“El viaje de Nisha (2017)”, ¿Dónde están los derechos de esas mujeres?

El filme por reseñar se titula “La Mauvaise
Réputation” (la mala reputación) en Francia.

Ya vimos anteriormente “Adam (2019)” filme con una trama demostrativa de los prejuicios existentes y cómo la mujer trata de escapar de esas injusticias. Ahora para continuar, veamos algo de otra peli con argumentos similares, pero en otro contexto.

Emigrar es algo muy común en nuestras sociedades. Unos lo hacen por razones económicas, otros por ser perseguidos políticamente, en fin, se trata de un derecho consagrado en la Carta de los Derechos Humanos.

Cuando se emigra uno debe saber que lo primero es respetar las costumbres y normas de la nueva sociedad, donde irá a residir. Uno tiene el derecho de mantener su cultura a nivel doméstico, profesar su religión, pero no entrar a cuestionar si lo que existe en ese país es justo o no. Nadie puede llegar a exigir que en determinadas escuelas se quiten los crucifijos existentes en las aulas. Emigró, pues adáptese al nuevo ambiente, caso contrario, deberá regresar al país de donde vino u otro con hábitos similares.

Al emigrar con su familia se corre siempre el riesgo que sus hijos quieran integrarse plenamente en esa sociedad, incluso olvidando su religión o creencias. Los niños crecen hablando el idioma del país y asimilando todo lo que les rodea. Harto difícil modificarlos durante la crianza y más aún llegada la adolescencia.

Este filme muestra la intolerancia de una familia paquistaní, residente de años en Noruega, a la actitud de su joven hija, la que, con mucha lógica, asiste a discotecas, bebe algo, baila y tiene rollo con algún que otro joven. Aquí a nuestros ojos no hay pecado, pero no es así para los padres de esa hija, los que para “resolver” el problema aplican la tremendísima, secuestrar a esa hija y llevarla a la fuerza de vuelta a Paquistán para convivir con una tía y su familia.

De hecho, el filme muestra un acto de violencia, una falta de respeto a las normas establecidas en Noruega e infringen la ley. La chica, al verse en el medio que crecieron sus padres, se da perfecta cuenta de que eso nada tiene que ver con ella. Adaptarse es muy difícil en ese caso, pues su medio natural no es ese, sino aquel en el que creció y se desarrolló.

¿Tuvo alguna solución el problema? No hay mal que dure tanto, al menos a nivel familiar, por lo que la chica hizo cuanto estuvo a su alcance para lograr eso que se llama libertad. ¿Cómo lo logró? Se los dejo para que así puedan ver la película, producción noruega-germano-sueca-franco-danesa, de la directora y guionista Iram Haq, noruega de nacimiento y familia de origen paquistaní. En realidad, la trama fue algo que ella sufrió en su vida al ser secuestrada y llevada al Paquistán.  

La actuación de Maria Mozhdah en el papel de Nisha fue realmente buena al poder expresar su obstinación hasta con su mirada. No menos notable fue la interpretación del papel de padre de Nisha por el actor hindú Adil Hussain.

Esta película, no muy conocida en occidente, ha obtenido premios en varios certámenes nacionales e internacionales de cine en los países nórdicos, Israel, India y Canadá. Les invito nuevamente a ver algo distinto, pero muy real, algo a lo que no debemos estar de espalda si es que deseamos la verdadera emancipación de la mujer en cualquier rincón del planeta.   

Esteban Hernández 20 diciembre de 2022     

“Adam (2019)”, violación de las normas y sus consecuencias

El progreso hacia la igualdad de género es
fundamental para el desarrollo sostenible.”
Fondo de las Naciones Unidas para la Población

Cada sociedad tiene sus formas y reglamentos. En muchos países estos responden al dogma impuesto por la religión predominante. Esos preceptos, de no modificarse con el tiempo, provocan problemas a nivel familiar e incluso de comunidad o barrio.

Las mujeres deben obedecer al pie de la letra lo que se les impone. Ahí no hay libertad alguna, todo está sentado acorde a cómo lo dice la religión, la que dicta las normas de carácter moral.

Pero siempre hay alguien que se puede saltar el reglamento y caer en una situación penosa. Una mujer no casada no debe tener sexo y sí lo tiene deberá asumir los castigos caso de ser descubierta. Esto puede ser muy evidente cuando la osada mujer termina encinta y su barriga no hay forma de esconder.

Acudir a los padres es peligroso, el castigo podrá ser extremadamente severo, a lo que hay que sumar el desprecio de la sociedad circundante. Hay que escapar y dejar atrás a todo lo que uno quiere, a no ser que el hombre que la disfrutó se haga cargo debidamente del asunto, pero no es así. Lo ridículo de todo eso es que los preceptos morales castigan a la mujer, pero no intentan buscar al hombre que gozó del sexo con la fémina e igualmente castigarlo.   

Toda esa trama es la que se desarrolla en el filme, coproducción marroquí-franco-belga-catarí, con dirección y guion de la marroquí Maryam Touzani, y filmación completa en una barriada bastante pobre de la ciudad de Casablanca.  

El título responde al nombre que le da a su criatura su madre Samyah, papel interpretado por Nisrin Erradi. Al inicio un bebé odiado, pero que a pocos días de nacido gana el afecto de su madre. Las circunstancias de cómo Samyah se abrió paso para parir y sobrevivir a las normas punitivas vale la pena ver en el presente filme.

Lubna Azabal interpreta muy bien el papel de la comprensiva Ablah, la que recuerda junto a Samyah parte de su desdichada vida y lucha para hacer que su hija pudiera educarse en escuela.

La directora del filme, Maryam Touzami obtuvo premios en Cannes y Chicago, así como Lubna Azabal y Nisrin Erradi en otros certámenes por sus excelentes actuaciones. Así que un filme en un mundo no muy conocido en occidente y que hace entender la magnitud de los problemas que enfrentan las mujeres en esa sociedad.

Esteban Hernández
30 noviembre de 2022

La novela “Martín Eden” de Jack London llevada al cine

Todo hombre debe decidir si caminará a la luz del altruismo
creativo o en la oscuridad del egoísmo destructivo.”
Martín Luther King Jr.

Por Esteban Hernández

De la obra literaria de Jack London se ha hablado con anterioridad en este blog (Labrada 2016), donde se reconoce que la obra maestra de este autor, una especie de autobiografía con final anticipado fue Martín Eden, publicada en 1909 por Pacific Monthly.

Es la vida de un hombre pobre, criado en un mundo de gente de pocos recursos, los que solo saben buscarse el sustento de cada día como mejor se pueda, incluso robando llegado el caso. Martín pudo hacerse marino mercante en la costa del Pacífico de los EE. UU. y así sobrellevar su supervivencia, hasta que un buen día por un accidente de esta vida conoce una joven de clase alta, opulenta, la que incentiva a Martín a estudiar para escribir poemas y luego prosas. Ella percibía que el joven podía llegar a algo.

Cuando uno escribe, suele relatar parte de sus vivencias, por lo que en un momento de su carrera autodidacta se da cuenta que su amada no comparte sus ideas y mucho menos sus padres y familia. Escaló alto con sus escritos, los que comenzaron a ser aceptados pasado un tiempo, pero después se tropezó con muchas contradicciones para él inesperadas.

La obra ha sido siempre bien recibida por los que la han leído. Impactante es lo único que se puede decir de la misma, ya que en el orden político se abordan cuestiones polémicas actuales sobre el socialismo como sistema dentro de la democracia.

El cine no podía quedar de espalda a este best seller y había que llevarlo a la gran pantalla. La primera película con trama de esta novela fue la silente y homónima de 1914, dirigida por Hobart Bosworth con guion compartido con London, donde Lawrence Peyton interpreta a Martín y Viola Barry a Ruth Morse. La peli dura escasamente 50 minutos. La peli debe haber tenido la colaboración directa de London, quien murió en 1916.

Pasaron pocos años para que el director Sidney Salkow realizó una especie de peli de aventura con protagonismo de Glenn Ford como Martin Eden y Claire Trevor como Connie Dawson, nombre inventado, ya que la enamorada o prometida de Martín Eden se llamaba Ruth. El filme de 1942 se tituló en inglés “The Adventures of Martin Eden” y en español “El barco de la muerte”. La calificación dada a esta peli en IMDB.com es de sólo 5,8 puntos de 10.

Un serial televisivo, con duración de casi 6 horas, de producción italo-germánico, se estrenó en 1979, en el que el estadounidense Christopher Conolly interpretara el papel de Martín, mientras que Ruth fue encarnado por la genovese Delia Boccardo. La puntuación en IMDB.com ha sido de 6.8 de 10, algo ya mejor valorado.

Realmente, el que suscribe no ha visto ninguna de estas versiones, pero sí la última, de producción italiana, del 2019, dirigida por Pietro Marcello, donde la trama fue adaptada al mundo napolitano en Italia, hábitat de pobreza, incluso en partes de Nápoles en la actualidad. Martín Eden fue interpretado por Luca Marinelli y Elena Orsini (la Ruth italiana) por la francesa Jessica Cressy.

Esta versión es bastante parecida a la obra original de London, donde Marinelli, a mi entender, brilla en la primera mitad de la cinta. Cressy se comporta modesta en su actuación. El Martín del tercio final del filme es demasiado desilusionado, no muestra nada de su furor inicial como marinero y luego escritor. Es cierto que él se sintió defraudado en su vida, pero no al extremo de querer esquivar a la gente en general.

Lo positivo es cuando le muestra a su amada un mundo que ella no conocía, el de la miseria, el de la gente harapienta, carente de educación, las calles sucias, un ambiente tétrico, el que Ruth no fue capaz de asimilar, como si esa gente fuera la peste, como si hubieran nacido para eso por destino. Dos mundos, en uno sobra todo, en el otro nada, pero para Ruth eso es lo que le toca a cada uno y ella no tiene nada que ver con esa otra desgracia.

Más impactante es la baja moral y el oportunismo de esa aristocracia. Ruth deseaba volver con su amado Martín, el ya famoso escritor, del que todo el mundo hablaba. Martín supo burlarse de sus intenciones.

Discutible, ya dije polémico, es el tema sobre el socialismo que tuvo Martín con los trabajadores y sindicatos que se pronunciaban a favor de un nuevo orden. Era el momento en que se avecinaba la primera guerra mundial, la pobreza se elevaba, las carencias económicas empujaban a las grandes potencias a la confrontación bélica.  El diálogo presentado era real y los argumentos de ambas partes dignas de ser oídos, cada cual tenía su razón, Martín tenía desconfianza, basaba mucho sus razonamientos en la teoría evolutiva de Herbert Spencer, donde proponía que la sociedad resulta ser un producto a partir de cambio de formas inferiores a superiores. Todo lo llevaba al plano biológico, como si el hombre careciera de sentido y se comportara como cualquier otro animal.

Así que, si desea ver filme con sustancia, “Martin Eden (2019)”, es una buena sugerencia. Aún no he votado en IMDB.com, creo que un 8 es bien merecido.  

Fuentes

IMDB.com. https://www.imdb.com/title/tt4516162/reference/

IMDB.com https://www.imdb.com/find?q=martin+eden&ref_=nv_sr_sm

Labrada R. 2016. La mejor lectura para jóvenes y adolescentes, las obras de Jack London. Deportescineyotros.com, https://deportescineyotros.com/2016/02/28/la-mejor-lectura-para-jovenes-y-adolescentes-las-obras-de-jack-london/

20 noviembre de 2022

“Promesa al amanecer (2017)” un retrato de una madre obsesionada

El padre (o la madre) debe ser el amigo (o amiga),
el confidente, no el tirano de sus hijos.”
Vincenzo Gioberti (1801-1852, filósofo y estadista italiano)

Por Esteban Hernández

Muchos padres cometen el error de querer obligar a sus hijos a ser algo, para lo cual no sienten vocación. Admitamos que lo hacen con buenas intenciones y sin saber el daño que pueden causar en la personalidad de ese infante en crecimiento.

El fenómeno suele agudizarse cuando es hija o hijo único, más aún cuando se es huérfano de uno de sus progenitores, ya que el padre o madre que queda conserva una idea fija sobre lo que debe ser ese hijo, a quien al final afecta y enferma. Se origina una relación psicopática, donde el menor recibe el inoculo de ideas, muchas veces disparatadas, del progenitor o la progenitora. Los éxitos del hijo son bien recibidos y hasta exagerados en su entorno, todo el mundo tiene que enterarse que el infante es “un genio, llegará a ser un alto funcionario del estado y hasta presidente de la república”, una pura obcecación.

El filme de referencia (La promesse de l’aube) trata sobre la vida del escritor francés Romain Gary, su niñez en Vilna, actual capital de Lituania, entonces gobernado por Polonia, junto a una madre, cuyos esfuerzos se volcaron sobre el niño y luego adolescente Romain a fin de que progresara continuamente en su superación. Era una mujer muy esforzada, la que a veces se inventaba sus historias para hacer parecer lo que nunca fue o para engañar a otros, sobre todo aquellos pudientes en la sociedad. A eso hay que sumar el secreto guardado de su naturaleza judía, aunque no practicantes, era todo un pecado en el ambiente en que se desenvolvían, por lo que sin remedios ella y el niño iban a la iglesia católica así no creyeran en nada.

Con el curso del tiempo, Romain absorbió todas las exigencias de su madre y trató por todos los medios de no decepcionarla, así también tuviera que mentirle ocasionalmente. Llegó alto por su entrega en la II Guerra Mundial, donde asimiló muchas enseñanzas, las que le sirvieron para convertirse en un famoso escritor, pero la psicopatía adquirida producto de la crianza tuvo su impacto en su personalidad.

La película de producción franco-belga fue dirigida por Eric Barbier y contó con el protagonismo de Charlotte Gainsbourg como la madre de Romain, mientras que el personaje principal fue interpretado por tres actores, el niño Pawel Puchalski, el adolescente Némo Schiffman y en lo sucesivo, Pierre Niney. El filme es muy original en sus relatos, el que aborda historia, guerra y el amor ciego de madre e hijo.  

4 noviembre de 2022

“15:17 Tren a París (2018)”, un hecho llevado a la pantalla con el protagonismo de sus héroes reales

El terrorismo nace del odio, se basa en el desprecio de la
vida del hombre y es un auténtico crimen contra la humanidad.”
Juan Pablo II

Por Esteban Hernández

Este filme, dirigido y producido por Clint Eastwood, relata la vida de tres jóvenes, cuya niñez fue, por decirlo de alguna manera, algo indisciplinada e incomprendida en el ambiente escolar. La rebeldía de ellos era tal que, a menudo se veían en la oficina del director, el que les hacía una especie de amonestación y, en otras, llamaba a sus madres para informarle de la mala conducta.

Cuando no hay pedagogía, la incomprensión prevalece, cuya responsabilidad recae sobre el cuadro docente y también los padres. No se trataba de niños malsanos, al contrario, eran de buenos sentimientos y sufrían de todas esas cosas que abundan en las sociedades modernas, como la separación de los padres.

Un aspecto negativo que llama la atención en la peli es el juego con armas de los niños blancos, los que poseían todo un arsenal de guerra, juguetes, pero ¡qué juguetes!  Cuando uno ve eso no le resulta difícil imaginar que surja gentecapaz de matar por matar en una sociedad, donde las armas están al alcance de todos. Basta con tener dinero y comprarlas. Los niños jugaban con armas y, por suerte, su inclinación fue, ya crecidos, la de integrarse en las fuerzas armadas, en este caso Alek y Spencer, los niños blancos. Anthony, el afro del trío, no pareció interesarle el asunto militar. Así y todo, se mantuvo una amistad muy sólida a lo largo de sus vidas, lo que los vuelve a unir en momento vacacional de ellos tres. Esos personajes son los reales de la historia que cuenta el filme.

Una gira por Europa es algo muy saludable para aquellos que desean conocer mundo y cultura. Por lo que en el filme se ven vistas de Roma, Venecia, Berlín y Ámsterdam. En esa gira no podía faltar París, por lo que lo más lógico y económico es tomar el tren que cubre la ruta desde Ámsterdam hasta París, el llamado Thalys, y es ahí donde los sorprende, a partir del tramo Bruselas a París, ya en territorio francés, un asaltante marroquí, el que venía con armas y deseos de exterminar gente del mundo occidental, todo un fanático. No diré más para que los interesados en ver la peli no sufran de spoilers.

La realidad es que la solidaridad humana siempre surge de forma espontánea y es la que hace que las personas se crezcan ante tamaña dificultad. Salvar vidas humanas debe ser el objetivo principal, el que se cumple cuando hay conciencia sobre el problema. No es que los seres humanos pretendamos hacer el papel de héroes, es el de hacer lo que el humanismo nos exige. Ese es el valor del filme, salvar 534 vidas a bordo de ese tren, lo cual es un acto lleno de bello de generosidad, máxime cuando las personas involucradas están poniendo sus vidas en grave peligro.

El actor Ray Corasani, quien no dice ni media palabra en la película, interpretó bien el papel del terrorista Ayoub El Khazzani. Su mirada de odio encajaba perfectamente en el perfil de un hombre capaz de exterminar a todo aquel que se le atravesase en su camino. Excelente la interpretación del ex-presidente de Francia, François Hollande, por el actor Patrick Braoudé. Realmente uno lo ve y piensa que era el mismo Hollande en persona. El guion del filme fue preparado por los tres protagonistas reales de conjunto con Jeffrey E. Stern, con montaje de Dorothy Blyskal.

El filme tiene partes light, sobre todo aquellas que transcurren en los lugares turísticos europeos, pero también muestra realidades de la vida de las familias en EE. UU. como de la realidad del terrorismo en el mundo actual.

Fuentes consultadas- https://www.imdb.com/title/tt6802308/reference  y Wikipedia en línea.

27 octubre de 2022

“Los Dioses rotos (2008)”, versión moderna de la historia de un famoso proxeneta

Un hombre de carácter podrá ser derrotado, pero jamás destruido.”
Ernest Hemingway

Por Esteban Hernández

Hace algunos años atrás había visto esta película cubana, “Los Dioses rotos”, la que nos lleva a ver algo de la vida de Alberto Yarini. Al estar leyendo el libro “Personas decentes” del escritor cubano Leonardo Padura, donde nuevamente se aborda la figura de este personaje, pero de forma distinta, probablemente más cabal con la historia real de Alberto Manuel Yarini y Ponce de León, volví a ver la peli de referencia, la que pueden encontrar fácilmente en youtube.com.

Se puede decir que el filme muestra a un joven Yarini, moderno, vestido con jeans y camisetas de color de entero, apuesto, aseado y carente de necesidades económicas, muy distinto en su aspecto al chulo que se hizo famoso al principio de siglo en el barrio de San Isidro, el que conozco bastante bien por haber crecido allí.

El Yarini del pasado era de vestir de cuello y corbata, siempre elegante, de hablar pausado, educado también en EE. UU., con dominio del español e inglés, también apuesto. Un dandi a la vista de las señoras de la sociedad y, probablemente por hobby, muy dado a acostarse con la prostituta de su gusto. Era bondadoso con los pobres, los que le adoraban.

El Yarini “moderno”, el de la peli, era igual de bondadoso, muy querido en el barrio. Se presenta encajado en una época imaginaria, nada qué ver con la Cuba post 1959, así aparezca un panataxi en la peli. Ninguna mención de revolución o algo por el estilo. Es como si el director/guionista del filme, Ernesto Daramas Serrano, ubicara a Yarini en una época moderna, pero en un ambiente sosegado, y repleto de miserias y necesidades.

La población del barrio de San Isidro representada no tenía nada de bienestar, pobreza, la que siempre allí existió, sobre todo de la calle Paula hasta el muelle. No se ven los burdeles, bayuses así llamado por los cubanos, ni tampoco a las prostitutas. Las mujeres son temperamentales y seducidas por Yarini, el que, al no haber burdel en la peli, se presenta como un gigolo alegre con las mujeres y seductor por excelencia, causante de envidia de otros tan pudientes como él.

La peli rueda por varios ángulos de la Habana Vieja, los que se repiten una y otra vez. San Isidro, además de barrio, es el nombre de un callejón que concluye en la calle Compostela, justamente de frente al archivo nacional. Los solares habaneros, con su típica promiscuidad, son mostrados, así como algunas casas con cierto nivel de comodidad. Así mismo, se pueden ver escenas de una especie de bembé, aunque no son muy reales, ya que su música ahí no es el típico guaguancó.

En la trama no hubo amor con la prostituta la petit Bertha, ni se vio a un mafioso Louis Letot, pero sí un rival igualmente apuesto, Rosendo, el que aparece, muy atraído por la mulata Sandra, la que fuera el amor de Yarini desde su supuesta infancia.

Esa rivalidad crece a lo largo del filme, aunque Sandra prefiere y desea a su hombre predilecto, obviamente Yarini. Las escenas eróticas entre ambos son lo más parecido a la realidad. Igual sucede entre Yarini y la profesora investigadora de la vida y muerte del gigolo, cuya tesis es excesivamente surrealista. Todas vacilaban a Yarini, todas lo deseaban, muy parecido a lo que uno ve en la comedia-drama protagonizada por Burt Reynolds “Mis problemas con las mujeres (1983)” remake de la película “L’homme qui aimait les femmes (1977)” del director François Truffaut.

La actuación de Carlos Ever Fonseca como Yarini fue aceptable. No obstante, a criterio del que suscribe, Rosendo interpretado por Héctor Noas estuvo impresionante en el papel de esos individuos merecedores de lo que deseen por la opulencia que poseen. Silvia Águila encarnó a la profesora-investigadora, cuyo papel estuvo oscilante, por momentos brillante, en otros algo menos. Annia Bu Mare fue la Sandra de la peli, muy desbordante en las escenas de sexo con Yarini. El carácter elevadamente temperamental de una cubana ella lo supo evidenciar con su actuación. Igualmente, se le puede dar un 9 en una escala del 1 al 10 por la actuación de Amarilys Núñez Barrios en el papel de Rosa, la negociante, que igualmente cayó bajo las piernas de Yarini. Pequeños y buenos papeles tuvieron los veteranos Isabel Santos, Mario Limonta y Patricio Wood.

Fuentes

Borroto López Cecilia. 2021. Alberto Yarini el Rey de San Isidro. Fotos de la Habana, 5 febrero. https://www.fotosdlahabana.com/alberto-yarini-el-rey-de-san-isidro/

IMDB.com. https://www.imdb.com/title/tt1373122/reference/

25 octubre de 2022

“Blonde (2022)”, un intento biográfico sobre Marilyn Monroe

Trato de ser una artista, de ser verdadera y a veces
me siento al borde la locura. Siempre trato de enseñar
lo mejor de mí misma, pero me resulta difícil.”
Marilyn Monroe

Por Esteban Hernández

Se trata de una peli de estreno, disponible en la plataforma de Netflix, no sin antes decir que, esta no es la única que aborda la vida de Norma Jeane o Marilyn Monroe. Con anterioridad se filmó “Norma Jeane y Marilyn (1996), dirigido por Tim Fywell con guion de Anthony Summers y Jill Isaacs, y protagonizada por Ashley Judd y Mira Sorvino. Como no la he visto aún, no puedo comentar sobre ella, solo que esta versión trató de hacer una secuencia de sus andanzas amorosas, logra fama, pero no felicidad. Hay otras más, casi todos con tramas y enfoque distinto sobre la vida de esta famosa actriz.

En el caso de “Blonde (2022)”, la peli es dirigida por Andrew Dominik y guion del mismo Dominik y la escritora Joyce Carol Oates, mientras que el papel de Norma Jeane o Marilyn lo interpreta la actriz camagüeyana (cubana) Ana de Armas. Significó lo de su origen, pues Camagüey, concretamente Santa Cruz del Sur, no está en España ni en Hollywood.  

La peli va desde la horrible niñez de la actriz hasta que llega a hacerse de un nombre artístico, Marylin Monroe, después de haber servido de modelo y fotos al desnudo, y las vicisitudes que afronta en su carrera cuando se inició como actriz. Ella era un manjar para muchos en la industria cinematográfica, pero tampoco escapaba de la mirilla de un gobernante.  

Todo eso es cierto, pero la peli a ratos se torna aburrida con tanto llanto por una u otra razón. La actriz tuvo sus amores y no pocos, algunos probablemente obligados por las circunstancias, pero otros por deleite propio.

Igualmente se saltan pasajes de su vida. Uno entiende que no era la intención del director y la guionista, pero si se quiere ilustrar una vida con sus altibajos, no se puede pasar por alto sus matrimonios y amores más conocidos. Por ejemplo, no se ve nada de su primer matrimonio con James Dougherty, el hombre que evitó que ella continuara en orfanato. Tampoco nada sobre Robert Slatzer, un director de cine no muy conocido. Se afirma que Marilyn y Slatzer estuvieron casados por una semana, aunque eso es tema aún a confirmar. De sus amores con Marlon Brando en el inicio de la carrera de ambos no aparece nada, lo mismo con el director Elia Kazan o de sus fuertes relaciones con actores como Tony Curtis e Yves Montand durante los rodajes de “Con faldas y a lo loco (1959)” y “El multimillonario (1960)”, respectivamente.

De su vida íntima se muestra una relación que, algunos conocedores de su vida niegan rotundamente, pero que en la peli se muestra con mucho énfasis. Un triángulo amoroso entre “Cass” Chaplin, el hijo del famoso comediante Charles Chaplin, y con Edward G. Robinson Jr. Uno se lleva la impresión que el amor de su vida fue precisamente Cass Chaplin, pero la realidad es otra, ya que el mismo Cass niega esa relación en su libro “My father”. Con Robinson Jr. la relación fue fugaz y años después.   

Pasando a su matrimonio con el famoso pelotero de los NY Yankees, Joe DiMaggio, se fue más veraz. El italo-americano era bueno en el béisbol, machista, fumador y muy dado a beber sus tragos. Él deseaba convertir a Marilyn en una esposa de su casa, nada de actuaciones en cine y mucho menos de enseñar algo de lo bello que poseía. En 1954 se casaron y aquello fue tormentoso. DiMaggio, muy celoso, no se cansó de pegarle, era lo más parecido al vendedor de armas alemán, Friedrich ‘Fritz’ Mandl, el que se casó con la actriz Hedy Lamarr y la encerró para que no actuara más. Durante el rodaje de “La tentación vive arriba (1955)” del director Billy Wilder, hay una famosa escena en que la saya de la actriz se vuela en plena calle y deja al descubierto sus extremidades inferiores. DiMaggio presenció la escena y cómo miles de admiradores aclamaban a la actriz, lo que le valió una zurra a la gran actriz en casa. El matrimonio de ambos duró escasamente nueve meses. Esa parte de su vida es fielmente mostrada en esta peli, aunque no los cuidados que tuvo DiMaggio con ella después de separados y hasta el final de su vida. Se ilustra también la relación con el escritor Arthur Miller, la que no se sabe si se casaron por amor o conveniencias.

La vida artística de Marilyn no es que se describa mucho en la peli. Se le pasa por encima en la mayoría de los casos. El filme se centró más en el carácter de la actriz y sus desgracias. Marilyn era una persona llena de temores producto de la crianza que recibió a temprana edad por una madre totalmente desquiciada. Eso trajo por consecuencia que la futura actriz se volviera un ser neurótico. En su carrera se dejó llevar por los deseos de los poderosos, sea en el cine o fuera. No obstante, me pareció grotesco cómo se mostró su relación con el presidente John F. Kennedy. Resulta difícil de creer, era como si Kennedy manejara un grupo mafioso a su disposición.

Esa parte final de la actriz se ignora en la peli, la que no aborda nada de su relación con Frank Sinatra, quien en realidad fue el que la puso en contacto con los hermanos Kennedy. Fue en ese período que sucedió su suicidio.

Si fuéramos a evaluar la peli por su contenido, al parecer del que suscribe, habría que darle un 6 sobre una puntuación 10. No obstante, sí hay que significar la excelente actuación de Ana de Armas, por lo que hay un valor añadido y el filme puede calificarse con un 7. Ana fue merecidamente ovacionada y durante buen rato en su presentación en el Festival de Venecia de setiembre de 2022.

“El hombre del corazón de hierro (2017)”, relato de un importante atentado y sus consecuencias

El verdadero heroísmo está en transformar los
deseos en realidades y las ideas en hechos.”
Alfonso Rodríguez Castelao (Escritor español)

Por Esteban Hernández

Dentro de los criminales del nazismo hay varios nombres que siempre surgen en el recuerdo de esa cruel segunda guerra mundial. Uno de ellos es el de Reinhard Heydrich, uno de los principales arquitectos del holocausto, quien minuciosamente elaboró un plan de exterminio de judíos; trabajó con las SS y la SD, y finalmente Hitler lo nombró Protector de Bohemia y Moravia, o sea lo que se conoce como República Checa.

Vale la pena señalar que el territorio checo ya incluía el área de los Sudetes en la frontera compartida por Alemania y la parte checa, que estaba dentro del desaparecido imperio austro-húngaro durante la primera guerra mundial. Al firmarse la paz, el territorio de los Sudetes pasó a integrarse en la República de Checoslovaquia, algo que no gustó a la población germánica, la que se rebeló y tuvo que ser combatida militarmente por el ejército de la nueva nación.

La herida estaba ahí y los alemanes en cuanto comenzaron sus planes bélicos se propusieron recuperar ese territorio inicialmente.  En 1938 los nazis ocuparon la región  de los Sudetes con el beneplácito de Francia y Reino Unido, naciones que querían la paz así fuera cediendo lo que no fuera suyo. De hecho, el presidente de Checoslovaquia no fue invitado a la reunión donde se concertó la entrega del área de los Sudetes. No hubo tampoco reacción militar por parte de Checoslovaquia. Poco tiempo después, el 15 de marzo de 1939 la cúpula nazi amenazó con bombardear Praga si las tropas militares checas no hacían oposición a la entrada de los soldados nazis. Nuevamente se aceptó la amenaza y los nazis ocuparon el país, lo cual no quiere decir que no hubiera rebelión interna y conspiraciones para resistir la presencia de los nazis en el país.

Al llegar un carnicero de marca mayor como Heydrich a Praga para encabezar al protectorado, las fuerzas internas de oposición se organizaron de forma clandestina. Hubo un grupo de rebeldes encabezados por lo que se llamó los tres reyes, los que hicieron mella, con muchas acciones, en las filas de los nazis. Por su parte, Inglaterra ayudó a organizar un grupo de militares checos, los que se encargarían de eliminar físicamente a Heydrich, tarea nada fácil, que requería buena coordinación entre las fuerzas clandestinas y un hermetismo enorme.

La peli del director francés Cédric Jiménez aborda el asunto del atentado, donde trata de describir cómo sucedieron los hechos, pero en una primera parte ilustra como Heydrich llegó a la posición que ostentaba. Ese nombre de hombre de corazón de hierro fue dado por el mismo Adolfo Hitler a Heydrich, ya que confiaba bastante en ese joven oficial, arribista, de pocos valores éticos, capaz de matar a multitud de personas con tal de lograr sus objetivos y congraciarse aún más con el Führer.

Aclaro que hay dos o tres películas, además de algunos documentales, que describen los hechos de la vida de Heydrich y del atentado contra su vida. Hay uno que no he podido encontrar, de producción checa, cinta en blanco y negro, durante los 60, que describe bastante bien como se fraguó el atentado.

Los rebeldes checos entonces pusieron en duda la necesidad de llevar a cabo una acción como tal. Ellos exponían que se eliminaba a una vida, pero no a los ocupantes en el país, aparte que la represión posterior al atentado sería implacable, razonamientos muy lógicos. No obstante, el hecho de que Heydrich tuviera esa fama negativa de aniquilador de judíos, asesino de todo aquello que no le oliera a la imaginaria raza aria, era más que suficiente para ajusticiarlo y hacer saber al mundo que en la parte Checa había un movimiento antinazi muy activo y capaz de realizar acciones de este tipo.

Lo demás en el resto de la peli queda en la heroicidad de todos aquellos que participaron en esta acción, aunque no se debe omitir la presencia de un Judas delator, el que llevó a la muerte a muchos compañeros de lucha. Las consecuencias previstas por algunos de los rebeldes se cumplieron en realidad. La represión después del atentado fue bestial en todos los sentidos.  

En esta peli de producción francesa, el papel de Heydrich corrió a cargo del australiano Jason Clarke. Su actuación puede catalogarse de aceptable nada más. Mejor desempeño tuvo la actriz Rosamund Pike en el papel de esposa de Heydrich. El inglés Stephen Graham, muy maquillado, no es que se pareciera a Himler físicamente. Graham lució grueso y su rostro no era Himler realmente. El resto del reparto hizo un buen trabajo, aunque creo que el sobresaliente se lo llevaría la actriz australiana, hija de madre polaca, Mia Wasikowska en el papel de la colaboracionista antinazi Anna Novak.  

Así que si Ud. desea ver un filme de carácter histórico, con buena fotografía y actuación de casi todo el reparto, esta cinta no le defraudará.

29 setiembre de 2022

“Clara y Claire (2019)” y el amor virtual

El amor virtual es uno de los más admirables
y valientes, aprendes que tienes que tocar el
alma y no el cuerpo para amar.”
Anon

Por Esteban Hernández

El drama “Clara y Claire” es de producción francesa bajo la dirección de Safy Nebbou. El título en español es algo sencillo, prefiero el original “Celle que vous croyez” (Aquella que Ud. creyó) o en inglés “Who you think I am” (Quién crees que yo sea)

La cinta aborda, a su manera, un tema que suele ser recurrente en la actualidad con el auge de las redes sociales. Preferiría llamarle amor con personajes invisibles, algo que ha existido desde que se inventó el teléfono. Muchas personas por pura casualidad se conocieron por esta vía y entablaron una relación preliminar con llamadas, donde se decían palabras amorosas. Otras interesadas en esa relación buscaban el número de teléfono de la persona amada o de su gusto y enamoraban sin identificarse inicialmente.

Por lo tanto, esa forma de enamoramiento no es nueva, pero al surgir Facebook con su Messenger, WhatsApp y otras formas de comunicación este tipo de acercamiento se ha fomentado extraordinariamente. Muchas veces una persona muy mayor de edad aparentando ser otra más joven, que es el caso en esta peli, busca la forma de llegar a otra mucho más joven, al que desea como si fuera una adolescente.  

La trama no parece muy verosímil, ya que uno puede advertir que en ella se omite o se olvida el hecho que hoy ya las relaciones son más directas con la aparición de la videollamada. La fémina muy mayor teme que su enamorado la vea y resulte desencantado. Él, por su parte, insiste en un encuentro. Ella lo consuela con una foto de su sobrina. Me lució muy infantil, ya que repito, lo más fácil del mundo hoy día es la videollamada por diversas vías, y él nunca se la sugirió o se la exigió.

Esta relación tiene un desenlace, el que no voy a revelar para evitar el spoiler, solo diré que lo que se piensa como final de la relación era falso como luego se demostró. Ella no dejó de soñarlo e idealizar la relación de manera ficticia en una novela que escribió al efecto, lo cual sirve en buena medida como segunda parte de la peli.

Uno de los atractivos de esta peli es el protagonismo de Juliette Binoche, la vieja que quería ser joven, la que hace su papel muy convincentemente. No falta la psicóloga Nicole García, con más edad que la Binoche, muy flemática todo el tiempo en este filme, con expresiones de su rostro que denotaban el asombro o simpatía a lo que le contara su paciente. Finalmente, el apuesto François Civil, el que se ha destacado en películas de aventuras en el papel de D´Artagnan, mientras que aquí es el joven apasionado y deseado.

La forma de hilvanar las historias dentro del filme es lo más original que uno puede encontrar. Hay escenas dentro de la peli que pueden ser muy reales en la vida de seres enamorados y con deseos de sexo.

26 septiembre de 2022

El recuerdo de Cinerama, sistema de pantalla ancha en el cine

Desde el principio de la era sonora el formato del filme fue de 4:3,
igual que la TV. Incluso en los cines más grandes la pantalla era
relativamente pequeña hasta la llegada de Cinerama.
John Sittig, director de proyección y sonido de Arclight en LA.

Por Esteban Hernández

Un grato recuerdo, el que deseo aquí compartir. Se trata de un novedoso sistema de exhibición de cine en pantalla ancha y gigante, invento de Fred Waller de la Paramount en 1939 y luego promovido por Hazard E. Reeves, sistema que se le llamó vitarama en aquel momento. Sin embargo, el invento había quedado durmiente por años hasta que en setiembre de 1952 se proyectó la primera película en teatro de Broadway, la que se titula “Esto es cinerama”, documental de 1:55 de duración, realizado por un grupo de directores y la narración de Lowell Thomas.

El filme en formato de Cinerama usaba cámaras de 35 mm que filmaba tres aspectos de una imagen simultáneamente, mientras que para su proyección se requería una pantalla curveada con un ángulo de 165 grados y tres proyectores que liberaban 26 cuadros por segundo de forma sincronizada. El sonido, por su parte, era unidireccional y con siete pistas.

La realidad es que cuando uno estaba en la sala viendo la proyección, parecía como si estuviera dentro de la escena debido a la sensación que provocaba la inmensa pantalla y la banda sonora que acompañaba la proyección.

En muchos países desarrollados del mundo se fue introduciendo el sistema, para lo cual se requerían salas especiales para el montaje de la pantalla, así como áreas para la proyección de las tres cámaras. Al inicio de 1958 existían salas para la proyección de cinerama en EE. UU., Canadá, España, Francia, Inglaterra, Italia y Japón entre otras naciones.

Cuba fue el primer país del Caribe que logró tener sala de Cinerama, la que estaba en el antiguo cine Radiocentro. Uno de los técnicos norteamericanos encargado de la obra de remodelación y adaptación de la sala de Radiocentro fue Everett Callow. Este proceso incluyó darle forma a la sala en forma de estadio, con el balcony a continuación de la platea. Un proyecto muy similar tuvo lugar en Osaka, Japón, y en el Auditorio de la Feria Mundial de Bruselas.

El estreno del documental “Esto es cinerama” sucedió el 24 de febrero de 1958 en Radiocentro. La entrada costaba dos pesos (igual a dos dólares EE. UU.). El día de la víspera hubo una Premiere de Gala, cuyos fondos recaudados se entregaron al Hospital San Lorenzo.

Este sistema de cine se mantuvo en Cuba hasta inicios de 1961. Ya en 1960 la entrada costaba un peso. Personalmente pude disfrutar de cinerama en dos ocasiones, siempre en excursión escolar. Primeramente, vimos “Esto es cinerama (1952)” y luego “Las Siete Maravillas del mundo (1956)”, documental de Tay Garnett y otros directores, además de varios narradores, entre ellos Lowell Thomas. Este filme fue una clase de geografía para jamás olvidar. De aquella eran también “Fiesta en cinerama“, “En busca del paraíso “ y más tarde “Cinerama en los mares del Sur “, pero como no los vi, me abstengo de hacer comentario. Supongo que hayan tenido, pero no tanto como los dos primeros mencionados.

Siete Maravillas del Mundo en cinerama

En la antigua URSS el sistema llegó algo después que en Cuba. A la memoria del que suscribe, el primer filme visto allí fue el norteamericano “El mundo está loco, loco, loco (1963)” de Stanley Kramer y protagonizada por Spencer Tracy y Mickey Rooney. Vi esta peli en cine de Minsk, Bielorrusia, en 1963, o sea la peli se proyectó allí en el mismo año de su estreno. Luego otra vista, esta vez en cine de Kiev, fue “Grand Prix (1966)” de John Frankenheimer protagonizada por James Garner, Yves Montand y Toshiro Mifune.

Me hacía idea que el filme “Guerra y paz (1965)” dirigido y protagonizado por Sergey Bondarchuk había sido filmado en este formato, pero no fue así. El filme en sus tres partes fue filmado en sistema de 70 mm.

El sistema de cinerama era caro y presentaba dificultades caso que las cintas resultaran dañadas y fue por esa razón que el formato fue dando paso al uso de una sola cámara e impresiones de 70 mm. Cinerama para su realización no utilizaba lentes anamórficos, pero el nuevo sistema de 70 mm si los incluía, por lo que la imagen proyectada no coincidía realmente con la toma de la escena, ya que había una compresión de la imagen de uno de los ejes, usualmente el horizontal.   

Fuentes

Anon. s/a. Cinerama incorporated. Collection, https://collection.sciencemuseumgroup.org.uk/people/ap27785/cinerama-incorporated

Jordán René. 1958. ¡Aquí está cinerama! Bohemia, 16 febrero. pp 37-38, 115

21 setiembre de 2022

“Vivir para vivir (1967)”, la adversidad de una pareja

La mujer perdona las infidelidades, pero no las olvida.
El hombre olvida las infidelidades, pero no las perdona.”
Severo Catalina (1832-1871, periodista y escritor español)

Por Esteban Hernández

No había pasado ni un año del estreno de “Un hombre y una mujer (1966)” de Claude Lelouch, cuando este director francés emprendió otro proyecto con un éxito casi similar al de la cinta de 1966.

Cuando la vi por primera vez quedé bastante impresionado por la trama y las actuaciones de sus protagonistas, además de otra banda sonora de encanto de Francis Lai. El título en Cuba fue de “Vivir por vivir”. La preposición pour en francés, igual sucede con per en italiano, se puede traducir como por o para. Realmente para este título para es lo más indicado.

Lelouch escogió tres protagonistas, dos muy experimentados, como Annie Girardot e Yves Montand, así como la entonces joven californiana y de belleza exuberante, Candice Bergen. La trama pasa superficialmente por encima de los problemas bélicos que afectaban al mundo en esa época, para lo cual aprovecha el papel que interpreta Montand como el periodista Robert Colomb, el que, además de su trabajo, aprovechaba para sus aventuras románticas con su amante Candice, mientras que la dócil y siempre fiel esposa, Catherine (Annie Girardot), quedaba siempre en casa a la espera de su buen esposo, el que llegaba y a las pocas horas volvía a volar por “trabajo”.

Las infidelidades pueden ocurrir repetidamente y el último en saberlo es el afectado usualmente, pero al final se sabe y queda por ver cómo esa persona reaccionará. Su respuesta puede ser contundente y romper la relación con la amante, como hacer ver que nadie sabe lo que tiene hasta que no lo pierde. Es en ese laberinto de descubrimientos y decisiones que se mueve la trama del filme, la que tiene su moraleja indudablemente.

Si hubiera que destacar la actuación de uno de sus protagonistas, no dudo en poner por delante a Annie Girardot, actriz que igualmente convenció con anterioridad con su actuación en el drama de Luchino Visconti, “Rocco y sus hermanos (1960)”. La Girardot interpretó su papel de manera natural y con eficiencia. Cuando una actuación representa cabalmente a un personaje verdadero es porqué lo hizo con la debida profesionalidad. Montand se mostró generalmente muy circunspecto en los diálogos, pero no se quedó muy atrás con su interpretación.

La calidad del filme quedó evidenciada al ser nominado para OSCAR como mejor película extranjera en 1968, premio que en igual categoría obtuvo en los Globos de Oro. La banda sonora de Lai obtuvo varios premios, no era para menos, ya que su calidad es indiscutible. Es un tema que fluye suavemente y no cansa a uno de escucharlo.

11 julio de 2022

“Un hombre y una mujer (1966)”, film viejo con belleza perdurable

Amor no es mirarse el uno al otro, sino más
bien mirar ambos en la misma dirección.”
Antoine de Saint-Exupéry (escritor y aviador francés)

Por Esteban Hernández

Dicen los que conocen detalles del cine que el director francés Claude Lelouch estaba atravesando una crisis personal económica cuando se decidió a la realización del romance de referencia, en el cual utilizó una cámara sencilla para la toma de muchas escenas. A falta de dinero, no podía darse el lujo de disponer de todos los equipos modernos existentes ya en aquella época. Sin embargo, el film logró éxitos con su montaje y banda sonora del compositor francés Francis Lai. Algunas escenas parecen como cuadros de pintura, sobre todo aquellas del hombre que se pasea continuamente con su perro por la playa. Buena parte del filme ocurre en la ciudad Deauville en Normandía, la que Lelouch no trató de filmar mucho, excepto su puerto y playa.

La protagonista femenina, a pesar de ser aún joven en aquella época, era una veterana en filmes de amor. Se trata de Anouk Aimée que, en 1949 fue la Julieta de “Los amantes de Verona” del director André Cayatte, ocho años después tuvo una importante actuación junto a Gérard Philipe en “Los amantes de Montparnasse” del director Jacques Becquer, en 1960 fue la Maddalena de “La Dolce Vita” de Fellini, con escenas junto al eficiente Marcello Mastroianni, y en 1961 protagonizó el drama-romance “Lola” del cineasta Jacques Demy.

El protagonista masculino escogido fue el ya entonces reconocido Jean-Louis Trintignant, que falleciera el 17 de junio de 2022, que fuera interprete principal del atrevido film “Y Dios creó a la mujer (1956)” del director Roger Vadim y en la que Brigitte Bardot muestra algunos de sus encantos. Se sabe que Trintignant tuvo relaciones con la BB.  Luego en Italia protagonizó el drama-romance“Verano Violento(1959)” de Valerio Zurlini con Eleonora Rossi Drago como compañera de escena. También fue parte del reparto de una versión de “Las relaciones peligrosas (1959)” de Vadim, donde los protagonistas fueron Gérard Philipe y Jeanne Moreau. Aparte de ser actor de cine, era una especie de Paul Newman francés, ya que era también piloto de automovilismo. Realmente el actor más apropiado para protagonizar este filme, ya que la trama incluye la historia de un corredor de autos.

Como ya dije se trata de un romance, cualquiera podrá decir que de este género cintas en el cine se sobran, es cierto, pero veamos algo de su trama. Las coincidencias existen en este mundo, muchas personas divorciadas o viudas suelen encontrarse en un momento de sus vidas, si la química funciona, ambas partes terminan uniéndose. Suele suceder cuando los intereses son comunes y se busca una estabilidad, probablemente perdida en la relación anterior por la razón que sea. La empatía es una cosa, pero cuando se llega a la cama es otra, el sentimiento se materializa y las sensaciones pueden ser nuevas o recuerdos de algo anterior.

Es probable que los hombres sean más mutables en sus sentimientos que las mujeres, las que suelen ser más fieles a sus recuerdos y a sus primeros pasos en el amor. Podrá parecer una nimiedad esta característica de las mujeres, pero no lo es. Su fidelidad es algo natural y el mérito de la peli radica en significarlo. Los momentos otrora vividos no son olvidados fácilmente y pueden revivirse tan pronto surja algo que se parezca a lo ocurrido.

Invito a los amantes del cine a ver este filme, el cual transcurre de forma tranquila, no hay violencia, sí diálogos de dos personas con su pasado, atracción, amor presente y pretérito, y un deseo de lograr la felicidad. La banda sonora es original y bella igualmente, las imágenes y su montaje son muy aceptables.  

La película ganó OSCAR como mejor film extranjero, como mejor guion y montaje, así como nominaciones como mejor actriz para Anouk Aimée y para Claude Lelouch como mejor director. Anouk y el film se llevaron premios Globo de Oro, y Lelouch volvió a ser nominado como mejor director.

2 julio de 2022

“La mujer marcada (1937)”, el proxenetismo apoyado por la mafia

Lo so bene (lo sé bien)
Lema de la mafia

Por Esteban Hernández

En el cine clásico, o sea el de hace varias décadas, uno puede hallar películas interesantes realizadas con medios modestos y sin necesidad de efecto especiales. El título en cuestión es el caso, película de crimen dirigida por Lloyd Bacon y guion principal de Robert Rossen, que contó con el protagonismo de dos grandes de la pantalla de todos los tiempos, Bette Davis y Humphrey Bogart.

Este filme fue la cuarta vez que este dúo actuó junto. Ambos colaboraron en un total de siete películas, donde a Bogart le tocó el papel de villano o de hombre poco bondadoso en cuatro ocasiones.

El drama-film de crimen objeto de análisis presenta una trama actual para su época cuando los elementos de la mafia, aquellos que llegaron a dominar en las grandes ciudades de EE.UU., controlaban el tráfico de la bebida, eran dueños de los grandes sitios de ocio de los millonarios y manejaban el proxenetismo, lo que es igual a controlar la prostitución. La droga se fue abriendo con el tiempo, pero no en esa época.

Bacon trató de reflejar la omnipotencia de un zar mafioso y cómo imponía su voluntad sin temor alguno a ser castigado. Probablemente no haya querido entrar en detalles de los manejos y de la colaboración que podría tener ese kapo con otros políticos, sean representantes o senadores, ya que nadie puede llegar tan lejos de por sí solo, necesita apoyos para poder hacer y deshacer. Era una colaboración muy útil para ambas partes, la mafia hacía y deshacía, a la vez que garantizaba los votos para los políticos en promoción, siempre a cambio de una paz entre ambas partes, donde los intereses de mafia y políticos no estuvieran en riesgo.

El boss mafioso de esta peli fue encarnado por el actor napolitano Eduardo Cianelli, no muy conocido, cuyo desarrollo artístico comenzó como barítono en la Scala milanesa. Luego se decidió por la interpretación, inicialmente en Europa y luego en EE. UU. Realmente su papel como el malvado Johnny Vanning fue algo exagerado, no lució natural como era de esperar. Apareció violento y locuaz, pero un personaje con sobreactuación.  

Bette Davis fue la heroína del filme, de pícara y autosuficiente dama alegre, se dio cuenta que existía un poder que ella no podría derrotar sola, algo que se planteó con seriedad cuando su hermana desapareció y todos podemos imaginar cómo y por qué.  

A Bogart le tocó el papel del abogado-fiscal David Graham, hombre que sabía que la corrupción en toda la urbe tenía un nombre y no era otro que Vanning. La actuación de Bogart no tuvo ninguna similitud con el detective Sam Spade del filme “El halcón maltés (1941)”, ya que fue en todo momento serio y directo en sus planteamientos o consejos. Tampoco hubo mucho espacio para romance, de hecho, no existió, así que tampoco hubo un héroe Rick Vaine como en “Casablanca (1942)”. Lo que sí demostraba en esta película que sus empeños eran los de dejar atrás los eternos papeles de villanos para hacer algo mejor y perdurable.

La combinación de Bette y Bogart dio resultado en este filme por primera vez, en que ambos finalmente sienten algún tipo de atracción. Hubo una segunda vez cuando se volvieron a encontrar en el drama “Amarga victoria (1939” de Edmund Goulding.

Sería injusto no reconocer la actuación de Lola Lane en el papel de Gabby en este filme. De todo el grupo de mujeres de vida «alegre», fue Lola tan convincente como Mary (Bette Davis). John Litel, como abogado de Vanning, tuvo una modesta actuación.

La película tiene su moraleja, callar los crímenes los fomentan, denunciarlos abiertamente, a riesgo de ser asesinados, es la única vía para que triunfe la justicia. Catalogar este filme como un suspense no parece lógico, ya que la trama fluyó directa y sin subterfugios, todo era conocido, aunque hacía falta que alguien o algunos hablaran.

28 junio de 2022

“Mongol (2007)”, una parte de la vida de Gengis Kan

Un líder no puede ser nunca feliz
hasta que su gente sea feliz.”
Gengis Kan

Por Esteban Hernández

Realizar un film biográfico de un personaje legendario de los siglos XII-XIII no es nada fácil, sobre todo cuando se trata de sintetizar o resaltar los aspectos principales. El director ruso Serguei Bodrov trató de incluir las partes más importantes de la vida de Gengis Kan, el hombre que llegó a dominar buena parte del Universo entonces conocido.

El filme, con guion del mongol Arif Aliev, enseña muchos detalles de la personalidad de este guerrero y cómo fue que logró alzarse con las victorias repetidamente. Igualmente, la cinta presenta un toque de mística cuando desde niño el futuro Kan rogaba a sus dioses y cómo lograba posteriormente lo que se proponía.

Resulta asombroso que pobladores de un territorio con poco desarrollo, hayan logrado ocupar extensos territorios de Eurasia, y que lo haya liderado un hombre que se vio obligado a vivir en la indigencia, eso independientemente de haber nacido en cuna de la nobleza de un clan, el que dominó buena parte de la Mongolia oriental, y que fuera finalmente vencido por los tártaros en pleno siglo XII.   

La película se concentra en el martirio de Temujin (Gengis Kan) en su niñez y su colaboración y diferencias con su hermano de crianza (un anda), Jamukha, el que ayudó a Temujin para recuperar a su esposa Börte, secuestrada por los merkitas. Luego se ve cómo Temujin le arrebató el liderato a Jamukha al compartir todo el botín logrado en esta batalla contra los merkitas. Desde eso momentos, ambos se convirtieron en enemigos, aunque cada uno reconocía bien las virtudes del adversario.  

Hay un poco de leyenda o cuento en el afán de idealizar al héroe del film, que uno no puede acreditar. Como son los sufrimientos y prisión de Temujin, y cómo Börte, su mujer, logra liberarlo. Tampoco es fácil de aceptar que en un ambiente de poligamia, se muestre solo a Börte cuando Temujin llegó a poseer decenas de concubinas.

El defecto principal de la película es que no se describe como finalmente Temujin pudo aunar y organizar su ejército. Ese paso en su vida se salta en la película, lo que no es razonable, en mi opinión. Por el contrario, se aborda en parte como fue el fin de Jamukha, algo ejemplar en realidad.  

La película en definitiva trata de exponer como surge la figura de Gengis Kan, pero nada de sus futuros logros y territorios invadidos. Una segunda parte de este filme habría sido deseable con guion nutrido de los relatos del autor soviético Vasily Yan de su libro “Gengis Kan, el lobo de las llanuras”.

Durante todo el filme la persona del guerrero es tratada como un héroe, como bondadoso, esplendido con sus aliados, en fin, una figura ideal. De que era corajudo no hay dudas, pero el hecho de haber sido finalmente exitoso en sus empeños como invasor no quiere decir que fuera tan benévolo como se le presenta en esta peli.  

Sobresalen las actuaciones del nipón Tadanobu Asanu en el papel de Temujin; del chino Honglei Sun como Jamukha y la mongola Khulan Chuluun encarnando a Börte. El resto del reparto realizó aceptablemente sus interpretaciones.

La peli, de producción kazaja-rusa-mongola-alemana, fue nominada para Oscar como mejor película en lengua extranjera en 2008, y obtuvo premio en igual categoría de parte de National Board of Review de EE.UU. Honglei Sun obtuvo premio como mejor actor de reparto en el Asian Film Award.

11 abril de 2022

“Rudy, reto a la gloria (1993)”, como el esfuerzo en el deporte suele ser premiado

La satisfacción radica en el esfuerzo, no en
el logro. El esfuerzo total es la victoria.”
Gandhi

Se trata de un filme estrenado hace casi 20 años, basado en hechos reales, el cual resulta ser una enseñanza para los deportistas y todos aquellos que se esfuerzan por lograr un progreso en su vida personal.

La peli, dirigida por David Anspaugh, no es que tenga un reparto de superestrellas, pero sí de actrices-actores experimentados, los que desarrollan bien sus interpretaciones en la trama, como son los casos del difunto Ned Beatty, Charles S. Dutton, Lili Taylor, Jon Favreau, Deboarh Wittenberg, Robert Prosky, Chelcie Ross y el protagonismo del entonces joven Sean Astin, el que cumplió cabalmente en el papel de Rudy Ruettiger, muchacho que siempre soñó jugar fútbol y vestir la franela del equipo de la Universidad católica Notre Dame o Notre Dame du Lac, ubicada en el estado de Indiana en EE. UU.

El sueño de Rudy se tradujo en esfuerzo bajo la sabia guía del padre Cavanaugh (R. Prosky). Había que estudiar para tener notas aceptables y así poder matricularse con una beca en la institución de interés, algo que no se le regala a nadie fácilmente. A la vez, mostrar no solo interés sino entereza ante sus padres, hermanos, amigos, profesores y entrenadores de fútbol. Una tarea nada fácil para un hombre que no poseía la corpulencia de otros jugadores, lo que él complementaba con su entrenamiento cruento diario, en el que recibiera mil golpes en el terreno de juego.  

Un aspecto muy sobresaliente de este filme fue como este empeño de Rudy se tradujo en una solidaridad plena de todos sus compañeros con él y su rechazo a la actitud indiferente del entrenador principal Dan Devine (Ch. Ross), para quien lo único que contaba era la victoria aplastante de su equipo.

Tampoco la cuestión racial escapa de la trama de la peli. Fortune (Ch. S. Dutton), empleado negro en la institución, dedicado a mantener el terreno de juego en forma, revela sus vicisitudes del pasado cuando llegó a ser jugador en la reserva del equipo de la institución.

A pesar del valor de la peli, la misma ha recibido pocos premios, uno de ellos para el director Anspaugh y el guionista Angelo Pizzo en el festival internacional Heartland. Así y todo, es aconsejable verla, sobre todo por los jóvenes.

Escrito por Esteban Hernández, 11 marzo 2022 con información consultada en IMDB.com

“Se lo llevaron: recuerdos de una niña de Camboya (2017)”

El que protesta es un enemigo,
el que se opone es un cadáver.”
Pol Pot, líder del genocidio camboyano

Este filme, cuyo título original en inglés es First They Killed My Father (Primeramente ellos mataron a mi padre), es muy real y coincide plenamente con la idea que tiene este autor sobre la masacre genocida perpetrada por los Khmer Rouge (Guardias Rojos) en Camboya una vez concluida la ocupación estadounidense.

La trama se basa en el relato de la entonces niña Loung Ung, guionista del filme, hija de una familia de clase media con padre militar al servicio del presidente títere de los ocupantes norteamericanos, Lon Nol. Llegada la salida de las tropas invasoras, enseguida los Guardias Rojos, con Pol Pot a la cabeza, invadieron todo el país e impusieron un régimen comunista por vía de una violencia impensable. El ser humano, en estas circunstancias, se convierte en lo más parecido a una res de rebaño.

La película muestra casi todos los detalles de los desmanes de los nuevos «salvadores» de Camboya. Nadie podía tener nada material, había que subordinarse a lo que dijera la máxima autoridad, las urbes vaciadas y sus poblaciones llevadas a zonas rurales a trabajar en el campo, incluido los bonzos budistas, muy maltratados por los guardias “ateos”. Lo peor de todo es la muerte diaria de personas por enfermedad y debilidad, y también de aquellos que se le descubre su pasado y su servicio al régimen de Lon Nol.

Las ejecuciones eran sumarias y bastaba un machete para decapitar al reo en cuestión. Mientras uno ve la película recuerda la obra de George Orwell, “1984”, donde el manejo autoritario es similar, aunque la brutalidad en tierra camboyana sobrepasa los límites de la crueldad.

Cuando los derechos humanos en general son pisoteados, se enrasa la pobreza, lo que es igual a no hacer nada para que mejore el bienestar de la población en general, a los seres humanos se les priva de educación, de la posibilidad de leer, de conocer, eso es puro salvajismo. Esta cinta dura más de dos horas y cuarto, y valió la pena, ya que se presenta bien la naturaleza criminal de los Guardias Rojos.   

No se entiende la animosidad de esa organización salvaje con los vietnamitas, otro aspecto bien mostrado por el filme. Lógica no tenía toda esa hostilidad por una razón muy poderosa, las tropas estadounidenses abandonaron la Indochina atacada, sea Camboya, Laos y Vietnam, cuando Vietnam se alzó con la victoria, pero incomprensiblemente toda la preparación militar, inclusive de niños camboyanos, iba dirigida al exterminio de los vietnamitas.

La actuación de Sareum Srey Moch en el papel de la niña Loung Ung fue impresionante. No necesitaba hablar, la expresión de su rostro lo decía todo. El resto del reparto estuvo a un alto nivel. Felicitaciones a la actriz Angelina Jolie por la dirección de este filme y por el aporte que este material hace al presentar sin ninguna censura las barbaridades de un bando de extrema izquierda, al final asesino de un cuarto de la población camboyana en 44 meses de gobierno de los Guardias Rojos en Camboya.

Escrito por Esteban Hernández, 20 febrero de 2022, con información consultada en IMDB.com

“El camino de la libertad (2009)”, realidades de la Segunda Guerra en Eslovaquia

 “El prejuicio racial, el antisemitismo, o el odio
a alguien con distintas creencias no debe
tener lugar en la mente y el corazón humano.”
Billy Graham (1918-2018, predicador
cristiano evangélico)

Interesante película, basada en un hecho real, que aborda varios aspectos de importancia en la Eslovaquia de la Segunda Guerra Mundial, la que se independizó de la parte Checa el 14 de marzo de 1939, todo ello incentivado por Alemania, la que había decidido ocupar el territorio de Moravia y Bohemia, mientras daba la oportunidad de “independencia” a Eslovaquia y así convertirla en un estado títere al servicio del imperio nazi.

Eslovaquia como el resto de esa parte europea estaba bastante poblada de judíos, objetivo principal de exterminio para Hitler, por lo que la joven república, muy alineada con los dictámenes del Führer, se dio a la tarea de eliminar a los judíos del territorio nacional. Se trataba siempre de convencer a los judíos de emigrar a otros lares, pero en 1940 la persecución fue implacable, se crearon más de una decena de asentamientos y campos de concentración para judíos.

Por lo que esta película, cuyo título original es Nedodrzaný slub(Promesa rota)dirigida por el checo Jirí Chlumský, aborda la problemática de la segregación y exterminio de los judíos, y como un joven, muy hábil como futbolista, logra evadir la justicia eslovaca de aquel entonces y finalmente se integra con la guerrilla de su país para pelear contra los nazis.

En una fiesta familiar judía se juntan todos antes del desenlace fatal de la República nazi y todos, sin excepción, prometen volver a verse dentro de un año, algo que resultó imposible por razones obvias de la persecución imperante a la población judía. De ahí el título original que dista bastante del pomposo “El camino de la libertad”.

Un blanco judío, de hablar bien la lengua del país sin arrastres de letras, puede hacerse pasar por un nativo sin dificultad siempre que no se baje los pantalones y muestre su pene, el cual está circuncidado por la ley judía. Martin, el joven héroe del filme, tenía todo eso claro y pudo evadir la desgracia al ofrecerse como voluntario para ir a los campamentos creados por los gendarmes eslovacos. Logró penetrar la iglesia católica y se hizo pasar por ser un ferviente seguidor de Cristo. No obstante, la verdad al final emerge y eso fue lo que le sucedió. No tenía otra alternativa que huir lejos y al final unirse a los partizani (guerrilleros).

La idiosincrasia de la guerrilla es mostrada con mucha realidad. No eran solo los nazis los que odiaban a los judíos. Ese sentimiento no era exclusivo alemán, era también de muchas poblaciones del Este europeo, por lo que este negativo fenómeno tiene más antecedentes y más culpables de antes de surgir la figura de Hitler. 

La guerrilla no era muy dada a la disciplina y una parte de ella no deseaba tener judíos a su alrededor. Políticamente la mayoría no mostraba ser partidario de ninguna ideología, deseaban la salida de los nazis y la llegada del ejército rojo, ya que sabían que los medios que disponían para los combates eran escasos, además de la pobre preparación militar de los guerrilleros.

Martin comprendió que dentro de la guerrilla había peligro, por lo que no dudo de aliarse a uno de los jefes para demostrar sus habilidades en el campo de batalla y a su vez tener la debida protección sin tener que declararse judío.    

La actuación del actor eslovaco Samuel Spisák en el papel de Martin fue muy convincente, se puede decir que fue su interpretación la llave del éxito de la película. Recomiendo verla detenidamente para no perder el hilo de lo que sucede. Los movimientos de Martin en tiempo y espacio son muy rápidos.

Fuentes

Anon. s/a. El camino de la libertad. Eurchannel.com, http://www.eurochannel.com/es/El-camino-de-la-libertad-Jiri-Chlumsky-Eslovaquia.html

IMDB.com. s/a. Nedodrzaný slub, 2009. https://www.imdb.com/title/tt1369830/reference/

Escrito por Esteban Hernández, 11 febrero de 2022



Monica Vitti, una estrella del cine italiano

Mi familia completa emigró a América. Ellos me preguntaban:
¿cómo puedes quedarte sola en Italia? Aproveché su ausencia
para convertirme en actriz, así aparecí como Monica Vitti.”

Monica Vitti en Modesty Blaise

El cine italiano ha tenido verdaderas estrellas femeninas de la pantalla. Existe un quinteto de lujo integrado por Anna Magnani, Silvana Mangano, Sophia Loren, Gina Lollobrigida y Claudia Cardinale, lo cual no quiere decir que no existan otras más destacadas, como son los casos de Virna Lisi, Stefania Sandrelli y la genial comediante Monica Vitti, a la que este artículo va dedicado.  

No escondo mis simpatías por Mónica, a la que veía como una actriz muy versátil, agradable y divertida en las comedias que protagonizó. La vi por última vez en 2003, en la TV italiana, en ocasión del fallecimiento de su compañero de trabajo en varios filmes, el famoso comediante Alberto Sordi. En ese momento no era ya la atractiva Mónica de “La Aventura (1960)”, su mejor interpretación, en mi opinión, se veía vieja y distinta, aun así y a pesar de la tristeza del momento para ella, guardaba algo de sus rasgos de notable estrella del cine italiano.

Aunque se dice que intentó varias veces en suicidarse y ya alejada del cine, uno nunca esperaba su muerte, era como aceptar la inmortalidad por lo bueno realizado. Por eso, cuando hace poco supe de su fallecimiento, sentí asombro por su desaparición.

Monica había nacido el 3 de noviembre de 1931 en Roma con el nombre de María Luisa Ceciarelli. El nombre de soltera de su madre era Adele Vittiglia, el cual Mónica abrevió por Vitti como apellido de su nombre artístico. En cine había debutado como extra en la comedia “Ridere! Ridere! Ridere! (1954)”, que fuera protagonizada por un conocido actor, con el que trabajaría en otras películas, se trata de Ugo Tognazzi. No obstante, en aquellos primeros años de su carrera, su presencia en películas, casi todas para la TV, pasaba desapercibida hasta un buen día que el célebre director Michelangelo Antonioni la llevó a protagonizar el drama ya mencionado, “La Aventura (1960)”, película de largometraje que roza casi las dos horas y media de duración, cuya trama es alrededor de la pérdida de una amiga en la costa y los pasos dados por ella y el novio de la desaparecida, los que finalmente producen un desenlace esperado y luego desperdiciado.

En aquellos momentos, Mónica igualmente estudiaba en la Academia Romana de Artes Dramáticos, donde se llegó a graduar en 1963.

Antonioni la escogió como su preferida. Así la llevó a actuar en papel secundario del drama “La Noche (1961)”, película protagonizada por Marcello Mastroianni y Jeanne Moreau, donde se presenta una velada de entes burgueses, sus intereses, nada que ver con la realidad, y como las relaciones de la familia anfitriona se deterioran.

Mónica volvió como protagonista en el drama “El eclipse (1962)”, donde hace pareja con el apuesto Alain Delon, el que interpreta el papel de un calculador en el amor, el que crea una falsa ilusión al personaje de Vittoria (Monica).

Antonioni era muy aficionado a mostrar realidades, algunas de ellas tabú. “El desierto rojo (1964)” aborda una de esas verdades, donde Mónica hace pareja con el actor irlandés Richard Harris.   

Posteriormente trabajó en otros filmes dirigidos por Mario Monicelli, Ettore Scola, el mismo Alberto Sordi y su esposo Roberto Russo. De hecho, fue Monicelli quien la llevó a protagonizar su primera comedia, “La chica con la pistola (1968)”, género que se adecuó perfectamente a su persona.

Scola la escogió para actuar junto con Mastroianni una vez más, con un tema muy ardiente, el de los celos y los amores de varios personajes por una mujer, todo en la comedia “El demonio de los celos (1970)”.  

Una colaboración muy especial tuvo con Alberto Sordi, con quien actuó en “Amor mío, ayúdame (1969)”, “Polvo de estrellas (1973)”, “Esa rubia es mía (1973)”, todos filmes dirigidos por el mismo Sordi, mientras que actuó junto a Ugo Tognazzi en “El proxeneta y la testigo (1971)” de Franco Giraldi, y “Pato a la naranja (1974)” de Luciano Salce.

Casi todas las comedias en que actuó tenían un argumento presentado satíricamente, un ejemplo claro es “Teresa, la ladrona (1973)” de Carlo DiPalma. A veces esas comedias rozaban la historia, p. ej. “La mujer más explosiva del mundo (1970)”, o la tragedia, como fue “La ronda del placer (1975)” con Vittorio Gassman y Renato Pozzetto, estos dos filmes dirigidos por Marcello Fondato.

Por la calidad de sus interpretaciones, era casi siempre escogida para actuar junto a reconocidos actores, como fue con Tony Curtis en “El cinturón de castidad (1967)” de Pasquale Festa Campanile; con Maurice Ronet en “La mujer escarlata (1969)” de Jean Valère, y con Roberto Benigni en “Camas calientes (1970)” de Luigi Zampa. Igualmente actuó con una actriz destacada como Claudia Cardinale en la comedia-drama “Cita al final del camino (1975)” de Carlo Di Palma

Nadie debe pensar que Mónica se encasilló como comediante, tuvo varias actuaciones en filmes de otros géneros como fueron el film de acción “Modesty Blaise, superagente femenino (1966)” de Joseph Losey; los dramas “La pacifista (1970)” de Miklos Jancsó, “El fantasma de la libertad (1974)” de Luis Buñuel; otro con algo de suspense “Razón de estado (1978)” de André Cayatte, y el romántico “El misterio de Oberwald (1980)”, que fuera su última colaboración con Antonioni.

Un gran éxito tuvo Mónica al dirigir y protagonizar el drama “Scandalo segreto (1990)”, co-protagonizado por el actor Elliot Gould. Un éxito muy similar lo había tenido previamente en la comedia-drama “Flirt (1983)” de su esposo Roberto Russo.

En 1992 tuvo su última actuación en pantalla. Sus últimas dos décadas transcurrieron al lado de su marido, el director Roberto Russo, 16 años más joven que ella, con el cual inició su relación mucho antes de su matrimonio en 1995.

Mónica sufría de Alzhéimer desde hacía 15 años antes de fallecer el 2 de febrero de 2022 en Roma. En su carrera actuó en 63 filmes, dirigió 2, guionista de 4 y productora de uno.  Por sus actuaciones en la mayoría de los filmes aquí mencionados, Mónica obtuvo premios en certámenes europeos, sobre todo los David en Italia.  

Fuentes

Anon. 2020. Monica Vitti cumple 89 años, las razones para no dejar de quererla. NotiUlti, 4 nov. https://notiulti.com/monica-vitti-cumple-89-anos-las-razones-para-no-dejar-de-quererla/

IMDB.com. Monica Vitti. https://www.imdb.com/name/nm0900143/?ref_=nv_sr_srsg_0

Boquerini. 2020. Monica Vitti, la musa de Antonioni. Elcorreo.com, 4 mayo. https://www.elcorreo.com/butaca/cine/lecciones-cine/monica-vitti-musa-20200504214020-ntrc.html

Obiol María José. 1989. Alberto Sordi, la sonrisa del italiano. El País, 9 oct. https://elpais.com/diario/1989/10/09/ultima/623890801_850215.html

Escrito por Esteban Hernández, 5 febrero de 2022

“El niño que domó el viento (2019)”, con mucha realidad de la economía y agricultura africana

La democracia es como la yuca
importada, se pudre rápidamente.”
Frase del protagonista T. Kamkwamba en el filme

Este filme se titula en inglés como “The boy who harnessed the wind”, de producción británica, cuyo director y protagonista es el inglés, de origen nigeriano, Chiwetel Ejiofor, basado en una historia real y personal narrada por William Kamkwamba, hombre oriundo de Malaui, donde se desarrolla la trama de esta película.

Les puedo asegurar que lo visto en el filme era de conocimiento del autor de este artículo en sus misiones anteriores en buena parte del África subsahariana. Malawi es un país pobre económicamente y su agricultura es el sustento de vida de miles de agricultores. El guionista y héroe del filme lo describe así: “Malaui, un país africano dominado por la superstición, donde todos temen el poder del hechicero; una subsistencia sometida a las inclemencias meteorológicas y a las corruptelas del gobierno, que echan al traste la cosecha del año y condenan a la familia, y al pueblo entero, a la hambruna; una educación inaccesible para la mayoría de los niños, que no pueden pagar las tasas; una existencia sin electricidad, que les obliga a depender de las lámparas de queroseno, que los asfixian, y de la madera, a kilómetros de distancia y cada vez más escasa.”

En casi toda África hay un solo período de siembra, el lluvioso, mientras que en la seca no se puede hacer más que contemplar la tierra, a veces quebrada, por la falta de humedad en suelo. Imaginemos lo que sucede cuando el período lluvioso se retrasa o se presenta de manera irregular o finalmente no llueve, entonces los agricultores no pueden cultivar el maíz, y en otras partes de África, el sorgo o el mijo. El hambre se apodera de esas zonas rurales sin ayuda alguna, en muchos casos, de los gobiernos.

Es cierto que se implementan proyectos de emergencia por parte de las agencias de Naciones Unidas, eso alivia, pero no cura. El factor sostenibilidad no existe de hecho.

La peli se adentra en eso mismo, la sequía, a veces lo contrario, inundaciones ocurridas en el vecino Mozambique, y la resiliencia de los agricultores, la que en ocasiones no es suficiente.

Lo peor de todo es cuando el mandamás de turno en el gobierno solo quiere oír cosas bonitas y pierde la cordura en cuanto le dicen las verdades al extremo de mandar a golpear al que hace uso de la crítica en buena forma. Lamentablemente una parte del mundo sub-desarrollado padece de este mal, gobernantes poco preocupados por la suerte de su población e incapaces de promover políticas para el bienestar del pueblo.

Pagar para que los niños reciban educación primaria es algo inconcebible a estas alturas. La peli refleja bien el problema, los maestros exigen a los alumnos que sus padres paguen. No son los maestros culpables de esta situación, nuevamente son las autoridades, a las que este asunto no les interesa, ni buscan cómo resolverlo.  La trama de la peli señala inteligentemente este problema, los hechos lo evidencian fácilmente.

El llamado empoderamiento, término que les gusta a muchos tecnócratas en este mundo, solo puede hacerse realidad con educación, sea formal para los niños o informal para los adultos. Sin ella, los ciudadanos seguirán viviendo en el primitivismo. Existen muchas inteligencias desconocidas en ese mundo pobre, los que una vez descubren aspectos elementales de la ciencia, son capaces de diseñar artefactos necesarios para la comunidad en la que viven.

El viento es fuente de energía, la llamada eólica, bastó que le cayera el libro “Using Energy” (Utilizando la energía), para que un niño de 14 años se diera cuenta del potencial energético del viento, y es ahí cuando comienza la segunda parte de la interesante trama del filme. A su vez, una biblioteca es un medio muy útil para despertar el intelecto de las personas, por lo que mientras más existan en esos países pobres, habrá resultados para la mejora del bienestar de esos países.

Chiwetel Ejiofor se vio obligado a aprender la lengua de Malaui, el chichewa, para poder interpretar el papel de Trywell Kamkwamba, el padre de la familia, mientras que el joven keniano Maxwell Simba (apellido que significa león en suahili) habrá tenido que hacer algo similar para interpretar el papel del hijo, William Kamkwamba, cuya actuación fue de elevado nivel como el de Ejiofor, además de la malauí, Lily Banda, como hermana de William, y la senegalesa Aïssa Maïga, como madre de esa familia.  

Recomiendo ver la película y analizarla paso a paso, les aseguro que es una verdadera realidad todo lo que se muestra a lo largo de la trama. En una evaluación de 1 al 10, no dudaría en otorgar un 8.

Fuentes

Anon (s/a). El niño que cambió su mundo. Cine y educación. https://www.educomunicacion.es/cineyeducacion/temas_nino_que_domo_viento.htm

IMDB.com. 2019. El niño que domó el viento. IMDB.com, https://www.imdb.com/title/tt7533152/reference

Escrito por Esteban Hernández, 29 enero de 2022

“Un hombre para la eternidad (1966)”, un título muy apropiado para un filme de interés

«Si viviéramos en un estado donde la virtud fuera
provechosa, el sentido común nos hiciera santos

Tomás Moro

El director de origen austriaco, Fred Zinnemann, realizó una película sobre uno de los hombres de mayor sabiduría que haya existido. Lástima que el filme no tuvo la debida duración, escasamente dos horas para dar un esbozo de la vida de todo un genio como fue Tomás Moro (Thomas More nombre original en inglés). Realmente se necesitaba algo más, ya que la obra más famosa de Moro, “Utopía”, ni se llega a tocar.

Zinnemann, más que todo, se adentra en el conflicto de intereses del monarca Enrique VIII, las rivalidades entre los componentes de la autoridad del reino y la posición, siempre diáfana, de Tomás Moro, el que deja ver mucho de su personalidad, sus principios y cómo hábilmente sabía torcerles la lengua a hombres corruptos. Un ejemplo fue el dialogo sostenido con el Cardenal Wolsey, el que pretendía usar a Moro para detener el futuro matrimonio del rey Enrique con Ana Bolena. Lo mismo fue durante el careo que tuvo con el más oportunista de la corte, el secretario de Estado de la corte, Tomás Cromwell, al que no debemos confundir con uno de sus descendientes, el rebelde Oliver Cromwell.

Moro era un hombre que, por su conducta, se ganaba la simpatía de pobres, ricos y hasta los más opulentos. Su inteligencia, su vocabulario, si se quiere, su dialéctica a la hora de hablar de algún tema, le distinguían como un hombre culto con profundo poder de análisis. La película no llega a mostrar nada en profundidad de sus preocupaciones por la suerte de los pobres, de la desigualdad existente y en que radicaba la misma. Zinnemann resaltó los enredos de la corte, así como la lealtad de Moro a la iglesia católica, la que para él era inviolable, al extremo que se opuso firmemente a la rebelión encabezada por Lutero, algo que el filme tampoco aborda.

Su inteligencia era igualmente capaz de provocar envidia entre muchos que no le admiraban o entendían que era un estorbo en sus aspiraciones de riqueza o grandeza. Cuando se quieren buscar causas inútiles, estas se inventan para así debilitar al más capaz. Los incapaces suelen criticar y poco realizar, son también poseedores de una inmensa inquina. A toda esa escoria Moro tenía que enfrentarse una vez fue acusado de traidor por el simple hecho de sostener sus principios y no aprobar la separación de Enrique de la reina Catalina y luego el matrimonio con Ana.

La película aborda estos aspectos, pero brevemente, incluso el período de acusación y condena duró varios meses desde 1533 hasta 1535, y esta tragedia en la película parece transcurrir en días o semanas. Eso sí, la maldad de Cromwell queda muy en evidencia, algo que se origina en su envidia y hasta complejo de inferioridad respecto a Moro, pero sí de arribismo se trata, el filme muestra la bajeza de Richard Rich, un hombre que formuló falsas acusaciones contra Moro, el que fue posteriormente ascendiendo, hasta llegar a ser el canciller en el reinado de Eduardo VI a partir de 1547, hecho histórico fue el del alcance del período abordado por la peli. Después del amañado juicio se ven las desgracias, las que el espectador debe ver y analizar.

El reparto del filme fue realmente muy apropiado, El actor Paul Scofield se destacó enormemente en la interpretación de Tomás Moro. Leo McKern interpreta a cabalidad el papel de Cromwell. Orson Welles, como todo un gigante del cine, encarnó al pícaro Cardenal Wolsey con la certeza que siempre le ha caracterizado. Wendy Hiller fue muy convincente como Alice, la cónyuge de Moro. El experimentado Nigel Davenport tuvo otra notable interpretación como el de Duque de Norfolk. Otro tanto para Susannah York como Margaret Roper, la hija mayor de Moro, y para John Hurt como Richard Rich.  Vanessa Redgrave tuvo una actuación breve en el papel de Ana Bolena. El papel de Enrique VIII recayó en otro experimentado actor, Robert Shaw, el que realizó bien su interpretación, pero se me hace que su físico no era el más adecuado, ya que Enrique VIII, por las pinturas existentes de su figura, era una persona gruesa.

La calidad del filme es muy evidente al haber obtenido seis premios Oscar, dos Zinnemann como mejor director, mejor film; Robert Bold por mejor guion y montaje; Ted Moore como mejor color fílmico; Elizabeth Haffenden y Joan Bridge como mejor vestuario, y Paul Scofield como mejor actor protagonista, mientras que Wendy Hiller y Robert Shaw fueron nominados como mejor actriz y actor de reparto, respectivamente. A eso hay que sumar otros tantos premios BAFTA, Globo de Oro y del National Board of Review de EE. UU.

Así que esta interesante película invita a verla a los espectadores interesados en la historia, sobre todo de la Gran Bretaña, una de las grandes potencias de aquel entonces, la que finalmente, por obra y gracia de Enrique VIII, se separó del catolicismo y fundó la iglesia anglicana, cuya primera autoridad es el mismísimo monarca del imperio.  

Escrito por Esteban Hernández, 23 enero de 2022, con información tomada de IMDB.com sobre la película, así como aspectos históricos reseñados en el artículo sobre Tomás Moro en este mismo blog.   

“Atentado: El día que cambio el mundo (1975)”, película de carácter histórico

Soy un nacionalista yugoslavo, que lucha por la
unificación de todos los yugoslavos, no me importa
la forma de estado, pero sí que seamos libres de Austria.
Gavrilo Princip (ejecutor del atentado, muerto en prisión)

Irfan Mensur en el papel de Gavrilo Princip

Las pelis sobre historias del pasado remoto y reciente suelen ser estar tergiversadas con la representación de actitudes o hechos imaginados y falsos. ¿Quieren más tergiversación que mostrar a Salomé arrepentida de la muerte de Juan Bautista? Eso por solo citar un ejemplo. Por lo tanto, todo nuestro respeto cuando el filme es correcto con los hechos históricos. Lamentablemente, los espectadores, sobre todo en Occidente, se han acostumbrado a un tipo de cine, donde gusta ver la intriga, los vericuetos de las crisis o problemas que se deseen hacer aparecer en pantalla, así estos sean falsos.

La película objeto de crítica y presentación, de producción yugoslavo-checoeslovaca, se titula originalmente “Atentat u Sarajevu”, cuya trama es un relato bastante lineal del motivo del inicio de la I Guerra Mundial en 1914. Se puede decir lineal al carecer de matices y no entrar en muchos detalles de los que ejecutaron la obra de matar al archiduque Francisco Fernando de Austria, sobrino del emperador y heredero de la corona, en Sarajevo, capital de Bosnia, entonces territorio anexado al imperio Austro-Húngaro.  

Sin restarle mérito a la cinta, habría sido apropiado haber entrado en más detalles sobre la organización “Mano Negra” de Bosnia, la que también se le conocía como “Unificación o Muerte” (Уједињење или смрт en serbio), grupo anarquista serbio ejecutante del atentado. Ya en ese entonces esta organización hablaba de unificación de todo aquello que pintara serbio, sea Bosnia como Croacia. Este movimiento no es que estuviera en trato con la monarquía serbia de aquel entonces, pero tenía sus propósitos claros, a pesar de ser estos disparatados realmente. El error del monarca serbio, Pedro I, fue hacerse el de la vista gorda y no combatirla en su momento.

Con un atentado matas a una vida, pero no a un sistema, siempre habrá otros que vendrán a responder al ataque perpetrado. El director montenegrino Veljko Bulajic, famoso por la realización del filme épico “Kozara (1962)“, muy descriptivo de las luchas de los guerrilleros yugoslavos contra las tropas nazis, trató de cierta forma de reflejar el error del atentado en Sarajevo y, a la vez, de la crueldad de las autoridades del imperio en cuanto territorio hubiera rebelión. La tortura de los enemigos era una práctica muy habitual.

La llegada de Francisco Fernando en visita a Bosnia en la peli aumenta el suspense de lo que ocurrirá finalmente, así como las divergencias dentro de “Mano Negra” de llevar a cabo o no el atentado. Una escena del filme es meritoria cuando Djuro Sarac es detenido por la policía serbia y se discute con él de las consecuencias de un atentado. La policía alegaba que el resultado era de esperar, el imperio atacaría a Serbia, Rusia vendría a socorrerla, Francia otro tanto, Inglaterra no dejaría a Francia sola, mientras que los alemanes estarían al lado de sus similares austriacos, una verdadera hecatombe. Serbia no era nada militarmente, sus fuerzas eran limitadas y ese desenlace sería fatal para toda esa nación.

Al final las cabezas calientes se impusieron y llegó el momento de la tragedia. La figura de Francisco Fernando fue interpretada por el experimentado Christopher Plummer, la de su esposa Sophie por la brasileña y actriz del cine italiano, Florinda Bolkan, mientras que Maximilian Schell es uno de los jefes de “Mano Negra”, Djuro Sarac. El resto del reparto es con actrices y actores entonces checoeslovacos y yugoslavos, la mayoría desconocidos, pero eficientes en la pantalla. El ejecutor de los disparos mortales, con una pistola semi-automática Browning, fue Gavrilo Princip, joven de tan solo 17 años, interpretado por el actor bosniaco Irfan Mensur.

Aunque la película es a colores, se ve que la tecnología utilizada no era de las entonces existentes en cuanto a elegancia se refiere en Occidente. El presupuesto no debe haber sido muy alto, buena parte del mismo se debe haber ido pagando por los servicios de Plummer y Schell. Así y todo, es un filme que merece ser visto. Las causas de una guerra son muchas, pero el motivo, condicionado por esas causas, es lo que muestra la cinta, cómo la vida de un hombre fue capaz de alterar violentamente el curso de la historia en este mundo.

Existe una versión fílmica más reciente “Sarajevo (2014)”, co-producción germano-austriaca, la cual en su oportunidad veremos y comentaremos.

Escrito por Esteban Hernández, el 5 enero de 2022, con info consultada en IMDB.com y https://wwi.lib.byu.edu/index.php/Constitution_of_the_Black_Hand

Hana-Bi, Flores de Fuego, filme japonés de enorme originalidad

«Las buenas poesías épicas, dramáticas, líricas, no son
otra cosa que los sueños de un hombre despierto.”
Joseph Joubert (1754-1824, ensayista francés)

Al espectador que le guste el cine de acción o el de películas con secuencias rápidas y con una lógica muy a lo norteamericano, “Hana-Bi (1997)”, no se la recomiendo, pero si Ud. desea ver algo distinto, donde se combina la violencia, la belleza y los sentimientos humanos, toda una lírica fílmica, no dude en sentarse a ver esta película y analícela paso a paso.

Yakuza, la mafia japonesa, está presente en la trama, pero el director-guionista-protagonista de la peli, Takeshi Nitano, no entra en detalles de la crueldad de esa organización criminal. La muestra como lo que es, así como algo de los daños que causa a la sociedad, y se adentra en el dilema familiar de un jefe de la policía con una mujer enferma y sin esperanza de vida, lo cual no impide que el agente siempre actúe con severidad contra con su oponente Yakuza. A esto hay que sumar tener un compañero de trabajo parapléjico después de una incursión violenta y directa de la organización criminal ya mencionada.

Es a partir de ahí que parte el meollo de la trama, donde uno puede apreciar paisajes diversos, desde playa de arena hasta bosque nevado, pinturas sobre la reflexión del agente invalido, pensamientos y actitudes sin palabras, pero muy elocuentes. No obstante, las complicaciones hacen que su pensamiento se radicalice de forma despiadada contra la mafia, para lo cual adopta procedimientos violentos que encajan dentro de una lógica de venganza, pero nada legal. Hay que realmente tener imaginación para lograr un filme de esta naturaleza y lograr juntar aspectos disimiles.

Las actuaciones de Kayoko Kishimoto como esposa del protagonista, y de Ren Osugi como el agente parapléjico responden perfectamente al propósito de la trama de la película.

El filme es lento, no aconsejable para los que gusten de los desenlaces rápidos, pero no deja de ser una joya fílmica. No en balde recibió nominación para César en Francia, para premio de la sociedad de críticos de cine de EE. UU., ganó Aries dorado en el festival de Moscú, y León de Oro en el festival de Venecia entre otros premios y nominaciones.

Escrito por Esteban Hernández, 21 diciembre de 2021, con información consultada en IMDB.com y Filmaffinity.com.

“Maudie: el color de la vida (2016)”, cuando el éxito recompensa al esfuerzo

La belleza exterior atrae, pero la interior cautiva.”
Kate Angell (escritora de EE. UU.)

El título original de la peli es “Maudi”, el que contó con la dirección de la irlandesa Aisling Walsh y guion de Sherry White. Película basada en hechos reales de los años 30 en Nueva Escocia, Canadá, cuya trama nos muestra muchas de esas cosas que suceden en nuestras sociedades. No hay fantasía, pero si mucha verdad sin necesidad de invención.

Una mujer que sufre de artritis reumatoide, prácticamente despreciada y hasta abusada por parte de sus propios familiares, la que un buen día decide emplearse como mucama en casa de un hombre, muy primitivo, vulgar, salvaje y trabajador. Su fealdad física, jorobada como un Quasimodo, no es que atrajera mucho para ser empleada, además de ser una fumadora empedernida como forma de mitigar sus dolores de artritis.  Sin embargo, la virtud de una mujer o un hombre no va siempre acompañado de belleza. Había una inteligencia oculta, se pudiera decir, astucia para penetrar e imponerse en el nuevo hogar. A la vez que cuidaba y limpiaba, comenzó a pintar todo lo que su inmensa imaginación le orientaba. Bastaba que mirara a través de su ventana para diseñar aquello que deseaba reflejar.

A los caballos salvajes se les doma, ella domó al hombre que la empleó y hasta utilizó en la cama. Su relación inicialmente antagónica con su ya entonces marido fue desapareciendo, a la vez que revelaba los sentimientos ocultos de un hombre muy machista, pero a la vez bondadoso.

Es una breve sinopsis de un filme muy aconsejable para ver y aprender. La violencia de género está presente, esa que algunos tratan de negar, pero que es reversible no tan solo con leyes sino con actitudes siempre que el hombre sea realmente de buenos sentimientos internamente.

La peli muestra otros problemas, de los que no se habla mucho o no lo suficiente, como es el robo de niños, a los que hacen aparecer como muertos cuando en realidad nacen saludables y se convierten en una mercancía para padres que desean adoptar.

Maudie, el nombre de la heroína del filme, logró sobreponerse a un sinnúmero de obstáculos, logró triunfar en lo que aprendió de por sí sola, a pintar. Su vida halló refugio en la pintura al extremo que aquellos que con anterioridad la tomaban como una tonta, se dieron cuenta de estar en presencia de una inteligencia.

La actriz londinense Sally Hawkins interpreta magistralmente el papel de Maudie. Supongo que el maquillaje y trucaje la hayan podido presentar en la forma que apareció, mientras que su marido, el tosco Everett Lewis es encarnado acertadamente por el actor tejano Ethan Hawke. No menos importante fue la actuación de la canadiense Kari Matchett, en el papel de Sandra, la persona que logró promover el arte de Maudie.  

Escrito por Esteban Hernández, el 27 diciembre de 2021, con información consultada en IMDB.com

“Yara (2021)”, abuso y crimen finalmente descubierto

Tiene que haber tolerancia cero con la
violencia hacia niños y adolescentes.”
Anon.

En el filme de referencia no hay ficción, sí mucha realidad de un mundo que vive la violencia de género en cuanto sitio haya existencia humana. La cinta de producción italiana contó con el guion de Graziano Diana y Giacomo Martelli, la dirección de Marco Tullio Giordana y el protagonismo de la actriz siciliana Isabella Ragonese en el papel de la fiscal Letizia Ruggeri y un reparto que hizo muy bien su trabajo de interpretación. 

La trama es sobre una adolescente italiana y de padres italianos también, que por ocurrencia familiar se le bautizó como Yara, nombre que significa mariposa en árabe. El lamentable hecho ocurre en Bergamo, ciudad del norte de Italia, capital de la provincia homónima y parte de la región de Lombardía. Siempre la he tenido como una ciudad con inviernos severos, algo que la película refleja con sus calles nevadas. Históricamente a Bergamo se le conoce como la Città del Mille (Ciudad del Mil) debido a la integración de miles de voluntarios en el ejército al mando del gran Giusseppe Garibaldi para combatir a los Borbones en la guerra por el reino de las dos Sicilias en octubre de 1860.

Volviendo al filme, a finales de 2010 hubo el secuestro muy sonado por la prensa de la casi niña Yara, la que semanas después apareció muerta en un descampado en las afueras de Bergamo. Aquello estremeció a toda Italia, incluida la familia del que suscribe, por lo que la policía se dio a la tarea de investigar el hecho con muy pocas posibilidades de descubrir al culpable, a no ser que se pusieran los recursos necesarios para este fin y desarrollar una pesquisa a fondo.  Fue esto lo que se propuso la fiscal Letizia Ruggeri, investigar durante años y con métodos tradicionales. Por suerte, vivimos en un mundo donde hay desarrollo científico en el campo de la biología molecular, se sabe lo que es un gen, segmento corto del ácido desoxirribonucleico (ADN), parte importante de los cromosomas. Ellos nos indican en su conjunto el material hereditario del cuerpo humano y la forma como funciona.

No hizo falta un detective a lo Sherlock Holmes o del tipo de Philip Marlowe para llegar al meollo del crimen. Por demás, jamás habrían llegado de otra manera, solo la ciencia podría lograr este descubrimiento. Los científicos de varias instituciones italianas ayudaron enormemente en este empeño. Encontrar la aguja en un pajar fue posible cuando se descubrió un alelo, una de las maneras en que puede manifestarse un carácter o un gen. Los alelos siempre ocupan la misma posición en los cromosomas homólogos.

La fiscal tuvo suerte de esta valiosa ayuda, mientras los políticos, como de costumbre, no hacían otra cosa que criticar, hablar con fines electorales, nada que tuviera que ver con Yara y de satisfacer a su familia, el clásico bla, bla, bla, criticaban que la investigación había costado mucho, que la fiscal era una inepta. Por suerte, no digo más, todo llegó a feliz puerto y los políticos tuvieron que hacer lo que siempre hacen, callarse.

No faltó el ingrediente xenófobo en el caso, suponer que había sido un extranjero el autor del crimen. Pobres árabes, esos que se ganan la vida limpiando parabrisas de autos en las calles de Italia, que no tienen ni pizca de terroristas, pero son los primeros en ser investigados.

Realmente la película fue un éxito en su realización, muy completa al abordar este caso y resaltar los logros y deficiencias en la investigación. En una escala del 1 al 10, le doy un 9 muy merecido. Es de esperar que sea premiada debidamente, al menos en los diferentes certámenes de cine existentes en Europa.

Escrito por Esteban Hernández, con info de IMDB.com y de Santos Isidoro M.A. 2021. “Yara”: el cazador de mariposa. Cinemagavia, 7 noviembre. https://cinemagavia.es/yara-pelicula-critica-netflix/

“Viento de libertad (2018)”, una penosa realidad de los regímenes totalitarios

La libertad está en ser dueños de la propia vida.
Platón

“Viento de Libertad” o su título original “Ballon” es un filme de producción alemana, que presenta una especie de suspense, todo ocurrido en la ya no existente Alemania Oriental.

Los regímenes autoritarios del Este europeo bajo la tutela de la URSS y otros existentes en el Caribe como en el lejano oriente, de siempre han tomado medidas a fin de que sus ciudadanos no viajen, ni conozcan las realidades del otro mundo político. Alemania oriental fue una de las más destacadas en esas acciones. La Stasi o Ministerio para la Seguridad del Estado fue la institución más activa en la persecución de cuanto opositor apareciera en la llamada República Democrática Alemana (RDA), tampoco permitía viajes de sus ciudadanos a la otra Alemania, mucho menos de un Berlín a otro. Un ejemplo de ello fue la construcción de 155 km de muro a partir del 12 de agosto de 1961, con los cuales Berlín quedaba picoteado. Su ampliación continuó, pero ello no fue óbice para que miles de alemanes trataran de saltar o burlar el muro, muchos de los cuales murieron en esos intentos. Se sabe que la alta dirigencia de la RDA había dado órdenes de disparar a cuanta persona intentara pasar el muro. Mientras eso sucedía los berlineses occidentales cruzaban al otro lado para disfrutar de una noche en los pubs y sitios de baile de Berlín Oriental. Les bastaba pagar una cuota en marcos a la entrada, los orientales veían esas libertades de las que ellos no gozaban.

La película está dirigida por Michael Bully Herbig y su trama está basada en la fuga de dos familias en un globo aerostático ocurrida el 6 de septiembre de 1979. Realmente hay que tener ingenio para construir ese artefacto y que se mantuviera lo necesario en el aire para poder aterrizar del otro lado de la frontera, pero también está el hecho de conseguir todos los materiales, telas, tubos, elementos de propulsión, tratando siempre de levantar la menor sospecha, algo que no era fácil en lo absoluto.

Parte del vecindario podía sospechar algo, pero esas personas no eran capaces de delatar o hacer suponer una cosa similar a la Stasi, muy ocupada en descubrir de quien había sido la idea de un primer vuelo fallido. Otras, por el contrario, dijeron todo lo que vieron, pero sin poder afirmar nada que afectara a nadie. La Stasi tenía que suponer los hechos por sí mismo, colaboración ciudadana no existía. Incluso cuando una mujer fue interrogada, ella dio sus argumentos como si no tuvieran ninguna importancia.

Cuando la Stasi logró adivinar el intento, ya le resultó tarde, y eso en esos regímenes se paga con la dimisión o la cesantía de los cargos policiales encargados del asunto.

El filme alemán “La vida de los otros (2006)” al espectador lo mantiene en suspense durante buena parte de la peli, “Viento de libertad” le hace una verdadera competencia. Como quiera que sea, ambas películas muestran el carácter dictatorial y cómo estos regímenes violan los derechos humanos en general.

Escrito por Esteban Hernández, con información consultada en IMDB.com y “Viento de Libertad, o cómo cruzar el Muro de Berlín en globo aerostático” https://www.muyhistoria.es/contemporanea/articulo/viento-de-libertad-o-como-cruzar-el-muro-de-berlin-en-globo-aerostatico-191567527489

“El Cazador (1978)” y las secuelas de una guerra

La guerra no es más que un asesinato en masa,
y el asesinato no es progreso. “
Alphonse de Lamartine (1790-1869, escritor y político francés)

“El Cazador” (The Deer Hunter, título original) Es un filme bastante viejo, el que no pierde actualidad al reflejar cómo una guerra puede dejar heridas físicas y psíquicas, cómo una guerra daña la estabilidad familiar, la estabilidad de las futuras generaciones, pero aún es cuando esa guerra es injusta e innecesaria.

El director Michel Cimino, con trama de él mismo conjuntamente con los guionistas Deric Washbun y Louis Garfinkle, relata una historia de un grupo de amigos, todos trabajadores en el sector metalúrgico de un poblado de Pensilvania, todos descendientes de familias rusas, los que compartían labor y distracción juntos, entre ella la caza de venados los fines de semana. Esa estabilidad se rompió en el momento que casi todos ellos fueron reclutados por el servicio militar de los EE. UU. para combatir en Vietnam.

El cineasta Cimino muestra una cara de la guerra diferente a la que nos mostró Oliver Stone en “Pelotón (1986)”. A entender del que suscribe, está mal orientada e infundada. Cimino no estuvo en Vietnam, Stone sí lo estuvo. Es controversial poner a los combatientes del VietCong jugando a la ruleta rusa con unos revólveres para ganar dinero. Eso parece una invención, el que haya visitado el sur de Vietnam verá en qué condiciones vivían los guerrilleros, todos bajo tierra y nadie a flote de una ciénaga como ahí se pinta. El dinero no era un objetivo, de nada les servía, así que esa escena es de ponerla en duda largamente. Lo de la tortura no se discute, todos las practican con el objetivo de obtener información del movimiento de las tropas enemigas. En una guerra no hay santos, pero sucede que se presenta la tortura como una diversión de los VietCongs, algo difícil de entender.

Cimino ilustra el ambiente corrupto en extremo de Saigón, una ciudad campeona en prostitución en su época, pero no toca nada de esa inmundicia al nivel de las tropas locales del Vietnam del Sur.

Bien dejando atrás esas escenas muy típicas de un Oeste, nada que ver con los de la guerra entre una nación súper-poderosa contra otra sub-desarrollada. Una luchando por mantener un equilibrio a nivel universal entre Occidente y Oriente en el marco de la guerra fría, la otra luchando por su independencia y reunificación, hay que ver cómo los seres humanos tratan de adaptarse y sobrellevar la nueva vida que la pos guerra les impone. Matrimonios interrumpidos, maridos minusválidos, infidelidad por creencia de fallecimiento de su marido, afectaciones psíquicas producto de los cruentos combates y las torturas.

El gran acierto de la película fue el reparto que, participó en el mismo, encabezado por Robert DeNiro, como el hombre fuerte y de carácter; Meryl Streep, la hija despreciada por su padre, que busca cobija en casa ajena y pone sus ojos en dos hombres, ambos amigos. Un insuficiente y malogrado personaje interpretado por John Cazale, actor que durante el rodaje ya sufría de problemas de cáncer y que muriera antes de que el filme fuera estrenado; el entonces joven Christopher Walken, amigo y casi hermano de De Niro en la película; John Savage, el hombre enamorado de su esposa, a la que no quiere hacer sufrir después de su infortunio en la guerra; George Dzundza, dueño del bar-cafetería, al que la pandilla asistía en sus momentos de relax. En fin, todos pusieron su granito de arena y lograron llevar a esta película a una buena crítica de la audiencia, la que es algo superior a la dada por el que suscribe.

A pesar de los errores vistos- lo dice una persona que pudo conocer de cerca Vietnam años después de la guerra y con una economía de mercado a todo tren- la película lleva ese mensaje de que las guerras deben evitarse por el bien de todos los pueblos, por el bien de las familias y por el bien de la estabilidad de la sociedad.

Escrito por Esteban Hernández, con información consultada en IMDB.com, el 16 noviembre de 2021

“El Cairo confidencial (2017)”, una muestra de cine negro basada en hechos reales

Servirse de un cargo público para enriquecimiento personal
resulta no ya inmoral, sino criminal y abominable.”
Cicerón

El género de cine negro logró su mayor esplendor en la década de los años 40. Entonces hubo un actor que fue su principal representante como protagonista de varios filmes de este género, como lo fue Humphrey Bogart. Filmes de cine negro o noir aparecieron en décadas posteriores, el director francés Jean-Pierre Melville gustaba de realizar este tipo de películas con protagonismo de Alain Delon principalmente.

Todos esos filmes estaban basados en hechos ficticios de novelas publicadas con algún éxito. Esas cintas podrían tener algo de real, pero la invención de los autores siempre predominaba.

“El Cairo confidencial”, cuyo título original es “The Nile Hilton Incident” es una película del género ya indicado, coproducción Suecia-Dinamarca-Alemania-Marruecos, con dirección y guion del cineasta sueco Tarek Saleh, con toda probabilidad descendiente árabe, y el protagonismo de Fares Fares, igualmente ciudadano europeo nacido en el Libano.  

Lo original es que Saleh, con su trama, se mete de lleno dentro de las realidades adversas del mundo egipcio previo a la caída del presidente vitalicio Hosni Mubarak, y descubre todo el enredo de corrupción existente a niveles de los órganos represivos y de la cúpula gobernante. Aquí no hay ficción, es toda una realidad de un país considerado democrático, pero con un gobierno siempre apoyado a conveniencia por las potencias occidentales. Mubarak ascendió al poder en 1981 después del atentado, en el que muriera el entonces presidente Anwar el-Sadat, sustituido interinamente por Sufi Abu Taleb y luego este por Mubarak, el que se mantuvo 30 años en el poder, todo un omnipotente en su país.

Saleh aborda el asunto de la corrupción de una manera creíble, donde el héroe de la peli es tan corrupto como el resto de los que le circundan. Todo se pagaba y todo se compraba, el que no entraba en el juego, corría el serio peligro de la muerte.

La trama de la peli se inicia con el asesinato de una bella mujer con amistades y conexiones con hombres con altos cargos de empresas estrechamente vinculadas con la cúpula gobernante. Siempre hay un ojo que te ve, ese fue el caso. Después de muchas investigaciones el agente “héroe” comienza a descubrir el meollo de la verdad, donde se tropieza con tantas dificultades como las que tuvo el famoso agente Frank Serpico en su lucha contra la corrupción de la policía de Nueva York.  Por momentos, parecía ver a Serpico, con la diferencia que el italo-americano no era un corrupto como tal.

Las vistas de El Cairo en el filme fueron siempre de zonas pobres o donde el hampa campea con la aprobación de la policía, la que siempre miraba para otro lado a no ser que hubiera paga de por medio.

La película muestra el inicio de las protestas populares, las que demandaban la renuncia de todo el gobierno egipcio y mejoras en general para la población. La violencia era evidente, por un lado, las fuerzas represivas con todo su armamento antimotín y la población con la fuerza de sus gritos exigiendo la libertad y el bienestar.

Sabemos que Mubarak renunció, luego le sucedieron otras administraciones, pero por razones inconcebibles “El Cairo confidencial” es una película prohibida de proyección en salas de cine de Egipto.

Escrito por Esteban Hernández, con información consultada en https://www.filmaffinity.com/es/film480073.html, el 8 noviembre de 2021

“Manual de la buena esposa (2020)” o instrucciones para el servilismo

«La igualdad de la mujer debe ser un componente
central en cualquier intento por resolver los
problemas sociales, económicos y políticos

Kofi Annan, ex-secretario general de la ONU

Esta vez es una comedia francesa, divertida por momentos, la que se adentra en los preceptos convencionales como lecciones para chicas jóvenes aspirantes a casarse y ser buenas esposas.

Da risa oír a las maestras en una escuela improvisada para enseñar a un par de decenas de muchachas jóvenes, algunas sumamente ingenuas. En la peli, ese centro de enseñanza radica en Alsacia, territorio recuperado por Francia de Alemania.  Los apellidos de las muchachas y hasta del dueño de la escuela en muchos casos no son franceses y si muy germánicos.

La escuela es financiada por el marido de la directora, ambos con extrema diferencia de edades. Allí también trabajaban una monja, ex-combatiente de la Segunda Guerra, y la cuñada de la directora o hermana del dueño. El material de estudio y clases eran muy propios de un régimen feudal, nada que ver con los momentos que se vivían entre 1967 y 1968, fecha en la que se encaja el filme.

Esa enseñanza tan conservadora prevalece aún en las mentes de mucha gente de viejas generaciones e incluso de aquellos que extrañan las monarquías absolutas. Dentro de toda esa doctrina, si es que así se le pueda llamar, es tabú hablar de divorcio, aborto, liberación de las mujeres, mucho menos de homosexualidad.

Las jóvenes eran casi todas muy ingenuas e ignorantes a su vez. Solo una o dos se salían de esa norma. No sabían que era una masturbación, tampoco que es un clítoris y donde se encuentra en el cuerpo femenino, pero para agravar el asunto, nada de eso se enseñaba en la escuela, toda lección tenía que ir en un marco estrictamente conservador. La mujer debía cocinar, fregar, ser sonriente y amable con su marido, nunca contradecirlo, ser muy ahorrativa en sus gastos y evitar cualquier discusión, ya que la estabilidad podría peligrar en ese caso. Era importante que la mujer entendiera al marido, sus necesidades y sus inquietudes.

El mérito de la peli es mostrar la falsedad de todos esos postulados conservadores, y cómo el mundo evoluciona e influye en el pensamiento de las personas, el cambio de criterio se traduce a la larga en nuevas actitudes, las que terminan en convertirse en algo normal y acorde con los tiempos que se viven.

La ubicación del filme en los años de 1967 y 1968 fue a propósito de las insurrecciones entonces ocurridas en Francia e Italia que, si bien no lograron su objetivo de hacerse del poder, tuvieron una enorme influencia en la conducta de las nuevas generaciones desde aquel momento y en lo sucesivo, con más liberalismo y menos prejuicios.  

El filme fue dirigido por Martin Provost y contó con el protagonismo de la experimentada Juliette Binoche en el papel de directora del centro docente. No menos importante fueron las actuaciones de la actriz belga Yolande Moreau como cuñada de la directora y de Noémi Lvovsky como la monja Marie-Thérèse.

Escrito por Esteban Romero 3 octubre de 2021, con información consultada en IMDB.com.

Up in the Air o Amor sin escalas (2009)

«Estamos realineando nuestros recursos
ante una nueva estrategia corporativa
«.
Jerga para despedir personal

Hay títulos que esconden el verdadero contenido de una película. “Up in the air” se traduce como “En el aire”. En español le dan un toque de romance con “Amor sin escalas”. Sin embargo, le podríamos llamar de otra manera, “Firing men” o “El que cesantea”, ya que eso es lo que aborda la trama.

La crisis económica nuevamente es abordada en este filme y cómo las empresas tratan de reducir sus pérdidas a costa del despido de trabajadores con historial impecable en su trabajo.

Dura realidad, la persona tiene que mantener una familia, pagar una hipoteca y de pronto aparece un “ángel” que pronuncia un discurso engañoso con una misma retórica en diferentes lugares, para luego reunirse con cada trabajador, y después de darle vueltas sutilmente al asunto, decirle a la persona sin más ni más, “estás despedido”.

Hay que darle cien puntos a esta película, ya que los que aparecen como despedidos, no son actrices-actores, nada de eso, son personas cesanteadas realmente de sus trabajos en urbes como St Louis y Detroit, con videos superpuestos de las entrevistas realizadas para el despido, por lo que sus reacciones son muy reales.

Una corporación paga a un ente por hacer este trabajo, se gasta una pasta en un profesional carente de hogar y familia, carente de sentimientos hacia los nuevos desgraciados, goza de su buen salario, sus viajes en avión, acumula millones de millas, tarjetas de oro de esto y aquello otro, ¿qué va a interesarle lo que le pasa a tal o más cuál trabajador?

La parte romántica del filme es mejor que la vean y luego la comentan. Muy original la salida en este tema, ¡cuánta falsedad hasta en el amor!

La peli fue dirigida por el canadiense Jason Reitman, con guion aportado por él mismo conjuntamente con Walter Kirn y Sheldon Turner. George Clooney fue la selección perfecta para protagonizar la película, actor que sabe interpretar papeles de persona flemática y hasta divertida en sus diálogos. Le secundó Vera Farmiga y Anna Kendrick, cada una cumpliendo con los papeles otorgados.

La calificación de la crítica en general se corresponde bastante con la del que suscribe. La peli expone las situaciones, pero transcurre suavemente, como para que el espectador salga satisfecho y no enfadado, merito de la trama, por cierto.

Escrito por Esteban Hernández, 2 octubre de 2021, con información consultada en IMDB.com.

“El gran colapso (2015)” o la gran trampa

A veces necesitas una ventaja para pasar al siguiente nivel”.
Lema del filme

Hay que vivir en este mundo para uno darse cuenta hasta qué punto es engañosa la propaganda comercial. Lo bueno se pinta como excelente, lo mediocre como bueno y lo malo como mediocre. Siempre hay un escalón superior en la exageración comercial. Todo eso pasa de lo material a lo ficticio. Grandes fortunas prometidas si inviertes aquí o allá, puro engaño y los ingenuos caemos en esa trampa.

Este filme titulado Americons en inglés, que no sé cómo traducirlo, fue dirigido por el neoyorquino Theo Avgerinos con guion de Beau Martin Williams y Matt Funke, los que a su vez son los protagonistas de esta cinta. La trama gira alrededor del mundo de la inmobiliaria, el llamado real estate en inglés. Te ofrecen la Luna, la saboreas y luego te das cuenta que el duro frío se derrite y ya no hay más sabor. Te dicen una cosa, pero si no lees la letra chica del contrato, te pueden estar fregando sin saberlo.

Por detrás de todo eso se mueven los grandes capitales con promoción incluso de altos mandatarios, los que hablan de la recuperación de la economía, el bienestar pomposamente. Al final de todo, no hay nada de lo prometido, uno cae como un animalito en un hueco, del cual es difícil escapar y recuperarse.

Este filme presenta el problema, aunque no trata de profundizar en el mismo, pero sí expone con claridad la trampa. La moral no existe, la piedad con los clientes mucho menos, y todo el que se involucra en semejante business, si quiere prosperar como negociante, debe adoptar las prácticas malsanas del negocio.

La inteligencia es puesta al servicio de la maldad, con ganancias tales que, les permiten darse una vida de millonarios, sin serlo, disfrutando de orgías, droga y cuanto vicio se les antoje. Salirse de ese mundo es tan difícil como abandonar a Cosa Nostra, el filme lo muestra sutilmente.

Llegó la crisis de 2008, plena recesión a nivel mundial, las deficiencias y malos manejos emergen y algún que otro dealer termina en prisión por un rato como chivo expiatorio. Pero perro huevero ni, aunque le quemen el hocico ceja en sus empeños, y es esa realidad el epílogo de la película.

Si quiere conocer algo de esa crisis de 2008, cómo se originó y evolucionó en los EE.UU., es muy recomendable ver esta película, la que no tiene una buena calificación, resultado con el que no coincido. La verdad molesta, pero como dijo Gandhi: “El silencio se convierte en cobardía cuando la ocasión exige decir toda la verdad y actuar en consecuencia.”

Escrito por Esteban Hernández, 1 octubre de 2021, con información consultada en IMDB.com