“El que es incapaz de perdonar
es incapaz de amar.”
Martin Luther King

Un filme basado en hechos reales, donde los nombres responden a una víctima del terrorismo ETA en España y los ejecutores son criminales sin sentido de lo que hacían. Ellos recibían la orden de matar y no había más nada que averiguar, ejecuta y mata, así de sencillo se ha jugado con cientos de víctimas del panorama político español.

Hago un breve resumen sobre la organización Euskadi Ta Askatasuna (ETA) (País Vasco y Libertad), inicialmente movimiento político de izquierda y luego armado en el país Vasco, España. ETA se fundó en julio de 1959 en Bilbao e inició su violencia a partir de 1968. Era un firme opositor al régimen franquista imperante en España, por lo que no tuvo dificultades para tener una membresía de muchos comunistas, los que en un momento determinado se dieron cuenta que esa violencia no iba a dar nada bueno, por lo que decidieron salirse a filas del partido comunista de Santiago Carrillo o al Partido Socialista Obrero Español (PSOE).

Ese fue el caso de Juan Mari Jáuregui Apalategui, político socialista español, el que llegó a ser gobernador civil de Gipuzkoa, ya entonces miembro del PSOE. Juan Mari sabía que estaba sentenciado y muchas veces se lo hizo saber a su esposa, Maixabel Lasa. No se equivocaba, el 29 de julio de 2000 el comando Buruntza de ETA lo mató con dos disparos por la nuca en un bar en Tolosa. Así, sin más ni más, dos disparos y se fue una vida que no le hizo daño a nadie.

La peli me hizo pensar que la ETA obraba como la Cosa Nostra siciliana, el que se salga de ella sería sentenciado. Jáuregui era hombre que abogaba por la paz dentro del proceso democrático iniciado en 1978 en España.

La familia de Jáuregui no tuvo otra alternativa que aceptar este hecho fatal. Nadie le devolvería a Maixabel y a sus hijos su querido Juan Mari. Veía la película y me daba cuenta de que esa organización se había pasado de límites, quien enarbole la violencia no es que llegue a cosechar nada bueno. Pensaba en los irresponsables gobernantes de América Latina que dieron apoyo a ETA o que aún esconden a hombres perseguidos por la justicia española.

La película, dirigida por la madrileña Icíar Bollaín, siguió un guion casi detallado del asesinato, de los ejecutores, de su condena y años en prisión, los que parece que no terminarán jamás, así sea con algunas libertades.

El ejecutor de este asesinato es de nombre Ibon Etxezarreta, donostiano, más conocido como Potxolo, papel que en la peli interpreta el experimentado actor gallego Luis Tosar. Potxolo era todo un asesino, en su carrera criminal había unos veinte atentados, incluido otras personas ejecutadas a quemarropa. Potxolo, junto con otros etarras, fue detenido en 2001 y juzgado. El veredicto judicial era de una condena de de unos 390 años, como para pudrirse en la cárcel cuatro o cinco veces.

Cosas de la vida, tanto él como sus compañeros se dieron cuenta que la organización, una vez ellos, presos, no los atendió jamás, era como si no existieran, como si hubieran sido, en realidad lo eran, objetos en manos de sus dirigentes. Todo eso les dio que pensar, reflexionar si lo hecho había valido de algo, si lo hecho había sido todo dolor para las familias de los asesinados. Empezaron a razonar, ya no tenían el discurso tóxico de violencia de su organización, veían como el pueblo los veía y los condenaba en el resto de España e incluso por una buena parte de la población vasca.

Al rebobinar el casete de sus vidas, Potxolo y sus compañeros comenzaron a desmarcarse de la ETA y de sus objetivos de violencia. Maixabel, papel interpretado por la actriz Blanca Portillo, es una persona inteligente y de sentimientos superlativamente buenos. Lo digo, pues no sé cómo hubiera obrado de haberme visto en su situación. Ella se alzó incluso por encima de su familia y amistades y no dudó en entrevistarse con el ejecutor de su marido.

Aunque he relatado algo de la trama, creo que es mucho mejor que vean la película y la analicen desde los inicios. Vean la parte final, algo realmente inesperado y hasta inconcebible, pero útil para el presente y el futuro. No digo más, sólo añadir que la peli logró varios premios y nominaciones Goya, entre ellos premio como mejor actriz para Blanca Portillo. Igualmente, el filme fue muy premiado en el festival de San Sebastián en 2021, donde la directora Bollaín arrasó con varios premios.

Esteban Hernández
1 mayo de 2023

“No hay que tener miedo a provocar el cambio y dar
el primer paso. Se falla cuando fallamos en proceder.”
Rosa Parks (1913-2005 activista por los derechos civiles)

Esta película me ha dejado asombrado, en la medida que la cinta avanzaba, en la misma medida crecía de forma paralela mi rechazo a los que dominan y mi compasión a los sufridos con semejantes atrocidades a finales del siglo XX e inicios del presente.

¿El problema? Muy sencillo, racismo secular, el que persiste hasta nuestros días. La trama del filme no es una ficción, es toda una realidad de hechos que suceden en Alabama, y creo, que pueden igualmente suceder en Mississippi, Georgia y otros estados sureños de EE. UU. El racismo como la segregación, sea racial o política, está reñido con la democracia. Esto no es asunto de izquierda o derecha, es de democracia.

Flipaba al ver cómo a los negros en Alabama se les acusaba y castigaba injustamente. Poner a una persona en una celda del corredor de la muerte, para que se declare culpable o acuse algún otro inocente, es algo inadmisible y aborrecible. Una justicia basada en el chantaje, la violencia y la tortura mental no tiene nada de democrático y mucho menos en un país que alardea de su sistema interno democrático, algo que no pongo en duda en muchos estados de esa nación, pero que tiene sus debilidades en estados donde los que dominan están aún en el período de post guerra civil.

El filme muestra como el poder judicial y el aparato represivo en Alabama está en función de la persecución sistemática de los negros, a los que se les detiene, se les encierra y sus juicios se hacen extemporáneamente. Las condenas son severas. Muchas veces se les acusa de crímenes no cometidos, crímenes de otros con piel pálida.

El abogado negro Bryan Stevenson, graduado en Harvard e interpretado por Michael B. Jordan, se da a la tarea de revisar varios casos de ciudadanos negros condenados injustamente. Todo un Quijote, negro y enfrentado a la justicia impuesta por las caras pálidas, pero sin perder la paciencia y con todo el rigor de su profesión comenzó su difícil trabajo con la ayuda de una señora blanca y luego se añadió una secretaria negra.

No tengo intención de contarles todo el proceso del ya condenado a muerte Walter McMillian, alias Johnny D, interpretado por el estelar Jamie Foxx. Pienso yo que, el único delito, si así se le puede llamar, fue el de haberse acostado pacíficamente con una blanca. Había cometido una falta que en Nueva York es muy habitual, pero no así en el sur del país. Le cayó una imputación infundada, la que el fiscal dibujó a su antojo, vino la condena, pena capital, y Johnny D fue a parar al corredor de la muerte, donde había otros reos negros como él.

El abogado Stevenson, como dije, se dio a la tarea de lograr la revisión de todas esas penas. Falló en la primera cuando a un excombatiente negro en Vietnam, completamente desequilibrado mentalmente por la guerra, de la que salió como héroe, terminó en la silla eléctrica sin ninguna misericordia por un delito de supuesto asesinato intencionado, algo que había ocurrido por accidente. Ver la escena de la ejecución le para a uno todos los pelos del cuerpo. No se trata de lástima, más que todo es ver la injusticia y la indolencia. Si el negro muere, uno menos en la lista, esa es la cuenta del verdugo.  

Cuando Stevenson se adentra en el caso de Johnny D es cuando comienza a ver como una ensarta de mentiras, falsas declaraciones y evidencias inexistentes pueden llevar a cualquier ser humano a la muerte.

En el plano de las actuaciones, creo que todo el reparto de buenos y malos hicieron su mejor papel, pero sobresalieron algunas figuras. En primer lugar, Michael B. Jordan y Jamie Foxx, como el abogado Stevenson y el reo Johnny D, respectivamente. Luego Rob Morgan, el que interpretó el papel de Herbert Richardson, el héroe de Vietnam sentenciado y llevado a la silla eléctrica. La mayoría de las actrices y actores brillaron, pero hubo uno que se robó la escena, Tim Blake Nelson encarnando al reo blanco Ralph Myers, el hombre que se vio forzado a declarar en un primer juicio en contra de Johnny D a cambio de su vida. Myers había estado en el corredor de la muerte y se le prometió sacarlo de allí si testificaba falsamente contra Johnny D. Blake Nelson en el papel de Myers me lució muy real todo el tiempo, parecía una persona algo desquiciada, sin esperanza de vida y aceptación familiar, uno que esperaba que le llegara su muerte al sentirse de más en este mundo. Tampoco puedo omitir la labor del director y guionista hawaiano Destin Cretton, el cual usó como trama las memorias reales del abogado Bryan Stevenson.

Alguien podrá decir que ha habido otros filmes que versan sobre este problema, muy cierto, destaco “Han matado a un hombre blanco (1949)”, “Un rayo de luz (1950)”, “En el calor de la noche (1967)”, “Arde Mississippi (1988)” y “Tiempo de matar (1996)” entre otros, pero de todos esos vistos, me quedo con esta cinta como la mejor evidencia del asunto del racismo en Norteamérica.

Jamie Foxx obtuvo nominación para premio Screen Actors Guild como mejor actor de reparto. Este actor obtuvo el premio Spotlight en el Festival Internacional de Palm Springs, mientras que la película obtuvo el premio Libertad de Expresión por parte del National Board Review de EE. UU.  Hay más premios obtenidos en eventos de cine precisamente de estados del sur de EE. UU.  

Les recomiendo una vez más vean esta peli, disponible en Netflix. Mi puntuación en IMDB.com fue de 10, primera vez en 20 años que califico a un filme con la puntuación máxima.

Esteban Hernández
8 abril 2023

“El movimiento sindical es la fuerza principal que
ha transformado la miseria y la desesperación
en esperanza y progreso.”
Martin Luther King

A Charles Bronson le hemos visto en papeles de indios, vaqueros, mafioso, justiciero, policía, filmes todos de acción en los que los disparos y los puñetazos abundan. Pocas veces hemos visto a Bronson en un drama como tal. Recuerdo unos pocos, “Propiedad condenada (1966)” junto a Robert Redford y Natalie Wood, así como “Alguien detrás de la puerta (1971)” coprotagonizado por Anthony Perkins y Jill Ireland. No recuerdo alguna otra película de Bronson, donde no haya acción y violencia.

“Acto de venganza” del director John McKenzie aborda un hecho triste e histórico, ocurrido en 1969, relacionado con el sindicato nacional de los mineros en EE. UU. y las condiciones nada aceptables para su trabajo diario.

Se trata de un enfrentamiento entre un administrador y el presidente de la United Coal Miners Union, la patronal minera, todo un sindicato potente, pero no al servicio de los mineros. Ese presidente tenía grandes tentáculos y se creía Dios en las minas. No entendía que alguien le pudiera hacer oposición, él era todo y contra él nada se podía. Bronson interpreta el papel del administrador, de origen polaco, Joseph ‘Jock’ Yablonski, mientras que el veterano Wilford Brimley encarna al todopoderoso Tony Boyle.

La trama es interesante y poco abordada por el cine. Nuevamente, a mi memoria, el drama “Nido de ratas (1954)”, llamado “La ley del silencio” en España, el cual presenta a Lee J. Cobb como jefe corrupto del sindicato de los portuarios y al entonces joven Marlon Brando como un rompe huelga. La película presenta a ese sindicato como una organización mafiosa, aunque no lo dice, pero lo da a entender. El director Elia Kazan logró premiaciones por una peli, en la que trata de mostrar la inutilidad y corrupción de un sindicato de estibadores.  

Esta vez “Acto de venganza” muestra un cuadro parecido, con la diferencia que existe alguien que desea hacer oposición y se presenta a las elecciones del sindicato nacional. El todopoderoso Tony Boyle dominaba las urnas y no tuvo reparo en hacer aparecer a su persona como único vencedor. No sabía el presidente que Yablonsky obtuvo evidencias del fraude, las que le permitieron impugnar los resultados. La respuesta de Tony Boyle en las tinieblas no se hizo esperar, hubo desgracias y la justicia no dudó en condenar a los culpables.

Los sindicatos no es que funcionen bien en este mundo. Hay varios países del mundo, donde no son permitidos. En esa lista están Arabia Saudí, Bielorrusia, China, Emiratos Árabes, Qatar, Egipto, Paquistán, Suazilandia y Guatemala. En otros países pueden existir, pero son sindicatos serviles a las dictaduras imperantes. Cuba y Rusia son ejemplos, mientras que en otros los derechos de los trabajadores no es que estén muy bien protegidos, como son los casos de Reino Unido, Hong Kong, Burundi, la República Dominicana, Irán y Georgia.

Así que felicito al director McKenzie por haber escogido una trama muy actual basada en el libro de Trevor Armbrister. Las actuaciones de Ellen Burstyn, Caroline Kava y Ellen Barkin fueron aceptables para darle el brillo histriónico a esta película.  

Quien quiera saber no tan solo de los sindicatos, sino también del estado de los derechos de los trabajadores hasta el 2020, les invito a abrir y leer este informe. https://www.ituc-csi.org/IMG/pdf/ituc_globalrightsindex_2020_es.pdf

Esteban Hernández
3 abril 2023

“La vida bien utilizada trae una muerte feliz.”
 Leonardo da Vinci

Un drama-comedia esta vez con dirección y guion de Wayne Roberts, y con el protagonismo de Johnny Depp, peli con trama interesante al abordar algo, por lo que todos tendremos necesariamente que pasar. Unos avisados y otros reciben la novedad por sorpresa.

No es que los seres humanos estemos dados a pensar en ese tipo de desenlace. Unos no le temen o dicen que no les asusta, otros ni lo mencionan. Cuando alguien se ve en la obligación de dejar testamento es cuando se piensa algo al respecto, pero también cuando se sufre de una enfermedad terminal, y ese es el caso que trata el filme.

¿Cómo tomar esa despedida anunciada por el médico, la que puede tardar seis meses, un año, año y medio, en fin, hasta donde llegue el organismo?

La peli se desarrolla en un ambiente de gente opulenta, profesores universitarios, uno de ellos, Richard (Depp) es el afectado, cuya decisión, una vez enterado de su mal, es la de disfrutar la vida a cómo venga: beber, fumar y hacer cosas anteriormente no acostumbradas. Es como si la persona se hubiera sacado la lotería y decide tirar la casa, pero en sentido opuesto, la vida se va y trata de disfrutar lo poco que te quede de ella.

Como dije, es un profesor con bienes materiales suficientes y atención médica segura en un país, donde esta hay que pagarla, y no poco. Mientras veía el filme, me preguntaba si lo que Richard hacía estaría al alcance de un pobre, de un homeless (sin hogar). En modo alguno, así que tomé la peli como una comedia de final triste, pero con festejos previos, aptos para bolsillo abultado.

La peli se adentra en otros temas de forma colateral, como es el caso de las jóvenes lesbianas, cómo sus padres aceptan o no esta situación; la infidelidad de parejas con años de matrimonio, pero que en la cama llevan rato que no hacen nada, excepto dormir juntos. La droga no falta, tampoco la homosexualidad de los hombres. Todos temas actuales y que invitan a pensar.

Depp es un maestro de la burla y en este filme no se quedó atrás. Es un tipo de interpretación que parece real y a la vez hace sonreír, incluso con un asunto que no a muchos les gusta hablar ni siquiera en el momento que les llega. Otras actuaciones aceptables tuvieron Rosemarie DeWitt en el papel de Verónica, la esposa de Richard; Odessa Young como hija lesbiana de Richard y Verónica; Danny Huston como profesor y amigo real de Richard; y Katherine Evans y Devon Terrell como estudiantes asiduos a las clases de Richard.

Así que, por un lado, algunas realidades, por otro, comportamientos diferentes según la persona implicada, sea padre, madre, hija, amantes, verdaderos amigos, profesores y estudiantes.

La peli no es que haya sido premiada, malamente obtuvo una nominación Katherine Evans como mejor actriz para premio en el festival de los Premios Joey en Vancouver. No obstante, como la peli se sale de lo usual, mi calificación fue de un 8 en una escala del 1 al 10.

Esteban Hernández

8 marzo de 2023

“Ningún gran artista ve las cosas como son en realidad;
si lo hiciera, dejaría de ser artista.”
Oscar Wilde

Los cinéfilos cubanos deben recordar bien a Carlos Saura, el también llamado patriarca del cine español, ya que sus filmes vinieron a llenar un vacío grande dejado por la ausencia de películas norteamericanas en las salas de cine de Cuba en la década de los 60 e inicios de los 70. Aquellas películas se salían de la norma de aquello que uno estaba acostumbrado a ver. Sus tramas eran diversas, donde existía un tono encubierto de protesta y de burla igualmente cuando el tema no era musical o documental.

Saura nació en el seno de una familia aficionada al arte el 4 de enero de 1932 en Huesca, España. Desde joven se inclinó por la cinematografía, por lo que cursó estudios en el Instituto de Investigaciones y Estudios Cinematográficos de Madrid, donde se graduó en 1952. Su arte consistió en combinar y perfeccionar prácticas y métodos del cine italiano y francés, para luego adaptarlas al ambiente español. Gustaba del folclore iberoamericano y de abordar el cine político, aunque con estilo algo anárquico, revelador de su postura inconformista. Fue igualmente un aficionado al género musical. El director Stanley Kubrick era un fiel admirador de la obra de Saura.

Como director de cine debutó con el corto “El pequeño río Manzanares (1956)”, al que le siguieron otros como “La tarde del domingo (1957)” y “Cuenca (1958)”. Su primer largometraje fue el drama “Los golfos (1962)” con Óscar Cruz, que se desarrolla en el ambiente pobre madrileño. Posteriormente dirigió:

– Los dramas “Llanto por un bandido (1964)” con Francisco Rabal y Lea Massari,
– La caza (1966)” con Ismael Merlo.
– El drama- comedia “Peppermint Frappé (1967)”, filme que estuvo semanas en salas de cine de Cuba y mediante el cual conocí algo de la obra de Saura.
– Los dramas “La madriguera (1969)”,
– “El jardín de las delicias (1970)”,
– “Ana y los lobos (1973)” con Geraldine Chaplin y Rafaela Aparicio, película muy famosa en Cuba en su época.
– “La prima Angélica (1973)” con Lina Canalejas,
– “Cría cuervos (1975)”, con tanta popularidad en la Habana como “Ana y los lobos”.
– “Elisa, vida mía (1977)”,
– “Los ojos vendados (1978)”.
– La comedia “Mamá cumple cien años (1979)”, en todos estos filmes con la actuación de Geraldine Chaplin, con la que tuvo relaciones íntimas y una hija nacida en 1974 (Shane Saura Chaplin).

En las décadas de los 80-90 dirigió:

– Los famosos dramas- musicales “Bodas de sangre (1981)”,
– “Carmen (1983)”,
– “El amor brujo (1985)”, todos basado una obra dramática de García Lorca y con el protagonismo de Antonio Gades, filmes muy vistos en las salas de cine en Cuba.
– El drama “La noche oscura (1989)” con Juan Diego.
– El drama-filme de guerra “Ay, Carmela (1990)” con Carmen Maura y Andrés Pajares.
– El documental “Sevillanas (1992)” con un reparto impresionante de artistas españoles encabezado por Lola Flores y Rocío Jurado.
– El musical “Flamenco (1995)” con Joaquín Cortés y José Mercé entre otros, film que incluye antologías del folclore andaluz.
– El drama “Taxi (1996)” con Ingrid Rubio.
– El drama -musical “Tango (1998)” con Cecilia Narova.
–   El drama ““Goya en Burdeos (1999)” con Francisco Rabal.

En el nuevo milenio: 

– El filme de aventura-fantasía “Buñuel y la mesa del rey Salomón (2001)” con Pere Arquillué.
– Los dramas “Salomé (2002)” con Aída Gómez,
– “El séptimo día (2004)” con Victoria Abril
– Los musicales “Iberia (2005)” con Aída Gómez y Antonio Canales entre otros,
– “Fardo (2007)” con Chico Buarque de Hollanda, Camané y Carlos do Carmo
– El drama-musical “Io, Don Giovanni (2009)” con Lorenzo Balducci, Lino Guanciale y Emilia Verginelli
– El documental-musical “Fados (2007)”, el que aborda la música portuguesa y donde actúa Chico Buarque, Miguel Poveda y otros artistas de la música.
– Los documentales “Zonda: folclore argentino (2015)”
– “Jota de Saura (2016)” con Sara Baras y Giovanni Sollima entre otros
– El musical “El rey de todo el mundo (2021)” protagonizado por Ana de la Reguera y Manuel García-Rulfo
– El documental “Las paredes hablan (2022)”, filme que fuera su última obra de dirección y guion.

Tan destacada fue su obra que obtuvo 63 premios y 47 nominaciones en certámenes de cine, entre ellos Oso de plata en el Festival de Berlín por “La caza (1966)” y “Peppermint Frappé (1967)”, nominado para Oso de oro por “Llanto por un bandido (1964)”, “La caza (1966)”, “Peppermint Frappé (1967)”, “La madriguera (1969)” y “Noche oscura (1989)”. Obtuvo Oso de Oro por “Deprisa, deprisa (1981)”.

Obtuvo Condor de plata de parte de la Asociación de Críticos de Cine de Argentina por “Tango (1998)”.

Obtuvo premios Bodil y BAFTA por “Carmen (1984)”. Nominado para Palma de Oro del festival de Cannes por “Carmen (1983/I)”, “Los ojos vendados (1978)”, “Elisa, vida mía (1977)”, “Cría cuervos (1976)”, “La prima Angelica (1973)” y “Ana y los lobos (1973)”. Obtuvo premio del jurado por “La Prima Angelica (1974)”, “Carmen (1983/I)”, y gran premio del jurado por “Cría cuervos (1976)”. Nominado para César por “Cría cuervos (1976)” y “Carmen (1983/I)”.

Nominado para premio Goya como mejor documental por “Fados (2007)”. Obtuvo este premio por “Ay, Carmela (1990)”. Nominado para Concha de Oro en el festival de San Sebastián por “Taxi” (1996) y “Buñuel y la mesa del rey Salomón (2001)”. Obtuvo mención especial por “Cuenca (1958)”, y premio especial de jurado por “Mamá cumple cien años (1979)”. Recibió premio St Jordi como mejor película española por “Goya en Burdeos (1999)”.

En su carrera dirigió 52 filmes desde 1956 hasta 2022, guionista de 41, actor en 2 y productor de tres películas. El gran cineasta falleció el 10 de febrero de 2023 en Collado Mediano, Comunidad de Madrid, España.

Esteban Hernández Corvo
1 marzo 2023

“Cuanta más enemistad alimenta a tu
cerebro, más escasa será tu felicidad.”
Kangoma Kindembo (activista congolés de derechos humanos)

Un drama-suspense franco-español, de 134 minutos de duración, todo un largometraje, dirigido por el madrileño Rodrigo Sorogoyen del Amo, guion de Isabel Peña con el mismo Sorogoyen, película hablada según el momento en la cinta en gallego, francés y castellano. La trama, algo nefasta, se desenvuelve en un área montañosa del Orense de Galicia.

La película se basa en un hecho real, ocurrido en 2010, de una familia neerlandesa, la que se trasladó a Galicia con el objetivo de vivir cerca de la naturaleza y emprender una modesta producción hortícola y ganadera. El filme presenta a una familia francesa y no neerlandesa, lo cual no cambia el valor de la peli y el objetivo de su realización.

Difícil les fue a los nuevos extranjeros establecerse en el lugar debido a disputas surgidas con la familia gallega vecina. Los locales entendían que los extranjeros les estaban quitando territorio y posibilidades que les pertenecían, mientras que los “franceses” buscaban resolver el problema pacíficamente, lo cual no parecía muy a la mano.

Esa discrepancia se agudizó cuando una compañía energética le ofreció 6000€ a las dos familias por la instalación de cada uno de los 25 molinos eólicos proyectados en esa zona, a lo cual Martin se negó. Eso exacerbó los ánimos. La amenaza, la violencia y otras tantas cosas desagradables de la familia gallega para la laboriosa familia gala estuvieron presente y fueron constantes. El producto de esa rivalidad cualquiera se lo puede imaginar, algo realmente bestial, por lo que ese título de bestias le viene a la película al dedillo. Personalmente me dio la impresión de que la policía local no era que estuviera muy dada a mediar en el asunto o a calmar los ánimos de los locales. Es probable que el director lo haya querido insinuar con las escenas.

El valor de una mujer sola se pone de relieve en el filme, una verdadera heroína en un ambiente adverso, el que supo sobrellevar hasta imponerse con la razón y las pruebas de un crimen.

Ver esta película me parecía que uno estaba dentro de ella, lo cual solo se logra cuando los protagonistas interpretan sus papeles lo más real posible. Ese mérito les pertenece a los franceses Marina Foïs y Dénis Ménochet, así como al gallego Luis Zahera en grado superlativo.

Es una película muy lograda, por lo que tiene bien merecidas las 34 nominaciones y los 39 premios recibidos, entre ellos:

• Del jurado del Festival Internacional de Cine de Bruselas
• Premios Goya como mejor peli, a Sorogoyen como mejor director y montaje, a Dénis Ménochet como mejor protagonista, a Luis Zahera como mejor actor de reparto, peli con mejor sonido, con mejor fotografía.
• Marina Foïs fue nominada como mejor actriz protagonista en los Goya.
• Premio Donostia como mejor filme europeo en el festival de San Sebastián.
• En los premios César en Francia, la peli fue nominada como la mejor peli extranjera.

Esteban Hernández
22 febrero 2023

“Se debe procurar que sólo engendren hijos los individuos sanos,
porque el hecho de que personas enfermas o incapaces pongan
hijos en el mundo es una desgracia.”
De las locuras dichas por Adolf Hitler

No hace falta realizar una película de guerra propiamente, o sea con mucha metralla, tanques, bombas y centenares de muertos, para delatar los crímenes de la agresión nazi en Europa. Mucho daño ocasionó el nazismo con una figura acomplejada y mentalmente desequilibrada como la de Adolf Hitler, cuyos sentimientos racistas rebasaban cualquier límite.

Esta peli francesa, cuyo título original es “Malgré-elles (A pesar de-ellas)”, no es bélica como tal, es un drama, con trama basada en hechos reales durante la II Guerra Mundial, en Alsacia, territorio que había sido parte en el pasado de Alemania, luego francés. La lógica hitleriana consideraba necesario ocupar y recuperar lo que pertenecía al Reich, pero no era solo llegar y asentarse allí, era necesario un proceso de asimilación de la población alsaciana a la germana.  

Esa asimilación incluía el reclutamiento de los jóvenes, los masculinos al frente, las féminas a escuelas o fábricas de materiales bélicos o en clínicas especializadas en las locuras surgidas del cerebro enfermo del Führer.

Las chicas debían aprender a hablar y comunicarse en alemán, nada de francés, aparte de jurar fidelidad al loco en el poder. Ya saben Heil Hitler para todo. No obstante, es errado pensar que todos los soldados y oficiales nazi compartían la inhumanidad de Hitler y su cúpula. Esa verdad ya la hemos visto en otros filmes como “La lista de Schindler (1993), “El pianista (2002)” entre otras.

Dentro de tanta crueldad aparece un oficial algo lisiado, el que tiene compasión y tolerancia con sus “subalternas” alsacianas. Entre tantas féminas, le tocó conocer y enfrentar a una con mucho orgullo, a veces peligroso, la que realmente tocó su corazón.

A la vez, esa chica compartía su suerte con otra, menos orgullosa, pero más pícara por su capacidad de desdoblarse ante sus superiores así deseara escupir sus caras. Ambas hacían dos mitades que se complementaban y lograron establecer algo más allá de una amistad.

Por esas cosas de la vida, ambas chicas fueron enviadas a una clínica, no para curar a nadie, era una especie extraña de hospital de maternidad, donde las supuestas enfermeras salían embarazadas de oficiales muy alemanes, cuyos hijos eran luego separados de sus madres, ya que los mismos tenían que recibir una educación de fidelidad y culto al führer. ¡¡Cuanta demencia!!  A eso hay que sumar que a esa clínica se traían niños de ambos sexos, los que se consideraban apropiados para recibir esa exclusiva educación. Podían ser polacos, checos o de cualquier nacionalidad, siempre que su fisionomía estuviera acorde con los requisitos de la raza aria, tal y como la imaginaba el führer en sus sueños enfermizos. Había que medir el tamaño de su cabeza, evaluar su forma, sus ojos, bocas y demás órganos de su cuerpo.

Imagínese una enfermera que se niegue a hacer el acto sexual con el oficial alemán que se le antojara. Difícil resistir la fuerza de una bestia, peor aún aceptar salir embarazada y parir la criatura de esa copulación inhumana. Todo eso y algo más se podrá ver en el filme.

La película es una joya del cine europeo, con trama de secuencia lógica y con algunas sorpresas agradables en la medida que va llegando a su final. No deseo decir más para evitar spoilers, solo aconsejar una vez más ver la peli y analizarla.

Antes de finalizar, los nombres de su director, el parisiense Denis Malleval, quien tiene con 39 pelis dirigidas hasta el presente. Malleval contó con un guion a tres manos, de tres mujeres, las que aportaron sus historias. Ellas fueron Nina Barbier, Séverine Jacquet y Barbara Grinberg, mientras que las protagonistas principales fueron la bella Flore Bonaventura, francesa, pero con un atractivo toque mediterráneo, en el papel de Alicia; la bionda Louise Herrero, tan eficiente como Flore en esta peli, encarnó a Lisette; la francesa nacida en Rabat, Marruecos, Macha Méril, es la que aparece como la ya entrada en edad Alicia. El actor y poliglota alemán Pierre Kiwitt es el que interpreta el papel del bondadoso y generoso oficial Hugo Steiner.

A esta peli le di una calificación de 8 en una escala del 1 al 10, podría ser más si el doblaje al español hubiera sido eficiente, pero no lo es, aparte que el audio de ese doblaje no es el mejor. La peli está disponible en Amazon Prime.

Esteban Hernández
20 febrero 2023 

“Los niños son a menudo las víctimas silenciosas de los abusos de drogas.”
Rick Larsen (político norteamericano)

Un drama algo light es la película que aquí se expone y critica, donde se presentan distintas situaciones de la vida, muy reales, por cierto, sobre todo en los países desarrollados occidentales, de manera llana y algo explícito al final de la peli.

Su título en inglés es también Strings, que traduzco como cadenas y no como cuerdas. En realidad, los hechos están concatenados en la vida de un pueblo de Dakota del Norte, adonde fue a parar un joven deejay, condenado a un proceso de rehabilitación en casa de su padre, al que no conocía. Era la única forma que se le podía sancionar, producto de consumo repetido de drogas, y así no llegar a las rejas.

El papel del joven Josh Harvest es protagonizado por el nuevo McGyver, el actor Lucas Hill, el que se desenvuelve bien en su rol, muchas veces con expresiones faciales y con frecuencia poco dado a hablar, lo cual se observa en las escenas con su psicólogo Alex, interpretado por Josh Duhamel, hombre que tenía sus secretos y había estado en la guerra de Iraq, sin especificar si fue la primera o segunda guerra en ese país del Medio Oriente.

Josh es hijo de un coito casual entre su madre y su padre. La calentura, al parecer, no les dio tiempo a reflexionar que cuando no se quiere parir, esas cosas se hacen con protección. Al final hay un embarazo de la madre y un alejamiento del padre biológico. ¿Quería mamá parir? No, nada de eso, pero parió, y su hijo creció en un mundo sin cariño, como si fuese un estorbo para la mamá, muy drogadicta incluso durante la crianza de Josh, el que, a su vez, no conocía siquiera a su padre. Sabía donde vivía y eso era todo.

Observemos como la droga ya había deformado a la madre, probablemente antes de salir embarazada, y como ella, sin proponérselo, le trasmite ese mal hábito a su hijo, desde que este tuviera tan solo doce años. Lo peor de todo es que el hijo ve en la escuela como era la relación cariñosa de otros compañeros en la escuela con sus padres, muy diferente de la suya.

Josh tuvo sin más remedio que aceptar el castigo impuesto por su drogadicción y marcharse a vivir con el padre, una persona que nunca pareció adversa o negativa, pero que tampoco hacía mucho por enseñar o educar a su hijo.

Así que su nueva historia se inicia en un pueblo, el que posee una escuela militar, y donde la mayoría de las familias estaban de una manera u otra vinculada a las guerras.

Todos sabemos que una guerra deja muchos muertos, muchos huérfanos, muchas personas inválidas, pero deja igualmente un sentimiento de rechazo y de recuerdos tristes. Buena parte de la población sufría de la guerra aun luego de concluida por lustros o décadas.

Así que el filme nos plantea dos desgracias, a la vez enfrentadas entre el joven Josh, la joven Mary y el psicólogo Alex, cuyas rivalidades tienen un fundamento histórico de la vida de cada uno de ellos.

Tomar la vida de manera fructífera es una de las vías para lograr la concordia. Josh entendió que podía aportar mucho como deejay al grupo de baile de la escuela y por ahí se va parte del filme con excelentes coreografías, donde sobresale Mary, papel interpretado por Kherington Payne.

De las actrices-actores conocidos o con experiencia, solo se vio a la cincuentona Laura Dern, hija del veteranísimo actor Bruce Dern, en el papel de madre de Mary y trastornada mentalmente por la pérdida de un hijo en la guerra de Iraq. Otra actriz, de menor experiencia, en esta película fue María Bello encarnando el papel de la madre de Josh.

El venezolano Daniel Durán es el director del filme, mientras que el guion es del salvadoreño Oscar Orlando Torres. La trama me lució muy aceptable en general, pero hubo alguna que otra escena incoherente con el argumento trazado. La violencia escolar es conocida, pero ahí no cabía, ya que no había razón para ello, sobre todo en un pequeño pueblo.

Como ya dije, la hora y 52 minutos de peli transcurren lisamente, por lo que verla no requiere de esfuerzo extraordinario por parte del espectador, tampoco lleva suspense y una violencia relativamente escasa de compararlo con la media de los filmes norteamericanos.  

Esteban Hernández
14 febrero 2023

El filme por reseñar se titula “La Mauvaise
Réputation” (la mala reputación) en Francia.

Ya vimos anteriormente “Adam (2019)” filme con una trama demostrativa de los prejuicios existentes y cómo la mujer trata de escapar de esas injusticias. Ahora para continuar, veamos algo de otra peli con argumentos similares, pero en otro contexto.

Emigrar es algo muy común en nuestras sociedades. Unos lo hacen por razones económicas, otros por ser perseguidos políticamente, en fin, se trata de un derecho consagrado en la Carta de los Derechos Humanos.

Cuando se emigra uno debe saber que lo primero es respetar las costumbres y normas de la nueva sociedad, donde irá a residir. Uno tiene el derecho de mantener su cultura a nivel doméstico, profesar su religión, pero no entrar a cuestionar si lo que existe en ese país es justo o no. Nadie puede llegar a exigir que en determinadas escuelas se quiten los crucifijos existentes en las aulas. Emigró, pues adáptese al nuevo ambiente, caso contrario, deberá regresar al país de donde vino u otro con hábitos similares.

Al emigrar con su familia se corre siempre el riesgo que sus hijos quieran integrarse plenamente en esa sociedad, incluso olvidando su religión o creencias. Los niños crecen hablando el idioma del país y asimilando todo lo que les rodea. Harto difícil modificarlos durante la crianza y más aún llegada la adolescencia.

Este filme muestra la intolerancia de una familia paquistaní, residente de años en Noruega, a la actitud de su joven hija, la que, con mucha lógica, asiste a discotecas, bebe algo, baila y tiene rollo con algún que otro joven. Aquí a nuestros ojos no hay pecado, pero no es así para los padres de esa hija, los que para “resolver” el problema aplican la tremendísima, secuestrar a esa hija y llevarla a la fuerza de vuelta a Paquistán para convivir con una tía y su familia.

De hecho, el filme muestra un acto de violencia, una falta de respeto a las normas establecidas en Noruega e infringen la ley. La chica, al verse en el medio que crecieron sus padres, se da perfecta cuenta de que eso nada tiene que ver con ella. Adaptarse es muy difícil en ese caso, pues su medio natural no es ese, sino aquel en el que creció y se desarrolló.

¿Tuvo alguna solución el problema? No hay mal que dure tanto, al menos a nivel familiar, por lo que la chica hizo cuanto estuvo a su alcance para lograr eso que se llama libertad. ¿Cómo lo logró? Se los dejo para que así puedan ver la película, producción noruega-germano-sueca-franco-danesa, de la directora y guionista Iram Haq, noruega de nacimiento y familia de origen paquistaní. En realidad, la trama fue algo que ella sufrió en su vida al ser secuestrada y llevada al Paquistán.  

La actuación de Maria Mozhdah en el papel de Nisha fue realmente buena al poder expresar su obstinación hasta con su mirada. No menos notable fue la interpretación del papel de padre de Nisha por el actor hindú Adil Hussain.

Esta película, no muy conocida en occidente, ha obtenido premios en varios certámenes nacionales e internacionales de cine en los países nórdicos, Israel, India y Canadá. Les invito nuevamente a ver algo distinto, pero muy real, algo a lo que no debemos estar de espalda si es que deseamos la verdadera emancipación de la mujer en cualquier rincón del planeta.   

Esteban Hernández 20 diciembre de 2022     

“El progreso hacia la igualdad de género es
fundamental para el desarrollo sostenible.”
Fondo de las Naciones Unidas para la Población

Cada sociedad tiene sus formas y reglamentos. En muchos países estos responden al dogma impuesto por la religión predominante. Esos preceptos, de no modificarse con el tiempo, provocan problemas a nivel familiar e incluso de comunidad o barrio.

Las mujeres deben obedecer al pie de la letra lo que se les impone. Ahí no hay libertad alguna, todo está sentado acorde a cómo lo dice la religión, la que dicta las normas de carácter moral.

Pero siempre hay alguien que se puede saltar el reglamento y caer en una situación penosa. Una mujer no casada no debe tener sexo y sí lo tiene deberá asumir los castigos caso de ser descubierta. Esto puede ser muy evidente cuando la osada mujer termina encinta y su barriga no hay forma de esconder.

Acudir a los padres es peligroso, el castigo podrá ser extremadamente severo, a lo que hay que sumar el desprecio de la sociedad circundante. Hay que escapar y dejar atrás a todo lo que uno quiere, a no ser que el hombre que la disfrutó se haga cargo debidamente del asunto, pero no es así. Lo ridículo de todo eso es que los preceptos morales castigan a la mujer, pero no intentan buscar al hombre que gozó del sexo con la fémina e igualmente castigarlo.   

Toda esa trama es la que se desarrolla en el filme, coproducción marroquí-franco-belga-catarí, con dirección y guion de la marroquí Maryam Touzani, y filmación completa en una barriada bastante pobre de la ciudad de Casablanca.  

El título responde al nombre que le da a su criatura su madre Samyah, papel interpretado por Nisrin Erradi. Al inicio un bebé odiado, pero que a pocos días de nacido gana el afecto de su madre. Las circunstancias de cómo Samyah se abrió paso para parir y sobrevivir a las normas punitivas vale la pena ver en el presente filme.

Lubna Azabal interpreta muy bien el papel de la comprensiva Ablah, la que recuerda junto a Samyah parte de su desdichada vida y lucha para hacer que su hija pudiera educarse en escuela.

La directora del filme, Maryam Touzami obtuvo premios en Cannes y Chicago, así como Lubna Azabal y Nisrin Erradi en otros certámenes por sus excelentes actuaciones. Así que un filme en un mundo no muy conocido en occidente y que hace entender la magnitud de los problemas que enfrentan las mujeres en esa sociedad.

Esteban Hernández
30 noviembre de 2022

Todo hombre debe decidir si caminará a la luz del altruismo
creativo o en la oscuridad del egoísmo destructivo.”
Martín Luther King Jr.

Por Esteban Hernández

De la obra literaria de Jack London se ha hablado con anterioridad en este blog (Labrada 2016), donde se reconoce que la obra maestra de este autor, una especie de autobiografía con final anticipado fue Martín Eden, publicada en 1909 por Pacific Monthly.

Es la vida de un hombre pobre, criado en un mundo de gente de pocos recursos, los que solo saben buscarse el sustento de cada día como mejor se pueda, incluso robando llegado el caso. Martín pudo hacerse marino mercante en la costa del Pacífico de los EE. UU. y así sobrellevar su supervivencia, hasta que un buen día por un accidente de esta vida conoce una joven de clase alta, opulenta, la que incentiva a Martín a estudiar para escribir poemas y luego prosas. Ella percibía que el joven podía llegar a algo.

Cuando uno escribe, suele relatar parte de sus vivencias, por lo que en un momento de su carrera autodidacta se da cuenta que su amada no comparte sus ideas y mucho menos sus padres y familia. Escaló alto con sus escritos, los que comenzaron a ser aceptados pasado un tiempo, pero después se tropezó con muchas contradicciones para él inesperadas.

La obra ha sido siempre bien recibida por los que la han leído. Impactante es lo único que se puede decir de la misma, ya que en el orden político se abordan cuestiones polémicas actuales sobre el socialismo como sistema dentro de la democracia.

El cine no podía quedar de espalda a este best seller y había que llevarlo a la gran pantalla. La primera película con trama de esta novela fue la silente y homónima de 1914, dirigida por Hobart Bosworth con guion compartido con London, donde Lawrence Peyton interpreta a Martín y Viola Barry a Ruth Morse. La peli dura escasamente 50 minutos. La peli debe haber tenido la colaboración directa de London, quien murió en 1916.

Pasaron pocos años para que el director Sidney Salkow realizó una especie de peli de aventura con protagonismo de Glenn Ford como Martin Eden y Claire Trevor como Connie Dawson, nombre inventado, ya que la enamorada o prometida de Martín Eden se llamaba Ruth. El filme de 1942 se tituló en inglés “The Adventures of Martin Eden” y en español “El barco de la muerte”. La calificación dada a esta peli en IMDB.com es de sólo 5,8 puntos de 10.

Un serial televisivo, con duración de casi 6 horas, de producción italo-germánico, se estrenó en 1979, en el que el estadounidense Christopher Conolly interpretara el papel de Martín, mientras que Ruth fue encarnado por la genovese Delia Boccardo. La puntuación en IMDB.com ha sido de 6.8 de 10, algo ya mejor valorado.

Realmente, el que suscribe no ha visto ninguna de estas versiones, pero sí la última, de producción italiana, del 2019, dirigida por Pietro Marcello, donde la trama fue adaptada al mundo napolitano en Italia, hábitat de pobreza, incluso en partes de Nápoles en la actualidad. Martín Eden fue interpretado por Luca Marinelli y Elena Orsini (la Ruth italiana) por la francesa Jessica Cressy.

Esta versión es bastante parecida a la obra original de London, donde Marinelli, a mi entender, brilla en la primera mitad de la cinta. Cressy se comporta modesta en su actuación. El Martín del tercio final del filme es demasiado desilusionado, no muestra nada de su furor inicial como marinero y luego escritor. Es cierto que él se sintió defraudado en su vida, pero no al extremo de querer esquivar a la gente en general.

Lo positivo es cuando le muestra a su amada un mundo que ella no conocía, el de la miseria, el de la gente harapienta, carente de educación, las calles sucias, un ambiente tétrico, el que Ruth no fue capaz de asimilar, como si esa gente fuera la peste, como si hubieran nacido para eso por destino. Dos mundos, en uno sobra todo, en el otro nada, pero para Ruth eso es lo que le toca a cada uno y ella no tiene nada que ver con esa otra desgracia.

Más impactante es la baja moral y el oportunismo de esa aristocracia. Ruth deseaba volver con su amado Martín, el ya famoso escritor, del que todo el mundo hablaba. Martín supo burlarse de sus intenciones.

Discutible, ya dije polémico, es el tema sobre el socialismo que tuvo Martín con los trabajadores y sindicatos que se pronunciaban a favor de un nuevo orden. Era el momento en que se avecinaba la primera guerra mundial, la pobreza se elevaba, las carencias económicas empujaban a las grandes potencias a la confrontación bélica.  El diálogo presentado era real y los argumentos de ambas partes dignas de ser oídos, cada cual tenía su razón, Martín tenía desconfianza, basaba mucho sus razonamientos en la teoría evolutiva de Herbert Spencer, donde proponía que la sociedad resulta ser un producto a partir de cambio de formas inferiores a superiores. Todo lo llevaba al plano biológico, como si el hombre careciera de sentido y se comportara como cualquier otro animal.

Así que, si desea ver filme con sustancia, “Martin Eden (2019)”, es una buena sugerencia. Aún no he votado en IMDB.com, creo que un 8 es bien merecido.  

Fuentes

IMDB.com. https://www.imdb.com/title/tt4516162/reference/

IMDB.com https://www.imdb.com/find?q=martin+eden&ref_=nv_sr_sm

Labrada R. 2016. La mejor lectura para jóvenes y adolescentes, las obras de Jack London. Deportescineyotros.com, https://deportescineyotros.com/2016/02/28/la-mejor-lectura-para-jovenes-y-adolescentes-las-obras-de-jack-london/

20 noviembre de 2022

“El padre (o la madre) debe ser el amigo (o amiga),
el confidente, no el tirano de sus hijos.”
Vincenzo Gioberti (1801-1852, filósofo y estadista italiano)

Por Esteban Hernández

Muchos padres cometen el error de querer obligar a sus hijos a ser algo, para lo cual no sienten vocación. Admitamos que lo hacen con buenas intenciones y sin saber el daño que pueden causar en la personalidad de ese infante en crecimiento.

El fenómeno suele agudizarse cuando es hija o hijo único, más aún cuando se es huérfano de uno de sus progenitores, ya que el padre o madre que queda conserva una idea fija sobre lo que debe ser ese hijo, a quien al final afecta y enferma. Se origina una relación psicopática, donde el menor recibe el inoculo de ideas, muchas veces disparatadas, del progenitor o la progenitora. Los éxitos del hijo son bien recibidos y hasta exagerados en su entorno, todo el mundo tiene que enterarse que el infante es “un genio, llegará a ser un alto funcionario del estado y hasta presidente de la república”, una pura obcecación.

El filme de referencia (La promesse de l’aube) trata sobre la vida del escritor francés Romain Gary, su niñez en Vilna, actual capital de Lituania, entonces gobernado por Polonia, junto a una madre, cuyos esfuerzos se volcaron sobre el niño y luego adolescente Romain a fin de que progresara continuamente en su superación. Era una mujer muy esforzada, la que a veces se inventaba sus historias para hacer parecer lo que nunca fue o para engañar a otros, sobre todo aquellos pudientes en la sociedad. A eso hay que sumar el secreto guardado de su naturaleza judía, aunque no practicantes, era todo un pecado en el ambiente en que se desenvolvían, por lo que sin remedios ella y el niño iban a la iglesia católica así no creyeran en nada.

Con el curso del tiempo, Romain absorbió todas las exigencias de su madre y trató por todos los medios de no decepcionarla, así también tuviera que mentirle ocasionalmente. Llegó alto por su entrega en la II Guerra Mundial, donde asimiló muchas enseñanzas, las que le sirvieron para convertirse en un famoso escritor, pero la psicopatía adquirida producto de la crianza tuvo su impacto en su personalidad.

La película de producción franco-belga fue dirigida por Eric Barbier y contó con el protagonismo de Charlotte Gainsbourg como la madre de Romain, mientras que el personaje principal fue interpretado por tres actores, el niño Pawel Puchalski, el adolescente Némo Schiffman y en lo sucesivo, Pierre Niney. El filme es muy original en sus relatos, el que aborda historia, guerra y el amor ciego de madre e hijo.  

4 noviembre de 2022

“El terrorismo nace del odio, se basa en el desprecio de la
vida del hombre y es un auténtico crimen contra la humanidad.”
Juan Pablo II

Por Esteban Hernández

Este filme, dirigido y producido por Clint Eastwood, relata la vida de tres jóvenes, cuya niñez fue, por decirlo de alguna manera, algo indisciplinada e incomprendida en el ambiente escolar. La rebeldía de ellos era tal que, a menudo se veían en la oficina del director, el que les hacía una especie de amonestación y, en otras, llamaba a sus madres para informarle de la mala conducta.

Cuando no hay pedagogía, la incomprensión prevalece, cuya responsabilidad recae sobre el cuadro docente y también los padres. No se trataba de niños malsanos, al contrario, eran de buenos sentimientos y sufrían de todas esas cosas que abundan en las sociedades modernas, como la separación de los padres.

Un aspecto negativo que llama la atención en la peli es el juego con armas de los niños blancos, los que poseían todo un arsenal de guerra, juguetes, pero ¡qué juguetes!  Cuando uno ve eso no le resulta difícil imaginar que surja gentecapaz de matar por matar en una sociedad, donde las armas están al alcance de todos. Basta con tener dinero y comprarlas. Los niños jugaban con armas y, por suerte, su inclinación fue, ya crecidos, la de integrarse en las fuerzas armadas, en este caso Alek y Spencer, los niños blancos. Anthony, el afro del trío, no pareció interesarle el asunto militar. Así y todo, se mantuvo una amistad muy sólida a lo largo de sus vidas, lo que los vuelve a unir en momento vacacional de ellos tres. Esos personajes son los reales de la historia que cuenta el filme.

Una gira por Europa es algo muy saludable para aquellos que desean conocer mundo y cultura. Por lo que en el filme se ven vistas de Roma, Venecia, Berlín y Ámsterdam. En esa gira no podía faltar París, por lo que lo más lógico y económico es tomar el tren que cubre la ruta desde Ámsterdam hasta París, el llamado Thalys, y es ahí donde los sorprende, a partir del tramo Bruselas a París, ya en territorio francés, un asaltante marroquí, el que venía con armas y deseos de exterminar gente del mundo occidental, todo un fanático. No diré más para que los interesados en ver la peli no sufran de spoilers.

La realidad es que la solidaridad humana siempre surge de forma espontánea y es la que hace que las personas se crezcan ante tamaña dificultad. Salvar vidas humanas debe ser el objetivo principal, el que se cumple cuando hay conciencia sobre el problema. No es que los seres humanos pretendamos hacer el papel de héroes, es el de hacer lo que el humanismo nos exige. Ese es el valor del filme, salvar 534 vidas a bordo de ese tren, lo cual es un acto lleno de bello de generosidad, máxime cuando las personas involucradas están poniendo sus vidas en grave peligro.

El actor Ray Corasani, quien no dice ni media palabra en la película, interpretó bien el papel del terrorista Ayoub El Khazzani. Su mirada de odio encajaba perfectamente en el perfil de un hombre capaz de exterminar a todo aquel que se le atravesase en su camino. Excelente la interpretación del ex-presidente de Francia, François Hollande, por el actor Patrick Braoudé. Realmente uno lo ve y piensa que era el mismo Hollande en persona. El guion del filme fue preparado por los tres protagonistas reales de conjunto con Jeffrey E. Stern, con montaje de Dorothy Blyskal.

El filme tiene partes light, sobre todo aquellas que transcurren en los lugares turísticos europeos, pero también muestra realidades de la vida de las familias en EE. UU. como de la realidad del terrorismo en el mundo actual.

Fuentes consultadas- https://www.imdb.com/title/tt6802308/reference  y Wikipedia en línea.

27 octubre de 2022

“Un hombre de carácter podrá ser derrotado, pero jamás destruido.”
Ernest Hemingway

Por Esteban Hernández

Hace algunos años atrás había visto esta película cubana, “Los Dioses rotos”, la que nos lleva a ver algo de la vida de Alberto Yarini. Al estar leyendo el libro “Personas decentes” del escritor cubano Leonardo Padura, donde nuevamente se aborda la figura de este personaje, pero de forma distinta, probablemente más cabal con la historia real de Alberto Manuel Yarini y Ponce de León, volví a ver la peli de referencia, la que pueden encontrar fácilmente en youtube.com.

Se puede decir que el filme muestra a un joven Yarini, moderno, vestido con jeans y camisetas de color de entero, apuesto, aseado y carente de necesidades económicas, muy distinto en su aspecto al chulo que se hizo famoso al principio de siglo en el barrio de San Isidro, el que conozco bastante bien por haber crecido allí.

El Yarini del pasado era de vestir de cuello y corbata, siempre elegante, de hablar pausado, educado también en EE. UU., con dominio del español e inglés, también apuesto. Un dandi a la vista de las señoras de la sociedad y, probablemente por hobby, muy dado a acostarse con la prostituta de su gusto. Era bondadoso con los pobres, los que le adoraban.

El Yarini “moderno”, el de la peli, era igual de bondadoso, muy querido en el barrio. Se presenta encajado en una época imaginaria, nada qué ver con la Cuba post 1959, así aparezca un panataxi en la peli. Ninguna mención de revolución o algo por el estilo. Es como si el director/guionista del filme, Ernesto Daramas Serrano, ubicara a Yarini en una época moderna, pero en un ambiente sosegado, y repleto de miserias y necesidades.

La población del barrio de San Isidro representada no tenía nada de bienestar, pobreza, la que siempre allí existió, sobre todo de la calle Paula hasta el muelle. No se ven los burdeles, bayuses así llamado por los cubanos, ni tampoco a las prostitutas. Las mujeres son temperamentales y seducidas por Yarini, el que, al no haber burdel en la peli, se presenta como un gigolo alegre con las mujeres y seductor por excelencia, causante de envidia de otros tan pudientes como él.

La peli rueda por varios ángulos de la Habana Vieja, los que se repiten una y otra vez. San Isidro, además de barrio, es el nombre de un callejón que concluye en la calle Compostela, justamente de frente al archivo nacional. Los solares habaneros, con su típica promiscuidad, son mostrados, así como algunas casas con cierto nivel de comodidad. Así mismo, se pueden ver escenas de una especie de bembé, aunque no son muy reales, ya que su música ahí no es el típico guaguancó.

En la trama no hubo amor con la prostituta la petit Bertha, ni se vio a un mafioso Louis Letot, pero sí un rival igualmente apuesto, Rosendo, el que aparece, muy atraído por la mulata Sandra, la que fuera el amor de Yarini desde su supuesta infancia.

Esa rivalidad crece a lo largo del filme, aunque Sandra prefiere y desea a su hombre predilecto, obviamente Yarini. Las escenas eróticas entre ambos son lo más parecido a la realidad. Igual sucede entre Yarini y la profesora investigadora de la vida y muerte del gigolo, cuya tesis es excesivamente surrealista. Todas vacilaban a Yarini, todas lo deseaban, muy parecido a lo que uno ve en la comedia-drama protagonizada por Burt Reynolds “Mis problemas con las mujeres (1983)” remake de la película “L’homme qui aimait les femmes (1977)” del director François Truffaut.

La actuación de Carlos Ever Fonseca como Yarini fue aceptable. No obstante, a criterio del que suscribe, Rosendo interpretado por Héctor Noas estuvo impresionante en el papel de esos individuos merecedores de lo que deseen por la opulencia que poseen. Silvia Águila encarnó a la profesora-investigadora, cuyo papel estuvo oscilante, por momentos brillante, en otros algo menos. Annia Bu Mare fue la Sandra de la peli, muy desbordante en las escenas de sexo con Yarini. El carácter elevadamente temperamental de una cubana ella lo supo evidenciar con su actuación. Igualmente, se le puede dar un 9 en una escala del 1 al 10 por la actuación de Amarilys Núñez Barrios en el papel de Rosa, la negociante, que igualmente cayó bajo las piernas de Yarini. Pequeños y buenos papeles tuvieron los veteranos Isabel Santos, Mario Limonta y Patricio Wood.

Fuentes

Borroto López Cecilia. 2021. Alberto Yarini el Rey de San Isidro. Fotos de la Habana, 5 febrero. https://www.fotosdlahabana.com/alberto-yarini-el-rey-de-san-isidro/

IMDB.com. https://www.imdb.com/title/tt1373122/reference/

25 octubre de 2022

“Trato de ser una artista, de ser verdadera y a veces
me siento al borde la locura. Siempre trato de enseñar
lo mejor de mí misma, pero me resulta difícil.”
Marilyn Monroe

Por Esteban Hernández

Se trata de una peli de estreno, disponible en la plataforma de Netflix, no sin antes decir que, esta no es la única que aborda la vida de Norma Jeane o Marilyn Monroe. Con anterioridad se filmó “Norma Jeane y Marilyn (1996), dirigido por Tim Fywell con guion de Anthony Summers y Jill Isaacs, y protagonizada por Ashley Judd y Mira Sorvino. Como no la he visto aún, no puedo comentar sobre ella, solo que esta versión trató de hacer una secuencia de sus andanzas amorosas, logra fama, pero no felicidad. Hay otras más, casi todos con tramas y enfoque distinto sobre la vida de esta famosa actriz.

En el caso de “Blonde (2022)”, la peli es dirigida por Andrew Dominik y guion del mismo Dominik y la escritora Joyce Carol Oates, mientras que el papel de Norma Jeane o Marilyn lo interpreta la actriz camagüeyana (cubana) Ana de Armas. Significó lo de su origen, pues Camagüey, concretamente Santa Cruz del Sur, no está en España ni en Hollywood.  

La peli va desde la horrible niñez de la actriz hasta que llega a hacerse de un nombre artístico, Marylin Monroe, después de haber servido de modelo y fotos al desnudo, y las vicisitudes que afronta en su carrera cuando se inició como actriz. Ella era un manjar para muchos en la industria cinematográfica, pero tampoco escapaba de la mirilla de un gobernante.  

Todo eso es cierto, pero la peli a ratos se torna aburrida con tanto llanto por una u otra razón. La actriz tuvo sus amores y no pocos, algunos probablemente obligados por las circunstancias, pero otros por deleite propio.

Igualmente se saltan pasajes de su vida. Uno entiende que no era la intención del director y la guionista, pero si se quiere ilustrar una vida con sus altibajos, no se puede pasar por alto sus matrimonios y amores más conocidos. Por ejemplo, no se ve nada de su primer matrimonio con James Dougherty, el hombre que evitó que ella continuara en orfanato. Tampoco nada sobre Robert Slatzer, un director de cine no muy conocido. Se afirma que Marilyn y Slatzer estuvieron casados por una semana, aunque eso es tema aún a confirmar. De sus amores con Marlon Brando en el inicio de la carrera de ambos no aparece nada, lo mismo con el director Elia Kazan o de sus fuertes relaciones con actores como Tony Curtis e Yves Montand durante los rodajes de “Con faldas y a lo loco (1959)” y “El multimillonario (1960)”, respectivamente.

De su vida íntima se muestra una relación que, algunos conocedores de su vida niegan rotundamente, pero que en la peli se muestra con mucho énfasis. Un triángulo amoroso entre “Cass” Chaplin, el hijo del famoso comediante Charles Chaplin, y con Edward G. Robinson Jr. Uno se lleva la impresión que el amor de su vida fue precisamente Cass Chaplin, pero la realidad es otra, ya que el mismo Cass niega esa relación en su libro “My father”. Con Robinson Jr. la relación fue fugaz y años después.   

Pasando a su matrimonio con el famoso pelotero de los NY Yankees, Joe DiMaggio, se fue más veraz. El italo-americano era bueno en el béisbol, machista, fumador y muy dado a beber sus tragos. Él deseaba convertir a Marilyn en una esposa de su casa, nada de actuaciones en cine y mucho menos de enseñar algo de lo bello que poseía. En 1954 se casaron y aquello fue tormentoso. DiMaggio, muy celoso, no se cansó de pegarle, era lo más parecido al vendedor de armas alemán, Friedrich ‘Fritz’ Mandl, el que se casó con la actriz Hedy Lamarr y la encerró para que no actuara más. Durante el rodaje de “La tentación vive arriba (1955)” del director Billy Wilder, hay una famosa escena en que la saya de la actriz se vuela en plena calle y deja al descubierto sus extremidades inferiores. DiMaggio presenció la escena y cómo miles de admiradores aclamaban a la actriz, lo que le valió una zurra a la gran actriz en casa. El matrimonio de ambos duró escasamente nueve meses. Esa parte de su vida es fielmente mostrada en esta peli, aunque no los cuidados que tuvo DiMaggio con ella después de separados y hasta el final de su vida. Se ilustra también la relación con el escritor Arthur Miller, la que no se sabe si se casaron por amor o conveniencias.

La vida artística de Marilyn no es que se describa mucho en la peli. Se le pasa por encima en la mayoría de los casos. El filme se centró más en el carácter de la actriz y sus desgracias. Marilyn era una persona llena de temores producto de la crianza que recibió a temprana edad por una madre totalmente desquiciada. Eso trajo por consecuencia que la futura actriz se volviera un ser neurótico. En su carrera se dejó llevar por los deseos de los poderosos, sea en el cine o fuera. No obstante, me pareció grotesco cómo se mostró su relación con el presidente John F. Kennedy. Resulta difícil de creer, era como si Kennedy manejara un grupo mafioso a su disposición.

Esa parte final de la actriz se ignora en la peli, la que no aborda nada de su relación con Frank Sinatra, quien en realidad fue el que la puso en contacto con los hermanos Kennedy. Fue en ese período que sucedió su suicidio.

Si fuéramos a evaluar la peli por su contenido, al parecer del que suscribe, habría que darle un 6 sobre una puntuación 10. No obstante, sí hay que significar la excelente actuación de Ana de Armas, por lo que hay un valor añadido y el filme puede calificarse con un 7. Ana fue merecidamente ovacionada y durante buen rato en su presentación en el Festival de Venecia de setiembre de 2022.

“El verdadero heroísmo está en transformar los
deseos en realidades y las ideas en hechos.”
Alfonso Rodríguez Castelao (Escritor español)

Por Esteban Hernández

Dentro de los criminales del nazismo hay varios nombres que siempre surgen en el recuerdo de esa cruel segunda guerra mundial. Uno de ellos es el de Reinhard Heydrich, uno de los principales arquitectos del holocausto, quien minuciosamente elaboró un plan de exterminio de judíos; trabajó con las SS y la SD, y finalmente Hitler lo nombró Protector de Bohemia y Moravia, o sea lo que se conoce como República Checa.

Vale la pena señalar que el territorio checo ya incluía el área de los Sudetes en la frontera compartida por Alemania y la parte checa, que estaba dentro del desaparecido imperio austro-húngaro durante la primera guerra mundial. Al firmarse la paz, el territorio de los Sudetes pasó a integrarse en la República de Checoslovaquia, algo que no gustó a la población germánica, la que se rebeló y tuvo que ser combatida militarmente por el ejército de la nueva nación.

La herida estaba ahí y los alemanes en cuanto comenzaron sus planes bélicos se propusieron recuperar ese territorio inicialmente.  En 1938 los nazis ocuparon la región  de los Sudetes con el beneplácito de Francia y Reino Unido, naciones que querían la paz así fuera cediendo lo que no fuera suyo. De hecho, el presidente de Checoslovaquia no fue invitado a la reunión donde se concertó la entrega del área de los Sudetes. No hubo tampoco reacción militar por parte de Checoslovaquia. Poco tiempo después, el 15 de marzo de 1939 la cúpula nazi amenazó con bombardear Praga si las tropas militares checas no hacían oposición a la entrada de los soldados nazis. Nuevamente se aceptó la amenaza y los nazis ocuparon el país, lo cual no quiere decir que no hubiera rebelión interna y conspiraciones para resistir la presencia de los nazis en el país.

Al llegar un carnicero de marca mayor como Heydrich a Praga para encabezar al protectorado, las fuerzas internas de oposición se organizaron de forma clandestina. Hubo un grupo de rebeldes encabezados por lo que se llamó los tres reyes, los que hicieron mella, con muchas acciones, en las filas de los nazis. Por su parte, Inglaterra ayudó a organizar un grupo de militares checos, los que se encargarían de eliminar físicamente a Heydrich, tarea nada fácil, que requería buena coordinación entre las fuerzas clandestinas y un hermetismo enorme.

La peli del director francés Cédric Jiménez aborda el asunto del atentado, donde trata de describir cómo sucedieron los hechos, pero en una primera parte ilustra como Heydrich llegó a la posición que ostentaba. Ese nombre de hombre de corazón de hierro fue dado por el mismo Adolfo Hitler a Heydrich, ya que confiaba bastante en ese joven oficial, arribista, de pocos valores éticos, capaz de matar a multitud de personas con tal de lograr sus objetivos y congraciarse aún más con el Führer.

Aclaro que hay dos o tres películas, además de algunos documentales, que describen los hechos de la vida de Heydrich y del atentado contra su vida. Hay uno que no he podido encontrar, de producción checa, cinta en blanco y negro, durante los 60, que describe bastante bien como se fraguó el atentado.

Los rebeldes checos entonces pusieron en duda la necesidad de llevar a cabo una acción como tal. Ellos exponían que se eliminaba a una vida, pero no a los ocupantes en el país, aparte que la represión posterior al atentado sería implacable, razonamientos muy lógicos. No obstante, el hecho de que Heydrich tuviera esa fama negativa de aniquilador de judíos, asesino de todo aquello que no le oliera a la imaginaria raza aria, era más que suficiente para ajusticiarlo y hacer saber al mundo que en la parte Checa había un movimiento antinazi muy activo y capaz de realizar acciones de este tipo.

Lo demás en el resto de la peli queda en la heroicidad de todos aquellos que participaron en esta acción, aunque no se debe omitir la presencia de un Judas delator, el que llevó a la muerte a muchos compañeros de lucha. Las consecuencias previstas por algunos de los rebeldes se cumplieron en realidad. La represión después del atentado fue bestial en todos los sentidos.  

En esta peli de producción francesa, el papel de Heydrich corrió a cargo del australiano Jason Clarke. Su actuación puede catalogarse de aceptable nada más. Mejor desempeño tuvo la actriz Rosamund Pike en el papel de esposa de Heydrich. El inglés Stephen Graham, muy maquillado, no es que se pareciera a Himler físicamente. Graham lució grueso y su rostro no era Himler realmente. El resto del reparto hizo un buen trabajo, aunque creo que el sobresaliente se lo llevaría la actriz australiana, hija de madre polaca, Mia Wasikowska en el papel de la colaboracionista antinazi Anna Novak.  

Así que si Ud. desea ver un filme de carácter histórico, con buena fotografía y actuación de casi todo el reparto, esta cinta no le defraudará.

29 setiembre de 2022

“El amor virtual es uno de los más admirables
y valientes, aprendes que tienes que tocar el
alma y no el cuerpo para amar.”
Anon

Por Esteban Hernández

El drama “Clara y Claire” es de producción francesa bajo la dirección de Safy Nebbou. El título en español es algo sencillo, prefiero el original “Celle que vous croyez” (Aquella que Ud. creyó) o en inglés “Who you think I am” (Quién crees que yo sea)

La cinta aborda, a su manera, un tema que suele ser recurrente en la actualidad con el auge de las redes sociales. Preferiría llamarle amor con personajes invisibles, algo que ha existido desde que se inventó el teléfono. Muchas personas por pura casualidad se conocieron por esta vía y entablaron una relación preliminar con llamadas, donde se decían palabras amorosas. Otras interesadas en esa relación buscaban el número de teléfono de la persona amada o de su gusto y enamoraban sin identificarse inicialmente.

Por lo tanto, esa forma de enamoramiento no es nueva, pero al surgir Facebook con su Messenger, WhatsApp y otras formas de comunicación este tipo de acercamiento se ha fomentado extraordinariamente. Muchas veces una persona muy mayor de edad aparentando ser otra más joven, que es el caso en esta peli, busca la forma de llegar a otra mucho más joven, al que desea como si fuera una adolescente.  

La trama no parece muy verosímil, ya que uno puede advertir que en ella se omite o se olvida el hecho que hoy ya las relaciones son más directas con la aparición de la videollamada. La fémina muy mayor teme que su enamorado la vea y resulte desencantado. Él, por su parte, insiste en un encuentro. Ella lo consuela con una foto de su sobrina. Me lució muy infantil, ya que repito, lo más fácil del mundo hoy día es la videollamada por diversas vías, y él nunca se la sugirió o se la exigió.

Esta relación tiene un desenlace, el que no voy a revelar para evitar el spoiler, solo diré que lo que se piensa como final de la relación era falso como luego se demostró. Ella no dejó de soñarlo e idealizar la relación de manera ficticia en una novela que escribió al efecto, lo cual sirve en buena medida como segunda parte de la peli.

Uno de los atractivos de esta peli es el protagonismo de Juliette Binoche, la vieja que quería ser joven, la que hace su papel muy convincentemente. No falta la psicóloga Nicole García, con más edad que la Binoche, muy flemática todo el tiempo en este filme, con expresiones de su rostro que denotaban el asombro o simpatía a lo que le contara su paciente. Finalmente, el apuesto François Civil, el que se ha destacado en películas de aventuras en el papel de D´Artagnan, mientras que aquí es el joven apasionado y deseado.

La forma de hilvanar las historias dentro del filme es lo más original que uno puede encontrar. Hay escenas dentro de la peli que pueden ser muy reales en la vida de seres enamorados y con deseos de sexo.

26 septiembre de 2022

“Desde el principio de la era sonora el formato del filme fue de 4:3,
igual que la TV. Incluso en los cines más grandes la pantalla era
relativamente pequeña hasta la llegada de Cinerama.
John Sittig, director de proyección y sonido de Arclight en LA.

Por Esteban Hernández

Un grato recuerdo, el que deseo aquí compartir. Se trata de un novedoso sistema de exhibición de cine en pantalla ancha y gigante, invento de Fred Waller de la Paramount en 1939 y luego promovido por Hazard E. Reeves, sistema que se le llamó vitarama en aquel momento. Sin embargo, el invento había quedado durmiente por años hasta que en setiembre de 1952 se proyectó la primera película en teatro de Broadway, la que se titula “Esto es cinerama”, documental de 1:55 de duración, realizado por un grupo de directores y la narración de Lowell Thomas.

El filme en formato de Cinerama usaba cámaras de 35 mm que filmaba tres aspectos de una imagen simultáneamente, mientras que para su proyección se requería una pantalla curveada con un ángulo de 165 grados y tres proyectores que liberaban 26 cuadros por segundo de forma sincronizada. El sonido, por su parte, era unidireccional y con siete pistas.

La realidad es que cuando uno estaba en la sala viendo la proyección, parecía como si estuviera dentro de la escena debido a la sensación que provocaba la inmensa pantalla y la banda sonora que acompañaba la proyección.

En muchos países desarrollados del mundo se fue introduciendo el sistema, para lo cual se requerían salas especiales para el montaje de la pantalla, así como áreas para la proyección de las tres cámaras. Al inicio de 1958 existían salas para la proyección de cinerama en EE. UU., Canadá, España, Francia, Inglaterra, Italia y Japón entre otras naciones.

Cuba fue el primer país del Caribe que logró tener sala de Cinerama, la que estaba en el antiguo cine Radiocentro. Uno de los técnicos norteamericanos encargado de la obra de remodelación y adaptación de la sala de Radiocentro fue Everett Callow. Este proceso incluyó darle forma a la sala en forma de estadio, con el balcony a continuación de la platea. Un proyecto muy similar tuvo lugar en Osaka, Japón, y en el Auditorio de la Feria Mundial de Bruselas.

El estreno del documental “Esto es cinerama” sucedió el 24 de febrero de 1958 en Radiocentro. La entrada costaba dos pesos (igual a dos dólares EE. UU.). El día de la víspera hubo una Premiere de Gala, cuyos fondos recaudados se entregaron al Hospital San Lorenzo.

Este sistema de cine se mantuvo en Cuba hasta inicios de 1961. Ya en 1960 la entrada costaba un peso. Personalmente pude disfrutar de cinerama en dos ocasiones, siempre en excursión escolar. Primeramente, vimos “Esto es cinerama (1952)” y luego “Las Siete Maravillas del mundo (1956)”, documental de Tay Garnett y otros directores, además de varios narradores, entre ellos Lowell Thomas. Este filme fue una clase de geografía para jamás olvidar. De aquella eran también “Fiesta en cinerama“, “En busca del paraíso “ y más tarde “Cinerama en los mares del Sur “, pero como no los vi, me abstengo de hacer comentario. Supongo que hayan tenido, pero no tanto como los dos primeros mencionados.

En la antigua URSS el sistema llegó algo después que en Cuba. A la memoria del que suscribe, el primer filme visto allí fue el norteamericano “El mundo está loco, loco, loco (1963)” de Stanley Kramer y protagonizada por Spencer Tracy y Mickey Rooney. Vi esta peli en cine de Minsk, Bielorrusia, en 1963, o sea la peli se proyectó allí en el mismo año de su estreno. Luego otra vista, esta vez en cine de Kiev, fue “Grand Prix (1966)” de John Frankenheimer protagonizada por James Garner, Yves Montand y Toshiro Mifune.

Me hacía idea que el filme “Guerra y paz (1965)” dirigido y protagonizado por Sergey Bondarchuk había sido filmado en este formato, pero no fue así. El filme en sus tres partes fue filmado en sistema de 70 mm.

El sistema de cinerama era caro y presentaba dificultades caso que las cintas resultaran dañadas y fue por esa razón que el formato fue dando paso al uso de una sola cámara e impresiones de 70 mm. Cinerama para su realización no utilizaba lentes anamórficos, pero el nuevo sistema de 70 mm si los incluía, por lo que la imagen proyectada no coincidía realmente con la toma de la escena, ya que había una compresión de la imagen de uno de los ejes, usualmente el horizontal.   

Fuentes

Anon. s/a. Cinerama incorporated. Collection, https://collection.sciencemuseumgroup.org.uk/people/ap27785/cinerama-incorporated

Jordán René. 1958. ¡Aquí está cinerama! Bohemia, 16 febrero. pp 37-38, 115

21 setiembre de 2022

“La mujer perdona las infidelidades, pero no las olvida.
El hombre olvida las infidelidades, pero no las perdona.”
Severo Catalina (1832-1871, periodista y escritor español)

Por Esteban Hernández

No había pasado ni un año del estreno de “Un hombre y una mujer (1966)” de Claude Lelouch, cuando este director francés emprendió otro proyecto con un éxito casi similar al de la cinta de 1966.

Cuando la vi por primera vez quedé bastante impresionado por la trama y las actuaciones de sus protagonistas, además de otra banda sonora de encanto de Francis Lai. El título en Cuba fue de “Vivir por vivir”. La preposición pour en francés, igual sucede con per en italiano, se puede traducir como por o para. Realmente para este título para es lo más indicado.

Lelouch escogió tres protagonistas, dos muy experimentados, como Annie Girardot e Yves Montand, así como la entonces joven californiana y de belleza exuberante, Candice Bergen. La trama pasa superficialmente por encima de los problemas bélicos que afectaban al mundo en esa época, para lo cual aprovecha el papel que interpreta Montand como el periodista Robert Colomb, el que, además de su trabajo, aprovechaba para sus aventuras románticas con su amante Candice, mientras que la dócil y siempre fiel esposa, Catherine (Annie Girardot), quedaba siempre en casa a la espera de su buen esposo, el que llegaba y a las pocas horas volvía a volar por “trabajo”.

Las infidelidades pueden ocurrir repetidamente y el último en saberlo es el afectado usualmente, pero al final se sabe y queda por ver cómo esa persona reaccionará. Su respuesta puede ser contundente y romper la relación con la amante, como hacer ver que nadie sabe lo que tiene hasta que no lo pierde. Es en ese laberinto de descubrimientos y decisiones que se mueve la trama del filme, la que tiene su moraleja indudablemente.

Si hubiera que destacar la actuación de uno de sus protagonistas, no dudo en poner por delante a Annie Girardot, actriz que igualmente convenció con anterioridad con su actuación en el drama de Luchino Visconti, “Rocco y sus hermanos (1960)”. La Girardot interpretó su papel de manera natural y con eficiencia. Cuando una actuación representa cabalmente a un personaje verdadero es porqué lo hizo con la debida profesionalidad. Montand se mostró generalmente muy circunspecto en los diálogos, pero no se quedó muy atrás con su interpretación.

La calidad del filme quedó evidenciada al ser nominado para OSCAR como mejor película extranjera en 1968, premio que en igual categoría obtuvo en los Globos de Oro. La banda sonora de Lai obtuvo varios premios, no era para menos, ya que su calidad es indiscutible. Es un tema que fluye suavemente y no cansa a uno de escucharlo.

11 julio de 2022

“Amor no es mirarse el uno al otro, sino más
bien mirar ambos en la misma dirección.”
Antoine de Saint-Exupéry (escritor y aviador francés)

Por Esteban Hernández

Dicen los que conocen detalles del cine que el director francés Claude Lelouch estaba atravesando una crisis personal económica cuando se decidió a la realización del romance de referencia, en el cual utilizó una cámara sencilla para la toma de muchas escenas. A falta de dinero, no podía darse el lujo de disponer de todos los equipos modernos existentes ya en aquella época. Sin embargo, el film logró éxitos con su montaje y banda sonora del compositor francés Francis Lai. Algunas escenas parecen como cuadros de pintura, sobre todo aquellas del hombre que se pasea continuamente con su perro por la playa. Buena parte del filme ocurre en la ciudad Deauville en Normandía, la que Lelouch no trató de filmar mucho, excepto su puerto y playa.

La protagonista femenina, a pesar de ser aún joven en aquella época, era una veterana en filmes de amor. Se trata de Anouk Aimée que, en 1949 fue la Julieta de “Los amantes de Verona” del director André Cayatte, ocho años después tuvo una importante actuación junto a Gérard Philipe en “Los amantes de Montparnasse” del director Jacques Becquer, en 1960 fue la Maddalena de “La Dolce Vita” de Fellini, con escenas junto al eficiente Marcello Mastroianni, y en 1961 protagonizó el drama-romance “Lola” del cineasta Jacques Demy.

El protagonista masculino escogido fue el ya entonces reconocido Jean-Louis Trintignant, que falleciera el 17 de junio de 2022, que fuera interprete principal del atrevido film “Y Dios creó a la mujer (1956)” del director Roger Vadim y en la que Brigitte Bardot muestra algunos de sus encantos. Se sabe que Trintignant tuvo relaciones con la BB.  Luego en Italia protagonizó el drama-romance“Verano Violento(1959)” de Valerio Zurlini con Eleonora Rossi Drago como compañera de escena. También fue parte del reparto de una versión de “Las relaciones peligrosas (1959)” de Vadim, donde los protagonistas fueron Gérard Philipe y Jeanne Moreau. Aparte de ser actor de cine, era una especie de Paul Newman francés, ya que era también piloto de automovilismo. Realmente el actor más apropiado para protagonizar este filme, ya que la trama incluye la historia de un corredor de autos.

Como ya dije se trata de un romance, cualquiera podrá decir que de este género cintas en el cine se sobran, es cierto, pero veamos algo de su trama. Las coincidencias existen en este mundo, muchas personas divorciadas o viudas suelen encontrarse en un momento de sus vidas, si la química funciona, ambas partes terminan uniéndose. Suele suceder cuando los intereses son comunes y se busca una estabilidad, probablemente perdida en la relación anterior por la razón que sea. La empatía es una cosa, pero cuando se llega a la cama es otra, el sentimiento se materializa y las sensaciones pueden ser nuevas o recuerdos de algo anterior.

Es probable que los hombres sean más mutables en sus sentimientos que las mujeres, las que suelen ser más fieles a sus recuerdos y a sus primeros pasos en el amor. Podrá parecer una nimiedad esta característica de las mujeres, pero no lo es. Su fidelidad es algo natural y el mérito de la peli radica en significarlo. Los momentos otrora vividos no son olvidados fácilmente y pueden revivirse tan pronto surja algo que se parezca a lo ocurrido.

Invito a los amantes del cine a ver este filme, el cual transcurre de forma tranquila, no hay violencia, sí diálogos de dos personas con su pasado, atracción, amor presente y pretérito, y un deseo de lograr la felicidad. La banda sonora es original y bella igualmente, las imágenes y su montaje son muy aceptables.  

La película ganó OSCAR como mejor film extranjero, como mejor guion y montaje, así como nominaciones como mejor actriz para Anouk Aimée y para Claude Lelouch como mejor director. Anouk y el film se llevaron premios Globo de Oro, y Lelouch volvió a ser nominado como mejor director.

2 julio de 2022

“Lo so bene (lo sé bien)”
Lema de la mafia

Por Esteban Hernández

En el cine clásico, o sea el de hace varias décadas, uno puede hallar películas interesantes realizadas con medios modestos y sin necesidad de efecto especiales. El título en cuestión es el caso, película de crimen dirigida por Lloyd Bacon y guion principal de Robert Rossen, que contó con el protagonismo de dos grandes de la pantalla de todos los tiempos, Bette Davis y Humphrey Bogart.

Este filme fue la cuarta vez que este dúo actuó junto. Ambos colaboraron en un total de siete películas, donde a Bogart le tocó el papel de villano o de hombre poco bondadoso en cuatro ocasiones.

El drama-film de crimen objeto de análisis presenta una trama actual para su época cuando los elementos de la mafia, aquellos que llegaron a dominar en las grandes ciudades de EE.UU., controlaban el tráfico de la bebida, eran dueños de los grandes sitios de ocio de los millonarios y manejaban el proxenetismo, lo que es igual a controlar la prostitución. La droga se fue abriendo con el tiempo, pero no en esa época.

Bacon trató de reflejar la omnipotencia de un zar mafioso y cómo imponía su voluntad sin temor alguno a ser castigado. Probablemente no haya querido entrar en detalles de los manejos y de la colaboración que podría tener ese kapo con otros políticos, sean representantes o senadores, ya que nadie puede llegar tan lejos de por sí solo, necesita apoyos para poder hacer y deshacer. Era una colaboración muy útil para ambas partes, la mafia hacía y deshacía, a la vez que garantizaba los votos para los políticos en promoción, siempre a cambio de una paz entre ambas partes, donde los intereses de mafia y políticos no estuvieran en riesgo.

El boss mafioso de esta peli fue encarnado por el actor napolitano Eduardo Cianelli, no muy conocido, cuyo desarrollo artístico comenzó como barítono en la Scala milanesa. Luego se decidió por la interpretación, inicialmente en Europa y luego en EE. UU. Realmente su papel como el malvado Johnny Vanning fue algo exagerado, no lució natural como era de esperar. Apareció violento y locuaz, pero un personaje con sobreactuación.  

Bette Davis fue la heroína del filme, de pícara y autosuficiente dama alegre, se dio cuenta que existía un poder que ella no podría derrotar sola, algo que se planteó con seriedad cuando su hermana desapareció y todos podemos imaginar cómo y por qué.  

A Bogart le tocó el papel del abogado-fiscal David Graham, hombre que sabía que la corrupción en toda la urbe tenía un nombre y no era otro que Vanning. La actuación de Bogart no tuvo ninguna similitud con el detective Sam Spade del filme “El halcón maltés (1941)”, ya que fue en todo momento serio y directo en sus planteamientos o consejos. Tampoco hubo mucho espacio para romance, de hecho, no existió, así que tampoco hubo un héroe Rick Vaine como en “Casablanca (1942)”. Lo que sí demostraba en esta película que sus empeños eran los de dejar atrás los eternos papeles de villanos para hacer algo mejor y perdurable.

La combinación de Bette y Bogart dio resultado en este filme por primera vez, en que ambos finalmente sienten algún tipo de atracción. Hubo una segunda vez cuando se volvieron a encontrar en el drama “Amarga victoria (1939” de Edmund Goulding.

Sería injusto no reconocer la actuación de Lola Lane en el papel de Gabby en este filme. De todo el grupo de mujeres de vida «alegre», fue Lola tan convincente como Mary (Bette Davis). John Litel, como abogado de Vanning, tuvo una modesta actuación.

La película tiene su moraleja, callar los crímenes los fomentan, denunciarlos abiertamente, a riesgo de ser asesinados, es la única vía para que triunfe la justicia. Catalogar este filme como un suspense no parece lógico, ya que la trama fluyó directa y sin subterfugios, todo era conocido, aunque hacía falta que alguien o algunos hablaran.

28 junio de 2022

“Un líder no puede ser nunca feliz
hasta que su gente sea feliz.”
Gengis Kan

Por Esteban Hernández

Realizar un film biográfico de un personaje legendario de los siglos XII-XIII no es nada fácil, sobre todo cuando se trata de sintetizar o resaltar los aspectos principales. El director ruso Serguei Bodrov trató de incluir las partes más importantes de la vida de Gengis Kan, el hombre que llegó a dominar buena parte del Universo entonces conocido.

El filme, con guion del mongol Arif Aliev, enseña muchos detalles de la personalidad de este guerrero y cómo fue que logró alzarse con las victorias repetidamente. Igualmente, la cinta presenta un toque de mística cuando desde niño el futuro Kan rogaba a sus dioses y cómo lograba posteriormente lo que se proponía.

Resulta asombroso que pobladores de un territorio con poco desarrollo, hayan logrado ocupar extensos territorios de Eurasia, y que lo haya liderado un hombre que se vio obligado a vivir en la indigencia, eso independientemente de haber nacido en cuna de la nobleza de un clan, el que dominó buena parte de la Mongolia oriental, y que fuera finalmente vencido por los tártaros en pleno siglo XII.   

La película se concentra en el martirio de Temujin (Gengis Kan) en su niñez y su colaboración y diferencias con su hermano de crianza (un anda), Jamukha, el que ayudó a Temujin para recuperar a su esposa Börte, secuestrada por los merkitas. Luego se ve cómo Temujin le arrebató el liderato a Jamukha al compartir todo el botín logrado en esta batalla contra los merkitas. Desde eso momentos, ambos se convirtieron en enemigos, aunque cada uno reconocía bien las virtudes del adversario.  

Hay un poco de leyenda o cuento en el afán de idealizar al héroe del film, que uno no puede acreditar. Como son los sufrimientos y prisión de Temujin, y cómo Börte, su mujer, logra liberarlo. Tampoco es fácil de aceptar que en un ambiente de poligamia, se muestre solo a Börte cuando Temujin llegó a poseer decenas de concubinas.

El defecto principal de la película es que no se describe como finalmente Temujin pudo aunar y organizar su ejército. Ese paso en su vida se salta en la película, lo que no es razonable, en mi opinión. Por el contrario, se aborda en parte como fue el fin de Jamukha, algo ejemplar en realidad.  

La película en definitiva trata de exponer como surge la figura de Gengis Kan, pero nada de sus futuros logros y territorios invadidos. Una segunda parte de este filme habría sido deseable con guion nutrido de los relatos del autor soviético Vasily Yan de su libro “Gengis Kan, el lobo de las llanuras”.

Durante todo el filme la persona del guerrero es tratada como un héroe, como bondadoso, esplendido con sus aliados, en fin, una figura ideal. De que era corajudo no hay dudas, pero el hecho de haber sido finalmente exitoso en sus empeños como invasor no quiere decir que fuera tan benévolo como se le presenta en esta peli.  

Sobresalen las actuaciones del nipón Tadanobu Asanu en el papel de Temujin; del chino Honglei Sun como Jamukha y la mongola Khulan Chuluun encarnando a Börte. El resto del reparto realizó aceptablemente sus interpretaciones.

La peli, de producción kazaja-rusa-mongola-alemana, fue nominada para Oscar como mejor película en lengua extranjera en 2008, y obtuvo premio en igual categoría de parte de National Board of Review de EE.UU. Honglei Sun obtuvo premio como mejor actor de reparto en el Asian Film Award.

11 abril de 2022

“La satisfacción radica en el esfuerzo, no en
el logro. El esfuerzo total es la victoria.”
Gandhi

Se trata de un filme estrenado hace casi 20 años, basado en hechos reales, el cual resulta ser una enseñanza para los deportistas y todos aquellos que se esfuerzan por lograr un progreso en su vida personal.

La peli, dirigida por David Anspaugh, no es que tenga un reparto de superestrellas, pero sí de actrices-actores experimentados, los que desarrollan bien sus interpretaciones en la trama, como son los casos del difunto Ned Beatty, Charles S. Dutton, Lili Taylor, Jon Favreau, Deboarh Wittenberg, Robert Prosky, Chelcie Ross y el protagonismo del entonces joven Sean Astin, el que cumplió cabalmente en el papel de Rudy Ruettiger, muchacho que siempre soñó jugar fútbol y vestir la franela del equipo de la Universidad católica Notre Dame o Notre Dame du Lac, ubicada en el estado de Indiana en EE. UU.

El sueño de Rudy se tradujo en esfuerzo bajo la sabia guía del padre Cavanaugh (R. Prosky). Había que estudiar para tener notas aceptables y así poder matricularse con una beca en la institución de interés, algo que no se le regala a nadie fácilmente. A la vez, mostrar no solo interés sino entereza ante sus padres, hermanos, amigos, profesores y entrenadores de fútbol. Una tarea nada fácil para un hombre que no poseía la corpulencia de otros jugadores, lo que él complementaba con su entrenamiento cruento diario, en el que recibiera mil golpes en el terreno de juego.  

Un aspecto muy sobresaliente de este filme fue como este empeño de Rudy se tradujo en una solidaridad plena de todos sus compañeros con él y su rechazo a la actitud indiferente del entrenador principal Dan Devine (Ch. Ross), para quien lo único que contaba era la victoria aplastante de su equipo.

Tampoco la cuestión racial escapa de la trama de la peli. Fortune (Ch. S. Dutton), empleado negro en la institución, dedicado a mantener el terreno de juego en forma, revela sus vicisitudes del pasado cuando llegó a ser jugador en la reserva del equipo de la institución.

A pesar del valor de la peli, la misma ha recibido pocos premios, uno de ellos para el director Anspaugh y el guionista Angelo Pizzo en el festival internacional Heartland. Así y todo, es aconsejable verla, sobre todo por los jóvenes.

Escrito por Esteban Hernández, 11 marzo 2022 con información consultada en IMDB.com

“El que protesta es un enemigo,
el que se opone es un cadáver.”
Pol Pot, líder del genocidio camboyano

Este filme, cuyo título original en inglés es First They Killed My Father (Primeramente ellos mataron a mi padre), es muy real y coincide plenamente con la idea que tiene este autor sobre la masacre genocida perpetrada por los Khmer Rouge (Guardias Rojos) en Camboya una vez concluida la ocupación estadounidense.

La trama se basa en el relato de la entonces niña Loung Ung, guionista del filme, hija de una familia de clase media con padre militar al servicio del presidente títere de los ocupantes norteamericanos, Lon Nol. Llegada la salida de las tropas invasoras, enseguida los Guardias Rojos, con Pol Pot a la cabeza, invadieron todo el país e impusieron un régimen comunista por vía de una violencia impensable. El ser humano, en estas circunstancias, se convierte en lo más parecido a una res de rebaño.

La película muestra casi todos los detalles de los desmanes de los nuevos «salvadores» de Camboya. Nadie podía tener nada material, había que subordinarse a lo que dijera la máxima autoridad, las urbes vaciadas y sus poblaciones llevadas a zonas rurales a trabajar en el campo, incluido los bonzos budistas, muy maltratados por los guardias “ateos”. Lo peor de todo es la muerte diaria de personas por enfermedad y debilidad, y también de aquellos que se le descubre su pasado y su servicio al régimen de Lon Nol.

Las ejecuciones eran sumarias y bastaba un machete para decapitar al reo en cuestión. Mientras uno ve la película recuerda la obra de George Orwell, “1984”, donde el manejo autoritario es similar, aunque la brutalidad en tierra camboyana sobrepasa los límites de la crueldad.

Cuando los derechos humanos en general son pisoteados, se enrasa la pobreza, lo que es igual a no hacer nada para que mejore el bienestar de la población en general, a los seres humanos se les priva de educación, de la posibilidad de leer, de conocer, eso es puro salvajismo. Esta cinta dura más de dos horas y cuarto, y valió la pena, ya que se presenta bien la naturaleza criminal de los Guardias Rojos.   

No se entiende la animosidad de esa organización salvaje con los vietnamitas, otro aspecto bien mostrado por el filme. Lógica no tenía toda esa hostilidad por una razón muy poderosa, las tropas estadounidenses abandonaron la Indochina atacada, sea Camboya, Laos y Vietnam, cuando Vietnam se alzó con la victoria, pero incomprensiblemente toda la preparación militar, inclusive de niños camboyanos, iba dirigida al exterminio de los vietnamitas.

La actuación de Sareum Srey Moch en el papel de la niña Loung Ung fue impresionante. No necesitaba hablar, la expresión de su rostro lo decía todo. El resto del reparto estuvo a un alto nivel. Felicitaciones a la actriz Angelina Jolie por la dirección de este filme y por el aporte que este material hace al presentar sin ninguna censura las barbaridades de un bando de extrema izquierda, al final asesino de un cuarto de la población camboyana en 44 meses de gobierno de los Guardias Rojos en Camboya.

Escrito por Esteban Hernández, 20 febrero de 2022, con información consultada en IMDB.com

 “El prejuicio racial, el antisemitismo, o el odio
a alguien con distintas creencias no debe
tener lugar en la mente y el corazón humano.”
Billy Graham (1918-2018, predicador
cristiano evangélico)

Interesante película, basada en un hecho real, que aborda varios aspectos de importancia en la Eslovaquia de la Segunda Guerra Mundial, la que se independizó de la parte Checa el 14 de marzo de 1939, todo ello incentivado por Alemania, la que había decidido ocupar el territorio de Moravia y Bohemia, mientras daba la oportunidad de “independencia” a Eslovaquia y así convertirla en un estado títere al servicio del imperio nazi.

Eslovaquia como el resto de esa parte europea estaba bastante poblada de judíos, objetivo principal de exterminio para Hitler, por lo que la joven república, muy alineada con los dictámenes del Führer, se dio a la tarea de eliminar a los judíos del territorio nacional. Se trataba siempre de convencer a los judíos de emigrar a otros lares, pero en 1940 la persecución fue implacable, se crearon más de una decena de asentamientos y campos de concentración para judíos.

Por lo que esta película, cuyo título original es Nedodrzaný slub(Promesa rota)dirigida por el checo Jirí Chlumský, aborda la problemática de la segregación y exterminio de los judíos, y como un joven, muy hábil como futbolista, logra evadir la justicia eslovaca de aquel entonces y finalmente se integra con la guerrilla de su país para pelear contra los nazis.

En una fiesta familiar judía se juntan todos antes del desenlace fatal de la República nazi y todos, sin excepción, prometen volver a verse dentro de un año, algo que resultó imposible por razones obvias de la persecución imperante a la población judía. De ahí el título original que dista bastante del pomposo “El camino de la libertad”.

Un blanco judío, de hablar bien la lengua del país sin arrastres de letras, puede hacerse pasar por un nativo sin dificultad siempre que no se baje los pantalones y muestre su pene, el cual está circuncidado por la ley judía. Martin, el joven héroe del filme, tenía todo eso claro y pudo evadir la desgracia al ofrecerse como voluntario para ir a los campamentos creados por los gendarmes eslovacos. Logró penetrar la iglesia católica y se hizo pasar por ser un ferviente seguidor de Cristo. No obstante, la verdad al final emerge y eso fue lo que le sucedió. No tenía otra alternativa que huir lejos y al final unirse a los partizani (guerrilleros).

La idiosincrasia de la guerrilla es mostrada con mucha realidad. No eran solo los nazis los que odiaban a los judíos. Ese sentimiento no era exclusivo alemán, era también de muchas poblaciones del Este europeo, por lo que este negativo fenómeno tiene más antecedentes y más culpables de antes de surgir la figura de Hitler. 

La guerrilla no era muy dada a la disciplina y una parte de ella no deseaba tener judíos a su alrededor. Políticamente la mayoría no mostraba ser partidario de ninguna ideología, deseaban la salida de los nazis y la llegada del ejército rojo, ya que sabían que los medios que disponían para los combates eran escasos, además de la pobre preparación militar de los guerrilleros.

Martin comprendió que dentro de la guerrilla había peligro, por lo que no dudo de aliarse a uno de los jefes para demostrar sus habilidades en el campo de batalla y a su vez tener la debida protección sin tener que declararse judío.    

La actuación del actor eslovaco Samuel Spisák en el papel de Martin fue muy convincente, se puede decir que fue su interpretación la llave del éxito de la película. Recomiendo verla detenidamente para no perder el hilo de lo que sucede. Los movimientos de Martin en tiempo y espacio son muy rápidos.

Fuentes

Anon. s/a. El camino de la libertad. Eurchannel.com, http://www.eurochannel.com/es/El-camino-de-la-libertad-Jiri-Chlumsky-Eslovaquia.html

IMDB.com. s/a. Nedodrzaný slub, 2009. https://www.imdb.com/title/tt1369830/reference/

Escrito por Esteban Hernández, 11 febrero de 2022

“Mi familia completa emigró a América. Ellos me preguntaban:
¿cómo puedes quedarte sola en Italia? Aproveché su ausencia
para convertirme en actriz, así aparecí como Monica Vitti.”

El cine italiano ha tenido verdaderas estrellas femeninas de la pantalla. Existe un quinteto de lujo integrado por Anna Magnani, Silvana Mangano, Sophia Loren, Gina Lollobrigida y Claudia Cardinale, lo cual no quiere decir que no existan otras más destacadas, como son los casos de Virna Lisi, Stefania Sandrelli y la genial comediante Monica Vitti, a la que este artículo va dedicado.  

No escondo mis simpatías por Mónica, a la que veía como una actriz muy versátil, agradable y divertida en las comedias que protagonizó. La vi por última vez en 2003, en la TV italiana, en ocasión del fallecimiento de su compañero de trabajo en varios filmes, el famoso comediante Alberto Sordi. En ese momento no era ya la atractiva Mónica de “La Aventura (1960)”, su mejor interpretación, en mi opinión, se veía vieja y distinta, aun así y a pesar de la tristeza del momento para ella, guardaba algo de sus rasgos de notable estrella del cine italiano.

Aunque se dice que intentó varias veces en suicidarse y ya alejada del cine, uno nunca esperaba su muerte, era como aceptar la inmortalidad por lo bueno realizado. Por eso, cuando hace poco supe de su fallecimiento, sentí asombro por su desaparición.

Monica había nacido el 3 de noviembre de 1931 en Roma con el nombre de María Luisa Ceciarelli. El nombre de soltera de su madre era Adele Vittiglia, el cual Mónica abrevió por Vitti como apellido de su nombre artístico. En cine había debutado como extra en la comedia “Ridere! Ridere! Ridere! (1954)”, que fuera protagonizada por un conocido actor, con el que trabajaría en otras películas, se trata de Ugo Tognazzi. No obstante, en aquellos primeros años de su carrera, su presencia en películas, casi todas para la TV, pasaba desapercibida hasta un buen día que el célebre director Michelangelo Antonioni la llevó a protagonizar el drama ya mencionado, “La Aventura (1960)”, película de largometraje que roza casi las dos horas y media de duración, cuya trama es alrededor de la pérdida de una amiga en la costa y los pasos dados por ella y el novio de la desaparecida, los que finalmente producen un desenlace esperado y luego desperdiciado.

En aquellos momentos, Mónica igualmente estudiaba en la Academia Romana de Artes Dramáticos, donde se llegó a graduar en 1963.

Antonioni la escogió como su preferida. Así la llevó a actuar en papel secundario del drama “La Noche (1961)”, película protagonizada por Marcello Mastroianni y Jeanne Moreau, donde se presenta una velada de entes burgueses, sus intereses, nada que ver con la realidad, y como las relaciones de la familia anfitriona se deterioran.

Mónica volvió como protagonista en el drama “El eclipse (1962)”, donde hace pareja con el apuesto Alain Delon, el que interpreta el papel de un calculador en el amor, el que crea una falsa ilusión al personaje de Vittoria (Monica).

Antonioni era muy aficionado a mostrar realidades, algunas de ellas tabú. “El desierto rojo (1964)” aborda una de esas verdades, donde Mónica hace pareja con el actor irlandés Richard Harris.   

Posteriormente trabajó en otros filmes dirigidos por Mario Monicelli, Ettore Scola, el mismo Alberto Sordi y su esposo Roberto Russo. De hecho, fue Monicelli quien la llevó a protagonizar su primera comedia, “La chica con la pistola (1968)”, género que se adecuó perfectamente a su persona.

Scola la escogió para actuar junto con Mastroianni una vez más, con un tema muy ardiente, el de los celos y los amores de varios personajes por una mujer, todo en la comedia “El demonio de los celos (1970)”.  

Una colaboración muy especial tuvo con Alberto Sordi, con quien actuó en “Amor mío, ayúdame (1969)”, “Polvo de estrellas (1973)”, “Esa rubia es mía (1973)”, todos filmes dirigidos por el mismo Sordi, mientras que actuó junto a Ugo Tognazzi en “El proxeneta y la testigo (1971)” de Franco Giraldi, y “Pato a la naranja (1974)” de Luciano Salce.

Casi todas las comedias en que actuó tenían un argumento presentado satíricamente, un ejemplo claro es “Teresa, la ladrona (1973)” de Carlo DiPalma. A veces esas comedias rozaban la historia, p. ej. “La mujer más explosiva del mundo (1970)”, o la tragedia, como fue “La ronda del placer (1975)” con Vittorio Gassman y Renato Pozzetto, estos dos filmes dirigidos por Marcello Fondato.

Por la calidad de sus interpretaciones, era casi siempre escogida para actuar junto a reconocidos actores, como fue con Tony Curtis en “El cinturón de castidad (1967)” de Pasquale Festa Campanile; con Maurice Ronet en “La mujer escarlata (1969)” de Jean Valère, y con Roberto Benigni en “Camas calientes (1970)” de Luigi Zampa. Igualmente actuó con una actriz destacada como Claudia Cardinale en la comedia-drama “Cita al final del camino (1975)” de Carlo Di Palma

Nadie debe pensar que Mónica se encasilló como comediante, tuvo varias actuaciones en filmes de otros géneros como fueron el film de acción “Modesty Blaise, superagente femenino (1966)” de Joseph Losey; los dramas “La pacifista (1970)” de Miklos Jancsó, “El fantasma de la libertad (1974)” de Luis Buñuel; otro con algo de suspense “Razón de estado (1978)” de André Cayatte, y el romántico “El misterio de Oberwald (1980)”, que fuera su última colaboración con Antonioni.

Un gran éxito tuvo Mónica al dirigir y protagonizar el drama “Scandalo segreto (1990)”, co-protagonizado por el actor Elliot Gould. Un éxito muy similar lo había tenido previamente en la comedia-drama “Flirt (1983)” de su esposo Roberto Russo.

En 1992 tuvo su última actuación en pantalla. Sus últimas dos décadas transcurrieron al lado de su marido, el director Roberto Russo, 16 años más joven que ella, con el cual inició su relación mucho antes de su matrimonio en 1995.

Mónica sufría de Alzhéimer desde hacía 15 años antes de fallecer el 2 de febrero de 2022 en Roma. En su carrera actuó en 63 filmes, dirigió 2, guionista de 4 y productora de uno.  Por sus actuaciones en la mayoría de los filmes aquí mencionados, Mónica obtuvo premios en certámenes europeos, sobre todo los David en Italia.  

Fuentes

Anon. 2020. Monica Vitti cumple 89 años, las razones para no dejar de quererla. NotiUlti, 4 nov. https://notiulti.com/monica-vitti-cumple-89-anos-las-razones-para-no-dejar-de-quererla/

IMDB.com. Monica Vitti. https://www.imdb.com/name/nm0900143/?ref_=nv_sr_srsg_0

Boquerini. 2020. Monica Vitti, la musa de Antonioni. Elcorreo.com, 4 mayo. https://www.elcorreo.com/butaca/cine/lecciones-cine/monica-vitti-musa-20200504214020-ntrc.html

Obiol María José. 1989. Alberto Sordi, la sonrisa del italiano. El País, 9 oct. https://elpais.com/diario/1989/10/09/ultima/623890801_850215.html

Escrito por Esteban Hernández, 5 febrero de 2022

“La democracia es como la yuca
importada, se pudre rápidamente.”
Frase del protagonista T. Kamkwamba en el filme

Este filme se titula en inglés como “The boy who harnessed the wind”, de producción británica, cuyo director y protagonista es el inglés, de origen nigeriano, Chiwetel Ejiofor, basado en una historia real y personal narrada por William Kamkwamba, hombre oriundo de Malaui, donde se desarrolla la trama de esta película.

Les puedo asegurar que lo visto en el filme era de conocimiento del autor de este artículo en sus misiones anteriores en buena parte del África subsahariana. Malawi es un país pobre económicamente y su agricultura es el sustento de vida de miles de agricultores. El guionista y héroe del filme lo describe así: “Malaui, un país africano dominado por la superstición, donde todos temen el poder del hechicero; una subsistencia sometida a las inclemencias meteorológicas y a las corruptelas del gobierno, que echan al traste la cosecha del año y condenan a la familia, y al pueblo entero, a la hambruna; una educación inaccesible para la mayoría de los niños, que no pueden pagar las tasas; una existencia sin electricidad, que les obliga a depender de las lámparas de queroseno, que los asfixian, y de la madera, a kilómetros de distancia y cada vez más escasa.”

En casi toda África hay un solo período de siembra, el lluvioso, mientras que en la seca no se puede hacer más que contemplar la tierra, a veces quebrada, por la falta de humedad en suelo. Imaginemos lo que sucede cuando el período lluvioso se retrasa o se presenta de manera irregular o finalmente no llueve, entonces los agricultores no pueden cultivar el maíz, y en otras partes de África, el sorgo o el mijo. El hambre se apodera de esas zonas rurales sin ayuda alguna, en muchos casos, de los gobiernos.

Es cierto que se implementan proyectos de emergencia por parte de las agencias de Naciones Unidas, eso alivia, pero no cura. El factor sostenibilidad no existe de hecho.

La peli se adentra en eso mismo, la sequía, a veces lo contrario, inundaciones ocurridas en el vecino Mozambique, y la resiliencia de los agricultores, la que en ocasiones no es suficiente.

Lo peor de todo es cuando el mandamás de turno en el gobierno solo quiere oír cosas bonitas y pierde la cordura en cuanto le dicen las verdades al extremo de mandar a golpear al que hace uso de la crítica en buena forma. Lamentablemente una parte del mundo sub-desarrollado padece de este mal, gobernantes poco preocupados por la suerte de su población e incapaces de promover políticas para el bienestar del pueblo.

Pagar para que los niños reciban educación primaria es algo inconcebible a estas alturas. La peli refleja bien el problema, los maestros exigen a los alumnos que sus padres paguen. No son los maestros culpables de esta situación, nuevamente son las autoridades, a las que este asunto no les interesa, ni buscan cómo resolverlo.  La trama de la peli señala inteligentemente este problema, los hechos lo evidencian fácilmente.

El llamado empoderamiento, término que les gusta a muchos tecnócratas en este mundo, solo puede hacerse realidad con educación, sea formal para los niños o informal para los adultos. Sin ella, los ciudadanos seguirán viviendo en el primitivismo. Existen muchas inteligencias desconocidas en ese mundo pobre, los que una vez descubren aspectos elementales de la ciencia, son capaces de diseñar artefactos necesarios para la comunidad en la que viven.

El viento es fuente de energía, la llamada eólica, bastó que le cayera el libro “Using Energy” (Utilizando la energía), para que un niño de 14 años se diera cuenta del potencial energético del viento, y es ahí cuando comienza la segunda parte de la interesante trama del filme. A su vez, una biblioteca es un medio muy útil para despertar el intelecto de las personas, por lo que mientras más existan en esos países pobres, habrá resultados para la mejora del bienestar de esos países.

Chiwetel Ejiofor se vio obligado a aprender la lengua de Malaui, el chichewa, para poder interpretar el papel de Trywell Kamkwamba, el padre de la familia, mientras que el joven keniano Maxwell Simba (apellido que significa león en suahili) habrá tenido que hacer algo similar para interpretar el papel del hijo, William Kamkwamba, cuya actuación fue de elevado nivel como el de Ejiofor, además de la malauí, Lily Banda, como hermana de William, y la senegalesa Aïssa Maïga, como madre de esa familia.  

Recomiendo ver la película y analizarla paso a paso, les aseguro que es una verdadera realidad todo lo que se muestra a lo largo de la trama. En una evaluación de 1 al 10, no dudaría en otorgar un 8.

Fuentes

Anon (s/a). El niño que cambió su mundo. Cine y educación. https://www.educomunicacion.es/cineyeducacion/temas_nino_que_domo_viento.htm

IMDB.com. 2019. El niño que domó el viento. IMDB.com, https://www.imdb.com/title/tt7533152/reference

Escrito por Esteban Hernández, 29 enero de 2022

«Si viviéramos en un estado donde la virtud fuera
provechosa, el sentido común nos hiciera santos.»
Tomás Moro

El director de origen austriaco, Fred Zinnemann, realizó una película sobre uno de los hombres de mayor sabiduría que haya existido. Lástima que el filme no tuvo la debida duración, escasamente dos horas para dar un esbozo de la vida de todo un genio como fue Tomás Moro (Thomas More nombre original en inglés). Realmente se necesitaba algo más, ya que la obra más famosa de Moro, “Utopía”, ni se llega a tocar.

Zinnemann, más que todo, se adentra en el conflicto de intereses del monarca Enrique VIII, las rivalidades entre los componentes de la autoridad del reino y la posición, siempre diáfana, de Tomás Moro, el que deja ver mucho de su personalidad, sus principios y cómo hábilmente sabía torcerles la lengua a hombres corruptos. Un ejemplo fue el dialogo sostenido con el Cardenal Wolsey, el que pretendía usar a Moro para detener el futuro matrimonio del rey Enrique con Ana Bolena. Lo mismo fue durante el careo que tuvo con el más oportunista de la corte, el secretario de Estado de la corte, Tomás Cromwell, al que no debemos confundir con uno de sus descendientes, el rebelde Oliver Cromwell.

Moro era un hombre que, por su conducta, se ganaba la simpatía de pobres, ricos y hasta los más opulentos. Su inteligencia, su vocabulario, si se quiere, su dialéctica a la hora de hablar de algún tema, le distinguían como un hombre culto con profundo poder de análisis. La película no llega a mostrar nada en profundidad de sus preocupaciones por la suerte de los pobres, de la desigualdad existente y en que radicaba la misma. Zinnemann resaltó los enredos de la corte, así como la lealtad de Moro a la iglesia católica, la que para él era inviolable, al extremo que se opuso firmemente a la rebelión encabezada por Lutero, algo que el filme tampoco aborda.

Su inteligencia era igualmente capaz de provocar envidia entre muchos que no le admiraban o entendían que era un estorbo en sus aspiraciones de riqueza o grandeza. Cuando se quieren buscar causas inútiles, estas se inventan para así debilitar al más capaz. Los incapaces suelen criticar y poco realizar, son también poseedores de una inmensa inquina. A toda esa escoria Moro tenía que enfrentarse una vez fue acusado de traidor por el simple hecho de sostener sus principios y no aprobar la separación de Enrique de la reina Catalina y luego el matrimonio con Ana.

La película aborda estos aspectos, pero brevemente, incluso el período de acusación y condena duró varios meses desde 1533 hasta 1535, y esta tragedia en la película parece transcurrir en días o semanas. Eso sí, la maldad de Cromwell queda muy en evidencia, algo que se origina en su envidia y hasta complejo de inferioridad respecto a Moro, pero sí de arribismo se trata, el filme muestra la bajeza de Richard Rich, un hombre que formuló falsas acusaciones contra Moro, el que fue posteriormente ascendiendo, hasta llegar a ser el canciller en el reinado de Eduardo VI a partir de 1547, hecho histórico fue el del alcance del período abordado por la peli. Después del amañado juicio se ven las desgracias, las que el espectador debe ver y analizar.

El reparto del filme fue realmente muy apropiado, El actor Paul Scofield se destacó enormemente en la interpretación de Tomás Moro. Leo McKern interpreta a cabalidad el papel de Cromwell. Orson Welles, como todo un gigante del cine, encarnó al pícaro Cardenal Wolsey con la certeza que siempre le ha caracterizado. Wendy Hiller fue muy convincente como Alice, la cónyuge de Moro. El experimentado Nigel Davenport tuvo otra notable interpretación como el de Duque de Norfolk. Otro tanto para Susannah York como Margaret Roper, la hija mayor de Moro, y para John Hurt como Richard Rich.  Vanessa Redgrave tuvo una actuación breve en el papel de Ana Bolena. El papel de Enrique VIII recayó en otro experimentado actor, Robert Shaw, el que realizó bien su interpretación, pero se me hace que su físico no era el más adecuado, ya que Enrique VIII, por las pinturas existentes de su figura, era una persona gruesa.

La calidad del filme es muy evidente al haber obtenido seis premios Oscar, dos Zinnemann como mejor director, mejor film; Robert Bold por mejor guion y montaje; Ted Moore como mejor color fílmico; Elizabeth Haffenden y Joan Bridge como mejor vestuario, y Paul Scofield como mejor actor protagonista, mientras que Wendy Hiller y Robert Shaw fueron nominados como mejor actriz y actor de reparto, respectivamente. A eso hay que sumar otros tantos premios BAFTA, Globo de Oro y del National Board of Review de EE. UU.

Así que esta interesante película invita a verla a los espectadores interesados en la historia, sobre todo de la Gran Bretaña, una de las grandes potencias de aquel entonces, la que finalmente, por obra y gracia de Enrique VIII, se separó del catolicismo y fundó la iglesia anglicana, cuya primera autoridad es el mismísimo monarca del imperio.  

Escrito por Esteban Hernández, 23 enero de 2022, con información tomada de IMDB.com sobre la película, así como aspectos históricos reseñados en el artículo sobre Tomás Moro en este mismo blog.   

“Soy un nacionalista yugoslavo, que lucha por la
unificación de todos los yugoslavos, no me importa
la forma de estado, pero sí que seamos libres de Austria.
Gavrilo Princip (ejecutor del atentado, muerto en prisión)

Las pelis sobre historias del pasado remoto y reciente suelen ser estar tergiversadas con la representación de actitudes o hechos imaginados y falsos. ¿Quieren más tergiversación que mostrar a Salomé arrepentida de la muerte de Juan Bautista? Eso por solo citar un ejemplo. Por lo tanto, todo nuestro respeto cuando el filme es correcto con los hechos históricos. Lamentablemente, los espectadores, sobre todo en Occidente, se han acostumbrado a un tipo de cine, donde gusta ver la intriga, los vericuetos de las crisis o problemas que se deseen hacer aparecer en pantalla, así estos sean falsos.

La película objeto de crítica y presentación, de producción yugoslavo-checoeslovaca, se titula originalmente “Atentat u Sarajevu”, cuya trama es un relato bastante lineal del motivo del inicio de la I Guerra Mundial en 1914. Se puede decir lineal al carecer de matices y no entrar en muchos detalles de los que ejecutaron la obra de matar al archiduque Francisco Fernando de Austria, sobrino del emperador y heredero de la corona, en Sarajevo, capital de Bosnia, entonces territorio anexado al imperio Austro-Húngaro.  

Sin restarle mérito a la cinta, habría sido apropiado haber entrado en más detalles sobre la organización “Mano Negra” de Bosnia, la que también se le conocía como “Unificación o Muerte” (Уједињење или смрт en serbio), grupo anarquista serbio ejecutante del atentado. Ya en ese entonces esta organización hablaba de unificación de todo aquello que pintara serbio, sea Bosnia como Croacia. Este movimiento no es que estuviera en trato con la monarquía serbia de aquel entonces, pero tenía sus propósitos claros, a pesar de ser estos disparatados realmente. El error del monarca serbio, Pedro I, fue hacerse el de la vista gorda y no combatirla en su momento.

Con un atentado matas a una vida, pero no a un sistema, siempre habrá otros que vendrán a responder al ataque perpetrado. El director montenegrino Veljko Bulajic, famoso por la realización del filme épico “Kozara (1962)“, muy descriptivo de las luchas de los guerrilleros yugoslavos contra las tropas nazis, trató de cierta forma de reflejar el error del atentado en Sarajevo y, a la vez, de la crueldad de las autoridades del imperio en cuanto territorio hubiera rebelión. La tortura de los enemigos era una práctica muy habitual.

La llegada de Francisco Fernando en visita a Bosnia en la peli aumenta el suspense de lo que ocurrirá finalmente, así como las divergencias dentro de “Mano Negra” de llevar a cabo o no el atentado. Una escena del filme es meritoria cuando Djuro Sarac es detenido por la policía serbia y se discute con él de las consecuencias de un atentado. La policía alegaba que el resultado era de esperar, el imperio atacaría a Serbia, Rusia vendría a socorrerla, Francia otro tanto, Inglaterra no dejaría a Francia sola, mientras que los alemanes estarían al lado de sus similares austriacos, una verdadera hecatombe. Serbia no era nada militarmente, sus fuerzas eran limitadas y ese desenlace sería fatal para toda esa nación.

Al final las cabezas calientes se impusieron y llegó el momento de la tragedia. La figura de Francisco Fernando fue interpretada por el experimentado Christopher Plummer, la de su esposa Sophie por la brasileña y actriz del cine italiano, Florinda Bolkan, mientras que Maximilian Schell es uno de los jefes de “Mano Negra”, Djuro Sarac. El resto del reparto es con actrices y actores entonces checoeslovacos y yugoslavos, la mayoría desconocidos, pero eficientes en la pantalla. El ejecutor de los disparos mortales, con una pistola semi-automática Browning, fue Gavrilo Princip, joven de tan solo 17 años, interpretado por el actor bosniaco Irfan Mensur.

Aunque la película es a colores, se ve que la tecnología utilizada no era de las entonces existentes en cuanto a elegancia se refiere en Occidente. El presupuesto no debe haber sido muy alto, buena parte del mismo se debe haber ido pagando por los servicios de Plummer y Schell. Así y todo, es un filme que merece ser visto. Las causas de una guerra son muchas, pero el motivo, condicionado por esas causas, es lo que muestra la cinta, cómo la vida de un hombre fue capaz de alterar violentamente el curso de la historia en este mundo.

Existe una versión fílmica más reciente “Sarajevo (2014)”, co-producción germano-austriaca, la cual en su oportunidad veremos y comentaremos.

Escrito por Esteban Hernández, el 5 enero de 2022, con info consultada en IMDB.com y https://wwi.lib.byu.edu/index.php/Constitution_of_the_Black_Hand

«Las buenas poesías épicas, dramáticas, líricas, no son
otra cosa que los sueños de un hombre despierto.”
Joseph Joubert (1754-1824, ensayista francés)

Al espectador que le guste el cine de acción o el de películas con secuencias rápidas y con una lógica muy a lo norteamericano, “Hana-Bi (1997)”, no se la recomiendo, pero si Ud. desea ver algo distinto, donde se combina la violencia, la belleza y los sentimientos humanos, toda una lírica fílmica, no dude en sentarse a ver esta película y analícela paso a paso.

Yakuza, la mafia japonesa, está presente en la trama, pero el director-guionista-protagonista de la peli, Takeshi Nitano, no entra en detalles de la crueldad de esa organización criminal. La muestra como lo que es, así como algo de los daños que causa a la sociedad, y se adentra en el dilema familiar de un jefe de la policía con una mujer enferma y sin esperanza de vida, lo cual no impide que el agente siempre actúe con severidad contra con su oponente Yakuza. A esto hay que sumar tener un compañero de trabajo parapléjico después de una incursión violenta y directa de la organización criminal ya mencionada.

Es a partir de ahí que parte el meollo de la trama, donde uno puede apreciar paisajes diversos, desde playa de arena hasta bosque nevado, pinturas sobre la reflexión del agente invalido, pensamientos y actitudes sin palabras, pero muy elocuentes. No obstante, las complicaciones hacen que su pensamiento se radicalice de forma despiadada contra la mafia, para lo cual adopta procedimientos violentos que encajan dentro de una lógica de venganza, pero nada legal. Hay que realmente tener imaginación para lograr un filme de esta naturaleza y lograr juntar aspectos disimiles.

Las actuaciones de Kayoko Kishimoto como esposa del protagonista, y de Ren Osugi como el agente parapléjico responden perfectamente al propósito de la trama de la película.

El filme es lento, no aconsejable para los que gusten de los desenlaces rápidos, pero no deja de ser una joya fílmica. No en balde recibió nominación para César en Francia, para premio de la sociedad de críticos de cine de EE. UU., ganó Aries dorado en el festival de Moscú, y León de Oro en el festival de Venecia entre otros premios y nominaciones.

Escrito por Esteban Hernández, 21 diciembre de 2021, con información consultada en IMDB.com y Filmaffinity.com.