dramáticas por “Picket fences” (1992), “Under one roof (1995)”; como mejor actor invitado en series de comedias por “Frasier” (19993). Obtuvo Emmy como mejor actor en series dramáticas por “La pasión de Gabriel (1990)” y como mejor actor de reparto en miniseries por “Fuego y odio (1990)”. 

Nominado para premio Imagen como mejor actor en filmes para niños y jóvenes por “»Happily Ever After: Fairy Tales for Every Child” (1995), como mejor actor en filmes de acción “Llanto por la tierra amada (1995)” y como mejor actor en comedias por “Frasier (1993)”. Nominado para premio SAG como mejor actor por “Llanto por la tierra amada (1995)”.

En 1995 obtuvo un reconocimiento a su carrera del National Board Review de EE. UU. y el premio Joseph Plateau Life Achievement en el festival internacional de Flanders; en el 2001 recibió otro similar del Method Fest.  En resumen, actuó en 190 filmes entre 1962 y 2022. Falleció por causas no informadas el 9 de septiembre de 2024 en Pawling, Estado de Nueva York.

Esteban Hernández
11 septiembre 2024

“Get busy living, or get busy dying.”
Ten una vida ocupada o una muerte ajetreada
Frase de Andy Dufresne (Tim Robbins) en la peli

Cuando uno acepta ver una película más de una o dos veces es porqué la misma tiene su atractivo y su excelencia. Este es el caso de la peli que aquí se aborda. Es cierto que hay gustos para cada cual, pero es difícil creer que a alguien no le enganche una peli como “Cadena perpetua” (título original The Shawshank Redemption) del director francés Frank Darabont, con guion del mismo director y del escritor Stephen King, los que garantizaron una trama de superlativa calidad, a la que hay sumar imagen y banda sonora.

Esos tres elementos se combinaron adecuadamente, queda entonces la actuación, donde aparecen figuras conocidas y otras menos. El entonces joven Tim Robbins (Andy Dufresne) protagonizó la mejor peli de su carrera, mientras que se puede decir lo mismo del experimentado Morgan Freeman. Grato fue ver al veteranísimo James Whitmore en el papel del presidiario anciano, el que se encargaba de la biblioteca de la prisión. Bob Gunton encajó bien en el rol del jefe de la prisión, un individuo corrupto e inhumano. Clancy Brown fue el policía igualmente corrupto y sádico, el que parecía divertirse golpeando a los presos.

La peli parece mostrar una realidad de una prisión norteamericana, así como de las injusticias que cometen los órganos judiciales en sus procesos, a veces condenando sin tener todas las pruebas que confirmen la culpabilidad del supuesto reo. Por eso los presidiarios bromeaban diciendo que todos ellos eran inocentes, lo cual podría ser una verdad a medias, lo que en este caso le resta mérito a la justicia.

Lo interesante de la trama es poner a un presidiario, hombre inteligente, sabio manejador de los números, las certificaciones y el papeleo burocrático por encima de todos los que le rodeaban, sean sus compañeros de prisión o los entes encargados del orden de la prisión. Es realmente moraleja de hasta donde puede llegar la inteligencia de un hombre para lo que ya se indicó como para calcular cuánto hay que trabajar para poder preparar una posible fuga.

El otro aspecto visto es como se enfatiza en como afecta la conducta y la psiquis del presidiario una vez se le deja libre con la condicional. Es una persona inhibida, incapaz de tomar decisiones, pues a todo le teme, incluida la propia vida.

Creo innecesario seguir hablando de la trama y así no habrá spoilers al efecto. Si no la has visto, te invito a que la veas, está disponible en Netflix. ¿Saben que número tiene la peli por su calidad en la base de datos internacional de cine, IMDB.com? El número 1, se dice fácil, y está bien ganado.   

Esteban Hernández
4 septiembre 2024

“El principio de no intervención es una de las primeras
obligaciones de los gobiernos, es el respeto debido a la
libertad de los pueblos y a los derechos de las naciones.”
Benito Juárez

Parece que hay algunos dirigentes que padecen amnesia en el país afectado, en este caso, Hungría, y no desean recordar como la URSS aplastó a un movimiento, cuyo objetivo era realmente el de democratizar el régimen socialista que se estaba imponiendo, todo por ukaz del Kremlin.

El tema de la revolución en Hungría en 1956 ha sido tratado en este blog con anterioridad (https://deportescineyotros.com/2019/10/23/la-revolucion-en-hungria-1956/), por lo que los interesados pueden acceder a este enlace y leer algo de lo sucedido.  

La peli en cuestión fue dirigida por el director nacido en Kiev, Ucrania, Anatole Litvak, con guion de George Tabori y Guy de Maupassant, y con el protagonismo del actor nacido en Rusia, Yul Brynner, la destacada actriz Deborah Kerr y el debut como actor en cine de Jason Robards Jr.

La trama busca la manera de denunciar como los soviéticos pisotearon el territorio Magyar entonces, y lo logra en buena medida, pero a veces peca de detalles imprecisos. Por ejemplo, una guerrillera húngara, interpretada por Anouk Aimée, que sale continuamente a los ojos de la jerarquía militar soviética y que campea libremente por lares cercanos a la frontera con Austria. Luego ese contacto continúo del jefe militar (Brynner) con el grupo de extranjeros retenidos, a los que se les cedió salvoconducto para poder llegar a Austria, pero que, por causas desconocidas, fueron detenidos justamente en una aldea próxima a la frontera.

Conociendo a los soviéticos, me pareció un poco inventada la historia. Coincido que cuando un oficial de este régimen sospecha algo de un ciudadano, no cejará hasta que no llegue a saber la verdad. Brynner se obsesionó con un verdadero sospechoso (Robards) y su aliada (Deborah Kerr).

A lo largo del filme se oyen órdenes y diálogos en ruso, cortas conversaciones en húngaro. Brynner, en más de una ocasión, se le vio fumando papirosa rusa y no los cigarrillos occidentales. Este actor no necesitó de doblaje para hablar ruso, a fin de cuentas, su lengua natal. Todos esos ingredientes válidos para dar la impresión de un ambiente real de aquella ocupación.

Los tiroteos entre guerrilla y ejército soviético se oían con regularidad, muy creíble, ya que la población húngara rechazó la intervención soviética y hasta hubo niños involucrados en la resistencia. El epílogo del filme es pura invención, aquí cabe repetir el título de otra peli famosa soviética, Moscú no cree en lágrimas, y mucho menos en medio de una guerra.

Era la segunda vez que Hungría era invadida por tropas rusas o soviéticas. La primera vez fue en 1848 cuando en Hungría surgió un movimiento liderado por el ministro de finanzas Lajos Kossuth, el poeta Sandor Petöfi y el novelista Mór Jókai, a favor de la separación (liberación) de Hungría del imperio austríaco. Prácticamente los húngaros tenían la victoria en la mano y obligó al emperador de Austria a acceder en muchas de las demandas populares, a la vez que huía a Innsbruck para estar alejado de las revueltas. Para su suerte, el zar Nicolás I envió una tropa de 200 mil soldados, la que aplastó a aquella revolución. Un poco más de un siglo después se repitió la historia, la dirigencia húngara no podía tomar medidas no aprobadas por Moscú, y vino el desenlace fatal con la pérdida de vidas humanas.

Llegado el año 2024 parece que en Budapest la amnesia prevalece en aquellos que la gobiernan en la actualidad, por lo que filmes como este o como el drama histórico “A köszívü ember fiai (1965)” (Hijos de un hombre de corazón de piedra) relativo a lo ocurrido en 1848 no viene mal que la vean por segunda vez, llegado el caso.

Esteban Hernández

17 agosto 2024

Nota: el filme húngaro mencionado está disponible en DVD con subtítulos en inglés. Existe una versión online con subtítulos en español.

“El amor siempre me ha impulsado a superarme.”
Alain Delon

En la mañana del 18 de agosto de 2024 las agencias de noticias trasmitían el deceso del famoso actor del cine francoitaliano Alain Delon. No fue algo sorprendente, ya que desde hacía algunos años se sabía que su fallecimiento estaba cerca, más aún al sufrir de derrame cerebral en 2019 y sufría un linfoma de tipo B, cáncer del sistema linfático.

Este actor nacido como Alain Fabien Maurice Marcel Delon el 8 de noviembre de 1935 en Sceaux, France, se convirtió en un atractivo para el sexo femenino tan pronto apareció en pantalla. Lo dicho no quiere decir que no haya tenido talento en sus actuaciones, pero la realidad es que era el “bonitillo” de la peli, así encarnara el papel de villano o de persona con mente distorsionada. Tampoco dejó de atraer a algún que otro homosexual del cine. Según el mismo dijera en una ocasión, se alejó del director Luchino Visconti por la persecución que este tenía con su persona.

Delon era hijo de una familia pobre y realmente desordenada, lo cual influyó en su comportamiento desde niño. Su padre era corso y su madre era de origen argelino, los que se separaron cuando el niño tenía 4 años. Cada progenitor rehízo su vida y el primogénito compartía hogar un día con la nueva familia del padre y luego con la de la madre Fue seis veces expulsado de la escuela y no estudió más allá de sus catorce años. Para más detalles, les invito a que lean el interesante artículo de Susana Ceballos (2021), fuente descrita al final del presente escrito.

En la década de los 50 sirvió en el ejército francés como paracaidista en Indochina. A su regreso a Francia, visitó en una ocasión el famoso festival de Cannes y allí, por su buen parecido, fue descubierto y contratado. Jamás estudió arte dramático, lo que le obligó a superarse en cada peli.   

En realidad, su debut en cine fue, cuando sólo tenía 14 años, en un corto “Le rapt (1949)” (El secuestro) de Olvier Bourguignon. Ya como actor reapareció en papel de reparto del drama “Quand la femme s’en mele (1957)” (Cuando la mujer se confunde) de Yves Allégret con Jean Servais. A continuación, se le vio en:

• Papel de reparto del filme de crimen-comedia “Una rubia peligrosa (1958)” de Marc Allégret con Mylene Demongeot, Henri Vidal y Jean-Paul Belmondo.
• Coprotagonizó con Romy Schneider, el amor de su vida, según él mismo afirmaba, en la comedia-drama “Amoríos (1958)” de Pierre Gaspard-Huit
• Nuevamente con la Demongeot en la comedia “Débiles mujeres (1959)” de Michel Boisrond
• Como secundario apareció en la comedia-drama “Amores clandestinos (1959)” también de Boisrond con Lino Ventura y Françoise Arnoul

Delon actuó después en una peli de crimen, probablemente la que le hizo conocer a nivel mundial, “A pleno sol (1960)” de René Clément con Marie Laforêt y Maurice Ronet, filme en el que interpreta el papel del cínico, envidioso y despiadado Tom Ripley. En esta peli Romy Schneider aparece brevemente en pantalla. En ese mismo año, Delon tuvo otro gran éxito en el drama “Rocco y sus hermanos” de Visconti con Annie Girardot, Renato Salvatori y Claudia Cardinale. Su interpretación de Rocco, ciudadano meridional emigrado al norte de Italia fue sencillamente estupenda.

A continuación, actuó, siempre como protagonista, en:

• El segmento Agnès Bernauer de la comedia de Boisrond “Amores célebres (1961)” con Brigitte Bardot.
• Otras comedias, “La alegría de vivir (1961)” de Clément con Barbara Lass, Ugo Tognazzi y Gino Cervi
• Del segmento “Tes pères et mère honoreras (tus padres y madre te honrarán) de “El diablo y los diez mandamientos (1962)” de Julien Duvivier con Danielle Darrieux
• Visconti le dio un importante papel de reparto en el drama histórico “El gatopardo (1963)”, donde Delon es Tancredi Falconeri, sobrino del Príncipe Don Fabrizio Salina (Burt Lancaster), mandamás en su época en Sicilia

En el resto de esa década, Delon protagonizó varios filmes de crimen, excepción de estos, fue su papel como el noble Julien de Saint Preux y su hermano Guillaume de Saint Preux en la peli de aventura “El tulipán negro (1964)” de Christian Jaque con Virna Lisi. El resto para destacar son:

• Los de crimen “Los felinos (1964)” de Clément con Jane Fonda
• “El último homicidio (1965)” de Ralph Nelson con Ann-Margret y Van Heflin
• El filme de aventura “Tres aventureros (1966)” de Robert Enrico con Lino Ventura y Joanna Shimkus
• Los de crimen “El silencio de un hombre (1967)” de Jean-Pierre Melville con Cathie Rosier y su entonces esposa, Nathalie Delon. Esta peli es más conocida como “Le samouraï”, pero el título en español es muy apropiado, ya que Delon casi no habla en la peli. Su actuación se basó en sus miradas y en su quehacer como gánster.
• “Diabólicamente tuyo (1967)” de Duvivier con una desbordante sensualmente Senta Berger
• “La piscina (1969)” de Jacques Deray le junta nuevamente con Romy Schneider y Maurice Ronet, con desenlace misterioso, pero que hace recordar “A pleno sol”
• Una vez más con Lino Ventura y por primera vez con Jean Gabin en “El clan de los sicilianos (1969)” de Henri Verneuil

En lo sucesivo, Delon quedó encajado en varios filmes de crimen, como fueron:

• “Borsalino (1970)” de Deray, que fue la primera estrecha colaboración protagónica de Delon con Jean Paul Belmondo,
• “Círculo rojo (1970)” de Melville con Yves Montand
• “La viuda Couderc (1971)” de Pierre Granier-Deferre con Simone Signoret, la viuda de la peli, enamorada del profugo Delon
• Con la Signoret volvió a actuar en “Las granjas ardientes (1973)” de Jean Chapot
• Previamente encarnó el papel del asesino de Trostky, Ramón Mercader, al que llaman Frank Jackson en “El asesinato de Trostky (1972)” de Joseph Losey con Richard Burton y Romy Schneider
• “Scorpio (1973)” de Michael Winner con Burt Lancaster, peli con todo un enredo de espías soviéticos y norteamericanos
• Con Gabin nuevamente en “Dos hombres en la ciudad (1973)” de José Giovanni
• “Tony Arzenta (1973)” de Duccio Tessari con Richard Conte, en la que Delon es un criminal que trata de desvincularse de la mafia y su trabajo sucio
• Una secuela de Borsalino en 1974, donde encarna al jefe que trata de vengar la muerte de su amigo Belmondo
• “Historia de un policía (1975)” con Jean-Louis Trintignant y Renato Salvatori, estos dos últimos filmes de Deray
• “Alias el gitano (1975)” de José Giovanni con Annie Girardot
• “Muerte de un corrupto (1977)” de Georges Lautner con Ornella Muti
• “El derecho a matar (1980)” de Deray con Dalila Di Lazzaro

También este laborioso actor se le vio en algunos oestes, nada del otro mundo, como fueron:

• “Texas (1966)” de Michael Gordon con Dean Martin,
• “Sol rojo (1971)” de Terence Young con Charles Bronson y Toshiro Mifune
• “Zorro (1974)” de Duccio Tessari con Ottavia Piccolo

En el género de acción tiene en su repertorio:

•  “Aeropuerto 79 (1980)” de David Lowell Rich con George Kennedy y Robert Wagner,
• “Teheran-43 (1981)” de Aleksandr Alov y Vladimir Naumov con Natalya Belokhvostikova y Curd Jürgens

En dramas, protagonizó:

• “El otro señor Klein (1976)” de Joseph Losey con Jeanne Moreau, filme que delata los desmanes de los nazis con los judíos en Francia, y como en las redadas de los nazis no se salvaba cualquiera que fuera sospechoso
• “Nuestra historia (1984) de Bertrand Blier con Nathalie Baye
• Con la experimentada Lauren Bacall en el drama “El día y la noche (1997)” de Bernard-Henri Lévy.

A finales de los años 60, Delon logró crear su propia compañía fílmica, Adel Film. Fue así como, además de productor, logró dirigir cuatro películas.  En el orden personal era un amante de los animales y en su finca poseía todo un zoológico. En eso se parecía a la actriz Brigitte Bardot.

Nominado para premio César como mejor actor por “El otro señor Klein” (1976) y “Muerte de un corrupto (1977)”. Obtuvo premio César como mejor actor por “Nuestra historia (1984)”. Nominado para Globo de oro como mejor actor debutante por “El gatopardo (1963)”. En 1972, obtuvo el premio Special David en el certamen David di Donatello. En 1995 obtuvo Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín en honor a su carrera artística. En el 2003 obtuvo premio a su carrera en el festival de cine de Marrakech. 

En resumen, actuó en 107 pelis entre 1957 y 2019, productor de 39, guionista de 10 y director de cuatro filmes. Su muerte en la fecha ya indicada tuvo lugar en su finca de Douchy en el centro de Francia.

Fuentes consultadas

IMDB.com

AFP. 2024. El doloroso crepúsculo de Alain Delon: enfermo y bajo tutela. El Mundo, 19 agosto 2024. https://www.elmundo.es/cultura/cine/2024/08/19/66c3023ee85ece69588b4573.html

Ceballos Susana. 2021. Alain Delon: la triste y violenta infancia del eterno galán francés. Teleshow, 20 septiembre. https://www.infobae.com/teleshow/2021/09/20/alain-delon-la-triste-y-violenta-infancia-del-eterno-galan-frances.

Esteban Hernández
20 agosto 2024

“Sólo se puede percibir la verdadera belleza
en una persona a medida que envejece.”
Anouk Aimée

Hace poco supe que la actriz francesa de referencia había muerto el 18 de junio de 2024 en su natal París. En el acto me puse a recordar dos de sus famosas actuaciones, la más importante en “Un hombre y una mujer (1966), película dirigida por Claude Lelouch, la que contó con pocos recursos, pero los suficientes para lograr una verdadera joya del cine en los años de esplendor del cine francés.

Se trata de una conocida actriz francesa, pero no de las más famosas. Cuando me he referido a ella, muchos preguntan: “¿quién es esa?”. Veamos algo de su biografía, Nicole Françoise Florence Dreyfus nació el 27 de abril de 1932, en París, Francia, no poseía una belleza extraordinaria, pero si el don de crear atracción dentro de los espectadores masculinos. Aimée (del francés amada) era hija de actores, padre judío (Henry Murray) y madre cristiana, la actriz Genevieve Sorya. Su formación escolar fue cristiana y su apellido judío lo escondió durante la segunda guerra, en su lugar usó el Sorya de su madre. Alcanzada la mayoría de edad se convirtió al judaísmo. Anouk hizo su primera aparición en el cine cuando tenía solo 14 años, fue en papel protagónico del filme “La maison sous la mer (1946)” (La casa sobre el mar) de Henri Calef. Luego interpretó el papel de Julieta en el drama “Los amantes de Verona (1949)” de André Cayatte con Pierre Brasseur, Tuvo un papel secundario en El drama “Los amantes de Montparnasse (1958)” de Jacques Becker con Gérard Philippe, y un año actuó en el drama político “Rojo atardecer (1959)” de Anatole Litvak con Yul Brynner y Deborah Kerr, peli rodada en Austria sobre la intervención soviética en Hungría (1956).

Anouk se hizo conocer con su actuación en el filme “La dolce vita (1960)” de Federico Fellini, donde ella toma una parte muy activa en la segunda parte de la peli y sostiene dialogo y flirteo con el protagonista, Marcello Mastroianni. Se sabe que ambos tuvieron una relación como pareja por un tiempo, me imagino que haya comenzado en ese momento. Su performance fue notable en este enredado filme, al menos difícil de entender para el que suscribe. Tuvo otros papeles de reparto los dramas “Sodoma y Gomorrah (1962)” de Robert Aldrich con Stewart Granger y Pier Angeli, y “8 ½ (1963)” bajo la dirección de Fellini nuevamente con Mastroianni y Claudia Cardinale. En ese período logró protagonizar el drama “Lola (1961)” de Jacques Demy con Marc Michel, donde Anouk interpreta el papel de Lola, la cabaretera.

Su gran éxito llegó cuando junto al experimentado Jean-Louis Trintignant protagonizaron el drama romántico “Un hombre y una mujer (1966)”, peli con una banda sonora inolvidable y donde ambos interpretes aparecen como viudos enamorados. El roce nada frecuente entre ellos fue creando el ambiente requerido para el romance y la pasión. Sin llegar al nudismo, hay escenas no habladas de mucha intensidad, las que siempre recuerdo como algo extraordinariamente sensual.  En 1986 hubo una segunda parte de esta trama, la que no tuvo el éxito de la primera al carecer de emoción y esfumarse toda esa pasión del filme de 1966.

Anouk actuó en un total de 92 filmes entre 1947 y 2019, en algunos con éxito, en otros con aceptación y el resto para olvidar, pero su actuación en el filme ya mencionado de 1966 ha pasado a la historia como lo mejor de la trayectoria de los dos protagonistas y su director, eso sin olvidar el exquisito tema musical aportado por Francis Lai. Estimados lectores, si no la han visto, les invito a que lo hagan, seguro que les agradará.

Esteban Hernández
19 julio 2024

“La vida es una obra de teatro, por eso canta, ríe,
llora y vive intensamente cada momento de tu vida antes
que el telón se baje y la obra termine sin aplausos.”
Charles Chaplin

A decir verdad, había oído su nombre, no sabía nada de su obra y me hice idea que era tan mexicano como el actor Arturo de Córdoba. Sin embargo, por pura casualidad, en la búsqueda de otra información, me encuentro en uno de los números de la revista Carteles de 1919 un artículo exaltando a la figura de este gran actor “cubano”. Por suerte, revisé  fuentes asequibles y pude saber que Pedro no era mexicano, ni cubano, era un actor teatral y de cine estadounidense, nacido el 28 de septiembre de 1881 en Nueva York, hijo de madre francesa y padre cubano.

La revista Carteles hablaba de Pedro como si fuera un criollo más, de sus raíces cubanas, en fin, de todo lo bueno de la guayaba y la chirimoya, pero ni una palabra de su madre francesa, tampoco que era nacido en Nueva York. Después de todo provoca risa, eso es igual a decir que César Romero o Cameron Díaz eran cubanos. Ambos tienen raíces cubanas, pero no son cubanos.

Así y todo, Pedro de Córdoba fue un actor reconocido tanto en la época silente como sonora del cine, o sea pudo hacer la transición sin dificultades. Su buena presencia le hacía aparecer en muchas cintas como otro atractivo latín lover. Trabajó en teatro de Broadway, cine y en programas de radio. En el cine debutó en el corto “The little white violet (1915)” (La pequeña violeta blanca) de Lucius Henderson con Mary Fuller.

En el cine silente, su actuación más notable fue interpretando el papel del Duque de Buckingham en el drama “La hermana del rey (1922)” de Robert G. Vignola con Marion Davies y Lyn Harding. Luego actuó junto a Lionel Barrymore y Alma Rubens en el drama “Los enemigos de la mujer (1923)” de Alan Crosland.

En 1925 actuó en un corto y no volvió al cine hasta 1929 en otro corto, “Hunt the tiger” (Caza al tigre). Otra pausa y su reaparición ocurrió en el filme épico “Las cruzadas (1935)” de Cecil B. DeMille, donde Pedro interpretó el papel de Karakush, personaje nada cristiano. Michael Curtiz le dio un papel de reparto, Don Diego, en la peli de aventura “El capitán Blood (1935)” con Errol Flynn y Olivia De Havilland. En un filme similar, “El caballero Adverse (1936)” Curtiz lo volvió a incluir en el reparto de actores.

En 1940 tuvo actuaciones en dos películas famosas en su momento, la divertida comedia “La mujer favorita” de Garson Kanin con Irene Dunne y Cary Grant, y el filme de crimen-terror “El mago de la muerte” de Nick Grinde con Boris Karloff y Bruce Bennett. Alfred Hitchcock le dio un papel de reparto en la peli de suspense-bélica “Sabotaje (1942)” con Priscilla Lane y Robert Cummings.

En lo sucesivo fue como siempre actor de reparto y se le vio en filmes de variados géneros como fueron:

• La peli de aventura “El triunfo de Tarzán (1943)” de Wilhelm Thiele con Johnny Weissmuller
• El drama histórico “Por quién doblan las campanas (1943)” de Sam Wood con Ingrid Bergman y Gary Cooper, donde Pedro interpretó al coronel Miranda
• El drama “La canción de Bernadette (1943)” de Henry King con Jennifer Jones y Charles Bickford
• El filme de misterio “Club Havana (1945)” de Edar G. Ulmer
• El filme de crimen “Escándalo en París (1945)” de Douglas Sirk con George Sanders, donde Pedro interpreta el papel de cura
• La comedia “Tiempo de vivir (1948)” de H.C. Potter con James Cagney
• El bíblico “Sansón y Dalila (1949)” de Cecil B. DeMille con Victor Mature y Hedy Lamarr

La década de los 50 marcó el final de su carrera, así se le vio en el oeste “Orgullo de comanche (1950)” de George Sherman, en dos episodios del serial de TV “El Llanero solitario”, la comedia-musical “La heredera cubana (1951)” de William Beaudine, y otro oeste, “El hacha de la venganza (1951)” de Lew Landers con Jon Hall, en el que Pedro interpreta el papel de un cacique indio.

En resumen, actuó en 124 filmes entre 1915 y 1951, y murió el 16 de septiembre de 1950 en California, Estados Unidos.

Esteban Hernández
13 junio 2024

Una película de ritmo lento y con suspenso que te dejará
boquiabierto. Su gran trama te mantendrá en tensión durante
las dos horas de duración. Una película muy conmovedora.
Mezclas de comentarios de IMDB.com

Un drama supuestamente histórico sobre cómo la justicia alemana manejó el asunto de los acusados de crímenes durante la segunda guerra. La trama es un poco difícil que resulte en la coincidencia que la cinta muestra desde el inicio, la cual provoca una especie de contradicción consigo mismo y con sus seres más allegados de un abogado defensor de un acusado de homicidio de un criminal nazi de guerra.

La secuencia en que se muestra la trama es realmente original, eso independientemente de que el método de combinar escenas del pasado y del presente de manera alternada y no siguiendo un curso normal de los hechos, no es nada nuevo en el cine actual.

Una vez más, el filme muestra el celo de las autoridades judiciales germánicas en esconder, sí, es esconder la realidad de los hechos, la realidad de los crímenes salvajes ejecutados por los nazis, el exterminio sádico de judíos, sean niños como adultos. Ese celo se escondía detrás de alguna que otra ley promulgada durante los primeros años de la Alemania Federal, las que venían a ser un borrón y cuenta nueva llegado a un punto, lo cual facilitaba la absolución de verdaderos asesinos, los que vivían de manera normal al no tener problemas económicos que los agobiaran.

El racismo pintó la peli, sucede que el abogado defensor era de origen turco. ¿Quién ha visto un turco impartiendo leyes? Un racista lo diría así, en la peli se lo dijeron de otra manera, “de no haber estudiado, estarías vendiendo kebab”.

Este filme presenta muchas escenas que ayudan al espectador a meditar sobre lo ocurrido en el pasado y hasta donde se hace necesaria la intervención de la justicia para, quizás, evitar repeticiones tristes y amargas en un futuro de esa parte de la población que se eriza tan solo ver la piel oscura de otros seres.

El tema no es nuevo, pero la peli se muestra de tal manera que a uno lo alarma cuando ve la arrogancia y el desprecio de esos que se creen parte de una raza particular, mal llamada aria.  Es ahí donde radica el mérito del filme dirigido por Marco Kreunzpaintner, el cual incluyó en su reparto al experimentado Franco Nero en el papel de Fabrizio Collini adulto y viejo, el cual fue testigo de las salvajadas nazis en la Toscana; a Elyas M´Barek, actor alemán, supongo de origen turco, el cual interpretó con mucho acierto el papel de abogado defensor; y a Heitner Lauterbach, el sabio Catedrático en leyes, el hombre que busca adecuar el sistema para proteger el prestigio del establishment, así tenga sutilmente que defender las atrocidades del pasado. Creo que ellos tres le dieron brillo a la peli que, representó una útil crítica a algo que no puede ser eludible.

Esteban Hernández
2 mayo 2024