«No existe otro clima o suelo como el de Arizona. Es mi tierra, mi casa, la tierra de mi padre, a la que ahora no me dejan volver. Quiero terminar allí mis días, y ser enterrado entre aquellas montañas«.
Gerónimo

Esteban Hernández

El oeste o western se refiere a un género de película muy abordado en EE UU, que al inicio se refería a hechos ocurridos en la zona occidental de ese país, pero que con el tiempo fue incluyendo otras zonas norteamericanas, tanto de EE UU, de Canadá y de México. El oeste es de por si el género de vaqueros o de jinetes donde aparece gente “buena” y “mala”.

El estereotipo del vaquero bondadoso es el de vestir bien, siempre limpio, con un sombrero de lujo, el que a veces no se cae ni en las broncas más intensas (ejemplo: Hopalong Cassidy), de buenos modales, caballo blanco o negro azabache, buen jinete, rápido al sacar su revolver de la funda, capaz de darle tantas trompadas como necesite al adversario, y siempre al servicio de la ley. El villano es por lo general una persona poco afeítada, con bigotes horribles, sombrero grande y tosco, a veces gordo, otras veces delgado y largo, ladrón y delincuente en todo, para los que la la ley no significa nada. Estas son las imágenes que nos han trasmitido durante décadas sobre el vaquero bueno y el malo en los filmes del oeste que hemos visto.

El primer film del oeste se realizó en 1903, “Asalto y robo de un tren” del director Edwin S. Porter y producido por la Edison Company. La película solo dura 12 minutos, en la que actuaron dos personas que se mantuvieron por mucho tiempo en el cine, uno fue Gilbert M. “Bronco Billy”, cuyo nombre real era Max H. Aronson, y el otro, Tom London.

Siete años después hizo su debut en cine el famoso Tom Mix, hombre nacido en la parte oriental de EE UU, Pensilvania y que había ya impresionado a sus coterráneos con una cabalgada de 50 hombres, que trataba de asemejarse a los “Rough Riders” de Teddy Roosevelt, los mismos que invadieron Cuba durante la guerra hispano-americana. Se llegó a afirmar que Mix era un Rough Rider (Jinete tosco), lo cual no era cierto. Lo que si es cierto es que Mix se convirtió en la estrella del cine del oeste y llegó a ganar hasta US$ 20000 semanales. Varias decenas de oeste silentes fueron protagonizados por el “valiente” Mix, el que siempre combatía a los malos y al final se alzaba con la victoria.

Tom Mix, protagonista pionero de los Oestes

Con la llegada del cine sonoro cambiaron muchas cosas en el mundo del séptimo arte, los grandes actores y actrices, cuyas voces no eran las mejores, tuvieron que ceder sus puestos a otros mejor dotados para hablar. En esos momentos fue cuando Mix se fue a actuar en circos y abandonaba el mundo del cine.

Los oestes se clasifican en:
– Clásicos, cuyas mejores realizaciones tuvieron lugar en su época de oro, dirigidos por sea por John Ford (John Martin «Jack» Feeney), Howard Hawks, Bud Boetticher, Sidney Salkow o Anthony Mann entre otros, así como otros directores ocasionales como fueron los casos de Michael Curtiz, Nicholas Ray, King Vidor, Delmer Daves, George Stevens, Raoul Walsh y Robert Aldrich.
– de categoría B. Estos últimos eran filmes de poca duración, máximo 70 minutos, que usualmente la televisión cubana, en la década de los 50, ponía en el horario de 7 a 8 p.m.
– Crepusculares, surgidos en la década de los 60 y con un buen número de antihéroes como personajes principales. Entre esas películas están Mayor Dundee (1964), Grupo salvaje (1969), Pat Garrett & Billy the Kid (1973)
– Spaghetti, ocasionalmente con buenas tramas, pero sencillos en su realización por lo general. Se denominan spaghettis por estar realizados en Europa con dirección y protagonismo italiano. Ejemplos son Por un puñado de dólares (1964), El bueno, el feo y el malo (1966), Hasta que llegó su hora (1968) (también conocido como Érase una vez en el oeste).
– Chili, donde se incluyen los oestes de realización mexicana.

Los oestes, en opinión del que suscribe, pueden clasificarse por su contenido como:

– Épicos e históricos <Murieron con las botas puestas (1941), Fort Apache (1948), Entre dos juramentos (1950), Río Grande (1950), Toro Sentado (1954), La última orden (1955), Los siete magníficos (1960), El Álamo (1960), El último de los Mohicanos (1992) Gerónimo, la leyenda (1993)>
– Con acento criminal <Pasión de los fuertes (1946), Llega un pistolero (1956), Duelo de titanes (1957), El árbol de la horca (1968), Río Bravo (1959), El hombre que mató a Liberty Valance (1962)>
– Con énfasis dramático <Duelo al sol (1946), Río Rojo (1948), Solo ante el peligro (1952), Hombres errantes (1952), Raíces profundas o Shane (1953), Hondo (1953), Johnny Guitar (1954), Johnny Concho (1956)>
– Con énfasis de comedia <El día de los tramposos (1970), Le llamaban Trinidad (1971), Mi nombre es… ninguno (1973) >
– De entretenimiento, donde el bueno vence siempre al malo, películas de pocos argumentos, que por lo general corresponden a los llamados filmes de categoría B.

En los años 60 el oeste comenzó a hacer mayor énfasis en los antihéroes. Su principal promotor fue el director Sam Peckinpagh, a cuyos filmes se le llamaron “crepusculares”. Al mismo tiempo surgieron los spaghettis fabricados en Europa, algunos de calidad, otros para olvidar, los que se realizaban fundamentalmente cerca de Almería, España, en una zona árida, a la que se llama “El pequeño Hollywood”. Entre esa oleada de oestes italianos surgió el director Sergio Leone, el que reclutaba a hombres como Clint Eastwood, Henry Fonda, Charles Bronson, Eli Wallach y Lee Van Cleef entre otros, como sus principales protagonistas. Del cine italiano también emergieron algunas figuras protagónicas como Franco Nero en el papel de Django y el cubano Tomas Milian. Tampoco se pueden omitir los oestes co-producidos por Alemania-Francia-Italia-Yugoslavia, dirigidos por Harald Reini, sobre el héroe indio apache Winnetou (Pierre Brice) con su eterno amigo blanco Old Shatterhand (Viejo Mano Cortante) interpretado por el ex- Tarzan, Lex Barker.

Ford es considerado por todos como el padre de este género y gran parte de su éxito se debió al poder agrupar a actores destacados. El más famoso de todos ellos fue John Wayne, el que regularmente era acompañado en sus películas por John Carradine, Ward Bond, Harry Carey y Noah Beery Jr. entre otros. James Stewart y Henry Fonda también llegaron a actuar bajo la dirección de Ford en oestes, sea como protagonistas o co-protagonistas con Wayne. Dentro de las damas, las más asiduas fueron Claire Trevor, Maureen O’Hara, Barbara Stanwyck, Joanne Dru y Susan Hayward.

Wayne (Marion Robert Morrison), nativo de Iowa, había debutado justamente al inicio del cine sonoro y su primer oeste importante fue “La gran jornada (1930)” de Raoul Walsh, donde actúa el también joven Tyrone Power. Su figura atlética, alto y de buen parecido le hacían el ideal para convertirse en el más legendario de los vaqueros que hayan pasado por Hollywood. Durante años Wayne protagonizó oestes dirigidos por Robert N. Bradbury y luego se convirtió en el personaje de Stony Brooke dirigido por George Sherman hasta que Ford lo reclutó como su estrella principal.

Otros actores que se destacaron notablemente en este género fueron Randolph Scott, el que debutó en cine como maestro de la joven estrella Gary Cooper para hablar en dialecto de Virginia en la interpretación de GC en el film “El virginiano (1929)”, película en la que RS llegó a actuar también; el amigo de Scott, Joel McCrea, Errol Flynn, Barry Sullivan, Lex Barker, Gregory Peck, Burt Lancaster, Kirk Douglas, Richard Widmark, Tyrone Power, Henry Fonda, James Stewart, Audie Murphy, Charles Bronson, Steve McQueen, Lee Marvin, Clint Eastwood y otros más.

Gary Cooper en «El Virginiano (1928)»

Los entonces veteranos vaqueros, Randolph Scott y Joel McCrea, en «Duelo en la alta sierra (1962)»

En realidad era muy extraño ver a un actor del cine americano del pasado que no haya actuado en algún oeste. Hasta estrellas como Humphrey Bogart y James Cagney incursionaron este género, como fue en la película “Oklahoma Kid (1939)” de Lloyd Bacon. Una de las primera películas sonoras de Clark Gable fue el oeste “Desierto pintado (1931)” junto con William Boyd. Edward G. Robinson no dejó de ser el malo en el oeste “Ciudad sin ley (1935)” de Howard Hawks con Joel McCrea como hombre bueno y dulce con la protagonista principal, Miriam Hopkins. Hasta Omar Sharif se le vio como villano en el oeste “El oro de McKenna (1969)” de J. Lee Thompson, protagonizado por Gregory Peck y donde también actuaron Robinson, Telly Savalas y Lee J. Cobb en papeles de reparto.

Si de villanos se trata en oestes clásicos habría que mencionar a Victor Jory, John Ireland, Elli Wallach, Telly Savalas, entre otros.

Los actores que más interpretaron los papeles de indio son los mexicanos Gilbert Roland (Luis Antonio Dámaso de Alonso), Ricardo Montalbán, Anthony Quinn (Antonio Rodolfo Quinn Oaxaca), así como Henry Brandon (Heinrich von Kleinbach, nacido en Alemania), Charles Bronson (Charles Bruchinsky de origen lituano), Jeff Chandler, Victor Mature, Sal Mineo (de origen italiano).

El indio Cherokee, Wes Studi, ha interpretado varios papeles en cine del oeste, fue el duro Pawnee en “Bailando con los lobos (1990)”, el malvado Magua de “El último de los Mohicanos (1992)”, el Gerónimo del film de 1993, así como en otros oestes donde se aborda la vida o lucha de los indios. Entre las mujeres, las que más han interpretado papeles de india están la mexicana Dolores del Río, Debra Paget y Jean Peters.

Wes Studi en el papel de Magua en «El último de los mohicanos (1992)»

Gilbert Roland y Dolores del Río en papeles de indios en «El Gran Combate (1964)»

En los oestes B la lista de actores es larga, entre los más conocidos están Hopalong Cassidy (William Boyd), Buster Crabbe cuando dejó de ser Flash Gordon y Buck Rogers, Tim McCoy, Bob Steele, Rod Cameron, Sunset Carson, Johnny Mack Brown, Ray Corrigan, Tex Ritter (Woodward Maurice Ritter), Don Barry, Robert Livingston, hasta llegar a los oestes musicales con Gene Autry y Roy Rogers. El actor Robert Mitchum se había iniciado en el cine actuando como villano en las películas de Cassidy, luego se hizo otro buen vaquero del cine clásico. No faltaban los comediantes en los oestes, los más usuales eran Al St John, Raymond Hatton, Guinn “Big Boy” Williams y George “Gabby” Hayes, quien llegó a tener su propio show en la TV. Entre los directores más asiduos de oeste B estaban Sam Newfield, John English, Lester Orlebeck, Lesley Selander y William Witney entre otros.

Sunset Carson, protagonista asiduo de Oestes B

George «Gabby» Hayes comediante regulara en los Oestes

Los mismos oestes B fueron los que dieron lugar a la aparición de muchos seriales sobre varios héroes, como el Zorro, el Llanero solitario, Red Ryder, Cisco Kid con Duncan Renaldo, y otros más. Estos seriales hicieron aparición desde inicio de los años 30, primero en salas de cine, luego por la televisión.

En 1965 el director Spencer Gordon Bennet reunió a varios actores del oeste en el pasado, entre ellos Dan Duryea, Rod Cameron, Buster Crabbe, Bob Steele, Richard Arlen, Johnny Mack Brown, Edmund Cobb, Gilbert M. ‘Broncho Billy’ Anderson y Norman Willis en el film “The bounty killer” (El asesino generoso), donde Duryea es un hombre que aprende de la vida y de los matones hasta convertirse en un hombre que mata por recompensa y por venganza a otros asesinos que casi lo logran aniquilar en una ocasión. Este oeste puede considerarse como un homenaje a esos tantos actores que trabajaban duramente en el año, actuando en decenas de películas por sueldos sumamente bajos. Ni que decir de aquellos que hacían los papeles de malvados, como fueron Glenn Strange, Charles King, Roy Barcroft, Jack Ingram, John Merton (Myrtland La Varre) entre otros, los que tienen en su haber actuado en más de 400 películas cada uno.

El villano eterno, Charles King, al centro con Al Fuzzy Jones y Buster Crabbe (der.) en «Ghost of Hidden Valley (1946)»

Fuera de escena, el villano Glenn Strange estrecha la mano de su rival, William Boyd (Hopalong Cassidy)

Los personajes positivos y negativos abundaron como héroes en estas películas. Los más usados fueron Billy The Kid, personaje interpretado por varios actores como Buster Crabbe y Bob Steele, en la era moderna por Paul Newman de forma muy convincente y Val Kilmer; y el Zorro con Reed Hadley, que para el que suscribe fue el mejor de todos, Tyrone Power, Guy Williams hasta llegar al mediocre papel interpretado por Antonio Banderas. Clayton Moore interpretó varias veces el papel del Llanero Solitario, mientras que el delincuente de Jesse James fue convertido en héroe e interpretado por Tyrone Power, Alan Baxter, Robert Wagner, James Keach hasta llegar a nuestros días en las interpretaciones de Colin Farrell y Brad Pitt. Wyatt Earp ha sido otro personaje llevado a la pantalla en varias ocasiones, así se ha visto actuar a Henry Fonda, Burt Lancaster, Buster Crabbe, James Stewart hasta los más recientes con Kevin Costner y Kurt Russell. El primer Cisco Kid lo interpretó Warner Baxter en 1928, luego Cesar Romero y Gilbert Roland se hicieron de ese papel hasta que Duncan Renaldo lo obtuvo para el serial televisivo, muy famoso en Cuba todos los domingos durante la década de los 50. Jimmy Smits puede considerarse el último Cisco Kid, rol que interpretó en 1994.

Clayton Moore en el papel del Llanero Solitario

“La diligencia (1939)” protagonizada por Wayne, en el papel de Ringo Kid, y Claire Trevor fue probablemente el primer éxito de John Ford en este género y el oeste de más renombre entonces. Sin embargo, esta película en lo personal no motivó al que suscribe. En la misma se ve a los indios detrás de una diligencia, en la que Wayne y John Carradine no se cansan de matar a los nativos de su propia tierra. Considerar a Ford como defensor de los indios es una aseveración que no tiene todo fundamento.

John Wayne y Claire Trevor en «La Diligencia (1939)»

Lo más adverso de este género de cine es que nunca se dice la razón por la cual los indios estaban en guerra. En ese error cayeron una extensa mayoría de los directores norteamericanos de los oestes clásicos. Lo mismo Ford, que Hawks o Aldrich. Pintar a Gerónimo, Toro Sentado, Caballo Loco y a otros grandes jefes indios como terroristas fue una constante de ese género de cine.

Volviendo a Ford, sus oestes no cambiaron mucho de 1939 hasta la década de los 50. “Centauros del desierto (1956)” es una película polémica, también conocida en América Latina como “Más corazón que odio”. Los indios en este film eran secuestradores natos, se entretenían secuestrando mujeres y niños blancos. Si hubo maldad era menester abordar las causas.

Natalie Wood con John Wayne en «Centauros del desierto (1956)»

John Huston, por suerte, aborda el tema de la discriminación en el oeste “Lo que no se perdona (1960)”, donde muestra a una familia con una hija adoptiva (Audrey Hepburn), india Kiowa secuestrada cuando pequeña por la familia blanca. Sus hermanos, Burt Lancaster y Audie Murphy, adoraban a su hermana hasta que un día el menor de ellos conoce que ella era Kiowa. Los indios continuamente atacaban la casa donde vivía la Kiowa, siempre buscando hacerla regresar a sus orígenes. Murphy rechazó el ser hermano de una india como su hermana adoptiva, Lancaster la defendió hasta el final pues conocía toda la historia anterior. Este film muestra cómo se maltrataba a cualquiera que fuera indio.

Burt Lancaster y Audrey Hepburn en «Lo que no se perdona (1960)»

Aldrich se mostraba igualmente defensor de los indios, pero ni “Apache (1954)”, ni “La venganza de Ulzana (1972)” justifican que se le dé ese título. En el primer film aparece un rebelde indio llamado Masai, quien reniega del pacto de paz firmado por Gerónimo. Esta película como aspecto real de la historia presenta cómo los Apaches eran desterrados y segregados por todo el país. Sin embargo, su final es poco convincente, Masai se rinde con la esperanza de convertirse en un buen agricultor y padre de familia, ya que hasta entonces había sido un “malhechor”. En “Ulzana”, Lancaster esta vez no es indio sino perseguidor de un jefe rebelde indio de nombre Ulzana. En toda la película no se da una razón del por qué Ulzana estaba en rebeldía.

Jean Peters en papel de la india compañera de Masai en el film «Apache (1954)»

Esta situación fue bien entendida por los actores Marlon Brando y Paul Newman, los que radicalmente rechazaban los oestes de Hollywood por su intrínseca discriminación al indio norteamericano. Brando se negó a recibir el premio Oscar de mejor actor que se le otorgó por “El Padrino (1972)” como protesta por los oestes producidos por Hollywood. Newman protagonizó dos filmes que claramente ponen al indio en su lugar justo. Uno fue “Un hombre (1967) de Martin Ritt, en el que se ven las discrepancias de un blanco criado (Newman) por los indios con un burgués americano (Frederick March), y “Buffalo Bill y los indios (1976) de Robert Altman, donde se pone en tela de juicio el coraje de Bill Cody y la cantidad de indios que él aseveraba haber matado.

Paul Newman en «Un Hombre (1967)»

Las películas del oeste tienen también ingredientes falsos de la historia. El ejemplo más claro es “El Álamo (1960)” dirigido y protagonizado por Wayne, quien interpreta el papel de David Crockett. Los que conocen la historia dicen que en esa batalla cruenta y decisiva de los norteamericanos para conquistar el dominio de ese territorio mexicano, David Crockett no tuvo todo el coraje que se muestra en la película. “Tambores de guerra (1954)” de Delmer Daves muestra a un indio rebelde (Charles Bronson) de la tribu de los Modocs en el Norte de California como todo un terrorista, mientras que el enviado de paz por el presidente norteamericano, Alan Ladd, es el bondadoso. El final de ese film luce ser realmente falso.

En ese tipo de películas siempre aparecía un blanco negociador de la paz, unas veces era un James Stewart, otras Alan Ladd, como ya mencionado. Estos eran los héroes, siempre aparecía algún indio rebelde, por cuya mala voluntad se malograba la paz. En ningún momento ese cine decía cómo los blancos habían conquistado las tierras de los indios y cómo éstos eran bien relegados a un pedacito de su tierra o desterrados totalmente de la misma.

También estas películas podían tener su desliz y mostrar características no muy conocidas de algún que otro gobernante. Charlton Heston interpretó el papel del presidente Andrew Jackson, séptimo primer mandatario de los EE UU, en el drama “The president’s lady (1953)” (La dama del presidente) de Henry Levin, donde se muestra a Jackson matando indios al inicio del film.

Hay películas sobre los indios que tratan de abordar el tema generosamente pero no llegan a feliz destino. Entre ellas hay que mencionar “Flecha rota (1950)” de Delmer Daves con Jeff Chandler en el papel de Cochise, “El piel roja (1950) con protagonismo de Van Heflin, “The battle at Apache pass (1952)” con Chandler nuevamente en el papel de Cochise, “El gran jefe (1955) (o Jefe Toro Sentado) con Victor Mature como el gran jefe indio, todos éstos del director de George Sherman; y “Toro Sentado (1954)” de Sidney Salkow. De todos ellos, el más acertado fue Sherman.

Jeff Chandler en el papel de Cochise junto a James Stewart en «Flecha Rota (1950»

Muy entretenida resulta ver «El último de los Mohicanos (1992)» de Michael Mann con Daniel Day Lewis, aunque con anterioridad esta novela había sido llevado al cine por otros directores. “Chato (1972)” de Michael Winner fue una historia que exalta a un indio (Charles Bronson), el que venga la violación de su mujer por un grupo de blancos. Realmente como historia de cine vale la pena, pero es muy dudoso que algo así haya sucedido jamás. Los indios tienen sus formas de pensar y no se caracterizan por albergar odio y rencor.

El tema mexicano es también abordado de una manera simplista en muchos oestes. Hacer aparecer a todos los mexicanos como un hato de bandoleros o de gente sin sentido no es nada consecuente con la historia real de los hechos. El oeste “Los profesionales (1966)” de Richard Brooks, con Lancaster y Lee Marvin entre otros, es probablemente una película que da una idea de cómo un mexicano puede amar y un americano cree poder comprarlo todo con el dinero. El final de esta película es realmente inesperado y estimulante. La bella Claudia Cardinale va en busca de su amado jefe mexicano y malherido (Jack Palance), mientras que Lancaster y Marvin evitan que a la pareja se le haga ningún daño y puedan retornar a México.

Lee Marvin con Claudia Cardinale y Burt Lancaster en «Los Profesionales (1966)»

Como verdaderas joyas del género del oeste se pueden considerar “Duelo al sol (1946)” de King Vidor, el que logró agrupar a una verdadera constelación de estrellas del cine como fueron Jeniffer Jones, Joseph Cotten, Gregory Peck, Lionel Barrymore, Herbert Marshall, Lillian Gish y Walter Huston; “Johnny Guitar (1954)” de Nicholas Ray, película que no le faltaba nada, buen tema musical y actuaciones de primer orden de Joanne Crawford, Sterling Hayden y Mercedes McCambridge; “Llega un pistolero (1956)” con Glenn Ford y Broderick Crawford, con un duelo que uno se tiene que imaginar, ya que no se llega a mostrar; y “Cazador de forajidos (1957)” de Anthony Mann con Henry Fonda y Anthony Perkins, entre otros.

Joan Crawford y Sterling Hayden en «Johnny Guitar (1954)»

“Johnny Concho (1956)” de Don McGuire es probablemente el primer oeste de un antihéroe interpretado por Frank Sinatra, individuo que ejercía el papel de sheriff en un pueblo y donde todos le temían hasta que un día un forastero matón lo retó a duelo, el que Sinatra esquivó, con lo que toda la leyenda de su coraje se vino a tierra.

Frank Sinatra es Johnny Concho

Sería injusto no mencionar un oeste que fue una verdadera joya de actuación de Richard Dix. Se trata de “Cimarrón (1931)” de Wesley Ruggles, basado en la obra homónima de Edna Ferber. La realidad de cómo el oeste se fue conformando, las conquistas, los negocios que se iniciaron, cómo en realidad surgió una parte importante de ese territorio estadounidense es lo que muestra este film, que en ocasiones más parece una obra teatral llevada a la gran pantalla que una película de nuestros tiempos. Este film muy merecidamente obtuvo Oscar como mejor cinematografía, mejor dirección artística y mejor guión, a la vez que resultaban nominados como mejor actor, mejor actriz, mejor cinematógrafo y mejor director, Dix, Irene Dunne, Edward Cronjager y Ruggles, respectivamente. El remake de este film de Anthony Mann en 1960, protagonizado por Glenn Ford y María Schell, puede catalogarse también como de buena calidad.

Irenne Dunne y Richard Dix en «Cimarrón (1931)»

Otros oestes para recordar son “Hombres errantes (1952)” de Nicholas Ray, cuya trama gira alrededor de un triángulo amoroso compuesto por Susan Hayward, Robert Mitchum y Arthur Kennedy, uno de ellos un vaquero avezado y el otro un aprendiz celoso, la elección final dependía de ella; “El jardín del diablo (1954)” de Henry Hathaway, donde un casi delincuente interpretado por Richard Widmark, muestra un ápice final de buenos sentimientos ante el amor que logran hacer crecer la Hayward y Gary Cooper. Widmark se entrega al combate en un desfiladero repleto de indios, todo por salvar a la pareja enamorada.

Paul Newman y Robert Redford protagonizaron un oeste memorable, “Dos hombres y un destino (1969)” (Butch Cassidy & the Sundance Kid) de George Roy Hill, donde son dos vaqueros que comienzan por robar una vez y de eso se hace un hábito hasta que tienen que emigrar a América del Sur, donde continúan sus fechorías y son finalmente aniquilados. El mismo Redford protagonizó otros oestes para recordar, como “El valle del fugitivo (1969)” de Abraham Polonsky y “Aventuras de Jeremiah Johnson (1972)” de Sydney Pollack.

Los amantes del oeste siempre esperan un duelo emotivo entre el bueno y el malo, esos duelos abundan en las películas B. Sin embargo, los más recordados son aquellos del cine clásico, como el de Gary Cooper contra Burt Lancaster en “Veracruz (1954)” de Aldrich, el ya mencionado “Llega un pistolero (1956)”, “Warlock, el hombre de las pistolas de oro (1959)” de Edward Dmytryk, duelo final entre Widmark y Henry Fonda; “El último atardecer (1961)” de Aldrich también, en el que se baten Kirk Douglas y Rock Hudson, con un final casi idéntico al de Veracruz; “En nombre de la ley (1970)” de Michael Winner, y “Que viene Valdez (1970)” de Edwin Sherin, ambos oestes protagonizados por un ya envejecido Burt Lancaster, y “El gran duelo (1971) de Lamont Johnson con Kirk Douglas nuevamente y Johnny Cash.

Burt Lancaster y Gary Cooper en «Veracruz (1954)»

Hay oestes que son realmente de baja calidad, solo quiero mencionar algunos de ellos, la comedia “La batalla de las colinas del Whisky (1965)” de John Sturges con Burt Lancaster y Lee Remick, película que como comedia no hace reír a nadie y como oeste no provoca ninguna emoción; “Sol rojo (1971)” de Terence Young, film en el que se agrupa a varios estelares como Bronson, Toshiro Mifune, Ursula Andress y Alain Delon, cuya trama más necia no puede ser. El otro oeste es “Catlow (1971)” de Sam Wanamaker con Yul Brynner y Richard Crenna. Hay muchos más sean dentro del cine clásico como el B.

El cine del oeste comenzó a cambiar algo justamente con el inicio de la guerra en Vietnam. Fue ahí cuando Sam Peckinpagh incursionó felizmente en el género y creó varios antihéroes. También aparecieron algunos materiales que mostraban claramente al general Custer como un asesino y a otros “héroes” blancos con sus reales cualidades. Dentro de esos nuevos filmes encontramos “Soldado azul (1970)” de Ralph Nelson, y “Pequeño gran hombre (1970)” de Arthur Penn.

Dustin hoffman en «Pequeño Gran Hombre (1970)»

Como dijera un experto, las películas de Peckinpagh presentan a héroes perdedores, personajes anacrónicos, incapaces de adaptarse a los cambios que brinda el progreso, los que tratan de conservar sus privilegios a pesar de la evolución de la sociedad en la que viven.

Los oestes de Sergio Leone tenían como trama moralejas de sucesos del pasado y del presente. Leone un poco que combinaba la comedia con el drama para mostrar lo que en realidad él deseaba. Su mensaje así llegaba fácil al espectador.

El interés por el oeste ha descendido notablemente en las últimas cuatro décadas. Han aparecido algunos filmes de este género como el épico-dramático “Silverado (1985) de Lawrence Kasdan con Scott Glenn, Kevin Kline, Kevin Costner y Danny Glover; “Bailando con los lobos (1990)” dirigido y protagonizado por Kevin Costner, donde el indio ocupa el lugar justo que merece; los remakes del duelo de OK Corral en “Wyatt Earp (1994)” de Kasdan con Kevin Costner y Dennis Quaid o mejor aún en “Tombstone (1993)” de George P. Cosmatos con Kurt Russell y Val Kilmer.

Clint Eastwood dirigió y protagonizó un exitoso oeste crepuscular con el film “Sin perdón (1992)”, que contó con las actuaciones de Gene Hackman, Richard Harris y Morgan Freeman.

Clint Eastwood en «Sin perdón (1992)»

El tema indio, por su parte, ha recibido tratamiento aparte en películas dramáticas como “Dead Man (1995)” (Hombre muerto) de Jim Jarmusch y “The brave (1997)” (El bravo) dirigida por Johnny Depp, ambas protagonizadas por el propio Depp, y en la segunda mencionada con la actuación especial de Marlon Brando. Estas películas tratan de reflejar el estado de pobreza y aislamiento de los ciudadanos indios en EE UU, los que si bien no pagan impuestos, tienen muchas limitaciones por discriminación en su vida en general.

Hemos tratado en apretada síntesis de abordar un tema tan amplio como el oeste, donde damos nuestra opinión sobre varios filmes y lo injusto que se ha sido con el tema indio. Nuevos remakes de oestes se harán, pero dudamos que surjan nuevos originales. El tema ya está gastado, aunque nunca es tarde para rectificar y filmar nuevos materiales con el indio en el lugar que merece. El oeste, sobre todo los de categoría B, tienen la virtud de entretener sin hacerlo a uno pensar mucho.

“La gente debe ser libre con el sexo”
Elton John

Por Esteban Hernández

Uno de los actores de mayor éxito durante las décadas de los 50 hasta los 70 lo fue Anthony Perkins, hombre que incursionó en varios géneros de películas, pero que pudo triunfar en aquel lleno de terror interpretando papeles de hombres desequilibrados mentalmente.

Nacido el 4 de abril de 1942 en Nueva York, Perkins cursó estudios en la Universidad de Columbia. Posteriormente incursionó el mundo del teatro en Broadway y el de la TV. En el cine debutó en papel de reparto del drama “La actriz (1953)” de George Cukor protagonizado por Jean Simmons y Spencer Tracy, y luego en igual papel apareció en otro drama, “La gran prueba (1956)” de William Wyler con Gary Cooper y Dorothy McGuire.

Anthony Perkins y Dorothy McGuire en un afiche del film «La Gran Prueba (1956)»

Su primer papel de ente desequilibrado lo tuvo en su siguiente film el drama llamado en Cuba “Mi obsesión me condena” y “El precio del éxito” en España, cuyo título original es “Fear strikes out” (El temor poncha) en EE UU, dirigido por Robert Mulligan y que contara con la actuación de reparto de Karl Malden como padre del pelotero Jimmie Piersall (Perkins). Se trataba de un hecho real llevado a la gran pantalla sobre el famoso jugador de béisbol de los Medias Rojas de Boston.

Afiche del film «El precio del éxito (1957)»

La vida fue poco a poco mostrando que Perkins estaba hecho para protagonizar suspenses y filmes de terror, pero en sus inicios transitó por el mundo del drama. Como hombre era bien parecido, delgado, alto, con una sonrisa que no se sabía cuándo era real, ya que siempre se mostraba irónica o burlona. Tenía en su contra el hecho que en Hollywood abundaban los galanes, ya estaban los Marlon Brando y Paul Newman haciendo de las suyas, mientras que otras figuras prometedoras como el propio Robert Wagner iban quedando relegadas a un plano de estrella pero no de superestrella. A Perkins le pasaba algo similar y es muy probable que se haya dado cuenta que podía triunfar en un género de cine no precisamente dramático.

En el mismo año 1957, Perkins co-protagonizó con el gran Henry Fonda un oeste memorable “Cazador de forajidos” dirigido por Anthony Mann. Que nadie se piense que Perkins hizo un papel estilo John Wayne, nada de eso, era un sheriff nombrado pero incapaz de perseguir a un delincuente por falta de pericia en el oficio que le habían dado. Fonda, en el papel de un pistolero experimentado, le enseña que él es un Don Nadie y que su oficio había que hacerlo con diligencia y coraje. La actuación de Perkins como hombre indeciso e incapaz de tomar una decisión fue sencillamente brillante.

Perkins con Henry Fonda en «Cazador de forajidos (1957)»

Al año siguiente Delbert Mann lo llevó a co-protagonizar, con la joven Sofía Loren, el drama “Deseos bajo los olmos”, en el que también actúa el siempre eficiente Burl Ives, hombre que del canto pasó a la actuación y que en esta película interpretó el papel de padre del joven Perkins y casado con la joven Loren. El film muestra un perfecto triángulo amoroso, aunque en realidad el amor solo existía entre la madastra y el hijo. El final es típico de cualquier tragedia.

Sofía Loren y Anthony Perkins en una escena de «Deseos bajo los olmos (1958)»

En 1959 protagonizó el drama ficticio “Mansiones verdes” que termina en un amor con la joven Audrey Hepburn, luego actuó como secundario en el film bélico “La hora final” de Stanley Kramer que fuera protagonizado por Gregory Peck y Ava Gardner.

En 1960 Alfred Hitchcock lo lanzó al estrellato al interpretar el papel de Norman Bates en “Psicosis”. Hace un tiempo visité los estudios de la Universal en Hollywood. Cuando llegó el tour dentro de lo que es propiamente el área de rodaje, iba viéndolo todo en el trencito sobre ruedas de goma, y de pronto veo una casa que me lució conocida, salía de la misma un hombre que era el mismísimo Norman Bates. Los altoparlantes nos anunciaban que allí se había filmado parte del film. Cosas de la vida, nunca había visto la película y la vine a ver cuando visité por primera vez los EE UU. Les digo que me impresionó muchísimo la escena en la que Bates asesina a la huésped (Janet Leigh). Creo que esa escena es verdaderamente impactante y quedó grabada en mi memoria como algo horripilante. El mismo Perkins aseveró que la escena le resultó escalofriante cuando la vio en pantalla por primera vez. Naturalmente, los méritos fueron para Hitchcock, pero Perkins logró concretar bien su papel en el film. Creo que fue ahí que él mismo se dio cuenta que protagonizando tales películas tendría un éxito que ni Brando o Newman jamás lograrían.

Anthony Perkins en el papel de Norman Bates en «Psicosis (1960)»

Psicosis tuvo tres películas más, una en 1983, en la que el director Richard Franklyn realizó una historia sobre el regreso de Bates, una tercera en 1986 dirigida por el propio Perkins, y la última de Mick Garris en 1990, que versa sobre la vida previa de Bates, o sea la vida antes de cometer el asesinato, todas ellas protagonizadas por Perkins.

Un drama para recordar protagonizado por Perkins fue “Faedra (1962)” del director Jules Dassin, esposo de la eficiente actriz griega Melina Mercouri, con quien estableció una colaboración estrecha. Dassin dirigía y Melina actuaba, “Faedra” no fue la excepción. De nuevo Perkins es el osado hijo que termina en un amor perdido con su madrastra, la Mercouri. La película es una adaptación de una tragedia griega a la vida moderna, en la que también actúa con acierto el italiano Raf Vallone interpretando el papel de padre de Perkins y como empresario reparador de barcos, una especie de Onassis.

Melina Mercouri y Perkins en «Phaedra (1962)»

A continuación Orson Welles llevó a Perkins a protagonizar el drama “El proceso”, donde la co-protagonista es la famosa Jeanne Moreau, entonces en pleno auge en su carrera. El film tiene una trama interesante de un hombre que se le lleva juicio sin saber los cargos por los que se juzgaba, como dijera un crítico de esta película, una verdadera pesadilla kafkiana.

Del resto de las películas protagonizadas por Perkins vale destacar el drama-film de crimen “Alguien detrás de la puerta (1971) de Nicolas Gessner, película de producción francesa que tuvo la también actuación de Charles Bronson como desequilibrado mental, mientras que Perkins era el psiquiatra. Al final de la película uno no sabe cuál de los dos era el más desquiciado.

Anthony Perkins y Charles Bronson en «Alguien detrás de la puerta (1971)»

Anthony Perkins en «El Proceso (1962)»

Junto a Paul Newman y a Jacqueline Bisset actuó en el drama-oeste “El juez de la horca (1972)”. Aquí Perkins era un predicador y la vez un farsante. Perkins y Newman brillaron en esta película, el segundo como otro juez inventado y todo un farsante de la justicia.

Anthony Perkins en «El juez de la horca (1972)»

Con Maximilian Schell co-protagonizó el film de ciencia ficción “El abismo negro (1979)” del director Gary Nelson, que tuvo un éxito moderado. Probablemente fue la única vez que Perkins actuó en película de este género.

Otra interpretación para recordar, en un papel bastante repugnante, así lo catalogo, tuvo en el drama-film de crimen “La pasión de China Blue (1984)” de Ken Russell con una despampanante Kathleen Turner. De nuevo Perkins es un predicador obsesionado con el cuerpo de China Blue, la rubia rompecorazones, a la que observa desde su ventana a cada instante e intenta cada vez que puede violarla. Todo eso a sabiendas que China era una prostituta y no tenía otra salida que entregarse a cualquiera que intentara acusarla ante la ley.

Perkins en «La pasión de China Blue (1984)»

En 1991 fue su última presentación en la gran pantalla y al siguiente año murió de SIDA a la edad de 60 años.

Por tratarse de una persona que murió de SIDA, surge la pregunta que todos se hacen, ¿era Perkins un homosexual?, en realidad era un bisexual. Perkins se había casado con la hermana de una cabaretera a la edad de 41 años. Con esa persona tuvo sus únicos dos hijos Sin embargo, se sabía que él había tenido relaciones con otros hombres.

En conclusiones, se puede considerar que Perkins fue un actor destacado del género de terror y suspense, pero también capaz de protagonizar dramas, incluso románticos, con mucha aceptación de la crítica y del público.

Bibliografía consultada

Hernández E. (inédito). Grandes del cine de todos los tiempos, vol. I.

«Si el cine consigue que un individuo olvide por dos segundos que ha aparcado mal el coche, no ha pagado la factura del gas o ha tenido una discusión con su jefe, entonces, el cine ha conseguido su objetivo»
Billy Wilder

Por Esteban Hernández

Los amantes del cine clásico tienen puesto en buen lugar de preferencia los llamados filmes del cine negro, término que se deriva del francés film noir. La primera persona que usó el término de film noir fue el crítico italiano Nino Frank, quien había estudiado en Francia.

Este género incluye películas con ingredientes de criminalidad dentro de una sociedad realmente corrupta. Los entes mafiosos, el contrabando y otras prácticas delictivas son puestas en evidencia, su diferencia con los filmes netamente de crimen estriban en los escenarios que se escogen, que son generalmente de lugares oscuros, con neblina, lluvias, tormentas, muchas escenas tomadas durante la noche, donde el sol está casi ausente. Por lo general se tienen héroes que pueden finalmente ser antihéroes, la generosidad no se ve por ninguna parte, ni de la justicia, ni de sus detectives y mucho menos de los malhechores. El lenguaje que se utiliza es metafórico, nada se habla por directo, lo que obliga al público a crear un poco de imaginación.

Se entiende que el primer film de este género fue el famoso “Halcón maltés (1941)” del director John Huston, quien escogió como protagonistas a Humphrey Bogart y a Mary Astor respaldado por el dúo de Peter Lorre y Sidney Greenstreet. Inicialmente se pensó en darle el protagonismo de este film a George Raft, pero Huston se plantó y pidió que fuera Bogart, quien hasta ese entonces había sido solo actor de reparto o co-protagonista. Al inicio los productores no estuvieron muy de acuerdo y finalmente Raft desechó la idea de actuar. Todo quedó listo para que Bogart se convirtiera en el detective Sam Spade, mientras que Mary Astor realizaba una de sus mejores interpretaciones como la perversa Brigid O’Shaughnessy. En esa cinta también se estrenaba un dúo para recordar, el eslovaco-húngaro-judío Peter Lorre, hombre que venía con una vasta experiencia de actuación en el cine alemán, el que tuvo que abandonar cuando Hitler llegó al poder, y el inglés, grueso, Sidney Greenstreet, quien debutaba en el cine a la edad de 69 años, y que había hecho anteriormente de todo en su vida, incluido la producción de té en Sri Lanka. Ambos le dieron el sabor necesario a ese film que es pionero y joya del cine negro de todos los tiempos.

Mary Astor con Humphrey Bogart en una escena de «El Halcón Maltés (1941)»

Los escépticos de Bogart se dieron cuenta que éste era un actor muy completo y desde entonces el gran Humprhey DeForest pasó de villano secundario a villano principal o héroe protagonista de sus filmes hasta el día de su muerte. Bogart fue sin lugar a dudas el mejor protagonista de filmes de cine negro. También Lorre- Greenstreet hicieron toda una yunta con Bogart y se les vio actuar juntos en varios filmes en lo sucesivo. Otras actuaciones notables de Humphrey DeForest en filmes de cine negro fueron en “El sueño eterno (1946)” de Howard Hawks con Lauren Bacall, que fuera su esposa, “Callejón sin salida (1947)” de John Cromwell con Lizabeth Scott, “La senda tenebrosa (1947)” de Delmer Daves con la Bacall nuevamente, “Cayo Largo (1948)” de Huston, película que se inclinaba más a ser un film de crimen y donde por primera vez Edward G. Robinson pasaba a un plano secundario con respecto al héroe del film interpretado por Bogart. Lauren Bacall, Claire Trevor y Lionel Barrymore también actuaron en esta interesante y famosa película del cine clásico. El eficiente director Nicholas Ray incluyó a Bogart en algunos de sus filmes de cine negro, como fueron “Llamad a cualquier puerta (1949)” con John Derek, y “En un lugar solitario (1950)” con Gloria Grahame, mientras que los directores Bretaigne Windust y Raoul Walsh le dieron a Bogart el protagonismo de “Sin conciencia (1951)”.

Lizabeth Scott y Humphrey Bogart en «Callejón sin Salida (1947)»

Gloria Grahame y Humphrey Bogart en «Un Lugar Solitario (1950)»

Billy Wilder fue otro de los buenos directores en este género, la evidencia es otra joya del cine, se trata de “El crepúsculo de los Dioses (1950)” que fuera protagonizado por la entonces ya veterana Gloria Swanson al lado de un destacado de la época, como lo fue William Holden. Muchos críticos sitúan esta película por delante del “Halcón Maltés” en cuanto a su excelencia. La trama de este film trata precisamente de la corrupción en el cine hollywoodense. Wilder previamente había obtenido un rotundo éxito con otra película de este género, “Perdición (1944)”, que contó con el protagonismo de Barbara Stanwyck, Fred MacMurray y Edward G. Robinson, película muy original en la perversidad y ambición de los entes interpretados por la Stanwyck y MacMurray.

Gloria Swanson y William Holden en «El Crepúsculo de los Dioses (1950)»

William Wyler logró un buen trabajo con “La carta (1940)”, protagonizado por Bette Davis, mujer adúltera y embustera, y el ingenuo marido, interpretado por Herbert Marshall. Desde un inicio se sabe quién es el culpable, el problema es saber cómo llegan los otros a saberlo ante tanto mal manejo.

Michael Curtiz hizo su aporte en este campo al dirigir “Alma en suplicio (1945)” protagonizado por la eficiente, y difícil de actuar con ella, según varios actores, Joan Crawford acompañada del muy subestimado Zachary Scott, y Jack Carson. El film trata sobre madre que ve como su hija se va con su propio amante, todo un gángster de su mundo criminal.

“Gilda (1946)” fue una película que lanzó a Rita Hayworth y al canadiense Glenn Ford a la fama. El director Charles Vidor logró componer un film lleno de expectativas, con romance y criminalidad, que ha pasado a la historia del cine como una de sus grandes obras. La interpretación de la Hayworth hizo que su entonces esposo, el gran realizador Orson Welles, la llevara a co-protagonizar con el mismo otra película de este género, “La dama de Shanghai (1947)”.

Rita Hayworth y Glenn Ford en una escena de «Gilda (1946)»

Huston también dirigió “La jungla de asfalto (1950)”, película sobre un atraco a una joyería, donde se describe con bastante nitidez la personalidad de cada uno de los ladrones. Esta película contó con los servicios de Sterling Hayden y Louis Calhern, el hombre que solía interpretar papeles de gente fina y aristocrática, y de Marylin Monroe en un papel secundario. La convincente interpretación de Sterling Hayden puede haber sido el motivo para que Stanley Kubrick lo haya escogido para protagonizar “Atraco perfecto (1956)”.

Jean Hagen y Sterling Hayden en «La Jungla de Asfalto (1950)»

La manipulación sentimental y al adulterio es abordado por Fritz Lang en “Perversidad (1945)”, donde Edward G. Robinson es traicionado por su esposa (Joan Bennett), la que a su vez es manipulada por un estafador (Dan Duryea). Con casi igual reparto de actores, Lang dirigió “La mujer del cuadro (1944)”, donde un profesor (Edward G. Robinson) entre en contacto con una modelo (Joan Bennett), la que aparece en un cuadro en exhibición en una vidriera, y aquí comienzan las vicisitudes del profesor que se ve involucrado en el asesinato de un amante rabioso (Arthur Loft) y la aparición macabra de un hampón y chantajista (Dan Duryea). Años después Lang dirigió la cinta “Los sobornados (1953)”, donde Glenn Ford, el hombre de la justicia, se ve empeñado en una batalla contra un enorme grupo mafioso, en el que participa un gángster, interpretado por Lee Marvin.

Edgar G. Robinson en «La Mujer del Cuadro (1944)»

“Laura (1944)”, de Otto Preminger, tiene algo de similitud con “La mujer del cuadro” de Lang, aunque lo que parece al inicio ficticio luego resulta ser real. El film es protagonizado por Dana Andrews y Gene Tierney (Laura Hunt), y es muy original en su narración, que incluye tomas del pasado y del presente. El director mencionado no tuvo problemas en volver a juntar a Andrews y Gene Tierney para protagonizar otro film de este género, “Al borde del peligro (1950).

El gran Burt Lancaster debutó en el cine protagonizando “Forajidos (1946)” de Robert Siodmak, donde la bella Ava Gardner interpreta un papel de perversa y ambiciosa. El relato de la película es parecido al de “Laura”, tomas de lo sucedido anteriormente con tomas del presente, todo entretejido que da una narración muy original. La actuación de Lancaster, hombre que venía de ser acróbata de circo, convenció tanto que le sirvió para protagonizar varios filmes de este género, como fue “Fuerza bruta (1947)” de Jules Dassin, cuya trama se desarrolla en prisión; el film poco conocido “la hija del pecado (1947)” de Lewis Allen, “Al volver a la vida (1947)” de Byron Haskin, film en el que se junta por primera vez en escena con Kirk Douglas, en el papel de un jefe depravado, con un Lancaster recién salido de prisión, y donde también actúan la atractiva Lizabeth Scott y Wendell Corey, que también habian actuado en la cinta precedente con Lancaster; “Voces de muerte (1948)” de Anatole Litvak, film que se puede catalogar también de suspense y en el que Barbara Stanwyck interpreta de forma magistral el papel de esposa psicótica de un marido desentendido como Lancaster; el también poco conocido y hasta olvidado “Sangre en las manos (1948)” de Norman Foster co-protagonizado por Joan Fontaine; “El abrazo de la muerte (1949)” de Siodmak, que logra juntar con eficiencia a Lancaster, Yvonne DeCarlo y Dan Duryea en una macabra trama de infidelidad amorosa y crimen. En este film, por cierto, aparece por primera vez en pantalla y lo hizo como extra, bailando con la DeCarlo, el entonces joven Tony Curtis.

Burt Lancaster en «Fuerza Bruta (1947)»

Pasaron los años para que Lancaster volviera a protagonizar otro film de cine negro, éste fue “Chantaje en Broadway (1957)” de Alexander Mackendrick, donde Lancaster (J.J. Hunsecker) es un poderoso y famoso columnista, manipulador de la información en toda una ciudad de 60 millones de lectores. Para conseguir y consolidar su poderío usa a un secuaz inescrupoloso interpretado por Tony Curtis, el que comete el fallo de querer tener relaciones con la hermana de J.J. Esta es una película algo subestimada, pero que posee interpretaciones casi magistrales de Lancaster y Curtis por segunda vez juntos en escena como actores.

Tony Curtis y Burt Lancaster en «Chantaje en Broadway (1957)»

El perseguido director Jules Dassin, el hombre acusado de comunista durante la cacería de brujas, fue otro destacado del género de cine negro. Su primer éxito fue con el ya mencionado “Fuerza Bruta”, luego dirigió “Mercado de ladrones (1949)”, donde el buenazo de Richard Conte, al saber que su padre, camionero, había sido asesinado por delincuentes del mercado adonde llevaba sus mercancias, decide conocer los hechos para vengar su muerte, pero las cosas no salen como él desea, pues se verá enredado con una prostituta, rol interpretado por Valentina Cortese, la que a su vez servía al malvado que había asesinado a su padre (Lee J. Cobb). Uno de sus siguientes filmes en la misma vertiente fue “Noche en la ciudad (1950)” con un delincuente sin límites y sin cerebro interpretado por Richard Widmark. Después de este film, a Dassin se le llamó a testificar de su militancia comunista pero jamás se presentó en la corte, y emigró a Europa a inicios de los 50, inicialmente a Inglaterra y luego a Francia, donde dirigió otro excelente film, muy original dentro de este género, “Rififi (1955)”, cuyo título no tiene nada que ver con la película. Se puede decir que Dassin la bautizó así en honor a la cantante que aparece en el film, que trata sobre los manejos de la mafia en Francia y donde aparece un personaje cruel con el enemigo, pero de buenos sentimientos con sus amigos, Tony El Estefanés, interpretado por Jean Servais. La omertà mafiosa se deja ver en el film, o sea nunca digas nada de lo que ocurra, debes siempre callar, si no callas la muerte es la pena automática por haberla incumplido. Tony se entrega a acabar con sus enemigos dentro de la propia mafia y al final lo sacrifica todo por la sobrevivencia de un niño. Los valores de este film sobrepasan los de cualquier otro de este género. Volviendo al problema de Dassin, se casó con la actriz griega Melina Mercoury, y jamás regresó a su país.

Una escena de «Rififi (1955)»

Jacques Tourneur dirigió “Retorno al pasado (1947)”, con protagonismo de Robert Mitchum, Kirk Douglas y Jane Greer, film con una trama bastante complicada, que obliga al espectador a no perder nada de lo que acontece durante la muestra de la película. Mitchum en realidad resultó ser otro de los grandes actores protagonistas de este género. Con anterioridad a este film, habia actuado en “La huella de un recuerdo (1946)” de John Brahm, “Perseguido (1947)” de Raoul Walsh con Teresa Wright, y luego en el estupendo “Encrucijada de odios (1947)” de Edward Dmytryk, también con Robert Young y Robert Ryan; “El gran robo (1949)” de Don Siegel con Jane Greer y William Bendix; “Donde habita el peligro (1950)” con Faith Domergue, “Las fronteras del crimen (1951)” con Jane Russell, estas dos últimas del director John Farrow; “La trampa (1951)” de John Cromwell con Lizabeth Scott, quizás la mejor actriz protagonista de este género, y Robert Ryan; y “Cara de ángel (1952)” de Preminger y co-protagonizado por otro ente perverso interpretado por Jean Simmons.

Kirk Douglas y Robert Mitchum en «Retorno al Pasado (1947)»

Robert Rossen secundado por el guión de Abraham Polonsky logró una buena cinta del género en cuestión con “Cuerpo y alma (1945)”, film protagonizado por John Garfield y que trata el problema de la crueldad del boxeo profesional. En ese mismo año John Stahl dirigió “Que el cielo la juzgue”, película donde la bondad de los hombres es ocasionalmente explotada por mujeres perversas. Ese fue el caso de la esposa (Gene Tierney) de un escritor de buenos sentimientos (Cornel Wilde). Este es otra película que no se debe dejar de ver por lo que muestra y enseña.

Alfred Hitchcock también hizo su aporte con “La sombra de una duda (1943)”, en el que Teresa Wright comienza con justificación a dudar de la personalidad de su tío, Joseph Cotten. “Encadenados (1946)” es otro film para recordar del gran Hitchcock, cuya trama gira alrededor de una mujer (Ingrid Bergman) infiltrada para descubrir a un criminal que es la persona con la que se debe juntar, y a la vez el romance que comienza con su jefe y agente principal (Cary Grant). Si de excelencia se trata este es una joya como film de cine negro.

Cary Grant e Ingrid Bergman en «Encadenados 1946)»

Este género de películas halló todo su esplendor en las décadas de los 40 y 50. Otros filmes memorables de cine negro fueron:

– “El último refugio (1941)” de Raoul Walsh con Humphrey Bogart e Ida Lupino
– “Contratado para matar (1942)” de Frank Tuttle con Veronica Lake y Robert Preston
– “Historia de un detective (1944)” de Edward Dmytryk con Dick Powell y Claire Trevor
– “Recuerda (1945)” de Alfred Hitchcock con Gregory Peck e Ingrid Bergman
– “Amantes de la noche (1948)” de Nicholas Ray con Farley Granger
– “El reloj asesino (1948)” de John Farrow con Ray Milland y Charles Laughton
– “La ciudad desnuda (1948)” de Jules Dassin con Barry Fitzgerald
– “Secreto de mujer (1949)” de Nicholas Ray con Melvyn Douglas, Maureen O’Hara y Gloria Grahame
– ”El tercer hombre (1949)” de Carol Reed con Joseph Cotten
– “Al rojo vivo (1949)” de Raoul Walsh con James Cagney y Vera Miles
– “El gran carnaval (1951)” de Bily Wilder con Kirk Douglas
– “Extraños en un tren (1951) de Alfred Hitchcock con Farley Granger,
– “Manos peligrosas (1953)” de Samuell Fuller con Richard Widmark y Jean Peters
– “Perseguida (1953)” de Rudolph Maté con Robert Mitchum y Linda Darnell
– “La noche del cazador (1955)” de Charles Lauhgton con Robert Mitchum y Shelley Winters
– “Bob le flambeur (1956)” de Jean Pierre Melville con Isabelle Corey

En los años 60 el realizador francés Jean Pierre Melville dirigió “El silencio de un hombre (1967)”, también conocido como “El samurai”, con un gángster calmado y calculador en la figura de Alain Delon. Aunque los críticos sitúan a la película como de crimen, más la veo como otro buen ejemplo de cine negro, la diferencia con respecto a los otros filmes mencionados está en que la película es a colores.

Alain Delon en «El Silencio de un Hombre (1967)»

Bibliografía consultada

Agustí P. 1998. Humphrey Bogart. Edimat Libros, Madrid, 188 p.

Belinchón G. 2005. El halcón maltés. Diario El País, 55 p.

Belinchón G. 2005. Cayo Largo. Diario El País, 55 p.

Hernández E. (inédito). Grandes del Cine de Todos los Tiempos, vol. I y II.

Mills B. 2008. 101 Forgotten films. Kamera books, Harpenden, UK, 159 p.

El entretenimiento y el aprendizaje no se oponen;
El entretenimiento puede ser el modo más efectivo de aprender.
Herbert Marcuse

Por Esteban Hernández

Si algo me gustaba en mi niñez eran los seriales que trasmitía la CMQ, en Cuba, en horas del mediodía y en la tarde también. Para ser más exacto, se comenzaron a trasmitir por las tardes y luego se llevaron a un horario de mediodía. Las escuelas primarias y la superior (secundarias) en los años 50 daban clases de 8 a 11 de la mañana. El bachillerato tenía las clases hasta las 11:30, normalmente 4 clases, c/u de 40 minutos. Yo no pasé por la superior, pero si por el antiguo bachillerato. Los seriales a que me refiero surgieron en los años 30, o sea con el desarrollo del cine sonoro, los que entonces se trasmitían en horarios de las matinés sabatinas y dominicales. Como ya expliqué, el cine de barrio solía poner 3 películas, un episodio de serial, 3-4 cartones y una revista de noticias y chistes, todo eso por unos 15 centavos de peso (igual a dólar americano en aquel entonces). El hecho de poner el episodio del serial obligaba a que el espectador viniera 12-13 veces más al cine para darle continuidad a la serie. Los seriales regularmente tenían 12 episodios, pero los había de 13 y de 15 también. Con la llegada de la TV, esos seriales pasaron en buena parte del cine a la TV. Recuerdo que los domingos la TV cubana ponía algunas de las series que John Wayne protagonizó en sus años de juventud. Había un serial en el que Wayne en persona se situó por debajo de un tren en marcha. Naturalmente, el tren estaba andando lentamente, luego se procesó a más de 24 tomas por minuto, salió todo a tremenda velocidad y fue una escena muy creíble. En esa época el cine comenzaba a hacer de las suyas con algunos modestos efectos especiales.

Si me preguntan qué series más me impactaron fueron casi todas las que protagonizó Buster Crabbe, el mismo que fuera campeón olímpico de natación en las olimpiadas de los Ángeles en 1932. Crabbe ganó en una final muy reñida la distancia de 100 libres y se coronó como el nadador más veloz del orbe. Tuvo que esperar cuatro años para lograrlo, ya que hasta 1928 el campeón fue Johnny Weissmuller, el mismo que interpretara varias veces a Tarzan en el cine. Después de las olimpiadas a Crabbe se le ofreció contrato por la Universal para también interpretar el papel de Tarzan, lo que hizo en 1933 en un serial «Tarzán el temerario» que en Cuba se mostró al inicio de la TV. Luego protagonizó algunas películas de aventuras, todas ambientadas en la selva, actuó con Randolph Scott en un par de oestes, y hasta hizo papeles de villano en algunos filmes de categoría B. Sin embargo, su fama se debió al encarnar a Flash Gordon en tres seriales y el de Buck Rogers en otro más.

Buster Crabbe en el papel de Tarzan

Cuando se estaba filmando «La invasión de Mongo (1936)», Crabbe le dijo a Jean Rogers (Dalia) que ese serial era una basura. Lejos estaba él de imaginar que ellos se harían famosos con ese mismo serial. El director de esa serie fue Henry Stephenson, luego Ford Beebe recogió el argumento y reparto para realizar la segunda serie con «El viaje de Flash Gordon a Marte (1938)», que constó de 15 epísodios, mientras que el primero fue de 13. El tema musical de ambos filmes fue el de Franz Wazman tomado de la película «Frankenstein (1932)», la misma que llevó a Boris Karloff a la fama.

Buster Crabbe como Flash Gordon en «La Invasión de Mongo (1936)»

El director Ford Beebe vio el éxito y se lanzó a dirigir «Buck Rogers (1939)» en 12 capítulos, donde aparece la famosa actriz y animadora Constance Moore en el papel de Wilma. Los comics de Buck Rogers relatan que Wilma era muy coqueta con Buck, pero en el serial no hubo nada, ni se tocaron las manos. En los de Flash Gordon si hubo sus besos y sus intrigas amorosas.

Buster Crabbe como Buck Rogers en una escena junto a Jackie Moran y a Constance Moore

Beebe se decidió hacer otro nuevo serial de FG, «Flash Gordon conquista el Universo (1940)», donde tuvo que optar por nuevos actrices y actores para papeles como de Dalia y el príncipe Barin. Después de este serial, Crabbe se convirtió en protagonista de oestes de categoría B, aunque en la década de los 50 volvió a protagonizar dos seriales, que no he visto, uno de ellos «El Capitán Gallant de la legión extranjera (1955)» de 45 epísodios, y «Aventuras del Halcón de mar (1958)» de 18 capítulos. Otro serial que protagonizó Crabbe fue «Red Barry (1938)», donde hace el papel del investigador Barry. Todos los expertos en este tema concluyen que Crabbe fue el mejor protagonista de seriales de todos los tiempos en el cine de aquella época.

Buster Crabbe con Edna Sedgewick en una escena del serial «Red Barry».

Sin embargo, hay que hacer notar que hubo otros actores con papeles destacados pero en uno o dos seriales. Uno de ellos fue Don Terry interpretando el papel del oficial naval Don Winslow en los seriales «Winslow de la marina (1942)» y «Don Winslow y los guardacostas (1943)», en ambos siempre en guerra con los japoneses, el director de ambos seriales fue de nuevo Ford Beebe, en el primero junto a Ray Taylor, quien luego dirigió el segundo.

Don Terry en el papel de Don Winslow, con Walter Sande detrás

Los otros dos notables fueron el actor Herman Brix, que se iniciara en el cine en el papel también de Tarzan y que fuera campeón olímpico en impulsión de la bala en 1928. Brix protagonizó dos seriales en 1938, que fueron puestos en la TV cubana no menos de dos veces. Uno fue «Los diablos del círculo rojo» de John English y William Witney, y donde el villano fue Charles Middleton, el mismo que encarnó varias veces al temible emperador Ming en los seriales de Flash Gordon. La otra serie fue ambientada en una isla del Pacífico, «El halcón de lo natural» de iguales directores a los antes mencionados, donde Brix mostró sus habilidades de natación y clavado. Un buen día Herman se cambió el nombre por el de Bruce Bennett y más nunca se le vio actuar en seriales de aventuras, se dedicó a encarnar papeles serios en filmes protagonizados por Humphrey Bogart, Joan Crawford, Charlton Heston entre otros.

Herman Brix (Bruce Bennett) junto a Charles Quigley y Dave Sharpe en «Los Diablos del Círculo Rojo (1938)»

Herman Brix en combate con Monte Blue en el serial «El halcón de lo natural»

El otro destacado y renombrado por la crítica fue Kane Richmond, hombre de no mucha estatura pero de buen parecido, que en los 30 fue actor secundario de seriales hasta que se hizo de papeles protagónicos. William Witney le dio el primer papel importante en «Destructor de espías (1942)», luego Spencer Gordon Bennett le dio el papel principal en «Puerto asaltado (1944)», Lesley Selander lo dirigió en «Vigilantes de la selva (1945)» y en 1946 se hizo del personaje «la Sombra» en «El regreso de la sombra», «Detrás de la máscara» y «La dama ausente», todas las series en el mismo año.

Kane Richmond con Roy Barcroft en el serial «Puerto Asaltado (1944)»

Otras series inolvidables fueron «La suerte de Tim Tyler (1937)» de Ford Beebe, todo ambientado en África oriental, donde el joven Frankie Thomas la protagoniza. Cuando aquello Frankie era casi un niño y murió en abril de 2006 a la edad de 85 años.

Frankie Thomas en el serial «La suerte de Tim Tyler (1937)»

De nuevo Beebe con Clifford Smith dirigió un serial para recordar «Drummond, el aviador (1936)», donde John «Dusty» King encarnó al píloto Drummond. Lo interesante del serial fueron los combates aéreos en pleno cielo de una supuesta Mongolia. Jean Rogers actuó aquí antes de hacer el papel de Dalia en Flash Gordon en el mismo año.

John King con Jean Rogers en el serial «Drummond, el aviador (1936)»

«Los vigilantes van llegando (1936)» de Ray Taylor, serial con un bonito fondo musical y una actuación muy buena de Robert Livingston en el papel de Don Loring que era en realidad el temible «Águila», algo así como el Zorro.

Robert Livingston en el papel del Águila en el serial «Los vigilantes van llegando (1936)»

«La legión del Zorro (1939)» con Reed Hadley en el papel de Don Diego es también de hacer notar. La voz de Hadley era impresionante, no en balde fue luego narrador de películas y locutor de radio. Hubo hasta un Zorro mujer en un serial que protagonizara Linda Stirling en «El látigo del Zorro (1944)» de Gordon Bennett. Un año antes Linda había protagonizado otro serial muy recordado, «El monstruo púrpura ataca (1943)» de igual director y donde el villano monstruo fue el «vaquero» Roy Barcroft.

Reed Hadley en el papel del Zorro

Linda Stirling en «El Látigo del Zorro (1944)»

Muchos deben recordar a «Las aventuras del capitán maravilla (1941), donde Tom Tyler era el capitán que aparecía cuando Frank Coglan, en el papel de Billy Batson, decía en peligro «Shazam». Recordando me río de eso, ya que muchos de nosotros seguramente dijimos Shazam esperando convertirnos en un hombre fuerte, capaz de volar y de resistir a cualquier enemigo como el capitán Maravilla.

Tom Tyler en el papel del Capitán Maravilla (1941)

De hecho este capitán salió algo después de la invención de Superman en 1938, pero llegó a la pantalla antes. El primer actor que encarnó al hombre de hierro fue Kirk Alyn en un serial de 15 capítulos en 1948, luego vino el experimentado George Reeve, que no tiene ningún parentesco con el otro Superman, Christopher Reeves. George mantuvo un serial de Superman durante 6 años, el que terminó con el fallecimiento del actor en 1959. Esos capítulos se mostraban generalmente en el Cinecito de la calle San Rafael en la Habana, adonde para uno como yo no era fácil asistir, ya que la entrada costaba 40 centavos. Yo llegué a ver dos solamente.

Kirk Alyn en el papel de Superman

George Reeves como Superman

Los seriales no han perdido su vigencia, pero ya no guardan la misma ilusión de antes, al menos no motivan su seguimiento como los de antaño.

Si alguno de Uds. recuerda algún serial olvidado en este escrito, pues adelante, escriban.

Hablaba de niños en el cine, quién no se acuerda de Boy, el hijo adoptivo de Tarzán, papel interpretado por Johnny Sheffield varias veces. Johnny murió en agosto del 2010 a la edad de 79 años.

Dicen que recordar es volver a vivir, y aquí he resucitado algo que es parte inseparable de mi niñez, era pobre como mi familia, llena de necesidades, pero así y todo creo haber tenido una buena niñez.