“Las ideas mueven el mundo sólo si antes
se han transformado en sentimientos.”
Elizabeth Taylor

Esteban Hernández

Michelangelo Antonioni (1912-2007)
Considerado uno de los mejores realizadores del cine italiano de todos los tiempos, cuyos filmes se han caracterizado por el neorrealismo. La estructura de sus obras no se basa en tramas particulares o análisis de un personaje, son peliculas que reflejan un paisaje real o un ambiente. Aquí las personas son partes móviles del ambiente, con sus sueños y aspiraciones, sus reservas emocionales y sus defectos. Entre sus mejores filmes están:

– «La aventura (1960)» conn Monica Vitti y Gabriele Ferzetti, film que entrecruza la vida de dos personas que se conocían pero no intimamente,
– “La noche (1961)” con Jeanne Moreau, Marcello Mastroianni y Monica Vitti, que muestra la deteriorada relación entre marido y mujer,
– “El eclipse (1962)” con Monica Vitti una vez más y Alain Delon, film que muestra la normal incomprensión entre los seres humanos,
– “El desierto rojo (1964)” con Monica Vitti y Richard Harris,
– “Blowup, deseo de una mañana de verano (1966)”, su primer film en inglés y rodado en Londres, con Vanessa Redgrave, película que guarda algún parecido en su realización con “La aventura”, con la diferencia que el guión es aquí mucho más liberal,
– “Zabriskie Point (1970)”, film realizado en EE.UU., que no tuvo tanto éxito, con Mark Frechette y Daria Halprin,
– El drama-suspense “El reportero (1975)” con Jack Nicholson y Maria Schneider, donde un corresponsal de guerra no hace lo indicado y toma otro camino en su vida laboral

Michelangelo Antonioni

Mario Bava (1914-1980)
Notable director de filmes de aventura y de horror-misterio-suspense. Como cinematógrafo trabajó hasta 1960 colaborando con realizadores como Riccardo Freda, Jacques Tourneur y Raoul Walsh. Como director debutó con el film de horror “La máscara del demonio (1960)”. Entre sus más mejores filmes dirigidos:

– Los filmes de aventura “Hércules en el centro de la Tierra (1961)” co-dirigido con Franco Prosperi y protagonizado por Reg Park,
– “La furia de los vikingos (1961)” con Cameron Mitchell
– El film de misterio-suspense “La muchacha que sabía demasiado (1963)” con Letícia Román y John Saxon
– Los filmes de horror “Las tres caras del miedo (1963)” co-dirigido con Salvatore Billitteri y protagonizado por Michèle Mercier,
– “Seis mujeres para el asesino (1964)” con Cameron Mitchell y Eva Bartok,
– “Terrore nello spazio (1965)” con Barry Sullivan
– “Bahía de sangre (1971)” con Claudine Auger,
– “Barón Blood (1972)” con Joseph Cotten,
– “El diablo se lleva los muertos (1973)” co-dirigido con Alfredo Leone y protagonizado por Telly Savalas

Mario Bava

Bernardo Bertolucci (1940)
Director de renombre internacional, que gusta de abordar temas históricos y políticos, en los que añade el ingrediente amoroso o sexual, en ocasiones exageradamente para algunos críticos. Sus filmes tienen su originalidad, éstos se apartan drásticamente de lo habitual en las realizaciones. Entre sus filmes están:

– El drama “Prima della Rivoluzione (1964)” (Antes de la revolución) con Evelina Alpi y Gianni Amico, film que le dio fama y puede considerarse como su primer gran éxito
– “El conformista (1970)” con Stefania Sandrelli y Jean-Louis Trintignant, film que aborda los elementos de simpatía logrados inicialmente por el fascismo
– El famoso drama “El último tango en París (1972)” con Marlon Brando y Maria Schneider, film que posee un final trágico cuando todo parecía color de rosa en el amor de un hombre y una mujer, cuyas escenas provocadoras dieron lugar a mucho ruido y críticas de distintos sectores moralistas de la sociedad, que llegaron a considerarlas obscenas
– El drama-film de guerra “1900 (1976)” con Robert De Niro y Gérard Depardieu, que aborda como se termina al final de una guerra cuando no hay programa o no hay nada previsto para cambiar lo existente.
– El drama “Historia de un hombre ridículo (1981)” con Anouk Aimée, Ugo Tognazzi y Laura Morante
– El drama histórico “El último emperador (1987)” con John Lone y Peter O´Toole, film que es uno de los mejores en la filmografía de Bertolucci y que trata sobre la vida del último monarca antes y después de la Revolución china durante el siglo XX
– Los dramas “El cielo protector (1990)” con Debra Winger y John Malkovich, film que se desarrolla en el norte de África, que presenta un desenlace inesperado entre momentos de alegría y desgracias, y que en la modesta opinión del que suscribe, este es el mejor film de Bertolucci,
– “Pequeño Buda (1993)” con Keanu Reeve y Ruocheng Ying, cuya trama aborda a su manera la vida del principe Siddharta entrelazada con una historia del mundo actual

Bernardo Bertolucci

Mauro Bolognini (1922-2001)
Famoso director de cine italiano, que fuera conocido por sus agradables modales y sus peliculas en variados temas, la gran mayoría basadas en obras de grandes escritores como Alberto Moravia, Stendhal y otros más. Notables son los siguientes filmes:

– Los dramas “La notte brava (1959)” con Rosanna Schiaffino, film considerado entre sus mejores realizaciones,
– “La giornata balorda (1959)” (Día de los inocentes) con Lea Massari y Jean Sorel.
– El drama-comedia “El bello Antonio (1960)” del escritor Vitaliano Brancati con Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Pierre Brasseur y Tomás Milian, film que trata la historia de un bello joven burgués impotente que desilusiona a la novia que toma por esposa
– Los dramas “La corruzione (1963)” con Alain Cuny y Rosanna Schiaffino
– “Las cuatro brujas (1966) con Claudia Cardinale y Alberto Sordi entre otros actores/actrices
– El film de aventura “Mademoiselle de Maupin (1966)” con guión de Gautier y protagonizado por Catherine Spaak y Tomás Milian
– Las comedias “Arabella (1967)” con Virna Lisi y James Fox,
– El segmento “Nuites romances” (Noches románticas) de “Le plus vieux métier du monde (1967)” (El oficio más viejo del mundo) con Elsa Martinelli y Gastone Moschin

Mauro Bolognini

Luigi Comencini (1916-2007)
Uno de los grandes promotores de la cinemateca italiana y del neorrealismo en el cine, quien pasó su infancia en Francia, y de adolescente se trasladó a Milán para estudiar arquitectura. En sus años estudiantiles creó un grupo de aficionados al cine, donde conoció a futuros directores, como fueron Alberto Lattuada y Mario Ferrari. Entre sus mejores filmes están:

– El drama “La tratta delle bianche (1952)” (La trata de las blancas) con Silvana Pampanini, Vittorio Gassman y Eleonora Rossi Drago
– Las comedias “Pan, amor y fantasía (1953)” y “Pan, amor y celos (1954)”, ambas protagonizadas por Vittorio De Sica y Gina Lollogibrida, filmes que confirman el estilo neorrealístico de Comencini y que llevaron a la Lollobrigida al estrellato,
– “El signo de Venus (1955)” con Sofía Loren y Franca Valeri,
– “La bella de Roma (1955)” con Silvana Pampini y Alberto Sordi,
– El excelente drama “La chica de Bube (1963)” con Claudia Cardinale y George Chakiris, film que aborda la vida de una joven italiana enamorada de un joven comunista encarcelado de un dudoso delito en la pos-guerra
– Las comedias “Le bambole (1964)” (Las muñecas) con Virna Lisi, Gina Lollobrigida y Nino Manfredi,
– “El camarada Don Camilo (1965)” con Gino Cervi y Fernandel

Luigi Comencini

Sergio Corbucci (1927-1990)
Uno de los mejores directores del cine de entretenimiento italiano, quien siempre mostró una alta capacidad de creatividad en cada una de sus películas, fueran éstas, comedias, filmes de acción e incluso oestes. En su filmografía hallamos:

– “Chi si ferma è perduto (1960)” (El que se para está perdido),
– “I due marescialli (1961)” (Los dos mariscales) con Vittorio De Sica también,
– “Totò, Peppino e la dolce vita (1961)”,
– “Lo smemorato di Collegno (1962)” (El olvidadizo de Collegno),
– “El día más corto (1962)” con Ciccio Ingrassia, Franco Franchi y Ugo Tognazzi también,
– “Gli onorevoli (1963)” (Los honorables),
– El drama-comedia “Il monaco di Monza (1963)” (El monje de Monza), todas estas películas protagonizadas por Totò
– Las películas épicas, de aventura u oestes “Rómulo y Remo (1961)” con Steeve Reeves y Virna Lisi,
– “El hijo de Espartaco (1963)” con Reeves y Jacques Sernas,
– “Joe, el implacable (1966)” con Burt Reynolds,
– “Django (1966)” con Franco Nero
– La comedia “Rimini Rimini (1987)” con Laura Antonelli, Virna Lisi y Jerry Calà

Sergio Corbucci

Vittorio DeSica (1901-1974)
Extraordinario actor-director del cine italiano, toda una estrella del séptimo arte, quien proviene de una familia humilde italiana. Como director, su obra se caracterizó por el amor, pero lejos de caer en el melodrama acostumbrado, él lo abordó con ironía exponiendo las mismas imperfecciones de cualquier ser humano en muchas de sus comedias. Su sátira fue todo un arte y fue fiel exponente del neorrealismo en el cine.  Entre sus realizaciones están:

– Los dramas “Ladrones de bicicletas (1948)” con Lamberto Maggiorani,
– “Corazón (1948)” co-dirigido con Duilio Coletti y protagonizado por el proprio De Sica,
– El famoso “Umberto D (1952)” con Carlo Battisti,
– “Stazione Termini (1953)” con Montgomery Clift, Jennifer Jones y Gino Cervi
– La comedia “El oro de Nápoles (1954)” con Totò
– El sobresaliente drama “Dos mujeres (1960)” con Sofía Loren y Jean-Paul Belmondo, film que se desarrolla en el período previo al fin de la guerra en una localidad montañosa al sur de Roma
– La comedia “El juicio universal (1961)”, con un extenso reparto encabezado por Alberto Sordi, Fernandel, Vittorio Gassman entre otros
– El segmento de la comedia “Boccaccio ’70 (1962)” con Sofía Loren nuevamente
– Las comedias “Il boom (1963)” con Sordi nuevamente,
– “Ayer, hoy y mañana (1963)” y “Matrimonio a la italiana (1964)” basada en la obra de E. De Filippo, “Filumena Maturano”, estas dos últimas películas protagonizadas por la Loren y Marcello Mastroianni
– Los dramas “Amanti (1968)” con Faye Dunaway y Marcello Mastroianni,
– “Los girasoles (1970)” con el dúo Loren-Mastroianni, sobre una historia de un combatiente que no regresa a su patria y decide quedarse a residir en la URSS.

Vittorio De Sica junto a Gina Lollobrigida

Federico Fellini (1920-1993)
Cineasta que prácticamente marcó toda una época en el cine italiano, quien mostraba tramas poco convencionales, que corrían a veces de forma irracional, con imagenes que parecían revelaciones de sus sueños o sus ideas, ese fue Fellini, a quien se le considera todo un genio de la cinematografía nivel mundial y uno de los grandes exponentes del surrealismo en el cine. Entre sus filmes más famosos están:

– Los dramas “Los inútiles (1953)” con Franco Interlenghi y Alberto Sordi,
– “La strada (1954)” (La calle) con Anthony Quinn,
– “Almas sin conciencia (1955)” con Broderick Crawford, film que trata sobre un grupo de tramposos,
– “Las noches de Cabiria (1956)” con Giulietta Masina, quien fue probablemente su actriz preferida, film que trató la cuestión de la prostitución desde una perspectiva social más justa
– “La Dolce Vita (1960)” con Marcelo Mastroianni, Anita Ekberg y Anouk Aimée, film cuya estructura es difícil de seguir o entender, donde el movimiento de las personas parece que no tiene una ruta definida. El film tiene el mérito de mostrar las bellezas de Roma, desde la Fuente de Trevi, donde la Ekberg entra atrevidamente en el agua, hasta los restoranes de vía Veneto, donde los turistas ricos gastan dinero sin pensarlo
– “Ocho ½ (1963)” con Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale y Anouk Aimée nuevamente, cuya trama es la de un director que logra un éxito y luego no sabe como seguir adelante en su trabajo
– Las comedias-dramas “Giulietta de los espíritus (1965)” con Giulietta Masina y Sandra Milo, donde se muestra como una mujer casada que al final abandona a su marido impertinente,
– “Roma (1972)” con Peter Gonzales, donde de nuevo no hay una secuencia clara del film, que más bien busca mostrar a Roma a los ojos de un simple espectador, cuando llegó a ella en el período de guerra y como la ve ahora en el presente
– El drama-comedia “Amarcord (1973)” con Pupella Maggio y Armando Brancia, que refleja la situación de la ciudad de Rimini, lugar de nacimiento de Fellini, durante el período de guerra

Federico Fellini

Marco Ferreri (1928-1997)
Siempre se caracterizó por abordar temas atrevidos que rompían los prejuicios y preceptos establecidos. En su filmografía contestataria logró mezclar algo de dulzura con una crítica despiadada a los cánones existentes.

– Los dramas-comedias “El cochecito (1960)” con José Isbert
– “Se acabó el negocio (1963)” con Ugo Tognazzi y Annie Girardot, película que aborda las relaciones entre los sexos, donde suele predominar la explotación del más desprotegido y cuyo final fue cortado por su productor,
– “L’ape regina (1962)” (La abeja reina) con Tognazzi y Marina Vlady, film satírico anticatólico, donde se hace una burla al matrimonio al extremo que fue censurado y hubo que hacer cortes de algunas tomas, además de modificar el título
– El segmento “Il professore” del drama “Controsesso (1964)” con Tognazzi
– El estupendo drama “Dillinger ha muerto (1969)” con Annie Girardot y Michel Piccoli, donde se aborda el hecho de la soledad del hombre en la sociedad contemporánea
– El drama fantástico “Il seme dell’uomo (1970)” (La semilla del hombre) con la Girardot y Marco Margine
– El drama “Liza (1972)” con Catherine Deneuve y Marcello Mastroianni
– El drama “La última mujer (1976)” con Gérard Depardieu y Ornella Muti
– Las comedias “Adiós al macho (1978)” con Gérard Depardieu y Mastroianni,
– “Un profesor singular (1979)” con Roberto Benigni,
– “La casa de la sonrisa (1988)” con Ingrid Thulin

Marco Ferreri

Pietro Germi (1914-1974)
Uno de los maestros del cine neorrealista italiano, quien gustaba de abordar temas de prejuicios en la sociedad italiana, así como las formalidades llenas de hipocresía y doble moral. Sus filmes fueron siempre un ataque frontal a esas actitudes, donde se incluye el compromiso de hijas con hijos de buena fortuna, el problema del divorcio entonces existente en Italia, el adulterio y los celos. Dirigió:

– El film de crimen-drama “La ciudad se defiende (1951)” con Gina Lollobrigida
– La comedia “La presidenta (1952)” con Silvana Pampanini
– El drama “Gelosia (1953)” (Celos) con Alessandro Fersen,
– El film de crimen-drama “Un maldito embrollo (1959)” con Claudia Cardinale, estos tres últimos filmes protagonizados por el propio Germi
– La comedia-drama “Divorcio a la italiana (1961)”, todo un clásico del cine italiano protagonizado por Marcello Mastroianni y Stefania Sandrelli, film que aborda las peripecias de un hombre casado que quiere vivir con otra bella de su pueblo.
– El drama “Seducida y abandonada (1964)” con Stefania Sandrelli, cuya trama aborda la tragedia de una joven, la que sus padres quieren casar, como en tiempos medievales, con un joven no de su gusto pero si de buena posición económica.
– Las comedias “Señoras y señores (1965)” con Virna Lisi,
– “Muchas cuerdas para un violín (1967)” con Ugo Tognazzi y la Sandrelli,
– “El divorcio es cosa de tres (1972)” (conocido en otros países como “Alfredo, Alfredo»), con Dustin Hoffman y Stefania Sandrelli

Afiche alegórico al centenario del nacimiento de Pietro Germi

Bibliografía consultada

Hernández E. (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- directores.

“La profesión del escritor tiene sus espinas
sobre la que el lector no sueña”
Henryk Sienkiewicz

Ricardo Labrada

En 2005 visitaba en misión de trabajo a Plonsk, Polonia. El colega polaco que me acompañaba me llevó a una casita rustica y me dijo que allí había vivido un escritor famoso de ese país. Al inicio no entendí bien quien era por la pronunciación, pero unos segundos después me di cuenta que era el conocido Henryk Sienkiewicz. Acto seguido le hablé de la trilogía de ese escritor: A sangre y fuego, El diluvio y Un héroe polaco. Realmente me las había leído en una época que en Cuba comprar libros por menos de un peso era muy normal. Las famosas ediciones Huracán me dieron esa posibilidad y así leer mucho de lo que desconocía de países como Polonia, Lituania, Ucrania, y sus guerras, donde los adversarios cambiaban continuamente unas veces era Turquía, otras Rusia, luego Suecia. Como había pasado mis estudios universitarios en Kiev, Ucrania, no me simpatizó mucho como Sienkiewicz caracterizó a Bogdan Khmelnitski, el famoso atamán de los cosacos de Zaporozhia, que uniera a Ucrania con Rusia siglos atrás en el primer tomo de su trilogía, cuyo título aceptado en español es “A Sangre y Fuego”, pero que en polaco se llama textualmente Ogniem i Mieczem (A Fuego y Espada). No obstante, puedo decir que me deleité leyendo esas obras y pude conocer mucho de la historia de esa región. Gran parte de sus obras han sido llevadas al cine, muchas de las cuales he también logrado ver, por lo que Sienkiewicz no era en este caso ningún desconocido.

Mi contraparte polaca se sorprendió que le conociera y que le hablara de algunas de las obras de este gran escritor, del cual quiero aquí hablar y cuyo nombre completo era Henryk Adam Aleksander Pius Sienkiewicz de Oszyk, con el pseudónimo de «Litwos», palabra que traducida al español significa Lituania, pero que no representa a la Lituania que actualmente conocemos, sino toda una región que en su época ocuparon los territorios de las actuales naciones de Polonia, Lituania, Ucrania y Bielorrusia. El apodado Litwos había nacido en Wola Okrzejska el 5 de mayo de 1846, en el seno de una familia noble polaca empobrecida. Entonces Polonia estaba bajo el dominio del zarismo ruso.

Henryk Sienkiewicz (Litwos)

A los 19 años tomó un trabajo de tutor en el mismo Plonsk y fue durante ese período que escribió su primera obra (Sacrificio), la que posteriormente él mismo destruyó. Igualmente completó estudios de secundaria que los finalizó en 1866, y a la vez escribió su obra “En Vano”.

Litwos pensó estudiar inicialmente medicina, luego hacerse abogado en la Universidad Imperial de Varsovia, pero finalmente se decidió estudiar lengua polaca en el Instituto de Filología e Historia de la misma Universidad.

A partir de 1867 comenzó de manera intensiva su obra literaria. Una de sus primeras contribuciones fue “El idilio de la Juventud”, que fuera rechazado por la revista Semanario Ilustrado. Luego escribió un artículo sobre el poeta polaco de la época del renacimiento, Mikolaj Sep Szarzynski. En 1873 tenía una columna llamada “Sin un título” en la Revista Polaca, y en 1874 tuvo otra, “Asuntos Cotidianos” para la revista Niwa. En 1875 escribía en otro medio de prensa, su página se llamaba “El presente momento”.

Lo interesante fue que en 1871 no llegó a recibir diploma por sus estudios universitarios al no haber aprobado el examen de idioma griego.

Sienkiewicz igualmente colaboró en la traducción de la novela “El 93” de Víctor Hugo y a finales de la década de los 70 del siglo XIX se convirtió en co-propietario de la revista Niwa.

En su carrera literaria pudo viajar a varios lugares de Europa y EEUU. Sus viajes eran financiados por la revista Gazeta Polska. Durante esas visitas en el extranjero escribió algunas obras como “Cartas de un viaje”, “Cartas de Litwos de un viaje”, las que publicó en Gazeta Polska, así como otros artículos en Przegląd Tygodniowy (Reseña Semanal) y Przewodnik Naukowy i Literacki (Guía aprendida y literaria). Sienkiewicz, en sus viajes, vivió algún tiempo en San Francisco y luego en Anaheim, California, igualmente visitó muchos lugares no solo de California, sino otros en Nevada.

Regresó a Polonia y estuvo por un tiempo escribiendo en Lviv (actualmente territorio ucraniano) y luego en la capital polaca, Varsovia. Allí dio algunas conferencias y luego partió para Italia, visitando Venecia y Roma, donde conoció a Maria Szetkiewicz, quien fuera después su esposa de por vida.

Su trabajo continuó en la década de los 80 con mayor intensidad. En 1880 escribió la novella “Niewola tatarska” (Cautividad tártara), se convirtió en editor del periódico Słowo (La palabra). Poco después perdió interés por su trabajo de periodismo y fue entonces que se dedicó a escribir sus grandes obras. En 1883 inició su trabajo en la famosa trilogía. Su primera obra “A sangre y fuego”, él la había titulado al inicio “La guarida del lobo”. Escribió su segunda obra, Potop (El diluvio), entre diciembre de 1884 y septiembre de 1886. Después viajó con su esposa a sanatorios fuera de su país. Su esposa murió y continuó viajando. Su regreso a Varsovia tuvo lugar en 1887, fue cuando comenzó a escribir la tercera obra de su trilogía, Pan Wołodyjowski (Un héroe polaco o Sir Michael en inglés), que la terminó en mayo de 1888.

Afiche del film polaco «Con sangre y fuego (1999)»

Escena del film polaco «El diluvio (1974)»

Daniel Olbrychski en una escena del film polaco «Un héroe polaco (1969)»

En 1891 concluyó su novela Bez Dogmatu (Sin dogma), la que fue publicando poco a poco en forma de serial en La Palabra. Algo similar hizo con otra novela, Rodzina Połanieckich (Familia de Polanieckich), que concluyó en 1894.

A continuación Litwos, como buen católico, escribió la obra que le hizo famoso, «Quo vadis? (1896)» (¿Adónde vas?). Según la obra, San Pedro y Cristo tuvieron un encuentro en las afueras de Roma durante el reinado del demente emperador Nerón.

Deborah Kerr y Robert Taylor en «Quo Vadis (1951)»

En el período de 1897-1900 terminó su obra conocida como «Krzyzacy» (Los Cruzados o Los Caballeros Teutónicos), ambientada en la Polonia Medieval (finales del siglo XIV y comienzos del XV), historia de dos guerreros polacos que acuden a luchar en el frente durante la guerra polaco-lituana-teutona. Durante la batalla final de Grunwald, tendrán que enfrentarse a la orden de los caballeros teutónicos.

Los Caballeros Teutónicos (1960)

Otras de sus famosas obras fueron «Nadie es profeta en su tierra (1872)», «Bocetos al carbón (1880)», las novelas cortas «Bartek el vencedor (1882)», y «El torrero (1880)», «Sachem (1889)». Durante el siglo XX escribió otra obra muy apreciada, W pustyni i w puszczy (A través del desierto y de la selva), que la concluyera en 1912.

Escena del film “W pustyni i w puszczy (1973)” (A través del desierto y de la selva)

Sienkiewicz fue un gran defensor de la causa de la independencia de su país. Famosa fue la carta que él dirigiera al Kaiser del imperio alemán, Guillermo II, donde claramente se oponía a la germanización de la Posnania, reconocida como cuna de la nación polaca, que fue capital de Estado y residencia de los monarcas polacos. Igualmente, al iniciarse la II Guerra Mundial, organizó en Suiza un comité para las víctimas de la guerra en Polonia.

Por sus aportes a la literatura, Litwos obtuvo el Premio Nobel de Literatura en 1905. De hecho se convirtió en el quinto premio Nobel en la historia de este galardón y el primero en obtenerlo de Europa Oriental. Él fue la viva representación del realismo en sus obras, donde quiso reflejar mucho de lo que aconteció en el territorio que le sirvió de sobrenombre de por vida, Litwos. Su visión patriótica exponía los peligros de la existencia de Polonia, y sin proponérselo realmente, hacía otro tanto para naciones actualmente reconocidas como Bielorrusia, Lituania y Ucrania. Tantos unos como otros vivían en eterno conflicto de territorios, de religión y de costumbres, ninguno quería ser dominado por el otro.

Varias obras de Litwos o Sinkiewicz fueron llevadas a la gran pantalla, entre ellas:

– El famoso film “Quo Vadis (1951)” dirigido por Mervyn LeRoy y Anthony Mann, protagonizado por Robert Taylor, Deborah Kerr y un convincente Peter Ustinov en el papel de Nerón, así como:

– Los filmes épicos “Los Caballeros Teutónicos (1960)” de Aleksandr Ford con Urszula Modrzynska y Grazyna Stanizewska, de producción polaca

– Col ferro e col fuoco (A sangre y fuego) (1962) de Fernando Cerchio con Jeanne Crain, Pierre Brice y Elena Zaresch, de producción franco-italo-yugoslava.

– “Pan Wolodyjowski (1969)” (Un héroe polaco) de Jerzy Hoffman con Tadeusz Lomnicki, Magdalena Zawadzka y Daniel Olbrychski

– “Potop (1974)” (El diluvio) de Jerzy Hoffman con Daniel Olbrychski y Malgorzata Braunek,

– “W pustyni i w puszczy (1973)” (A través del desierto y de la selva) de Wladyslaw Slesicki con Monika Rosca y Tomasz Medrzak o la versión en miniserie para la TV de Gavin Hood de 2001.

El destacado escritor murió el 15 de noviembre de 1916 en Vevey, Suiza.

Bibliografía consultada

Anon. Henryk Sinkiewicz. Biografías y Vida. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/sienkiewicz.htm

Anon. Henryk Sinkiewicz. Culture.Pl. http://culture.pl/pl/tworca/henryk-sienkiewicz

Anon. 2012. Henryk Sienkiewicz – krótka biografia. Sciaga. http://sciaga.pl/tekst/137848-138-henryk-sienkiewicz-krotka-biografia

IMDB.com. Quo Vadis (1951). http://www.imdb.com/title/tt0043949/?ref_=nm_flmg_wr_15

IMDB.com. Pan Wolodyjowski (1969). http://www.imdb.com/title/tt0064785/?ref_=nm_flmg_wr_11

IMDB.com. Potop (1974). http://www.imdb.com/title/tt0072021/?ref_=nm_flmg_wr_8

IMDB.com .W pustyni i w puszczy (1973) http://www.imdb.com/title/tt0070894/?ref_=fn_al_tt_2

IMDB.com. A Sangre y Fuego (1999). http://www.imdb.com/title/tt0128378/?ref_=fn_al_tt_1

“Memoria y olvido son como la vida y la muerte.
Vivir es recordar y recordar es vivir
Morir es olvidar y olvidar es morir”
Samuel Butler

Esteban Hernández

Jean –Luc Godard (1930) destacado director francés, todo un rebelde en sus guiones, que ha realizado filmes y documentales con temas sumamente irreverentes. Sus filmes mayormente se han centrado en la crítica a la sociedad en que vive, y son catalogados de vanguardista y experimental en el montaje. Bajo el pseudónimo de Hans Lucas escribió varias críticas de cine e igualmente trabajó en muchas oportunidades junto a François Truffaut en la preparación de artículos sobre cine en la revista “Temps de Paris” editada por ambos. Entre sus mejores películas están:

– La comedia-drama “Una mujer es una mujer (1961)” con su primera esposa, Anna Karina, y Jean-Paul Belmondo
– El drama “Vivir su vida (1962)” con Anna Karina, otro ejemplo de película dentro de la nueva ola
– El segmento “La Paresse” en la comedia “Los siete pecados capitales (1962)” con Eddie Constantine
– El drama “El desprecio (1963)” con Brigitte Bardot y Michel Piccoli
– El film de crimen-drama “Pierrot el loco (1965)” con Belmondo y la Karina, que resultara ser otro clásico de la nueva ola
– Los dramas “La China (1967)” con su segunda esposa, Anne Wiazemsky, film que trata de discutir las posiciones maoístas predominantes en la China de aquel entonces,
– El segmento “L’amore” en el drama “Amor y rabia (1969)” con Christine Guého,
– “Todo va bien (1972)” con Yves Montand y Jane Fonda, que aborda el romance de una pareja en París
– El documental sobre Vietnam “Letter to Jane (1972)” (Carta a Jane), con narración de Jane Fonda,
– Los dramas “Pasión (1982)” con Isabelle Huppert
– “Yo te saludo, María (1985)” con Myriem Roussel en el papel de la virgen María, film atrevido sobre la vida de la virgen, que no fue realmente aceptado en los medios religiosos

Jean-Luc Godard

Claude Lelouch (1937) realizador de dramas románticos, quien se adentró en el mundo del cine a temprana edad y obtuvo premio en el festival de Cannes como amateur al realizar el corto “La mal du siècle (1950)” (El mal del siglo). Cuando su carrera se veía en pleno descenso económico, Lelouch emprendió la filmación del drama “Un hombre y una mujer (1966)” que fuera protagonizado por Anouk Aimée y Jean Louis Trintignant, donde además de dirigir y realizar su montaje, dedicó buen tiempo para servir como camarógrafo. El film resultó ser todo un éxito y un clásico de romance de todos los tiempos, cuya trama gira alrededor de la relación entre una pareja de viudos. Entre sus otros filmes destacados están:

– “L’amour avec des si (1962)” (En la afirmación) con Guy Mairesse
– “Vivir por vivir (1967)” con Yves Montand, Annie Girardot y Candice Bergen, donde se relata la vida de un periodista, siempre en misiones en lugares peligrosos, por largos períodos de tiempo, y su esposa siempre en casa esperando por la feliz llegada de su compañero, la moraleja es que “nadie sabe lo que tiene hasta que no lo pierde”
– El documental deportivo sobre las olimpiadas de invierno en Grenoble, “13 jours en France (1968)” (13 días en Francia)
– La comedia-drama “Del amor y de la infidelidad (1969)” con Jean Paul Belmondo y la Girardot
– La comedia “Una dama y un bribón (1973)” con Lino Ventura
– El drama “Toute une vie (1974)” (Toda una vida) con Marthe Keller
– El oeste “Otro hombre, otra mujer (1977)” con James Caan y Geneviève Bujold.
– El film de ciencia ficción “Viva la vida (1984)” con Charlotte Rampling y Michel Piccoli
– El drama-musical “Los unos y los otros (1981)” con Robert Hossein, Geraldine Chaplin y Nicole Garcia
– La secuela de un hombre y una mujer, “Un hombre y una mujer: 20 años después (1986)” con Jean Louis Trintignant y Anouk Aimée nuevamente, historia del reencuentro de los dos amantes, quienes tratan de recordar lo sucedido pero sin éxito para continuar el romance 20 años antes iniciado
– El drama “Testigo de excepción (1995)” con la actuación de Belmondo, la Girardot y Alessandra Martines, su actual esposa, film con la enésima adaptación fílmica de la obra del escritor Victor Hugo
– Co-dirigió junto con Vicente Aranda, Theo Angelopoulos, Costa Gavras y otros directores más el documental “Lumiere y compañía (1996)”.

Claude Lelouch

Louis Malle (1932-1995) fue uno de los directores de la llamada nueva ola del cine francés, que se destacó principalmente en los años de la década de los 1950 y 60, realizando películas tanto en Europa como en los EE.UU., muchas de ellas demasiado atrevidas en su contenido, pues se adentraba en la crítica de los convencionalismos “éticos” establecidos. Sus películas más notables fueron:

– El film de crimen “Ascensor para el cadalso (1958)” con Jeanne Moreau y Maurice Ronet
– El explosivo drama “Los amantes (1958)” con Jeanne Moreau, el cual provocó una violenta reacción de la crítica y público conservador, ya que la película aborda abiertamente el problema del adulterio con escenas algo eróticas para aquel entonces
– Los dramas “Una vida privada (1961)” con Brigitte Bardot y Marcello Mastroianni,
– “Fuego fatuo (1963)” con Maurice Ronet
– La comedia-oeste “Viva María! (1965)” con la Bardot y la Moreau nuevamente
– El drama “La pequeña (1978)” con Brooke Shields, Keith Carradine y la presentación de la entonces casi novata Susan Sarandon,
– El estupendo film de crimen- romance “Atlantic City (1980)” con Burt Lancaster y la Sarandon nuevamente
– Los dramas “La bahía del odio (1985)” con Amy Madigan y Ed Harris, película que aborda la discriminación de los emigrantes vietnamitas en EEUU
– “Adiós, muchachos (1987)” con Gaspard Manesse, que trata el problema de la ocupación nazi en Francia,
– “Herida (1992)” con Jeremy Irons y Juliette Binoche, film lleno de suspense, infidelidad y triángulo amoroso.

Louis Malle

Jean-Pierre Melville (1917-1973) fue director de un número reducido de películas, pero uno de los más originales en el campo de la realización fílmica. De origen judío, su afición por el cine se vio detenida cuando tuvo que servir en el ejército de su país a partir de 1937 y luego ingresar en la resistencia al momento de la ocupación nazi. Después de la guerra, Melville intentó integrar el sindicato de técnicos franceses, cuya membresía le fue negada, por lo que decidió crear su propia compañía de producción fílmica. Entres sus filmes más recordados están:

– El drama “Los niños terribles (1950)” con Nicole Stéphane, film cuyo guión fuera escrito junto a Jean Cocteau,
– El drama-film de crimen “Bob le flambeur (1955)” (Bob, el hombre de la llama) con Isabelle Corey y Roger Duchesne, película que tuvo una buena aceptación del público, y que puede haber influido algo en el pensamiento de los entonces jóvenes realizadores Jean-Luc Godard y François Truffaut
– Los dramas “León Morín, cura (1961)” protagonizado por el entonces joven Jean-Paul Belmondo, film que aborda la vida de un sacerdote en un pequeño pueblo durante los años de guerra
– “El confidente (1961)” con Belmondo y Serge Reggiani,
– El inolvidable “El silencio de un hombre (1967)” con Alain Delon en el papel del flemático asesino Jeff Costello,
– “El círculo rojo (1970)” con Delon, Yves Montand y Gian-Maria Volonté
– El film de guerra que aborda aspectos de la resistencia francesa, “El ejército de las sombras (1969)” protagonizado por Lino Ventura
– Su última película, el film de crimen “Crónica negra (1972)” con Delon, Richard Crenna y Catherine Deneuve.

Jean-Pierre Melville

Roman Polansky es director de origen polaco, pero nacido en París en 1933, que clasifica como uno de los más notables directores de cine de la segunda mitad del siglo XX y hasta el presente, sus películas suelen abordar aspectos de la historia, como hechos irreales llenos de horror y, en ocasiones, repulsivos. También gusta de abordar enredadas historias de amor, donde el homosexualismo también puede estar presente e incluso el incesto. Su primera etapa como director la desarrolló en Polonia y luego emigró a Francia definitivamente. Entre sus mejores filmes están:

– El drama “El cuchillo en el agua (1962)” con León Niemczyk y Jolanta Umecka, que fue también su primera obra no asociada con la guerra, y cuya trama guarda cierta similitud con el filme franco-italiano “A pleno sol (1960)”.
– El suspense “Repulsión (1965)” con Catherine Deneuve
– El film de crimen “Chinatown (1974)” con Jack Nicholson y Faye Dunaway, film que denuncia un caso de incesto
– El drama-romance “Tess (1979)” con Nastassja Kinski, film que es una adaptación de la obra de Thomas Hardy, “Tess of the D’Urbervilles”
– El film de aventura “Piratas (1986)” con Walter Matthau
– El suspense “Frenético (1988)” con Harrison Ford y y la actual esposa de Polanski, Emmanuelle Seigner
– El escandaloso suspense sexual “Lunas de hiel (1988)” con Hugh Grant, Peter Coyote, la Seigner y Kristin Scott Thomas
– El drama-suspense “La muerte y la doncella (1994)” con Sigourney Weaver
– El film de horror-misterio “La novena puerta (1999)” con Johnny Depp
– El formidable drama-film de guerra “El pianista (2002)” con Adrien Brody, que relata los horrores cometidos por los nazis sobre la población judía en Varsovia durante la Segunda Guerra Mundial
– El remake del drama “Oliver Twist (2005)” con Ben Kingsley y Barney Clark, basado en la obra del mismo nombre del escritor Charles Dickens.

Roman Polansky

Jean Renoir (1894-1979) era hijo del famoso pintor impresionista Pierre Auguste. Como director se caracterizó por producir filmes de mucha seriedad, siempre tratando de llegar a la verdad de los problemas planteados. Fue igualmente considerado como un director arriesgado y dispuesto a la innovación. Dentro de su amplia filmografía es necesario mencionar:

– El drama “La golfa (1931)” con Simon, considerado como una de sus mejores películas
– El film de crimen “La nuit du carrefour (1932)” (La noche del cruce) con la actuación de su hermano Pierre Renoir en el papel del inspector Maigret
– La comedia “Boudu salvado de las aguas (1932)” con Simon nuevamente
– La adaptación de “Madame Bovary (1934)” con Pierre Renoir y Valentine Tessier
– “Los bajos fondos (1936)” con Jean Gabin y Junie Astor, película basada en una obra del escritor Máximo Gorki
– El film de guerra “La gran ilusión (1937)” con Gabin, que fuera una de sus joyas fílmicas.
– “La bestia humana (1938)” con Jean Gabin y Simone Simon,
– “La regla del juego (1939)” con Nora Gregor, que es considerada como una de las mejores películas del cine de todos los tiempos
– El drama-film de guerra “Esta tierra es mía (1943)” con Charles Laughton y Maureen O’Hara
– Los dramas “The southerner (1945)” (El sureño) con Zachary Scott, film que aborda la vida de los agricultores en el sur de EE.UU.,
– “Memorias de una doncella (1946)” con Paulette Goddard,
– “Una mujer en la playa (1947)” protagonizado por Joan Bennett y Robert Ryan, con una trama sentimental muy original
– La muy recordada comedia-drama “La carroza de oro (1952)” con Anna Magnani y Odoardo Spadaro
– La comedia- musical “French Can-Can (1955)” con Jean Gabin, María Félix y Françoise Arnoul
– El drama “Elena y los hombres (1956)” con Ingrid Bergman y Jean Marais

Jean Renoir

Alan Resnais (1922-2014) destacado director de la nueva ola del cine francés, cuyos filmes denotan claramente posiciones antifascistas y en contra de la discriminación. Resnais fue un virtuoso de los cortos y los documentales, donde trató siempre de describir la vida de personajes o eventos célebres, además de incursionar en el género de los dramas. Así dirigió:

– “Hiroshima mon amour (1959)” con Emmanuelle Riva y Eiji Okada, una verdadera joya del cine de la nueva ola, que además contó con un buen nivel de documentación sobre las consecuencias de la guerra
– “La guerra ha terminado (1966)” con Yves Montand, Geneviève Bujold e Ingrid Thulin
– El documental “Loin du Vietnam (1967)” (Lejos de Vietnam) co-dirigido con otros varios directores
– Los dramas “Stavisky… (1974)” con Jean Paul Belmondo, film sobre la vida de un estafador muy hábil en la Francia de los años 30,
– “Providence (1977)” con Dirk Bogarde y Ellen Burstyn, donde un escritor reflexiona alrededor de su última novela antes de morir,
– “Mi tío de América (1980)” con Gérard Depardieu y Nicole Garcia
– La comedia “Smoking/no smoking (1993)” con Pierre Arditi y Sabine Azéma
– El drama “Asuntos privados en lugares públicos (2006)” con Sabine Azéma e Isabelle Carré, película que aborda el problema de la depresión de un joven soldado desmovilizado y que se entrega al alcoholismo

Alan Resnais

Eric Rohmer (nacido como Jean-Marie Maurice Scherer, 1920-2010) fue un reconocido director internacionalmente, quien sobresalió por la realización de dramas y algunas comedias, donde participan actores o actrices de poco renombre en Francia. Sus filmes son simples en su narrativa, muy fieles a sus convicciones e ideas sobre el movimiento de la nueva ola del cine francés, los que fueron realizados en períodos de dos a tres años:

– Los cortos “La sonate à Kreutzer (1956)”,
– “Véronique et son cancre (1958)” (Veronique y su burro)
– Su primer largometraje, el drama “Le signe du lion (1959)” con Catherine Sée
– La comedia- romance “Présentation ou Charlotte et son steak (1960)” (Presentación o Charlotte y su chuleta) con Jean-Luc Godard
– Junto a Claude Chabrol realizó el film descriptivo “París visto por…1965)”
– Los dramas “La coleccionista (1967)” con Patrick Bauchau,
– “Mi noche con Maud (1969)” con Jean-Louis Trintignant
– El drama “La mujer del aviador (1980)” con Philippe Marlaud y Marie Rivière
– La comedia “La buena boda (1982)” con Béatrice Romand y André Dussollier
– La comedia-drama “Pauline en la playa (1983)” con Amanda Langlet
– Los dramas “Las noches de la Luna llena (1984)” con Pascale Ogier,
– “El rayo verde (1986)” con Marie Rivière

Eric Rohmer

Claude Sautet (1924-2000), director que no fue miembro de la llamada nueva ola del cine francés, aunque su estilo fue siempre de innovación. Sus filmes más destacados fueron:

– El drama policiaco “A todo riesgo (1960)” con Michel Ardan, Lino Ventura y Jean-Paul Belmondo
– El film de crimen “Armas para el Caribe (1964)” con Ventura y Sylva Koscina
– El drama “Las cosas de la vida (1969)” con Romy Schneider y Michel Piccoli, film donde se hace un análisis de una vida a partir de un accidente de tránsito
– La comedia-drama “Ella, yo y… el otro (1972)” con Romy Schneider e Yves Montand
– Los dramas “Tres amigos, sus mujeres y los otros (1974)” con Montand, Piccoli y Gérard Depardieu,
– “Una vida de mujer (1978)” con Rommy Schneider y Bruno Cremer
– “Un corazón en invierno (1992) con Auteuil y Emmanuelle Béart,
– “Nelly y el Sr. Arnaud (1995)” con Emmanuelle Béart y Michel Serrault

Claude Sautet

Jacques Tati (1909-1982), fue un notable actor- director, que a pesar de no tener una extensa filmografía, fue toda una leyenda dentro de los realizadores de cine debido a la calidad de sus películas. En seis de sus filmes, Tati mostró la eterna contradicción entre el hombre y la máquina, así como hombres casi vencidos por el progreso tecnológico. Tati gustaba de las comedias silentes, carentes de diálogo, para poder desarrollar mejor los problemas que planteaba. Entre sus mejores realizaciones están:

– La renombrada comedia “Día de fiesta (1948)”, donde Tati interpreta el papel de un cartero de un pueblo, el cual vive obsesionado con la modernización de su trabajo
– Las comedias “Las vacaciones de Monsieur Hulot (1953)”, verdaderamente cómica y donde Tati es un huesped bien intencionado que llega a un hotel y sin darse cuenta, crea todo una revolución en el lugar
– El Señor Hulot volvió a la escena, una vez más interpretado por Tati, en la siguiente comedia, “Mi tío (1958)”, que fue su primer film a color, donde Hulot es “maltratado” por una casa donde todo está automatizado y donde la persona siempre está en el lugar equivocado
– Seis años después, Hulot volvió en las comedias “Playtime (1967)”, que aborda las vicisitudes de algunos turistas en el ya entonces tecnificado París,
– “Tráfico (1972)”

Jacques Tati

Jacques Tourneur (1904-1977) se distinguió por dirigir filmes de variados géneros, entre ellos suspenses, filmes de cine negro, de horror, de crimen y de aventura. Tourneur era hijo del director de cine Maurice Tourneur, con quien llegó a Hollywood en 1913. Después de dirigir unas veinte películas, dirigió una serie de películas, cuyo héroe era Nick Carter dentro de los filmes de misterio “Nick Carter- Master Detective” (1939) con Walter Pidgeon y Rita Johnson, y su secuela “Phantom raiders (1940)” (Atracadores fantasmas) con Pidgeon nuevamente; luego dirigió filmes de horror, como “La mujer pantera (1943)” con Simone Simon, al que le siguieron:

– El oeste “Tierra generosa (1946)” con Dana Andrews y Susan Hayward
– Los filmes de cine negro “Retorno al pasado (1947)” con Robert Mitchum, Jane Greer y Kirk Douglas, otra joya del cine negro de todos los tiempos,
– “Berlin Express (1948)” con Merle Oberon y Robert Ryan
– El film de aventura “El halcón y la flecha (1950)” con Burt Lancaster y Virginia Mayo
– El film de misterio “Circle of danger (1951)” (Círculo de peligro) con Ray Milland
– Los filmes de aventura “La mujer pirata (1951)” con Jean Peters y Debra Paget
– “Appointment in Honduras (1953)” (Cita en Honduras) con Glenn Ford y Ann Sheridan
– El reconocido oeste “Wichita (1955)” con Joel McCrea y Vera Miles
– la comedia-film de horror “La comedia de los terrores (1963)” con Vincent Price, Peter Lorre y Boris Karloff
– Su último film para la gran pantalla, la película de ciencia ficción “La ciudad sumergida (1965)” con Price nuevamente

Jacques Tourneur

François Truffaut (1932-1984) realizador importante dentro de la nueva ola del cine europeo, la que en el transcurso de su carrera abandonó y se dedicó más a realizar filmes con mensajes de afecto y amor. Sus filmes se caracterizaban por algo distinto a la narrativa tradicional.

– El film de crimen-drama “Los cuatrocientos golpes (1959)” con Jean-Pierre Léaud, película que describe parte de la vida del propio Truffaut en el personaje de Antoine Doinel y que viene a ser todo un clásico de la nueva ola en el cine
– El suspense “Disparen sobre el pianista (1960)” con Charles Aznavour
– Los dramas “Jules y Jim (1961)” con Jeanne Moreau y Oskar Werner, drama atrevido en su época sobre un triangulo amoroso de tres amigos y difícil de aceptar según las convenciones establecidas,
– “El amor a los veinte años (1962)” con Jean-Pierre Léaud nuevamente como Antoine Doinel,
– “Mata-Hari (1964)” con Jeanne Moureau y Jean Louis Trintignant, film sobre la historia de la famosa espía,
– “La piel suave (1964)” con Jean Desailly, film sobre el amor de un hombre casado por su esposa y su amante, y su indecisión fatal al respecto,
– “La novia vestida de negro (1968)” con la Moureau y Michel Bouquet,
– “Besos robados (1968)”,
– “Domicilio conyugal (1970)”, en ambos con Léaud, quien de nuevo encarna el papel de Doinel,
– “La sirena del Mississippi (1969)” con Jean Paul Belmondo y Catherine Deneuve, film con un clásico mensaje de amor,
– “El pequeño salvaje (1970)” con Jean-Pierre Cargol y el proprio Truffaut, película acerca de un científico que trata de civilizar a un niño encontrado viviendo en los bosques
– El film de ciencia- ficción “Fahrenheit 451 (1966)” con Oskar Werner y Julie Christie, película basada en una novela de Ray Bradbury
– La comedia-drama “La noche americana (1973)” con Jacqueline Bisset
– Los dramas “El último metro (1980)” con Catherine Deneuve y Gérard Depardieu,
– “La mujer de al lado (1981)” con Dépardieu y Fanny Ardant, film sobre la resurrección de un viejo amor
– Su última película, la comedia-film de crimen “Vivamente el domingo (1983)” con la Ardant y Trintignant nuevamente

François Truffaut

Roger Vadim (1928-2000) es otro director de la corriente de la nueva ola, que dirigió películas con buena carga erótica y gustaba poner a mujeres como protagonistas principales de sus filmes, en muchos casos que fueron sus esposas (Jane Fonda y Brigitte Bardot). Entre sus películas están:

– El escandaloso drama “Y Dios creó la mujer (1956)” protagonizado por la Bardot, Curd Jürgens y Jean.Louis Trintignant
– El drama “Sait-on jamais… (1957)” (Dilo nunca) con Françoise Arnoul
– Otro escandaloso drama y ejemplo de nueva ola, “Las amistades peligrosas (1959)” con Jeanne Moureau y Gérard Philipe, sobre una pareja casada, la que sostiene relaciones amorosas con otras personas a cambio de beneficios
– El segmento “El orgullo” de la comedia “Los siete pecados capitales (1962)”, que protagonizara él mismo
– “El vicio y la virtud (1963)” con Annie Girardot y Catherine Deneuve,
– “La ronda (1964)” con Jane Fonda, quien a la postre fuera su segunda esposa, y Anna Karina,
– “La presa erótica (1966)” con la Fonda y Michel Piccoli
– Los dramas “Don Juan ou si Don Juan était une femme… (1973)” (Don Juan o si él hubiera sido una mujer) con el dúo Bardot-Hossein,
– “Une femme fidèle (1976)” (Una mujer fiel) con Sylvia Kristel y Nathalie Delon
– La comedia-drama “Y Dios la creó para el escándalo (1988)” con Rebecca De Mornay

Roger Vadim con su entonces esposa, Jane Fonda

Bibliografía consultada

Hernández E. (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- directores.

“No perdamos nada del pasado. Sólo con el pasado se forma el porvenir».
Anatole France

Esteban Hernández

El cine tiene sus orígenes en Francia gracias a la labor de los hermanos Lumiére y en ese país europeo se han producido importantes películas, algunas olvidadas totalmente. Lamentablemente esos filmes clásicos hoy día son desconocidos y no es que se recuerde mucho el aporte de los directores galos al séptimo arte. En esta serie de artículos el que suscribe tiene por objetivo dar una síntesis sobre la labor de cada director francés y que las películas de ellos sean conocidas o que sean motivo de búsqueda por los cinéfilos. Personalmente les puedo asegurar, que aunque muchos de esos filmes son viejos y aparecen en blanco y negro, su calidad es indiscutible y su mensaje en muchos casos es realmente educativo.

Marc Allégret (1900-1973) es uno de los realizadores de cine más reconocido en toda Europa, nacido en Suiza y fallecido en París en 1973, fue un notable director de documentales y de películas de varios géneros, además de haber descubierto a algunos talentos del cine, entre ellos al actor Alain Delon. Sus primeros pasos en el cine los encaminó junto al realizador André Gide, quien fuera autor de varias decenas de películas. A la edad de 17 años, Allégret se inició con Gide, quien le tomó como asistente principal. Entre sus mejores películas están:

– El romance “Les petites du quai aux fleurs (1944)” (Los pequeños en el muelle de las flores) con Odette Joyeux, Louis Jourdan y Gérard Philipe
– El drama-suspense de producción británica “Blackmailed (1951)” (Chantajeado) con Mai Zetterling y Dirk Bogarde
– El documental “Avec André Gide (1952)” (Con André Gide) con Gérard Philipe
– Los dramas “Futures vedettes (1955)” con Brigitte Bardot (BB) y Jean Marais, “L’amant de lady Chatterley (1955)” con Danielle Darrieux
– Las comedias “Deshojando la margarita (1956)” con BB,
– “Una rubia peligrosa (1958)” con Jean Paul Belmondo, Alain Delon y Mylene Demongeot,
– “Un domingo maravilloso (1958)” con Danielle Darrieux nuevamente, Arletty y Bourvil

Marc Allégret

Claude Autant-Lara (1901-2000), figura controvertida por sus ideas inicialmente de izquierda que con el tiempo terminaron en ser pro-fascistas y muy propias del ultraderechista Frente Nacional de Francia. Habiendo sido elegido miembro del parlamento europeo, se vio obligado a renunciar al mismo debido a sus posiciones extremas y de declarar que las historias sobre los campos de concentración de los nazis, durante la segunda guerra mundial, no eran más que una ensarta de mentiras. Dirigió unas 50 películas, entre ellas:

– El romance “El diablo en el cuerpo (1946)” con Gérard Philipe, cuya trama relata como un muchacho de solo 17 años sostiene una relación con una mujer casada, cuyo esposo estaba combatiendo en el frente
– La comedia “Occupe-toi D’Amelie (1949)” (Ocúpate de Amelia) con Danielle Darrieux, en adaptación de una novela de George Feydeau,
– Los dramas “El albergue rojo (1951)” con Fernandel, film que llegó a catalogarse como blasfémico y macabro, que le valió la censura en Gran Bretaña, cuya trama es sobre un grupo de turistas que junto con un monje se quedan en una hostería en montaña, cuyo dueño le revela al cura que normalmente él envenenaba a los huéspedes y los enterraba, luego de lo cual el monje trata de salvar a sus compañeros, pero sin revelar el secreto de la confesión
– “Le bon Dieu sans confesión (1953)” (El buen Dios sin confesión) con Danielle Darrieux,
– “Le blé en herbe (1954)” (El trigo en hierba) con Edwige Feuillère, film con adaptación de una novela de Colette, que aborda la seducción de un joven por una mujer de avanzada edad, trama también considerada obscena e inmoral,
– “Le rouge et le noir (1954)” (El rojo y el negro) con Gérard Philipe y Danielle Darrieux, film basado en la novela de Stendhal del mismo nombre,
– “El jugador (1958)” con Philipe nuevamente, con trama de la novela del mismo nombre de Dostoievsky
– La comedia “La travesía de París (1956)” con Jean Gabin y Bourvil, quienes se dedicaban a mover maletines al mercado negro de París durante la ocupación nazi
– Los dramas “En cas de malheur (1958)” (En caso de desdicha) con Gabin y Brigitte Bardot, basado en una novela de Georges Simenon, donde BB no deja de mostrar sus virtudes físicas
– “Journal d´une femme en blanc (1965)” (Diario de una mujer en blanco) con Marie-José Nat, donde se discute los derechos de la mujer a la contracepción, película realizada en Yugoslavia y prohibida su exhibición en Francia

Claude Autant-Lara

Marcel Carné (1906-1996), director que se destacó por realizar varios filmes dentro de la corriente del realismo durante el período de 1935-45. Fue un hombre de ideas antifascistas, que supo continuar su obra en la propia Francia durante el período de la ocupación nazi. Lógicamente fue llevado a juicio y luego de ser absuelto, continuó sus faenas, pero ya no con la misma intensidad de siempre. Entre sus mejores filmes están:

– Los dramas “El muelle de las brumas (1938)” con Simon y Jean Gabin,
– “Hôtel du Nord (1938)” con Annabella y Jean- Pierre Aumont,
– “Le jour se léve (1939)” (Amanece) con Gabin y Arletty
– “Las puertas de la noche (1946)” con Pierre Brasseur, Yves Montand y Serge Reggiani,
– “La Marie du port (1949)” (La María del puerto) con Jean Gabin,
– “Juliette ou la clé des songes (1950)” (Julieta o la llave de los sonidos) con Gérard Philipe,
– “Teresa Raquin (1953)” con Simone Signoret y Raf Vallone, film basado en la obra del mismo nombre del escritor Emile Zola,
– “El aire de París (1954)” con Gabin y Arletty nuevamente

Marcel Carné

André Cayatte (1909-1989), famoso por sus películas de crimen y aspectos judiciales en Francia. Había abandonado su trabajo como abogado para convertirse en escritor y luego realizador de filmes. Muchas de sus realizaciones tenían que ver con aspectos de causas en tribunales. Su entrada en el mundo del cine fue en 1938 al presentar guiones y colaborar con los directores Marc Allégret y Jean Gremillon. Entre sus mejores filmes están:

– Los dramas “Los amantes de Verona (1949)” con Pierre Brasseur y Serge Reggiani, film considerado como uno de los mejores de Cayatte,
– “Ojo por ojo (1957)” con Curd Jürgens y Lea Padovani
– “Dos son culpables (1963)” con Anthony Perkins,
– “El veredicto (1974)” con Sofía Loren y Jean Gabin, donde nuevamente aborda el problema judicial y sus debilidades en Francia
– El drama-film de misterio “Cada uno con su infierno (1977)” con Annie Girardot nuevamente
– El suspense “L’amour en question (1978)” con la Girardot una vez más, que fuera su último film para la gran pantalla

André Cayatte

René Clair (1898-1981) logró destacarse tanto en la época silente como la sonora, realizando comedias y otras películas llenas de humor y burla. El trabajo de Clair fue siempre en la constante búsqueda de nuevos estilos y formas, que lo diferencian de una buena parte de los realizadores de su época y del presente. Para Clair el cine fue un experimento eterno y un medio de expresar las ideas, sean de manera seria o humorísticamente, que pecaba de cierto anarquismo. Dirigió entre otros filmes:

– La comedia-drama “Sobre los techos de París (1930)” con Préjean, que fuera la primera película sonora en el cine francés
– Clair tuvo la capacidad de construir escenas cómicas mediante el uso de las imágenes y los sonidos de manera independiente, como fue en la comedia “El último millonario (1934)” con Max Dearly, film antifascista que fuera prohibido en Alemania y gran parte de la Europa de aquel entonces
– La comedia “Me casé con una bruja (1942)” con Fredric March y Susan Hayward
– El film de misterio “Diez negritos (1945)” con Walter Huston y Barry Fitzgerald, cuya trama es una adaptación de una novela de misterio de Agatha Christie
– La comedia-drama “El silencio es oro (1947)” con Maurice Chevalier, film que describe de forma impecable su juventud y su pasado en París
– Las comedias “Mujeres soñadas (1952)” con Gérard Philipe, Gina Lollobrigida y Martine Carol,
– “Las maniobras del amor (1955)” con Michèle Morgan y Gérard Philipe nuevamente
– El drama “Puerta de las Lilas (1957)” con Pierre Brasseur

René Clair

René Clément (1913-1996) fue un destacado director francés de la pos-guerra, cuyos filmes giraron casi siempre sobre temas bélicos, realistas y muy cercanos a lo que recién había acontecido en la Segunda Guerra Mundial. Entre sus mejores filmes están:

– El famoso drama-film de guerra “Juegos prohibidos (1952)” con Georges Poujouly, film que trata sobre una niña huérfana que pierde a sus padres y su perro en la guerra y es recogida por otra familia, donde ella se decide a crear un cementerio de animales
– Los dramas “Monsieur Ripois (1954)” con Gérard Philipe, film basado en una obra del escritor Louis Hemon,
– “Gervaise (1956)” con Maria Schell, cuyo argumento es la adaptación de una conocida obra del escritor Émile Zola
– La comedia “Qué alegría vivir! (1960)”
– El famoso film de crimen “A pleno sol (1960)”, que viene a ser una historia más acabada del astuto Mr. Ripley, estos dos últimos filmes protagonizados por el entonces joven actor Alain Delon
– El drama histórico sobre la guerra mundial “¿Arde París? (1966)” con un extenso reparto encabezado por Jean Paul Belmondo y Charles Boyer
– El film de crimen “Pasajero de la lluvia (1969)” con un despiadado Charles Bronson y Marlène Jobert
– El drama-film de misterio “La mansión bajo los árboles (1971)” con Faye Dunaway y Frank Langella

René Clément

Jean Cocteau (1889-1963) fue un artista polifacético, escribió guiones y dirigió películas, fue poeta, escritor, pintor, diseñador, coreógrafo y actor en varios filmes. Sus trabajos de dirección fílmica son reconocido como vanguardista, los que guardan la frescura y el deseo de continua renovación en cada nueva realización. Su primer gran éxito fue el drama fantástico “La bella y la bestia (1946)” con su actor preferido, Jean Marais, el que interpretó dos papeles a la vez muy eficientemente, luego:

– Los dramas “El águila de dos cabezas (1947)” con Marais, Edwige Feuillère y Silvia Monfort, que gira en torno a los amores de una reina por un anarquista,
– “Les parents terribles (1948)” (Los terribles padres) con Marais, Josette Day y el propio Cocteau, cuyo argumento gira alrededor de una madre enferma que solo atiende a su hijo e ignora a su marido
– El drama fantástico “Orfeo (1950)” con Marais y François Périer, donde el bien se enfrenta al mal en una serie de pesadillas. Esta película tuvo su secuela en “Le testament d’Orphée (1960)” con un extenso reparto, incluido Marais, Yul Brynner, Charles Aznavour, María Casares entre otros.

Jean Cocteau (der.) con Eddie Constantine

Claude Chabrol (1930-2010) formó parte de la llamada nueva ola del cine francés, destacado en la realización de dramas, películas de misterio y suspenses, que usualmente giraron alrededor de temas de adulterio, relaciones humanas y crimenes, casi siempre con críticas despiadadas al ambiente burgués. Chabrol fue igualmente considerado todo un maestro del cine de misterio. Sus filmes más destacados fueron:

– Los dramas “Champaña para un asesino (1966)” con Anthony Perkins y Maurice Ronet,
– Las ciervas (1968)” con Jean Louis Trintignant, película con buena carga de erotismo
– Los dramas-suspenses “La mujer infiel (1969)”,
– “El carnicero (1969)”, historia de un amor de una maestra por un carnicero y asesino a su vez, estos dos últimos filmes protagonizados por Stéphane Audran
– El film de misterio “La década prodigiosa (1971)” con Orson Welles y Marlène Jobert
– El drama-suspense “Relaciones sangrientas (1973)” con Audran y Michel Piccoli
– El film de crimen “Prostituta de día, señorita de noche (1978)” con Isabelle Huppert y Stéphane Audran
– Los dramas “Un asunto de mujeres (1988)”,
– Una nueva versión fílmica de “Madame Bovary” (1991),
– “Gracias por el chocolate (2000)”, estos tres últimos protagonizados por Isabelle Huppert,
– “La flor del mal (2003)” con Benoît Magimel y Natalie Baye

Claude Chabrol

Philippe De Broca (1933-2004) reconocido y excéntrico realizador de atrevidas comedias, que siempre dejaron satisfacción en el público cine-vidente. Entre sus más famosos filmes están:

– Las comedias “Los juegos del amor (1960)” con Jean-Pierre Cassel,
– “L’amant de cinq tours (1961)” (El amante de cinco giras) con Jean Seberg y Casell
– Colaboró en la dirección del drama “Los siete pecados capitales (1962)”
– El film de aventura “Cartouche (1962)” con Jean-Paul Belmondo y Claudia Cardinale
– Las comedias-filmes de acción “El hombre de Río (1964)”,
– “Las tribulaciones de un chino en China (1965)”, en todas éstas con Belmondo nuevamente,
– “Un monsieur pour compagnie (1965)” (Un señor por compañía) con Casell y Catherine Deneuve
– El drama-comedia “Rey de corazones (1966)” con Pierre Brasseur
– Las comedias “Pecados de otoño (1972)” con Jeanne Moureau,
– “Cómo destruir al más famoso agente del mundo (1973)” con Belmondo y Jacqueline Bisset,
– “El incorregible (1975)” con Belmondo y Geneviève Bujold
– El drama-aventura “¡En guardia! (1997)” con Daniel Auteuil, que está basado en la obra del jorobado/Enrique Lagardère
– La comedia-aventura “Amazone (2000)” nuevamente con Belmondo, que fuera rodada en Cuba

Philippe de Broca

Julien Duvivier (1896-1967), también conocido con el nombre de Henri Nicolas, es considerado uno de los cinco directores más destacados del cine francés y artífice del llamado realismo poético. Para Duvivier, realizar un film era como contar una buena historia. Su trabajo lo realizó siempre en los escenarios más convenientes para cada película que dirigió. Lo mismo se rodaba en Francia, Alemania, Gran Bretaña, África septentrional, Italia o los EE.UU. Entre sus más reconocidos filmes están:

– El drama “Au bonheur des dames (1929)” (En la felicidad de las mujeres) con Dita Parlo y Pierre de Guingand
– El film de aventura “Golgota (1935)” con Jean Gabin en papel de Poncio Pilatus, película de carácter religioso
– El film de crimen “Pépé le Moko (1937)” con Gabin, filme que relata parte de la vida del famoso gánster francés refugiado en Argel
– La comedia-drama “Seis destinos (1942)” con Charles Boyer y Rita Hayworth
– El drama “Al margen de la vida (1943)” con Edward G. Robinson y Boyer
– El drama-film de guerra “The impostor (1944)” con Jean Gabin nuevamente
– El drama de producción británica “Anna Karenina (1948)” con Vivien Leigh y Ralph Richardson
– Las comedias “Don Camilo (1951)” con Fernandel y Gino Cervi, que relata las disputas entre el cura con el líder comunista de un pueblo en Italia,
– “El regreso de Don Camilo (1953)” con Fernandel y Cervi
– La comedia “El diablo y los diez mandamientos (1962)” con un extenso reparto encabezado por Louis deFunes, Alain Delon y Mel Ferrer entre otros, film que incluye varios capítulos independientes con anécdotas picantes ocurridas en el acontecer diario
– Su último film, el suspense-film de crimen “Diabólicamente tuya (1967)” con Alain Delon y Senta Berger.

Julien Duvivier

Bibliografía consultada

Hernández E. (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- directores.

“Los instructores pueden impartir solo una fracción de la enseñanza. Es a través de tu propia práctica dedicada que los misterios del Arte de La Paz se manifiesten en tu vida.”
Morihei Ueshiba

Esteban Hernández

No es propósito aquí hacer una historia sobre el desarrollo del cine japonés, pero sí de hablar de tres grandes directores que le han dado suficiente brillo al séptimo arte en ese país del lejano oriente.

Me refiero a Yasujiro Ozu, Akira Kurosawa e Hiroshi Inagaki, los cuales trataron de dar una imagen de la historia, tradiciones y cultura en general de su país.

Ozu era nacido en 1903 en Tokyo y murió a los 60 años de edad, afectado de cáncer. Sin embargo, Ozu tuvo tiempo de dirigir 54 películas y escribir 26 guiones. Él era lo que se llama un realizador lírico del cine, quien a su manera supo adentrarse en los problemas de la sociedad japonesa. Ozu gustaba de tocar el tema de las clases pudientes en Japón y las tensiones existentes entre las mismas. En 1927 se estrenó como director de un film silente “Zange no yaiba (1927)” (La espada del castigo), al que le siguieron varias películas silentes más, entre ellas la comedia “Wakaki Hi (1929)” (Días de juventud) y el drama “Tokyo no gassho (1931)” (Coro de Tokyo), los que versaron sobre temas relacionados con los estudiantes.

Yasuhiro Ozu

Ozu dirigió unos 33 filmes silentes, él mismo se declaraba no muy favorable al ruido dentro del cine. Su primera película sonora fue el drama “Hakoiri musume (1935)” (La sirvienta inocente) con Tomio Aoki, a la que le siguió el drama “Shukujo wa nani o wasureta ka (1937)” (¿Que olvidó la dama?) de nuevo con Aoki, mientras que su primer gran éxito fue con el drama “Hermanos y hermanas de la familia Toda (1941)” protagonizado por Mieko Takamine.

Luego dirigió los dramas “Primavera tardía (1949)” protagonizado por Aoki, “Principios de verano (1951)” con Setsuko Hara, y “El otoño de la familia Kohayagawa (1961)” con Ganjiro Nakamura, filmes que le valieron premios Kinepa y que tuvieran una buena acogida del público nipón.

Afiche de “El otoño de la familia Kohayagawa (1961)”

Las películas de Ozu fueron conocidas en el extranjero prácticamente con el fallecimiento de este realizador. En Japón fue una figura muy reconocida y se le concedió una medalla por parte del gobierno de su país.

El otro destacado fue Hiroshi Inagaki nacido en 1905 en Tokyo, quien como director se hizo famoso al dirigir películas basadas en leyendas e historias de su país. Su primer gran éxito fue dirigir la famosa trilogía Samurái, cuyos tres filmes fueron: “Samurái I: Musashi Miyamoto (1954)”, “Samurái II: Duelo en templo Ichijoji (1955)” y “Samurái III: Duelo en la isla Ganryu (1956)”, todos estos filmes protagonizados por ese gran actor que fue Toshiro Mifune. El primero de esta trilogía le valió Oscar como mejor película extranjera en 1954.

Hiroshi Inagaki

Toshiro Mifune en «Samurai (1954)»

Durante ese período dirigió también el drama “El hombre del carrito (1958)” nuevamente protagonizado por Mifune, película que se desarrolla en el Japón feudal y tiene que ver con un pobre conductor de carro, que logra rescatar y devolver a casa un niño perdido, pero que igualmente ayuda a educar al niño, el cual crece y logra encaminarse en estudios universitarios. Esta película tuvo un reconocimiento en occidente al recibir premio en el Festival Internacional de Cine de Venecia 1958. En realidad la película premiada vino a ser la segunda versión que Inagaki dirigía, la primera fue realizada en 1943 y se llamó “La vida de Muhomatsu”.

Mifune en «El Hombre del Carrito (1958)»

La película que más le ha gustado al que suscribe, de las realizadas por Inagaki es “Nippon tanjo (1959)” (Tres tesoros), film basado en una novela de Eiji Yoshikawa, que puede interpretarse como una historia de cómo surge la nación del Japón, con una trama llena de mitos comparable con la creación de Roma a partir de los hermanos Romulo y Remo amamantados por la loba. Ver una película como Nippon Tanjo es sencillamente algo de leyenda lleno de pinceladas e historias creíbles e increíbles. El film es igualmente protagonizado por el incansable Toshiro Mifune.

Escena de «Tres Tesoros (1959)»

Inagaki murió en 1980 seriamente afectado por su adicción al alcohol. Se dice que este director le dio por la bebida al ver que muchos de sus nuevas propuestas de filmes no eran aceptados por ser costosos en su realización. Aparte de eso ya existía una figura que le hacía sombra y resultaba ser más rentable para el cine, hablo aquí de ese otro gran director que fue Akira Kurosawa, igualmente nacido en Tokyo en 1910 y que se convirtió en un coloso de la gran pantalla de su país.

Kurosawa era un hombre de amplios conocimientos de la literatura universal, la pintura y el arte en general, lo cual le ayudó extraordinariamente a realizar las más variadas. Algunos argumentos de sus películas sirvieron para luego ser adaptados a nuevas películas en un ambiente occidental. Al igual que Ozu e Inagaki, sus películas de ayudaron a conocer muchas de las leyendas y costumbres del Japón.

Akira Kurosawa

Kurosawa dirigió 32 filmes entre 1941 y 1993 además de haber escrito 67 guiones y ser productor de 12 filmes. Su gran mérito estriba en que no se encerró en un género de film determinado, lo mismo dirigió películas de acción, épicas, dramas y otras.

Sus primeros éxitos versaron sobre el arte marcial del judo, “Sugata Sanshirô (1943)” (La leyenda del judo) y “Zoku Sugata Sanshirô (1945)” (La nueva leyenda del gran judo) protagonizados por Denjirô Ôkôchi. Más adelante Kurosawa conoció al gran Toshiro Mifune, que si bien actuó para Inagaki varias veces, se convirtió en el actor preferido de AK desde 1948 cuando se realizó el drama-suspense “El perro ambulante (1948)”, al que le siguió el film de crimen “El ángel ebrio (1948)” también con Mifune.

Su gran éxito llegó con el drama “Rashômon (1950)” con Mifune, excelente film basado en las historias del escritor Ryunosuke Akutagawa, donde se demuestra como una verdad puede ser deformada por distintas fuentes.

Mifune en «Rashomon (1950)»

Se sirvió de Fiodor Dostoyevski para dirigir el drama “El idiota (1951)” protagonizado por Setsuko Hara. A continuación vino el famoso film épico “Los siete samurais (1954)” con Mifune, un clásico de todos los tiempos que cuenta la historia de siete valientes samurais que luchan por defender la causa de un grupo de campesinos pobres, Luego llegó el film de guerra-acción “Trono de sangre (1957)”, cuya trama es una adaptación de la obra “Macbeth” llevada a la vida del Japón medieval.

«Los siete samurais (1954)» con Mifune al frente

En la década de los 60 Kurosawa dirigió famosas películas, como fueron los filmes de acción “Yojimbo, el bravo (1961)”, “Sanjuro, el camelias (1962)”, y el drama-suspense “Infierno del odio (1963)”, el drama “Barbarroja (1965), todos éstos protagonizados por Mifune; y el drama “Dodeskaden (1970)” con Yoshitaka Zushi y Kin Sugai, que aborda la vida de gente pobre en Tokyo.

Mifune en «Yojimbo (1961)»

«Barbarroja (1965)»

Kurosawa tuvo una pausa como director, posteriormente dirigió el estupendo film de acción “Dersu Uzala (1974)” con Maksim Munzuk, film de co-producción nipona-rusa que demoró dos años su filmación en Siberia y que trata sobre la vida de un cazador siberiano; y el film épico “Kagemusha (1980)” con Tatsuya Nakadai, que contó con la co-producción de Francis Ford Coppola y George Lucas, film sobre como un ladrón suplanta a un señor feudal todopoderoso del Japón.

Afiche de «Dersu Uzala (1974)»

Muchos de esos éxitos Kurosawa luego logró adaptar  sus tramas en filmes occidentales, al cooperar en el montaje de los mismos. Estos fueron los oestes “Los siete magníficos (1960)” de John Sturges, que no es más que una versión de “Los siete samurais”; “Por un puñado de dólares (1964)” de Sergio Leone, versión de “Yojimbo, el bravo”; y “Cuatro confesiones (1964)” de Martin Ritt, versión de “Rashomon”.

Los premios recibidos por Kurosawa sobrepasan ampliamente a los obtenidos por Ozu e Inagaki, lo que indica la popularidad que alcanzaron los mismos fuera del Japón.

El gran director nipón murió en 1998 siempre en su natal Tokyo, y su nombre hoy día es reconocido como uno de los grandes de la dirección en el cine universal de todos los tiempos.

Aunque el presente artículo gira alrededor de estos tres grandes directores, es evidente la gran contribución del actor Toshiro Mifune, protagonista de muchas de las mejores películas de dos de los tres directores aquí descritos.

Bibliografía consultada

• Hernández, Esteban. Grandes del cine de todos los tiempos-directores (en preparación).

El cine tiene una tarea que también es un deber: contar la realidad para que el público la entienda mejor. Sobre todo para el público joven.

Ettore Scola

El contenido de este artículo es parte del libro inédito “Grandes del cine clásico de todos los tiempos- Directores” de Esteban Hernández

Por Marlene Labrada y Esteban Hernández

El séptimo arte tampoco se resiste a la sucesión de estilos y corrientes, que a veces resulta ser temporal, otras veces influyente, al extremo que perdura. A continuación se da una breve descripción de estas corrientes, su origen y ejemplos de directores y filmes que se hayan realizado bajo una u otra óptica.

Surrealismo

Para explicar el surrealismo es necesario primero conocer el Dadaismo, corriente que surge en Suiza en 1916 y que se caracterizaba por expresiones destructivas de todas las convenciones artísticas. Muchos llegaron llamar al dadaísmo como el antiarte. La palabra dadá no tiene en realidad un significado definido, hay quienes afirman que es la afirmación rusa (Da) pronunciada dos veces, o “caballo de madera” en francés. Los promotores de esta corriente fueron el alemán Hugo Ball en Suiza, Tristán Tzara (pseudónimo del poeta y ensayista Samuel Rosenstock) en Rumania, los italianos, el poeta Filippo Tommaso Marinetti, el escultor Amedeo Modigliani, el novelista francés Guillaume Apollinaire y el pintor español Pablo Picasso. Luego se agregaron a esta lista de simpatizantes, los poetas, los franceses André Bretton y Louis Aragón, y el italiano Giuseppe Ungaretti. El dadaísmo de Europa brincó a Norteamérica y tuvo su mayor auge en Nueva York.

Hugo Ball

Tristán Tzara

El surrealismo surge en la década de los 20 y viene a ser como un nuevo producto a partir del dadaísmo, donde el pensamiento lógico o racional no tiene siempre que estar presente para expresar una idea. El surrealismo viene a ser la práctica del libre ejercicio del pensamiento o como lo definiera Bretton en 1924: “pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral”.

El surrealismo cinematográfico tiende a mostrar imágenes reales que se trasponen sin guardar una lógica, y que a la vez, logra la introspección de los cinevidentes, los que sin proponérselo pueden bien expresar posteriormente su pensamiento y creatividad sin ataduras a las convenciones establecidas en la sociedad. Esta corriente hace su aparición en el cine en algunos filmes de inicios de la década de 1921, como fueron los cortos  “Rhythmus 21 (1921)” de Hans Richter, “Entreacto (1924)” de René Clair, “La coquille et le clergyman (1928)” (La concha y el cura), de Germaine Dulac, “Un perro andaluz (1929)”, y la comedia “La edad de oro (1930)”, ambas de Buñuel con la colaboración de Salvador Dalí. Alfred Hitchcok también incursionó en el surrealismo, un ejemplo es el film de cine negro-misterio “Recuerda (1945)” protagonizada por Ingrid Bergman y Gregory Peck.

René Clair

De las obras mencionadas, “Un perro andaluz (1929)” viene a ser la mejor representación de este género, considerada, además, por muchos como la única realización puramente surrealista, ya que en este film se integran todas las características propias de la corriente. La película consigue romper con las convenciones de la narrativa habitual, causa un impacto en el espectador sobre todo ante la navaja que secciona el ojo de una mujer, donde el mismo Buñuel aparece como actor ejerciendo el corte, y se logra una sucesión de escenas que recuerdan el mundo de los sueños, ya que las mismas fluyen como ideas carentes de asociación lógica. Incluso el título del film se escogió por no tener ninguna relación con los temas tratados en el corto.

Cartel del film «Un perro andaluz (1929)»

Neorrealismo

La principal característica de esta corriente, que también se le puede llamar nuevo realismo, es la de representar la vida cotidiana a través de personajes en las calles, los que de manera original reemplazan a los actores y actrices habituales. Esta corriente halló sitio en la Italia de post guerra, hay quienes afirman que por falta de recursos para realizar los filmes tradicionales. Sin embargo, su puesta en práctica era buscar algo novedoso o revolucionario dentro del séptimo arte, lo que consigue nuevos y originales testimonios dentro de las películas que se realizan.

El preámbulo del neorrealismo se puede afirmar que radicó en la realización de obras, como «Cuatro pasos por las nubes (1942)” de Alessandro Blasetti y «Los niños nos miran (1943)” de Vittorio De Sica. Sin embargo, la consolidación de la corriente en el cine italiano se encuentra en el film “Obsesión (1942)” de Luchino Visconti, película que viene a ser una versión italiana del drama “El cartero siempre llama dos veces” de James M. Cain. Filmes de distintos directores fueron realizados en lo sucesivo, como fueron “Roma, ciudad abierta (1945)”, “Paisa (1946)” y “Alemania, año cero (1947)”, todas de Rossellini, o las memorables películas “El limpiabotas (1946)”, Ladrones de bicicletas (1948)”, “Milagro en Milán (1951)” y “Umberto D (1952)” de Vittorio De Sica; y “Arroz amargo (1949)” de Giuseppe de Santis, película que convirtió en estrellas a sus protagonistas principales, Vittorio Gassman y Silvana Mangano. Sin embargo, no faltan algunos estudiosos del tema que afirman que el film “Roma, ciudad abierta (1945)” marca el inicio del neorrealismo en el cine, ya que la trama del film, sus personajes y forma de realización sirvieron de modelo para autores seguidores del neorrealismo.

Cartel del film «Roma ciudad abierta (1945)»

Cartel del film «Arroz amargo (1949)»

Cinéma Vérité

El también llamado Cine de la Verdad ha sido más utilizado en la realización de documentales, la mayoría rodados con modernas cámaras portátiles. Esta corriente consiste en llevar al celuloide imágenes reales de sucesos de la vida cotidiana, como puede ser una manifestación pública, de guerra, de discusiones públicas o disertaciones. El cinema verité tuvo mucha influencia del neorrealismo italiano, a partir de imágenes logradas por De Sica, Rossellini y otros, en varios de sus filmes, así como también del realizador soviético, Dziga Vertov, quien promovió, lo que él llamó Cine Ojo. Se puede decir que entre los exponentes más claros de esta corriente está el norteamericano Oliver Stone.

Dziga Vertov

Un ejemplo clásico de Cinéma verité lo encontramos en la película “Los espigadores y la espigadora (2000)” de Agnès Varda, a quien muchos han considerado por años como seguidora de la nueva ola francesa.

Agnés Varda durante la filmación de «Los espigadores y la espigadora (2000)»

Nouvelle Vague

La llamada Nueva Ola es una corriente que trata de eliminar la exuberancia de recursos para la realización fílmica y así lograr una expresión natural y menos comercial en términos generales. El principal promotor de esta corriente fue François Truffaut, quien publicó un primer artículo sobre el tema en la revista Cahiers de enero de 1954. En ese escrito, Truffaut planteaba la necesidad de usar escenarios exteriores y menos en estudios, actuaciones más espontáneas de sus protagonistas y una mayor iniciativa del director en el rodaje de la película. En síntesis, Truffaut proponía eliminar los formalismos dentro del cine. Entre los primeros filmes que se realizaron siguiendo los planteamientos de Truffaut están“…Y Dios creó a la mujer (1956)” y “Las amistades peligrosas (1959)” de Roger Vadim, y “Ascensor para el cadalso (1957)” y “Los amantes (1958)” de Louis Malle. Sin embargo, como filmes modelos de la nueva ola son considerados el drama “Los cuatrocientos golpes (1959)” de Truffaut, el drama “Hiroshima, mon amour (1959)” de Alain Resnais, y “Al final de la escapada (1960)” de Jean Luc Godard. Las películas de Truffaut y Godard mostraban claramente las características teóricas de esta corriente, mientras que la de Resnais resultaba ser más individualista e incursionaba en la experimentación mediante un formato más documental. Se considera que el mejor exponente de esta corriente ha sido Godard, quien realizó filmes como “Vivir su vida (1962)”, “Una mujer casada (1964)” y “Pierrot el loco (1965)”, que verdaderamente siguen el nuevo formato propuesto por esta corriente.

Jean-Louis Trintignant con Briggitte Bardot en el film «,,, Y Dios creó la mujer (1956)»

Cartel del film «Ascensor para el cadalso (1957)»

Free Cinema

Free Cinema o Cine Libre encontró su ambiente de desarrollo en la Gran Bretaña de la década de los 50. De hecho se le llegó a llamar British Social Realism, y consistía, como en el caso de las anteriores corrientes, en la eliminación de la narrativa artificial, muy de moda en Hollywood. Se puede decir que sus bases permanecen y es una corriente muy practicada por varios realizadores británicos en la actualidad. Su principal exponente fue el director Tony Richardson en unión de Karel Reisz, quienes recibieron bastante influencia de la corriente del cinema verité. Entre los filmes de Richardson que muestran el uso de esta corriente están “Mirando hacia atrás con ira (1959)”, “Réquiem por una mujer (1961)” y “La soledad del corredor de fondo (1962)”. Stephen Frears es uno de los exponentes actuales de esta escuela, con sus filmes “Mi hermosa lavandería (1985)” y “Ábrete de orejas (1986)” entre otros.

Cartel del film «La soledad del corredor de fondo (1962)»

Cinema Novo

Como se podrá apreciar la aparición y práctica de las corrientes, como la nouvelle vague y el free cinema, atrajeron a un buen número de directores de todo el mundo. En Brasil surgió lo que se llamó el cinema nôvo opuesto a los convencionalismos establecidos en el cine y al régimen taquillero impuesto por Hollywood.  Esta corriente fue posible gracias a la aparición de realizadores independientes, todos alejados de las grandes distribuidoras y productoras comerciales de películas. El principal exponente de esta corriente es el director Glauber Rocha, quien, bajo esta óptica, realizó los filmes Dios y “Dios y el diablo en la tierra del sol (1964)” y “Antonio das Mortes (1969)”. Rocha también escribió el libro “Revisâo crítica do cinema brasileiro”, en el que se exponen los fundamentos de esta corriente.

Cartel del film «Dios y el diablo en la Tierra del Sol (1964)»

Vanguardia estadounidense

Los EE UU no ha estado tampoco alejado de las nuevas corrientes. Se puede decir que desde finales de la segunda guerra, varios directores, entre ellos Stanley Kramer, Otto Preminger, John Cassavetes, Arthur Penn, John Schlesinger, Sidney Lumet y Robert Redford han logrado realizar películas muy originales, con tramas sobre problemas sociales, y alejadas de la tradicional filmografía hollywoodiana. Muchos de estos realizadores tuvieron una buena carga de influencia en corrientes, como la nouvelle vague y cinéma verité.

Hay miles de ejemplos de películas que se apartan de lo tradicional y se adentran en nuevos senderos, entre ellas “Doce hombres en pugna (1957)” de Sidney Lumet, “La noche del cazador (1955)” de Charles Laughton, “Cowboy de medianoche (1969)” de John Schlesinger, y otros muchos más.

Una escena del drama «12 hombres en pugna (1957)»

Dogma 95

Se trata de un nuevo movimiento promovido por un grupo de cineastas daneses, cuyo propósito era el de recuperar la originalidad del séptimo arte, para lo cual era necesario alejar a este cine de efectos especiales y otros recursos (filtros e iluminación artificial), con lo cual se podría lograr una imagen natural dentro del film. Igualmente, el rodaje se hace con sonido natural.  Esta corriente tiene sus precursores en el neorrealismo y en el cinéma verité, aunque Dogma no se plantea la visualización de tanto realismo como se persigue en las corrientes citadas. Lars von Trier es el mejor exponente de esta corriente, quien ha realizado los filmes “El elemento del crimen (1984)”, “Europa (1991)” y “Bailando en la oscuridad (2000)”.

Cartel del film «El elemento del crimen (1984)»

Bibliografía consultada

Bordwell D., Staiger Janet y Thompson Kristin. 1985. The classical Hollywood cinema: Film style & mode of production to 1960.  Columbia University Press, 506 p.

Caparrós Lera, J.M. 1995. 100 grandes directores de cine. Alianza Editorial S.A., Madrid, 376 p.

Muller J. 2008. 100 Capolavori del cinema, vol I: 1915-1959. Taschen GmbH, 400 p.

Muller J. 2008. 100 Capolavori del cinema, vol II: 1960- 2000. Taschen GmbH, 400 p.

Muskii I.A. 2006. Sto Velikikh Actiorov. Editorial Veche, Moscú, 527 p.

«Es imposible hacer una buena película sin una cámara que sea como un ojo en el corazón de un poeta».
Orson Welles

Por Marlene Labrada y Esteban Hernández

1. DESARROLLO DEL CINE FUERA DE EE.UU.

El cine llegó a América Latina a través de Argentina, donde poco después de su lanzamiento en París, apareció en Buenos Aires. En este país, se comenzaron a producir filmes, siendo el primero, el corto “La bandera argentina (1897)” del realizador francés, residente en Argentina, Eugene Py. Algo parecido sucedió en México, adonde el cine llegó en menos de un año después de su debut en París. El presidente de la República, Porfirio Díaz y su familia vieron el estreno de este arte en uno de los salones del Castillo de Chapultepec. Se trataba de una de las películas realizadas por los hermanos Lumière.

En 1897 llegó el cine a Bolivia también, realizándose las primeras proyecciones en el local del Teatro Municipal de La Paz. En este país las primeras filmaciones se llegaron a realizar en 1904, que aparecieron en el film “Retrato de personajes históricos y de actualidad”.

En España el cine llegó igualmente poco después de su estreno en París, pero según los analistas, el despegue de la industria nacional comienza a partir de 1906 cuando se comenzó la realización de los cortos “Amor que mata (1908)” de Fructuoso Gelabert, y “Corazón de madre (1909)” de José María Bosch y Gelabert.

Escena del film español «Amor que mata (1908)»

Un gran auge tuvo el cine en Alemania y Austria, donde se llegaron a realizar filmes de indiscutible calidad durante la época del cine silente. La cinematografía de estos países se caracterizó por llevar obras clásicas del teatro a la pantalla, así como películas con argumentos acerca de lo sobrenatural. Ejemplos de esto último son los filmes de horror o ciencia ficción “Nosferatu, eine Symphonie des Grauens (1922)” de F. W. Murnau, y “Metropolis (1927)” de Fritz Lang.

Escena del film alemán «Nosferatu (1922)»

No menos importante ha sido la contribución del cine británico en general al cine europeo y norteamericano. El primer corto británico data de 1895, fue “Incident at Clovelly Cottage” de los realizadores Birt Acres y Robert William Paul. La tradición del teatro en Gran Bretaña ayudó a desarrollar un número elevado de actores y actrices, así como directores que luego se involucraron en el cine. Basta señalar que a lo largo de varias décadas, muchos de ellos, algunos convertidos en ciudadanos de EE.UU., fueron los que le dieron verdadero colorido al cine de Hollywood. Entre estas figuras están Cary Grant, Charles Laughton, Vivien Leigh, Jean Simmons, Deborah Kerr, Richard Burton, Stewart Granger, James Mason y Peter O´Toole entre otros.

Tomas del film británico «Incident at Clovelly Cottage (1895)»

En Italia el cine comenzó en 1895 con un documental del director Vittorio Calcina llamado “Umberto e Margherita di Savoia a passeggio per il parco” (Umberto y Margarita de Savoia de paseo por el parque). Hasta 1930 en Italia se realizaron 9 816 filmes. Sin embargo, el verdadero despegue del cine italiano tuvo lugar a partir de la década de los 40 en el siglo pasado, y realmente se convirtió en uno de los más novedosos con su estilo neorrrealista o surrealista, además de una calidad indiscutible de directores como Fellini, Visconti y Antonioni, y de una escuela de divertidos comediantes y actores/actrices dramáticos como Anna Magnani, Vittorio DeSica, Vittorio Gassman, Marcelo Mastroianni, Sofia Loren, Claudia Cardinale, Monica Vitti entre otros.

Federico Fellini

El cine francés continuó su desarrollo, muchas veces en estrecha colaboración con el italiano, cuyo estilo siempre ha diferido del norteamericano. Actores y actrices como Gérard Philipe, Jean Gabin, Yves Montand, Jeanne Moreau, Simone Signoret han brillado en la gran pantalla parisina usualmente dirigidos por Jean-Luc Godard, Marc Allegret y Julien Duvivier entre otros.

Jean-Luc Godard

No se puede hablar de cine y obviar el desarrollo y aporte del cine de la desaparecida Unión Soviética, el cual era también extensamente utilizado para la instrucción del pueblo o para trasmitir sus ideas políticas. El cine soviético llegó a utilizar algunas técnicas de edición que lograban crear emoción en su visión. Famosos fueron los aportes al cine del cineasta soviético Sergei M. Eisenstein, quien realizó un drama-film de guerra para recordar, “El acorazado de Potemkin (1925)”, película basada en hechos reales ocurridos en 1905 en Odessa.

Sergei M. Eisenstein

Desarrollo muy acorde a sus posibilidades tuvo el cine en Suecia, donde realizadores como Mauritz Stiller y Victor Sjöstrom filmaron materiales para recrear la vista con las maravillas del paisaje de ese país nórdico. Años después, un director haría historia en el cine, Ingmar Bergman, quien realmente clasifica entre los mejores de todos los tiempos.

Victor Sjöstrom

Ingmar Bergman

El cine ha tenido también un extraordinario desarrollo en Asia. La India es actualmente el primer productor de filmes a nivel mundial, mientras que Japón posee una potente industria productora de filmes variados, incluyendo numerosos animados. El cine nipón se hizo famoso con las obras de los directores Yasujiro Ozu y Akira Kurosawa, éste último todo un émulo del director sueco Bergman.

Yasujiro Ozu

Akira Kurosawa

Por su parte el cine norteamericano se ha visto beneficiado directamente por todos los logros de la cinematografía del resto del mundo. Para cualquier actor o actriz trabajar en Hollywood ha sido una meta, alcanzada por algunos y fracasos para otros. Además de los actores y actrices británicos ya mencionados, cabe resaltar los nombres de otros interpretes extranjeros, quienes alcanzaron la gloria en Hollywood, como fueron el francés Charles Boyer, los suecos Ingrid Bergman y Max Von Sydow, los hermanos austriacos Maximilian y María Schell, los puertorriqueños José Ferrer y Raúl Julia, los alemanes Marlene Dietrich y Emil Jannings, el húngaro Bela Lugosi, los australianos Errol Flynn y Nicole Kidman, los actores-actrices de origen judío como June Allyson, Theda Bara, Piper Laurie, Alla Nazimova, Paul Muni, Edward G. Robinson, Peter Lorre, John Garfield, Richard Dreyfuss, los hermanos Marx, Lee J. Cobb y otros muchos más, así como una extensa lista de actores canadienses, entre ellos Glenn Ford, John Ireland, Leslie Nielsen, Michael J. Fox y Jim Carrey.

2. LOS PREMIOS EN EL CINE

En los inicios del cine existían muy pocas premiaciones. Hoy en día éstos han aumentado extraordinariamente. Para más detalles, vea más adelante la parte de descripciones de premios existentes en cinematografía.

El más famoso de todos los premios y el más viejo también es el otorgado por la Academia de las Artes y las Ciencias de Hollywood. Esta institución fue creada el 4 de mayo de 1927, durante una reunión convocada por el presidente de la Metro Goldwing Mayer (MGM), Samuel B. Mayer, donde se decidió que la Academia otorgara un premio anual a los mejores en el cine. El premio consiste en una estatuilla diseñada por Cedric Gibbons, que viene a ser un hombre desnudo de pie sobre una bobina de una cinta con cinco agujeros, cada uno correspondiente a las secciones a premiar: actores/actrices, directores, escritores, técnicos y productores. Esa estatuilla fue luego bautizada con el nombre de “Oscar” en 1931, cuando una bibliotecaria de la Academia, Margaret Herrich, al ver la estatuilla dijo: “¡Si se parece a mi tío Oscar…!”. Otra versión es que en 1934 el realizador Walt Disney bautizó a este premio con el nombre de Oscar.

Estatuilla Oscar

El 16 de mayo de 1929 se efectuó la primera entrega de los premios de la Academia. El primer film premiado fue la película de guerra “Alas (1927)” de William A. Wellman, mientras que el actor agraciado fue Emil Jannings por sus actuaciones en “El destino de la carne (1927)” y “Mando perdido (1928)”, la actriz vencedora fue Janet Gaynor por sus actuaciones en “Amanecer (1927)”, “El séptimo cielo (1927)” y “El ángel de la calle (1928)”. Lewis Milestone fue el director vencedor en comedia por “Two Arabian nights (1927)” (Dos noches árabes), y Frank Borzage en drama por “El séptimo cielo (1927)”.

Como se observa, los primeros premios se concedían por categoría en el caso de los directores, mientras que los actores y actrices lo recibían por un conjunto de buenas actuaciones. Esto varió en la siguiente concesión de premios que ocurrió en 1930. Para ese entonces, se daba un premio al mejor actor o actriz por una determinada película, y en el caso de directores, no se hacía más diferenciación entre dramas o comedias, por lo que el premio era solo uno en esta categoría. Igualmente se incluyeron premios para actores y actrices de reparto o de apoyo.

3. FESTIVALES DE CINE MÁS IMPORTANTES Y PREMIOS EN OTROS CERTÁMENES

A. OSCAR o PREMIO de ACADEMIA. El nombre de este premio fue casual y se debe a que la ejecutiva de cine Margaret Herrick dijo que la estatuilla, que se entrega anualmente en Los Angeles, EE.UU., a los mejores interpretes, directores y películas, se parecía a un tío de ella llamado OSCAR. Sin embargo, este certamen tuvo lugar por primera vez el 16 de mayo de 1929, y no fue hasta finales de los años 30 que se le llegó a llamar OSCAR. El diseño de la estatuilla fue de Cedric Gibbons, y luego su escultura fue desarrollada por George Stanley en Los Angeles.

El OSCAR se entrega en la actualidad al mejor actor y actriz protagónicos, al mejor actor y actriz de reparto o secundario, al mejor director, a la mejor columna sonora, a los mejores efectos especiales, a la mejor imagen, al mejor montaje, mejor film y mejor film extranjero. Para decidir el ganador en cada caso, se hace una selección de cinco candidatos o nominaciones.

B. GLOBOS de ORO. Se puede decir que este certamen es el preámbulo en EE.UU. de los OSCAR. También tiene lugar en Los Angeles, es patrocinado por el cine y la TV, y comprende más premios de acuerdo a los géneros de películas, seriales para la TV y otros. Se desarrolla todos los años desde 1956.

Globos de Oro

C. Premios BAFTA. Su nombre se origina de la abreviación de British Academy of Film and Television Arts. Este certamen tiene lugar anualmente en Inglaterra, también es auspiciado por la televisión y el cine de la Gran Bretaña. Su primer evento tuvo lugar en 1947 impulsado por el director David Lean. Como BAFTA se le conoce desde 1976 cuando la Academia en cuestión adoptó el nombre que actualmente posee. Los premios se entregan a los mejores filmes, actores, actrices protagónicos y de reparto, directores, tanto británicos como extranjeros.

Premio BAFTA

D. EMMY. Premio auspiciado por la televisión norteamericana, que suele concederse a aquellos directores, actores y actrices más destacados en filmes y seriales para la TV.

E. EUROPEAN FILM AWARDS (EFA). Este es un premio que se otorga desde 1988 por la sociedad europea fílmica. Su promotor fue el destacado director sueco Ingmar Bergman. Las categorías de premios son similares a las de los anteriores certámenes anteriormente descritos.

Premio EFA

F. PREMIOS del NATIONAL BOARD OF REVIEW de EE.UU. Estos premios se entregan anualmente desde 1920 a los mejores filmes, directores, actores y actrices. El National Board Review es una sociedad integrada por varios profesionales dedicados al arte del cine.

G. PREMIOS del DIRECTOR GUILD of AMERICA (sindicato de directores de EE UU) o DGA. Certamen anual de cine y TV que entrega estatuillas a los mejores directores.

H. PREMIOS del SCREEN ACTORS GUILD (premios a los actores del gremio de la pantalla) o SAG. Certamen anual de cine y TV que entrega estatuillas a los mejores filmes, actores y actrices en 13 categorías, que incluye premios a aquellos que lo merecen por su destacada carrera en el cine o en la TV.

I. SATÉLITE DE ORO. Premios de cine y TV que se entregan por la prensa de EE.UU. anualmente desde 1997.

J. PREMIOS LAUREL. No existe certamen para la entrega de estos premios en 15 categorías del cine, sino que son publicados anualmente por la revista Motion Picture Exhibitor.

K. PREMIOS CÉSAR o LAS NOCHES DE LOS CÉSARES. Evento anual de entrega de premios a los mejores filmes, directores, actores y actrices, que tiene lugar en Francia desde 1975. El certamen es auspiciado por la industria cinematográfica francesa y el premio se otorga luego de dos votaciones de los miembros de la Academia de Artes y Técnicas Cinematográficas de Francia. En la primera se realizan las nominaciones y en la segunda se escogen los títulos vencedores. El nombre de César se le dio al premio en honor al escultor diseñador de la estatuilla.

Premio César

L. PREMIO LOUIS DELLUC. Premio en honor al periodista, crítico de cine y fundador de los llamados cines clubes, Louis Delluc, que se otorga desde 1937 en Francia a las mejores producciones de ese país.

M. PREMIOS DAVID di DONATELLO. Se entregan desde 1956 auspiciados por el Club Internazionale del Cinema de Italia. El principal premio se llama David, y los criterios de selección son muy similares a los del OSCAR.

N. HASTY PUDDING THEATRICALS de EE.UU. Premios que se entregan en el mundo del cine de EE.UU. en el teatro Hasty Pudding de Cambridge, Massachusetts. Antes de la ceremonia de premiación, tiene lugar un desfile de lo ocurrido durante el año en el cine norteamericano. El evento se desarrolla desde 1951. Los premios más importantes son los de actor o actriz del año.

O. PREMIOS FRAMBUESA (RAZZIE). Desde 1969, en EE.UU., se entregan premios de carácter negativo anualmente a quienes se consideran los peores filmes, directores, actores y actrices del año en Hollywood.

Premio Frambuesa

P. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE BERLÍN. Evento anual auspiciado por la Federación Internacional de Productores de Cine, y que se desarrolla desde 1956. Los principales premios de este festival son los Osos de Oro y de Plata.

Oso de Oro

Q. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES. Evento anual para la entrega de premios en el mundo del cine, que tiene lugar en Cannes, Francia desde 1946. A partir de 1955 se comenzó a entregar el premio mayor llamado Grand Prix du Festival International du Film. El premio más usual es la Palma de Oro.

Palma de Oro

R. FESTIVAL DE CINE DE VENECIA. Este certamen, inicialmente conocido como Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica, es el festival más viejo en entrega de premios a los realizadores, actores y actrices de cine. Su primer festival tuvo lugar en 1932, aunque no siempre el mismo fue de carácter competitivo. Su principal premio es el León de Oro.

León de Oro

S. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE DONOSTIA-SAN SEBASTIÁN. Festival que tiene lugar en San Sebastián, España, desde 1953. En sus inicios solo competían filmes de producción española, pero a partir de 1980 el certamen se hizo extensivo a filmes de todo el mundo.

Premio Donostia

T. FESTIVAL DE CINE DE GIFFONI, ITALIA. Es un evento, que tiene lugar anualmente desde 1971 en una localidad cercana a Salerno, que premia los mejores filmes dedicados a los niños y a los jovenes.

U. PREMIOS ESPECIALES EN CERTAMENES DE CINE.
– FIPRESCI (Fédération Internationale de la Presse Cinématographique o Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica)
– OCIC (Premio de la Organización Católica Internacional del Cine y Audivisual)
– NETPAC (The Network for the Promotion of Asian Cinema o Red para la promoción del cine asiático)
– INTERFAITH (Premio para la promoción de los valores humanos)

El número de festivales es extenso en la actualidad. Así se organizan anualmente festivales internacionales en La Habana, Montreal, Los Angeles, Karlovy Vary (República Checa), Moscú, Shanghai, Lugano (Suiza), y otras ciudades más, mientras que hay un sinfín de sociedades y círculos de críticos de cine nacionales y de algunas ciudades, que entregan premios a los mejores directores, actores y actrices anualmente.

Bibliografía consultada

Bergman, A. 1976. James Cagney. Storia illustrata del cinema, Milano libri edizioni, 158 p.

Lloyd Ann, Hill R., Bergan R., Darke C. y Frost-Sharratt Cara. 2004. 501 Must-see movies. Bounty books, Londres, 544 p.

Mills B. 2008. 101 Forgotten films. Kamera books, Harpenden, UK, 159 p.

Muller J. 2008. 100 Capolavori del cinema, vol I: 1915-1959. Taschen GmbH, 400 p.

Muller J. 2008. 100 Capolavori del cinema, vol II: 1960- 2000. Taschen GmbH, 400 p.

Muskii I.A. 2006. Sto Velikikh Actiorov. Editorial Veche, Moscú, 527 p.

International Movies Data Base (IMDB). http://imdb.com/name-search

“La fotografía es verdad. Y el cine es una verdad 24 veces por segundo”.
Jean Luc Goddard

Tomado del libro inédito “Grandes del cine de todos los tiempos” de Esteban Hernández

Por Marlene Labrada y Esteban Hernández

1. Fotografía y cinematógrafo

La ilusión de las imagenes en movimiento tiene su fundamento en la persistencia de aquello que llamamos visión, que nos permite retener en nuestro cerebro las imagenes recibidas a través de la retina ocular. El primer invento importante en este contexto fue la fotografía, la que llegó a establecerse a partir de mediados del siglo XIX. La fotografía nos da la posibilidad de registrar una imagen y después guardarla para observarla cuando así lo necesitemos. El pintor francés Louis-Jacques-Mandé Daguerre logró crear un proceso muy avanzado de fotografía positiva, entonces conocida como daguerreotipía, y poco después el científico inglés William Henry Fox Talbot demostró con éxito el proceso de fotografía negativa, que permitía la impresión ilimitada de varias fotos a partir de un solo negativo. De hecho el invento de la fotografía fue desplazando poco a poco a la pintura, la que con anterioridad era la que nos reflejaba el porte y rostro de las personas.

Louis-Jacques Mande-Daguerre

William Henry Fox Talbot

A lo largo del siglo XIX la fotografía continuó su desarrollo, la que inicialmente consistía en obtener una imagen fija, pero los profesionales de esta técnica, no conformes con este logro, decidieron diseñar equipos capaces de tomar las imagenes en movimiento. Uno de los científicos que logró sacar un número de fotos en series con el uso de un instrumento sencillo, fue el fisiólogo francés Étienne-Jules Marey.

Étienne-Jules Marey

El instrumento utilizado por Marey se le llamó arma cronofotográfica, que no era más que una cámara en forma de rifle capaz de registrar doce fotografías por segundo de forma sucesiva, y que permitó por primera vez estudiar el movimiento de las aves en su vuelo. Anteriormente, el fotógrafo británico Edward Muybridge había experimentado con un número de cámaras para tomar fotografías sucesivas y así observar el movimiento de los caballos. No obstante, la invención de Marey fue superior y más sencilla a la de Muybridge. A finales de la década de los 80 del siglo XIX, el religioso Hannibal Goodwin había logrado preparar el primer rollo de celuloide a partir de emulsiones, invento que fuera luego perfeccionado y comercializado por George Eastman.

Hannibal Goodwin

Edward Muybridge

También por esa época había sido inventado el fonógrafo, el cual Thomas Edison se lo entregó a William Kennedy Laurie Dickson con la idea de combinar los elementos fotográficos ya inventados por Marey y Muybridge. Fue así que Dickson, en 1893, inventó una nueva cámara que se le llamó cinetógrafo o cinetóscopio, la que era capaz de registrar unos 16 metros de celuloide y una proporción de 40 marcos de fotografía por segundo. Casi al mismo tiempo, otros investigadores europeos hicieron desarrollos en igual dirección, como fueron el francés Louis Le Prince y el inglés William Friese-Greene, pero sin lograr el éxito de Dickson. En 1894 se comenzaron a comercializar los primeros cinestóscopios. Cabe aclarar que a Edison no le interesó patentar ninguno de sus equipos, lo que trajo por resultado que los mismos fueran copiados y fabricados en varias partes del planeta, donde fueron modificados y mejorados, sobre todo por Auguste y Louis Lumière en Francia, quienes finalmente lanzaron el primer proyector comercial de películas.

William Kennedy Laurie Dickson

Thomas Edison

La primera proyección con el cinematógrafo Lumière ocurrió el 28 de Diciembre de 1895 en el Salón indio del Grand Café de París. Aquel programa constaba de once peliculas de 15 a 20 metros cada una, con una duración total de 20 minutos en total. Los materiales proyectados eran cortos interpretados por la propia familia y amigos de Louis Lumière, como fueron “La sortie des usine Lumière, à Lyon-Montplaisir”; “L’arrive d’un train en Gare”, y la comedia “L’Arroseur arrosé”. Louis Lumière (1864-1948) llegó a dirigir un total de 77 filmes, y el primero fue realizado en 1892 y no en 1895, que fuera el año más productivo de su carrera, al dirigir más de 30 películas.

Louis Lumière

A partir de aquella primera presentación en París, se adoptó la palabra “cine” o “cinema”, derivada del cinematógrafo, para llamar a este nuevo arte.

El primer largometraje apareció en 1907, que fue el film francés “L’Enfant prodigue” de Michel Carré (1865-1945). Al mismo tiempo las compañìas de cine comenzaron a formarse y aparecieron salas de cine en diversas partes del mundo. Las principales productoras fílmicas en Estados Unidos fueron MGM, Paramount, Warners, 20th Century-Fox y RKO; y en menos escala Republic, Monogram, y Grand National.

2. El cine sonoro

En la medida que el tiempo pasaba llegaban nuevos inventos y mejoras al cine, como fue la adaptación del sonido a una pieza fotográfica lograda por el francés Eugene Lauste. Años después llegó el cronofono inventado por el francés Léon Gaumont (1864-1946) en 1910, que permitió la sonorización sincrónica de las películas. Sin embargo, el cine de los primeros años hasta finales de la década de los 20 del siglo XX fue silente y en blanco y negro, solo con la combinación del cronofono. El primer film con acompañamiento musical y algunos otros efectos sonoros fue el film de aventura “Don Juan” (1926) de Alan Crosland, quien también dirigió poco después el musical “The Jazz Singer” (1927) con Al Jolson, que si se produjo con sonido. Se puede considerar que el mayor éxito en película sonora se logró con el musical “The Singing Fool” (1928) de Lloyd Bacon con Jolson nuevamente, mientras que el primer OSCAR a este tipo de película lo recibió el musical “The Broadway Melody” (1929) de Harry Beaumont con Charles King y Anita Page. El primer largometraje sonoro fue el drama-musical “Hallelujah” (1929) de King Vidor con Daniel L. Haynes y Nina Mae McKinney.

Léon Gaumont

3. La llegada del cine a color

El primer film a color data de 1906 cuando el inglés George Albert Smith desarrolló un proceso que él llamó Kinemacolor, consistente en un procedimiento aditivo, en el que la filmación y proyección se realizaban a través de dos filtros, uno rojo y otro verde. El primer film comercial fue el documental de producción británica, “A visit to the seaside (1908)” (Una visita al mar) de George Albert Smith.

El color en las películas no se extendió mucho inicialmente, pero el sistema mejoró cuando los norteamericanos Herbert Kalmus (1881-1963), Daniel Comstock y Burton Westcott aplicaron el sistema de Technicolor, que a fin de cuentas era el kinemacolor mejorado. Las primeras películas que tuvieron este sistema de color fueron la comedia-drama “The gulf between (1917)” (Entre el golfo) de Wray Bartlett Physioc, el drama “The toll of the sea (1922)” (El peaje del mar) de Chester M. Franklin, y el film de aventura “El pirata negro (1926)” de Albert Parker con Douglas Fairbanks, Sr.

Herbert T. Kalmus

Este sistema evolucionó después en tres colores, lo cual proporcionó mejoras sustanciales al cine animado de Walt Disney y su compañía, como fue el cartón “Flowers and trees (1932)» (Flores y árboles) de Burt Gilett.

Una toma del cartón «Flores y árboles (1932)»

La primera película con el tricolor de la Technicolor fue el drama “La feria de la vanidad (1935)” de Rouben Mamoulian con Miriam Hopkins

Afiche de «La feria de la vanidad (1935)»

4. El cine animado

Walt Disney tuvo la idea de combinar el sonido y la imagen asincronicamente en filmes animados, fue así que el famoso ratón Mickey debutó en el cartón “Steamboat Willie (1928)” de Disney y Ub Iwerks. Algo después apareció otro famoso cartón “The three little pigs (1933)” (Los tres pequeños cerdos) de Burt Gillett.

El ratón Mickey en «Steamboat Willie (1928)»

5. El cine en tres dimensiones

El término 3-D o tercera dimensión se utiliza para describir un sistema de presentación visual dirigido a crear una ilusión de profundidad de lo que ve el espectador. El principio de este sistema se basa en dos imágenes, sean inmóviles o en movimiento, a partir de cámaras iguales técnicamente situadas una al lado de la otra. Así, cada foco capta una imagen, que al final se verá como una sola y que viene a ser lo que se llama tercera dimensión o 3-D.

Desde 1853 el inglés Charles Wheatstone había experimentado con un esteroscopio modificado para mostrar imágenes en 3-D. Sin embargo, los pioneros del sistema fueron los hermanos Lumière, quienes realizaron el primer film de este tipo, “L’arrivée du train (1903)” (La llegada del tren), que mostraba la llegada de un tren a una estación terminal. El film fue presentado en la exposición de 1903 en París.

En el estreno del film «L’arrivee du train (1903)»

La primera película sonora en 3-D fue “Nozze vagabunde (1936)” (Matrimonio vagabundo) del director italiano Guido Brignone, film que fuera posteriormente distribuido por sucursal italiana de la compañía Warner Bros. Destacados filmes en 3-D han sido “Bwana devil (1952)” (El diablo de Bwana) del productor Sidney W. Pink, y luego el 3-D a color “House of wax (1953)” (Casa de cera).

6. Desarrollo del cine en la década de los 50

El cine en blanco y negro predominó a lo largo de dos décadas a partir de la aparición del cine sonoro, mientras que el cine a color hizo su gran irrupción con el largometraje “Lo que el viento se llevó (1939)” de Victor Fleming.

Vivien Leigh y Clark Gable en «Lo que el viento se llevó (1939)»

Posteriormente se estrenaron las películas en amplias pantallas, sistema conocido como Cinemascope desarrollado por la Todd and American Optical Co. La primera película en Cinemascope fue el drama “El manto o La túnica sagrada (1953)” de Henry Koster con Richard Burton y Jean Simmons.

Richard Burton y Victor Mature en «La Túnica Sagrada (1953)»

Casi al mismo tiempo se desarrollaba el cine con pantalla panorámica o circular, conocido como Cinerama, que fue realmente un exitoso sistema de proyección y sonido. Entre las primeras películas que se presentaron con este sistema están los documentales “This is Cinerama (1952)” de Merian C. Cooper y Gunther von Fritsch; “Cinerama Holiday (1955)” de Robert L. Bendick y Philippe De Lacy; “Las siete maravillas del mundo (1956)” de Tay Garnett, Paul Mantz y Andrew Marton entre otros; “South seas adventure (1958)” (Aventura en mares meridionales) de Carl Dudley y Richard Goldstone; y el drama “Grand Prix (1966)” de John Frankenheimer con James Garner, Yves Montand y Toshiro Mifune.

Afiche de «Las siete maravillas del mundo (1956)»

“El inmigrante mira hacia el futuro, dispuesto a aprovechar las oportunidades a su alcance.”
Isabel Allende

Esteban Hernández

Sin uno darse cuenta surgen artistas que al cabo del tiempo nos enteramos que son cubanos, y que por suerte triunfan en su quehacer. Ese es el caso de la joven Ana Celia de Armas Caso, más conocida como Ana de Armas, la que nació en la Habana el 30 de abril de 1988.

Con tan solo 14 años Ana inició estudios de interpretación en la Escuela Nacional de Arte en la Habana, donde estudió y se graduó a los 18 años. Previamente, a los 16 Ana debutaba en el cine como actriz de reparto del drama “Una rosa de Francia (2006)” del director Manuel Gutiérrez Aragón y protagonizado por Jorge Perugorría. A continuación actuó en otro papel secundario del film de ciencia ficción “Madrigal (2007)” dirigido por Fernando Pérez, de nuevo como reparto, y co-protagonizó con Carlos Enrique Almirante, el drama para la TV “El edén perdido (2007)” de Manuel Estudillo.

Ana de Armas

Ya en el año 2006 Ana se trasladó a España, donde continuó su carrera artística. Su primera interpretación allí fue co-protagonizando con Mario Casas, la comedia-drama “Mentiras y gordas (2009)” de los directores Alfonso Albacete y David Menkes. Nuevamente en papeles de reparto se le vio en el serial de misterio “El internado (2007-10)”, así como en el serial “Hispania, la leyenda (2010-11)”.

El director Antonio Trashorras le dio el papel protagónico del film de acción-suspense “El callejón (2011)”, donde interpreta dos papeles, el de Rosa y el de Laura. Luego actuó en un film similar, “Faraday (2011)” del director Norberto Ramos del Val. Participó en papel de reparto del drama “Por un puñado de besos (2014)” del director David Menkes, y volvió bajo la dirección de Trashorras para protagonizar un film de horror-misterio “Anabel (2015)”.

Ana se trasladó a Hollywood en fecha reciente e hizo su primera interpretación en la meca del cine, en el film de horror-misterio “Knock Knock (2015)”, donde actuó junto a Keanu Reeves y la chilena Lorenza Izzo. Este traslado significó todo un reto para la cubana, ya que en Hollywood está obligada a realizar sus interpretaciones en inglés.

Ana nuevamente volvió a la pantalla junto a Reeves y a la italo-americana Mira Sorvino en el drama “Daughter of God (2015)” (Hija de Dios) de Gee Malik Linton, en el que Ana interpreta el papel de Isabel de la Cruz. Para el 2016 está previsto el estreno del drama biográfico “Hands of Stone” (Manos de Piedra), sobre la vida del famoso boxeador Roberto Durán, película protagonizada por Robert De Niro y Ana.

Ana de Armas con Keanu Reeves

Actrices cubanas en Hollywood se pueden contar con algunos dedos de una mano. A la mente me viene la cienfueguera María Conchita Alonso, nacida en Cuba, pero criada en Venezuela, y que llegó a ser Miss Venezuela, además de quedar entre las siete clasificadas para Miss Universo en 1975. Luego han estado actrices de éxito, descendientes de cubanos, como son los casos de Cameron Díaz, de padre cubano, y Eva Mendes, hija de inmigrantes cubanos. Nacidas en Cuba, realmente no conozco a ninguna más en Hollywood.

Esperemos que Ana triunfe realmente y la veamos en un futuro como estrella en la Meca del cine.

• Información tomada y elaborada de IMDB.com

Individualmente, somos una gota. Juntos, somos un océano.
Ryunosuke Satoro.

Esteban Hernández

Tradicionalmente el cine ha buscado siempre el protagonismo de actores y actrices del agrado del público, para ello casi siempre han escogido artistas de belleza singular o con suficiente atractivo físico y en su actuación. El hecho de la pareja conlleva agregar el tema del romance dentro de la película que se quiera realizar. El film puede ser de cualquier género, bélica, de acción, aventuras, oestes o de terror, nada importa, solo que el amor debe integrarse al conjunto de la trama que se quiera establecer.

Una buena pareja protagonista es sin dudas un gancho de taquilla. Puede que el film no sea de esa gran calidad, pero la presencia de la pareja famosa garantiza que todos los curiosos la vayan a ver. Aunque una pareja de buena actriz y buen actor no estarían muy de acuerdo en protagonizar una peliculilla sin buena trama y calidad, así que el hecho que ambos se den por protagonizar el film es porque el mismo realmente vale la pena.

Muchas parejas se han creado a lo largo de décadas de cine silente y sonoro. Unas se han creado por afinidad artística, ejemplo: Jane Fonda y Robert Redford, Katharine Hepburn y Spencer Tracy, Greer Garson y Walter Pidgeon, y Sofía Loren y Marcello Mastroianni. Otras han tenido lugar durante el matrimonio de las parejas, así sucedió en el caso de Janet Leigh y Tony Curtis mientras estuvieron casados, de Lauren Bacall con Humphrey Bogart, de Joanne Woodward con Paul Newman, y de Liz Taylor con Richard Burton, los que se casaron en dos oportunidades. Algunas parejas se disolvieron por problemas ajenos a su voluntad, ese fue el caso de John Gilbert, el mejor actor acompañante de Greta Garbo en el cine silente, el que por su horrible voz, se vio obligado a abandonar el cine sonoro. Otras parejas no duraron mucho o más bien actuaron juntos por pura coincidencia, como fue el caso de Joan Crawford con Clark Gable.

Muchas actrices y actores gustaban variar, sabían que en esa variación habría más taquilla y los contratos serían más elevados. Juntar a Liz Taylor con Paul Newman o Marlon Brando tenía una publicidad garantizada y todos querrían ver el film, pero ninguno de esos actores estaría de acuerdo en encasillarse con alguien en particular, a menos que estuvieran casados.

Muchos directores también prefieren una pareja en particular y con esas se “casan”. Eso fue lo que le sucedió a Vittorio De Sica con la Loren y Mastroianni o a Charles Vidor con Rita Hayworth y Glenn Ford. A veces el mismo director es el protagonista de la película y opta por poner a su esposa como co-protagonista, como sucedió varias veces a Paul Newman con su cónyuge Joanne Woodward.

Desde el punto de vista de calidad, es algo difícil definir una pareja mejor que otra, ya que por lo regular éstos suelen acoplar bien y se conocen mejor después de una primera actuación. Sin embargo, creo que la pareja de la Loren con Mastroianni ha sido de tan buena calidad como la de Katharine Hepburn con Spencer Tracy, lo mismo se puede decir de Garson-Pidgeon, Woodward-Newman o de Liz Taylor con Richard Burton.

En conclusiones las buenas parejas deben ser capaces lo mismo de protagonizar un drama, que un film de aventura o acción, un suspense o una comedia. Pero es cierto que la mayoría de éstas prefieren el drama o la comedia por encima de cualquier otro género.

A continuación se describen los filmes y sus directores, en los que notables parejas del cine han protagonizado.

John Gilbert y Greta Garbo en «La Mujer Ligera (1928)»

Greta Garbo y John Gilbert

1. “El demonio y la carne (1926)” de Clarence Brown
2. “Anna Karenina (1927)” de Edmund Goulding
3. “La mujer ligera (1928)” de Clarence Brown
4. “La reina Cristina de Suecia (1933)” de Rouben Mamoulian

Clark Gable y Joan Crawford en «Laughing Sinners (1931)»

Joan Crawford y Clark Gable

1. “Danzad, locos, danzad (1931)” de Harry Beaumont
2. “Amor en venta (1931)” de Clarence Brown
3. “Alma bailarina (1933)” de Robert Z. Leonard

Spencer Tracy y Katharine Hepburn en «Mar de Hierba (1947)»

Katharine Hepburn y Spencer Tracy

1. “La mujer del año (1942)” de George Stevens
2. “La llama sagrada (1942)” de George Cukor
3. “Sin amor (1945)” de Harold Bucquet
4. “Mar de hierba (1947)” de Elia Kazan
5. “El estado de la Unión (1948)” de Frank Capra
6. “La costilla de Adán (1949)” de George Cukor
7. “La impetuosa (1952)” de George Cukor
8. “Su otra esposa (1957)” de Walter Lang
9. “Adivina quien viene esta noche (1967)” de Stanley Kramer

Greer Garson y Walter Pidgeon en «La Sra. Miniver (1942)»

Greer Garson y Walter Pidgeon

1. “De corazón a corazón (1941)” de Mervyn LeRoy
2. “La señora Miniver (1942)” de William Wyler
3. “Madame Curie (1943)” de Mervyn LeRoy
4. “La señora Parkington (1944)” de Tay Garnett
5. “Julia se porta mal (1948)” de Jack Conway

Rita Hayworth y Glenn Ford en «Los Amores de Carmen (1948)»

Rita Hayworth y Glenn Ford

1. La dama en cuestión (1940) de Charles Vidor
2. Gilda (1946) de Charles Vidor
3. Los amores de Carmen (1948) de Charles Vidor
4. La dama de Trinidad (1952) de Vincent Sherman

Humphrey Bogart y Lauren Bacall en «El Sueño Eterno (1946)»

Lauren Bacall y Humphrey Bogart

1. “Tener o no tener (1944)” de Howard Hawks
2. “El sueño eterno (1946)” de Howard Hawks
3. “La senda tenebrosa (1947)” de Delmer Daves
4. “Cayo Largo (1948)” de John Huston

Elizabeth Taylor y Montgomery Clift, junto a Eva Marie Saint en «El Árbol de la Vida (1957)»

Elizabeth Taylor y Montgomery Clift

1. “Un lugar en el sol (1951)” de George Stevens
2. “El árbol de la vida (1957)” de Edward Dmytryk
3. “De repente el último verano (1959)” de Joseph Mankiewicz

Tony Curtis y Janet Leigh en «El Gran Houdini (1953)»

Janet Leigh y Tony Curtis

1. “El Gran Houdini (1953)” de George Marshall
2. “Coraza negra (1954)” de Rudolph Maté
3. “Los Vikingos (1958)” de Richard Fleischer
4. “Vacaciones sin novia (1958)” de Blake Edwards
5. “¿Quién era esta Chica? (1960)” de George Sydney

Joanne Woodward y Paul Newman en «Paris Blues (1961)»

Joanne Woodward y Paul Newman

1. “El largo y cálido verano (1958)” de Martin Ritt
2. “Desde la terraza (1960)” de Mark Robson
3. “Paris Blues (1961)” de Martin Ritt
4. “Samantha (1963)” de Melville Shavelson
5. “Raquel, Raquel (1968)” de Paul Newman
6. “Quinientas millas (1969)” de James Goldstone
7. “Un hombre de hoy (1970)” de Stuart Rosenberg
8. “El efecto de los rayos gamma sobre las margaritas (1972) de Paul Newman
9. “Con el agua al cuello (1975)” de Stuart Rosenberg
10. “The shadow box (1980)” (La caja de sombra) de Paul Newman
11. “Harry e hijo (1984)” de Paul Newman
12. “Esperando al señor Bridge (1990)” de James Ivory

Richard Burton y Elizabeth Taylor en «La Fierecilla Indomable (1967)»

Elizabeth Taylor y Richard Burton

1. “Cleopatra (1963)” de Joseph Mankiewicz
2. “Hotel Internacional (1963)” de Anthony Asquith
3. “Castillos de arena (1965)” de Vincente Minnelli
4. “¿Quién teme a Virginia Woolf ? (1966)” de Mike Nichols
5. “La fierecilla indomable (1967)” de Franco Zefirelli
6. “Los comediantes (1967)” de Peter Glenville
7. “Doctor Faustus (1968)” de Richard Burton y Nevill Coghill
8. “Boom (1968)” de Joseph Losey
9. “Pacto con el diablo (1972)” de Peter Ustinov,
10. “Divorce his- Divorce her (1973)” (Divorciate y divorcialo) de Waris Hussein
11. “Bajo el bosque lácteo (1973)” de Andrew Sinclair

Sofía Loren y Marcelo Mastroianni en «Matrimonio a la Italiana (1964)»

Sofía Loren y Marcello Mastroianni

1. “Cuori sul mare (1950)” (Corazones sobre el mar) de Giorgio Bianchi
2. “La ladrona, su padre y el taxista (1954)” de Alessandro Blasetti
3. “Tempi nostri (1954)” de Alessandro Blasetti y Paul Paviot
4. “La bella campesina (1955)” de Mario Camerini “La suerte de ser mujer (1956)” de Alessandro Blasetti
5. “Ayer, hoy y mañana (1963)” de Vittorio De Sica
6. “Matrimonio a la italiana (1964)” de Vittorio De Sica
7. “La guapa y su fantasma (1968)” de Renato Castellani,
8. “Los girasoles (1969)” de Vittorio De Sica
9. “La mujer del cura (1971)” de Dino Risi
10. “La pupa del gangster (1975)” de Giorgio Capitani
11. “Una jornada particular (1977)” de Ettore Scola
12. “Prêt-à-Porter (1994)” de Robert Altman

Annie Girardot y Alain Delon en «Rocco y sus hermanos (1960)»

Annie Girardot y Alain Delon

1. “Rocco y sus hermanos (1960)” de Luchino Visconti
2. “Le gitan (1974)” de José Giovanni
3. “Traitement de choc (1973)” de Alain Jessua

Jane Fonda y Robert Redford

Jane Fonda y Robert Redford

1. “Descalzos por el parque (1967)” de Gene Saks
2. “La jauría humana (1966)” de Arthur Penn
3. “El jinete eléctrico (1978)” de Sydney Pollack

Nada sobre esta tierra puede detener al hombre que posee la correcta actitud mental para lograr su meta.
Thomas Jefferson

Por Esteban Hernández

Lon Chaney fue un famoso actor de las primeras décadas del cine, cuyo nombre real es Leonidas Frank Chaney, igualmente conocido como El hombre de las mil caras, nacido el 1 de abril de 1883 en Colorado Springs, hijo de familia pobre y padres sordomudos, lo que le obligó a comunicarse con sus progenitores con pantomimas.

Chaney de niño se vio obligado a atender a sus hermanos pequeños producto que su madre igualmente padecía de fuertes dolores de reuma. A su vez, la economía familiar se sabe que no era la mejor. La realidad es que ya a la edad de 19 años debutaba en las tablas, actuó por un tiempo en teatros itinerantes casi siempre como comediante, donde además de actuar, bailaba. Su hermano John igualmente participó en parte de estas actividades de interpretación. Luego pasó a trabajar en la compañía Columbia Musical Repertory, donde conoció a la cantante y luego su primera esposa, Cleve Creighton, la que desconocía que sus suegros eran sordomudos, por lo que al saberlo se horrorizó cuando salió embarazada de Chaney. Al final y para suerte de ambos, el niño resultó normal, pero como Chaney era incansable no dejaba mucho tiempo para hacer vida familiar, Cleve resultó adicta a la bebida y terminó en una aventura de infidelidad, de la cual Chaney, al enterarse, no la perdonó. El asunto se conoció cuando ella tuvo un infortunio, al parecer por intento de suicidio, y quedar privada de su voz para cantar. La custodia del hijo legalmente pasó a Chaney, quien le hizo creer que su madre había muerto. El hijo creció y llegó a conocer a su verdadera madre lo que provocó una pelea y alejamiento entre padre e hijo. Para colmo el hijo quería ser actor y Chaney se oponía, él quería que estudiara y fuera algo más que un actor en la vida.

Lon Chaney

En 1912 Chaney comenzó a trabajar en la Universal, debutando en el corto “El honor de familia”, luego continuó actuando en cortos hasta 1916. De ahí en lo adelante actuaría en películas de mayor duración.

Con el tiempo Chaney conoció a otra mujer, la corista Hazel Hastings, que tampoco tenía una historia alegre, con un matrimonio fallido igualmente, pero que sí logró acoplarse con el gran actor. En 1915 ambos lograron casarse.

Como actor Chaney siempre fue interpretando personajes despreciables, otros sin suerte en la vida, minusválidos, gente desfavorecida, o sea todo aquello que él tocó con sus manos en la vida real. La primera película de mayor duración en la que actuó Chaney fue como actor de reparto del drama “Father and the boys (1915)” (padre e hijos) del director Joseph De Grasse. Su primer gran éxito fue protagonizando el corto dramático “El milagro (1919)” del director George Loane Tucker.

Lon Chaney en «El Milagro (1919)»

A continuación protagonizó algunos filmes para recordar, como fueron:

– El drama “De carne y hueso (1922)” de Irving Cummings
– El drama-film horror y misterio “La obsesión de un sabio (1922)” de Wallace Worsley, donde Chaney interpretó dos papelese, del Dr Arthur Lamb y el del Hombre Mono
– En papel de reparto del film de aventuras-drama “Todos los hermanos fueron valientes (1923)” de Irvin Willat
– En el papel del jorobado Quasimodo en el drama “El jorobado de Notre Dame (1923)” de Worsley. Patsy Ruth Miller es la actriz que interpretó el papel de Esmeralda en esta versión de la obra clásica de Víctor Hugo
– Los filmes de horror “El fantasma de la ópera (1925)” de Rupert Julian y que contó con la colaboración en este quehacer de dirección del mismo Chaney
– “The monster (1925)” (El monstruo) de Ronald West
– Nuevamente en un doble papel del film de crimen “Maldad encubierta (1926)” de Tod Browning
– El film de horror “Garras humanas (1927)” de Browning, film en el que Chaney utilizó un arnés para simular ser una persona carente de ambas manos
– El film de crimen “Los antros del crimen (1928)”,
– El drama-film de misterio “Los pantanos de Zanzíbar (1928)”, estos tres últimos de Browning igualmente

Lon Chaney en «El Fantasma de la Opera (1925)»

El único film sonoro que Chaney protagonizó fue el film de crimen-drama “El trio fantástico (1930)” de Jack Conway, donde Chaney interpretó el papel del Dr Echo.

Chaney habría podido triunfar en el cine sonoro, pero su llegada coincidió con su enfermedad, de la que jamás se recuperó. Murió el 26 de agosto de 1930 en Los Ángeles.

La vida de Chaney es descrita con claridad en el film «El hombre de las mil caras (1957)» del director Joseph Pevney, donde el protagonista que interpreta a Chaney es el gran James Cagney, soberbia actuación de este hombre que en su época de esplendor fue uno de los actores mejor pagados de Hollywood. Secundó su actuación la eficiente Dorothy Malone en el papel de Cleve, la esposa de Chaney, y la veterana Jane Greer como la segunda esposa.

James Cagney en El hombre de las mil caras (1957)»

Su hijo, Creighton Chaney, más conocido como Lon Chaney Jr. llegó a actuar en muchos filmes en Hollywood, pero jamás alcanzó el estrellato como su padre.

Bibliografia

Anon. Lon Chaney. Biografías y Vida, la enciclopedia biográfica en línea. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/chaney.htm

Bunch. J. 2012. Lon Chaney created many faces for deaf parents, classmates in Colorado Springs. The Archive, 6 Aug.

IMDB. Lon Chaney. http://www.imdb.com/name/nm0151606/?ref_=fn_al_nm_2

Muskii I.A. 2006. Sto Velikikh Actiorov. Editorial Veche, Moscú, 527 p.

«No existe otro clima o suelo como el de Arizona. Es mi tierra, mi casa, la tierra de mi padre, a la que ahora no me dejan volver. Quiero terminar allí mis días, y ser enterrado entre aquellas montañas«.
Gerónimo

Esteban Hernández

El oeste o western se refiere a un género de película muy abordado en EE UU, que al inicio se refería a hechos ocurridos en la zona occidental de ese país, pero que con el tiempo fue incluyendo otras zonas norteamericanas, tanto de EE UU, de Canadá y de México. El oeste es de por si el género de vaqueros o de jinetes donde aparece gente “buena” y “mala”.

El estereotipo del vaquero bondadoso es el de vestir bien, siempre limpio, con un sombrero de lujo, el que a veces no se cae ni en las broncas más intensas (ejemplo: Hopalong Cassidy), de buenos modales, caballo blanco o negro azabache, buen jinete, rápido al sacar su revolver de la funda, capaz de darle tantas trompadas como necesite al adversario, y siempre al servicio de la ley. El villano es por lo general una persona poco afeítada, con bigotes horribles, sombrero grande y tosco, a veces gordo, otras veces delgado y largo, ladrón y delincuente en todo, para los que la la ley no significa nada. Estas son las imágenes que nos han trasmitido durante décadas sobre el vaquero bueno y el malo en los filmes del oeste que hemos visto.

El primer film del oeste se realizó en 1903, “Asalto y robo de un tren” del director Edwin S. Porter y producido por la Edison Company. La película solo dura 12 minutos, en la que actuaron dos personas que se mantuvieron por mucho tiempo en el cine, uno fue Gilbert M. “Bronco Billy”, cuyo nombre real era Max H. Aronson, y el otro, Tom London.

Siete años después hizo su debut en cine el famoso Tom Mix, hombre nacido en la parte oriental de EE UU, Pensilvania y que había ya impresionado a sus coterráneos con una cabalgada de 50 hombres, que trataba de asemejarse a los “Rough Riders” de Teddy Roosevelt, los mismos que invadieron Cuba durante la guerra hispano-americana. Se llegó a afirmar que Mix era un Rough Rider (Jinete tosco), lo cual no era cierto. Lo que si es cierto es que Mix se convirtió en la estrella del cine del oeste y llegó a ganar hasta US$ 20000 semanales. Varias decenas de oeste silentes fueron protagonizados por el “valiente” Mix, el que siempre combatía a los malos y al final se alzaba con la victoria.

Tom Mix, protagonista pionero de los Oestes

Con la llegada del cine sonoro cambiaron muchas cosas en el mundo del séptimo arte, los grandes actores y actrices, cuyas voces no eran las mejores, tuvieron que ceder sus puestos a otros mejor dotados para hablar. En esos momentos fue cuando Mix se fue a actuar en circos y abandonaba el mundo del cine.

Los oestes se clasifican en:
– Clásicos, cuyas mejores realizaciones tuvieron lugar en su época de oro, dirigidos por sea por John Ford (John Martin «Jack» Feeney), Howard Hawks, Bud Boetticher, Sidney Salkow o Anthony Mann entre otros, así como otros directores ocasionales como fueron los casos de Michael Curtiz, Nicholas Ray, King Vidor, Delmer Daves, George Stevens, Raoul Walsh y Robert Aldrich.
– de categoría B. Estos últimos eran filmes de poca duración, máximo 70 minutos, que usualmente la televisión cubana, en la década de los 50, ponía en el horario de 7 a 8 p.m.
– Crepusculares, surgidos en la década de los 60 y con un buen número de antihéroes como personajes principales. Entre esas películas están Mayor Dundee (1964), Grupo salvaje (1969), Pat Garrett & Billy the Kid (1973)
– Spaghetti, ocasionalmente con buenas tramas, pero sencillos en su realización por lo general. Se denominan spaghettis por estar realizados en Europa con dirección y protagonismo italiano. Ejemplos son Por un puñado de dólares (1964), El bueno, el feo y el malo (1966), Hasta que llegó su hora (1968) (también conocido como Érase una vez en el oeste).
– Chili, donde se incluyen los oestes de realización mexicana.

Los oestes, en opinión del que suscribe, pueden clasificarse por su contenido como:

– Épicos e históricos <Murieron con las botas puestas (1941), Fort Apache (1948), Entre dos juramentos (1950), Río Grande (1950), Toro Sentado (1954), La última orden (1955), Los siete magníficos (1960), El Álamo (1960), El último de los Mohicanos (1992) Gerónimo, la leyenda (1993)>
– Con acento criminal <Pasión de los fuertes (1946), Llega un pistolero (1956), Duelo de titanes (1957), El árbol de la horca (1968), Río Bravo (1959), El hombre que mató a Liberty Valance (1962)>
– Con énfasis dramático <Duelo al sol (1946), Río Rojo (1948), Solo ante el peligro (1952), Hombres errantes (1952), Raíces profundas o Shane (1953), Hondo (1953), Johnny Guitar (1954), Johnny Concho (1956)>
– Con énfasis de comedia <El día de los tramposos (1970), Le llamaban Trinidad (1971), Mi nombre es… ninguno (1973) >
– De entretenimiento, donde el bueno vence siempre al malo, películas de pocos argumentos, que por lo general corresponden a los llamados filmes de categoría B.

En los años 60 el oeste comenzó a hacer mayor énfasis en los antihéroes. Su principal promotor fue el director Sam Peckinpagh, a cuyos filmes se le llamaron “crepusculares”. Al mismo tiempo surgieron los spaghettis fabricados en Europa, algunos de calidad, otros para olvidar, los que se realizaban fundamentalmente cerca de Almería, España, en una zona árida, a la que se llama “El pequeño Hollywood”. Entre esa oleada de oestes italianos surgió el director Sergio Leone, el que reclutaba a hombres como Clint Eastwood, Henry Fonda, Charles Bronson, Eli Wallach y Lee Van Cleef entre otros, como sus principales protagonistas. Del cine italiano también emergieron algunas figuras protagónicas como Franco Nero en el papel de Django y el cubano Tomas Milian. Tampoco se pueden omitir los oestes co-producidos por Alemania-Francia-Italia-Yugoslavia, dirigidos por Harald Reini, sobre el héroe indio apache Winnetou (Pierre Brice) con su eterno amigo blanco Old Shatterhand (Viejo Mano Cortante) interpretado por el ex- Tarzan, Lex Barker.

Ford es considerado por todos como el padre de este género y gran parte de su éxito se debió al poder agrupar a actores destacados. El más famoso de todos ellos fue John Wayne, el que regularmente era acompañado en sus películas por John Carradine, Ward Bond, Harry Carey y Noah Beery Jr. entre otros. James Stewart y Henry Fonda también llegaron a actuar bajo la dirección de Ford en oestes, sea como protagonistas o co-protagonistas con Wayne. Dentro de las damas, las más asiduas fueron Claire Trevor, Maureen O’Hara, Barbara Stanwyck, Joanne Dru y Susan Hayward.

Wayne (Marion Robert Morrison), nativo de Iowa, había debutado justamente al inicio del cine sonoro y su primer oeste importante fue “La gran jornada (1930)” de Raoul Walsh, donde actúa el también joven Tyrone Power. Su figura atlética, alto y de buen parecido le hacían el ideal para convertirse en el más legendario de los vaqueros que hayan pasado por Hollywood. Durante años Wayne protagonizó oestes dirigidos por Robert N. Bradbury y luego se convirtió en el personaje de Stony Brooke dirigido por George Sherman hasta que Ford lo reclutó como su estrella principal.

Otros actores que se destacaron notablemente en este género fueron Randolph Scott, el que debutó en cine como maestro de la joven estrella Gary Cooper para hablar en dialecto de Virginia en la interpretación de GC en el film “El virginiano (1929)”, película en la que RS llegó a actuar también; el amigo de Scott, Joel McCrea, Errol Flynn, Barry Sullivan, Lex Barker, Gregory Peck, Burt Lancaster, Kirk Douglas, Richard Widmark, Tyrone Power, Henry Fonda, James Stewart, Audie Murphy, Charles Bronson, Steve McQueen, Lee Marvin, Clint Eastwood y otros más.

Gary Cooper en «El Virginiano (1928)»

Los entonces veteranos vaqueros, Randolph Scott y Joel McCrea, en «Duelo en la alta sierra (1962)»

En realidad era muy extraño ver a un actor del cine americano del pasado que no haya actuado en algún oeste. Hasta estrellas como Humphrey Bogart y James Cagney incursionaron este género, como fue en la película “Oklahoma Kid (1939)” de Lloyd Bacon. Una de las primera películas sonoras de Clark Gable fue el oeste “Desierto pintado (1931)” junto con William Boyd. Edward G. Robinson no dejó de ser el malo en el oeste “Ciudad sin ley (1935)” de Howard Hawks con Joel McCrea como hombre bueno y dulce con la protagonista principal, Miriam Hopkins. Hasta Omar Sharif se le vio como villano en el oeste “El oro de McKenna (1969)” de J. Lee Thompson, protagonizado por Gregory Peck y donde también actuaron Robinson, Telly Savalas y Lee J. Cobb en papeles de reparto.

Si de villanos se trata en oestes clásicos habría que mencionar a Victor Jory, John Ireland, Elli Wallach, Telly Savalas, entre otros.

Los actores que más interpretaron los papeles de indio son los mexicanos Gilbert Roland (Luis Antonio Dámaso de Alonso), Ricardo Montalbán, Anthony Quinn (Antonio Rodolfo Quinn Oaxaca), así como Henry Brandon (Heinrich von Kleinbach, nacido en Alemania), Charles Bronson (Charles Bruchinsky de origen lituano), Jeff Chandler, Victor Mature, Sal Mineo (de origen italiano).

El indio Cherokee, Wes Studi, ha interpretado varios papeles en cine del oeste, fue el duro Pawnee en “Bailando con los lobos (1990)”, el malvado Magua de “El último de los Mohicanos (1992)”, el Gerónimo del film de 1993, así como en otros oestes donde se aborda la vida o lucha de los indios. Entre las mujeres, las que más han interpretado papeles de india están la mexicana Dolores del Río, Debra Paget y Jean Peters.

Wes Studi en el papel de Magua en «El último de los mohicanos (1992)»

Gilbert Roland y Dolores del Río en papeles de indios en «El Gran Combate (1964)»

En los oestes B la lista de actores es larga, entre los más conocidos están Hopalong Cassidy (William Boyd), Buster Crabbe cuando dejó de ser Flash Gordon y Buck Rogers, Tim McCoy, Bob Steele, Rod Cameron, Sunset Carson, Johnny Mack Brown, Ray Corrigan, Tex Ritter (Woodward Maurice Ritter), Don Barry, Robert Livingston, hasta llegar a los oestes musicales con Gene Autry y Roy Rogers. El actor Robert Mitchum se había iniciado en el cine actuando como villano en las películas de Cassidy, luego se hizo otro buen vaquero del cine clásico. No faltaban los comediantes en los oestes, los más usuales eran Al St John, Raymond Hatton, Guinn “Big Boy” Williams y George “Gabby” Hayes, quien llegó a tener su propio show en la TV. Entre los directores más asiduos de oeste B estaban Sam Newfield, John English, Lester Orlebeck, Lesley Selander y William Witney entre otros.

Sunset Carson, protagonista asiduo de Oestes B

George «Gabby» Hayes comediante regulara en los Oestes

Los mismos oestes B fueron los que dieron lugar a la aparición de muchos seriales sobre varios héroes, como el Zorro, el Llanero solitario, Red Ryder, Cisco Kid con Duncan Renaldo, y otros más. Estos seriales hicieron aparición desde inicio de los años 30, primero en salas de cine, luego por la televisión.

En 1965 el director Spencer Gordon Bennet reunió a varios actores del oeste en el pasado, entre ellos Dan Duryea, Rod Cameron, Buster Crabbe, Bob Steele, Richard Arlen, Johnny Mack Brown, Edmund Cobb, Gilbert M. ‘Broncho Billy’ Anderson y Norman Willis en el film “The bounty killer” (El asesino generoso), donde Duryea es un hombre que aprende de la vida y de los matones hasta convertirse en un hombre que mata por recompensa y por venganza a otros asesinos que casi lo logran aniquilar en una ocasión. Este oeste puede considerarse como un homenaje a esos tantos actores que trabajaban duramente en el año, actuando en decenas de películas por sueldos sumamente bajos. Ni que decir de aquellos que hacían los papeles de malvados, como fueron Glenn Strange, Charles King, Roy Barcroft, Jack Ingram, John Merton (Myrtland La Varre) entre otros, los que tienen en su haber actuado en más de 400 películas cada uno.

El villano eterno, Charles King, al centro con Al Fuzzy Jones y Buster Crabbe (der.) en «Ghost of Hidden Valley (1946)»

Fuera de escena, el villano Glenn Strange estrecha la mano de su rival, William Boyd (Hopalong Cassidy)

Los personajes positivos y negativos abundaron como héroes en estas películas. Los más usados fueron Billy The Kid, personaje interpretado por varios actores como Buster Crabbe y Bob Steele, en la era moderna por Paul Newman de forma muy convincente y Val Kilmer; y el Zorro con Reed Hadley, que para el que suscribe fue el mejor de todos, Tyrone Power, Guy Williams hasta llegar al mediocre papel interpretado por Antonio Banderas. Clayton Moore interpretó varias veces el papel del Llanero Solitario, mientras que el delincuente de Jesse James fue convertido en héroe e interpretado por Tyrone Power, Alan Baxter, Robert Wagner, James Keach hasta llegar a nuestros días en las interpretaciones de Colin Farrell y Brad Pitt. Wyatt Earp ha sido otro personaje llevado a la pantalla en varias ocasiones, así se ha visto actuar a Henry Fonda, Burt Lancaster, Buster Crabbe, James Stewart hasta los más recientes con Kevin Costner y Kurt Russell. El primer Cisco Kid lo interpretó Warner Baxter en 1928, luego Cesar Romero y Gilbert Roland se hicieron de ese papel hasta que Duncan Renaldo lo obtuvo para el serial televisivo, muy famoso en Cuba todos los domingos durante la década de los 50. Jimmy Smits puede considerarse el último Cisco Kid, rol que interpretó en 1994.

Clayton Moore en el papel del Llanero Solitario

“La diligencia (1939)” protagonizada por Wayne, en el papel de Ringo Kid, y Claire Trevor fue probablemente el primer éxito de John Ford en este género y el oeste de más renombre entonces. Sin embargo, esta película en lo personal no motivó al que suscribe. En la misma se ve a los indios detrás de una diligencia, en la que Wayne y John Carradine no se cansan de matar a los nativos de su propia tierra. Considerar a Ford como defensor de los indios es una aseveración que no tiene todo fundamento.

John Wayne y Claire Trevor en «La Diligencia (1939)»

Lo más adverso de este género de cine es que nunca se dice la razón por la cual los indios estaban en guerra. En ese error cayeron una extensa mayoría de los directores norteamericanos de los oestes clásicos. Lo mismo Ford, que Hawks o Aldrich. Pintar a Gerónimo, Toro Sentado, Caballo Loco y a otros grandes jefes indios como terroristas fue una constante de ese género de cine.

Volviendo a Ford, sus oestes no cambiaron mucho de 1939 hasta la década de los 50. “Centauros del desierto (1956)” es una película polémica, también conocida en América Latina como “Más corazón que odio”. Los indios en este film eran secuestradores natos, se entretenían secuestrando mujeres y niños blancos. Si hubo maldad era menester abordar las causas.

Natalie Wood con John Wayne en «Centauros del desierto (1956)»

John Huston, por suerte, aborda el tema de la discriminación en el oeste “Lo que no se perdona (1960)”, donde muestra a una familia con una hija adoptiva (Audrey Hepburn), india Kiowa secuestrada cuando pequeña por la familia blanca. Sus hermanos, Burt Lancaster y Audie Murphy, adoraban a su hermana hasta que un día el menor de ellos conoce que ella era Kiowa. Los indios continuamente atacaban la casa donde vivía la Kiowa, siempre buscando hacerla regresar a sus orígenes. Murphy rechazó el ser hermano de una india como su hermana adoptiva, Lancaster la defendió hasta el final pues conocía toda la historia anterior. Este film muestra cómo se maltrataba a cualquiera que fuera indio.

Burt Lancaster y Audrey Hepburn en «Lo que no se perdona (1960)»

Aldrich se mostraba igualmente defensor de los indios, pero ni “Apache (1954)”, ni “La venganza de Ulzana (1972)” justifican que se le dé ese título. En el primer film aparece un rebelde indio llamado Masai, quien reniega del pacto de paz firmado por Gerónimo. Esta película como aspecto real de la historia presenta cómo los Apaches eran desterrados y segregados por todo el país. Sin embargo, su final es poco convincente, Masai se rinde con la esperanza de convertirse en un buen agricultor y padre de familia, ya que hasta entonces había sido un “malhechor”. En “Ulzana”, Lancaster esta vez no es indio sino perseguidor de un jefe rebelde indio de nombre Ulzana. En toda la película no se da una razón del por qué Ulzana estaba en rebeldía.

Jean Peters en papel de la india compañera de Masai en el film «Apache (1954)»

Esta situación fue bien entendida por los actores Marlon Brando y Paul Newman, los que radicalmente rechazaban los oestes de Hollywood por su intrínseca discriminación al indio norteamericano. Brando se negó a recibir el premio Oscar de mejor actor que se le otorgó por “El Padrino (1972)” como protesta por los oestes producidos por Hollywood. Newman protagonizó dos filmes que claramente ponen al indio en su lugar justo. Uno fue “Un hombre (1967) de Martin Ritt, en el que se ven las discrepancias de un blanco criado (Newman) por los indios con un burgués americano (Frederick March), y “Buffalo Bill y los indios (1976) de Robert Altman, donde se pone en tela de juicio el coraje de Bill Cody y la cantidad de indios que él aseveraba haber matado.

Paul Newman en «Un Hombre (1967)»

Las películas del oeste tienen también ingredientes falsos de la historia. El ejemplo más claro es “El Álamo (1960)” dirigido y protagonizado por Wayne, quien interpreta el papel de David Crockett. Los que conocen la historia dicen que en esa batalla cruenta y decisiva de los norteamericanos para conquistar el dominio de ese territorio mexicano, David Crockett no tuvo todo el coraje que se muestra en la película. “Tambores de guerra (1954)” de Delmer Daves muestra a un indio rebelde (Charles Bronson) de la tribu de los Modocs en el Norte de California como todo un terrorista, mientras que el enviado de paz por el presidente norteamericano, Alan Ladd, es el bondadoso. El final de ese film luce ser realmente falso.

En ese tipo de películas siempre aparecía un blanco negociador de la paz, unas veces era un James Stewart, otras Alan Ladd, como ya mencionado. Estos eran los héroes, siempre aparecía algún indio rebelde, por cuya mala voluntad se malograba la paz. En ningún momento ese cine decía cómo los blancos habían conquistado las tierras de los indios y cómo éstos eran bien relegados a un pedacito de su tierra o desterrados totalmente de la misma.

También estas películas podían tener su desliz y mostrar características no muy conocidas de algún que otro gobernante. Charlton Heston interpretó el papel del presidente Andrew Jackson, séptimo primer mandatario de los EE UU, en el drama “The president’s lady (1953)” (La dama del presidente) de Henry Levin, donde se muestra a Jackson matando indios al inicio del film.

Hay películas sobre los indios que tratan de abordar el tema generosamente pero no llegan a feliz destino. Entre ellas hay que mencionar “Flecha rota (1950)” de Delmer Daves con Jeff Chandler en el papel de Cochise, “El piel roja (1950) con protagonismo de Van Heflin, “The battle at Apache pass (1952)” con Chandler nuevamente en el papel de Cochise, “El gran jefe (1955) (o Jefe Toro Sentado) con Victor Mature como el gran jefe indio, todos éstos del director de George Sherman; y “Toro Sentado (1954)” de Sidney Salkow. De todos ellos, el más acertado fue Sherman.

Jeff Chandler en el papel de Cochise junto a James Stewart en «Flecha Rota (1950»

Muy entretenida resulta ver «El último de los Mohicanos (1992)» de Michael Mann con Daniel Day Lewis, aunque con anterioridad esta novela había sido llevado al cine por otros directores. “Chato (1972)” de Michael Winner fue una historia que exalta a un indio (Charles Bronson), el que venga la violación de su mujer por un grupo de blancos. Realmente como historia de cine vale la pena, pero es muy dudoso que algo así haya sucedido jamás. Los indios tienen sus formas de pensar y no se caracterizan por albergar odio y rencor.

El tema mexicano es también abordado de una manera simplista en muchos oestes. Hacer aparecer a todos los mexicanos como un hato de bandoleros o de gente sin sentido no es nada consecuente con la historia real de los hechos. El oeste “Los profesionales (1966)” de Richard Brooks, con Lancaster y Lee Marvin entre otros, es probablemente una película que da una idea de cómo un mexicano puede amar y un americano cree poder comprarlo todo con el dinero. El final de esta película es realmente inesperado y estimulante. La bella Claudia Cardinale va en busca de su amado jefe mexicano y malherido (Jack Palance), mientras que Lancaster y Marvin evitan que a la pareja se le haga ningún daño y puedan retornar a México.

Lee Marvin con Claudia Cardinale y Burt Lancaster en «Los Profesionales (1966)»

Como verdaderas joyas del género del oeste se pueden considerar “Duelo al sol (1946)” de King Vidor, el que logró agrupar a una verdadera constelación de estrellas del cine como fueron Jeniffer Jones, Joseph Cotten, Gregory Peck, Lionel Barrymore, Herbert Marshall, Lillian Gish y Walter Huston; “Johnny Guitar (1954)” de Nicholas Ray, película que no le faltaba nada, buen tema musical y actuaciones de primer orden de Joanne Crawford, Sterling Hayden y Mercedes McCambridge; “Llega un pistolero (1956)” con Glenn Ford y Broderick Crawford, con un duelo que uno se tiene que imaginar, ya que no se llega a mostrar; y “Cazador de forajidos (1957)” de Anthony Mann con Henry Fonda y Anthony Perkins, entre otros.

Joan Crawford y Sterling Hayden en «Johnny Guitar (1954)»

“Johnny Concho (1956)” de Don McGuire es probablemente el primer oeste de un antihéroe interpretado por Frank Sinatra, individuo que ejercía el papel de sheriff en un pueblo y donde todos le temían hasta que un día un forastero matón lo retó a duelo, el que Sinatra esquivó, con lo que toda la leyenda de su coraje se vino a tierra.

Frank Sinatra es Johnny Concho

Sería injusto no mencionar un oeste que fue una verdadera joya de actuación de Richard Dix. Se trata de “Cimarrón (1931)” de Wesley Ruggles, basado en la obra homónima de Edna Ferber. La realidad de cómo el oeste se fue conformando, las conquistas, los negocios que se iniciaron, cómo en realidad surgió una parte importante de ese territorio estadounidense es lo que muestra este film, que en ocasiones más parece una obra teatral llevada a la gran pantalla que una película de nuestros tiempos. Este film muy merecidamente obtuvo Oscar como mejor cinematografía, mejor dirección artística y mejor guión, a la vez que resultaban nominados como mejor actor, mejor actriz, mejor cinematógrafo y mejor director, Dix, Irene Dunne, Edward Cronjager y Ruggles, respectivamente. El remake de este film de Anthony Mann en 1960, protagonizado por Glenn Ford y María Schell, puede catalogarse también como de buena calidad.

Irenne Dunne y Richard Dix en «Cimarrón (1931)»

Otros oestes para recordar son “Hombres errantes (1952)” de Nicholas Ray, cuya trama gira alrededor de un triángulo amoroso compuesto por Susan Hayward, Robert Mitchum y Arthur Kennedy, uno de ellos un vaquero avezado y el otro un aprendiz celoso, la elección final dependía de ella; “El jardín del diablo (1954)” de Henry Hathaway, donde un casi delincuente interpretado por Richard Widmark, muestra un ápice final de buenos sentimientos ante el amor que logran hacer crecer la Hayward y Gary Cooper. Widmark se entrega al combate en un desfiladero repleto de indios, todo por salvar a la pareja enamorada.

Paul Newman y Robert Redford protagonizaron un oeste memorable, “Dos hombres y un destino (1969)” (Butch Cassidy & the Sundance Kid) de George Roy Hill, donde son dos vaqueros que comienzan por robar una vez y de eso se hace un hábito hasta que tienen que emigrar a América del Sur, donde continúan sus fechorías y son finalmente aniquilados. El mismo Redford protagonizó otros oestes para recordar, como “El valle del fugitivo (1969)” de Abraham Polonsky y “Aventuras de Jeremiah Johnson (1972)” de Sydney Pollack.

Los amantes del oeste siempre esperan un duelo emotivo entre el bueno y el malo, esos duelos abundan en las películas B. Sin embargo, los más recordados son aquellos del cine clásico, como el de Gary Cooper contra Burt Lancaster en “Veracruz (1954)” de Aldrich, el ya mencionado “Llega un pistolero (1956)”, “Warlock, el hombre de las pistolas de oro (1959)” de Edward Dmytryk, duelo final entre Widmark y Henry Fonda; “El último atardecer (1961)” de Aldrich también, en el que se baten Kirk Douglas y Rock Hudson, con un final casi idéntico al de Veracruz; “En nombre de la ley (1970)” de Michael Winner, y “Que viene Valdez (1970)” de Edwin Sherin, ambos oestes protagonizados por un ya envejecido Burt Lancaster, y “El gran duelo (1971) de Lamont Johnson con Kirk Douglas nuevamente y Johnny Cash.

Burt Lancaster y Gary Cooper en «Veracruz (1954)»

Hay oestes que son realmente de baja calidad, solo quiero mencionar algunos de ellos, la comedia “La batalla de las colinas del Whisky (1965)” de John Sturges con Burt Lancaster y Lee Remick, película que como comedia no hace reír a nadie y como oeste no provoca ninguna emoción; “Sol rojo (1971)” de Terence Young, film en el que se agrupa a varios estelares como Bronson, Toshiro Mifune, Ursula Andress y Alain Delon, cuya trama más necia no puede ser. El otro oeste es “Catlow (1971)” de Sam Wanamaker con Yul Brynner y Richard Crenna. Hay muchos más sean dentro del cine clásico como el B.

El cine del oeste comenzó a cambiar algo justamente con el inicio de la guerra en Vietnam. Fue ahí cuando Sam Peckinpagh incursionó felizmente en el género y creó varios antihéroes. También aparecieron algunos materiales que mostraban claramente al general Custer como un asesino y a otros “héroes” blancos con sus reales cualidades. Dentro de esos nuevos filmes encontramos “Soldado azul (1970)” de Ralph Nelson, y “Pequeño gran hombre (1970)” de Arthur Penn.

Dustin hoffman en «Pequeño Gran Hombre (1970)»

Como dijera un experto, las películas de Peckinpagh presentan a héroes perdedores, personajes anacrónicos, incapaces de adaptarse a los cambios que brinda el progreso, los que tratan de conservar sus privilegios a pesar de la evolución de la sociedad en la que viven.

Los oestes de Sergio Leone tenían como trama moralejas de sucesos del pasado y del presente. Leone un poco que combinaba la comedia con el drama para mostrar lo que en realidad él deseaba. Su mensaje así llegaba fácil al espectador.

El interés por el oeste ha descendido notablemente en las últimas cuatro décadas. Han aparecido algunos filmes de este género como el épico-dramático “Silverado (1985) de Lawrence Kasdan con Scott Glenn, Kevin Kline, Kevin Costner y Danny Glover; “Bailando con los lobos (1990)” dirigido y protagonizado por Kevin Costner, donde el indio ocupa el lugar justo que merece; los remakes del duelo de OK Corral en “Wyatt Earp (1994)” de Kasdan con Kevin Costner y Dennis Quaid o mejor aún en “Tombstone (1993)” de George P. Cosmatos con Kurt Russell y Val Kilmer.

Clint Eastwood dirigió y protagonizó un exitoso oeste crepuscular con el film “Sin perdón (1992)”, que contó con las actuaciones de Gene Hackman, Richard Harris y Morgan Freeman.

Clint Eastwood en «Sin perdón (1992)»

El tema indio, por su parte, ha recibido tratamiento aparte en películas dramáticas como “Dead Man (1995)” (Hombre muerto) de Jim Jarmusch y “The brave (1997)” (El bravo) dirigida por Johnny Depp, ambas protagonizadas por el propio Depp, y en la segunda mencionada con la actuación especial de Marlon Brando. Estas películas tratan de reflejar el estado de pobreza y aislamiento de los ciudadanos indios en EE UU, los que si bien no pagan impuestos, tienen muchas limitaciones por discriminación en su vida en general.

Hemos tratado en apretada síntesis de abordar un tema tan amplio como el oeste, donde damos nuestra opinión sobre varios filmes y lo injusto que se ha sido con el tema indio. Nuevos remakes de oestes se harán, pero dudamos que surjan nuevos originales. El tema ya está gastado, aunque nunca es tarde para rectificar y filmar nuevos materiales con el indio en el lugar que merece. El oeste, sobre todo los de categoría B, tienen la virtud de entretener sin hacerlo a uno pensar mucho.