Mi Habana: los edificios más altos de la ciudad

Los edificios, también, son hijos de la tierra y el sol.”
Frank Lloyd Wright (arquitecto estadounidense, 1867-1959)

Desde la niñez, el que suscribe oía la discusión de cuál edificio era el más alto de la Habana. Unos decían que el FOCSA, otros afirmaban que era el Havana Hilton, luego rebautizado como Habana Libre. Veamos que nos dicen los datos existentes y un poco de historia de la construcción de los mismos.

Es necesario antes de hablar de altas edificaciones, mencionar la realizada en 1947, por parte de Martín Domínguez Esteban, en la céntrica calle 23 entre L y M, en el Vedado, que fuera en realidad el primer edificio multifuncional en Cuba y que fuera conocido como Radiocentro CMQ.  Esta obra se prestó para una sala de cine, con capacidad para mil 700 espectadores, diez plantas dedicadas a la radio, y cuya planta baja dispone de establecimientos comerciales, un banco, un restaurante y una cafetería. No era tan alta como las que vendrán a continuación, pero fue una obra muy bien concebida.

Radiocentro CMQ

Radiocentro CMQ

El rascacielos construido por la compañía Fomento de Obras y Construcciones, Sociedad Anónima (FOCSA) se ubica en las calles 17, 19, M y N del Vedado. El edificio tiene 36 pisos y un total de 373 apartamentos, y fue obra de los arquitectos cubanos Ernesto Gómez Sampera y Bartolomé Bestard, además del español Martín Domínguez Esteban, comenzada en 1954 y concluida en junio de 1956. El edificio es como una ciudadela independiente, ya que posee restoranes, cafeterías, tiendas, supermercado, escuela y garajes. Cada piso tiene 13 habitaciones. EL FOCSA tiene forma de Y y ocupa un área de 10.000 m². La cisterna tiene una capacidad de 300 mil galones de agua.

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El FOCSA

La idea vino de parte de la Radio-Televisión de la CMQ, la que compró el terreno en 1952. La construcción estaba destinada a los trabajadores y empresarios de esta compañía. Un 80% del financiamiento de las viviendas vino de parte de Fomento de Hipotecas Aseguradas (FHA), mientras el Banco Continental Cubano pagó por el 60% de los locales comerciales, y la CMQ puso 700 mil pesos.

Lo interesante de esta obra es que la estructura es de hormigón, algo que ni en los EE.UU se veía como una opción económica en edificios que sobrepasaran los 18 pisos. La práctica demostró que eso no era cierto y su aplicación produjo un ahorro de un 5% de los gastos previstos.  La otra novedad es que no se utilizaron grúas para levantar esta edificación.

En el año 1956, el FOCSA era la segunda edificación más alta de América Latina, solo superada por el edificio Marinelli, Sao Paulo, Brasil, que poseía 144 metros de altura. El FOCSA, al nivel de la calle, posee 121 metros. El autor visitó Honolulu en 2010 y recuerda haber visto varios edificios altos muy similares al FOCSA en esa ciudad.

El Hotel Tryp Habana Libre, anteriormente Habana Libre y mucho antes Havana Hilton, está ubicado también en el Vedado, el cual fue diseñado por el arquitecto estadounidense Welton Becket, el mismo que había realizado un trabajo similar para el Beverly Hilton en California. En Cuba, Becket tuvo la colaboración de los arquitectos cubanos Nicolás Arroyo, entonces Ministro de Construcciones del gobierno de Batista, y Gabriela Menéndez.

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Hotel Habana Libre

El hotel posee 27 plantas, con 572 habitaciones en los primeros 25 pisos, de ellas 532 de doble estándar, 36 suit, dos sénior suit estándar y una presidencial, además de un casino, restoranes, bares-cafeterías y piscinas. Su apertura tuvo lugar el 22 de marzo de 1958. El mismo Conrad Hilton asistió a la inauguración del hotel, entonces el más alto y grande de toda América Latina. En realidad la construcción era propiedad de las cajas de retiro del Sindicato Cubano de Trabajadores de la Gastronomía, con cuyos fondos se llevó a cabo esta obra. El grupo American Hilton Hotels operaba la gestión del hotel. La altura de la edificación es de 126 metros sobre el nivel del terreno, o sea 5 más que el FOCSA y 18 metros por debajo del edificio Marinelli en Sao Paolo. Por lo que en 1959, Cuba tenía la segunda y tercera edificación en altura de América Latina.

En 1996, la gestión de este hotel pasó a manos de la cadena española Sol Meliá. Tal y como se tuvo que hacer con el FOCSA, el Habana Libre fue renovado entre 1996 y 1997. En el hotel ahora se muestra el enorme mural original de la artista Amelia Peláez.

Otras obras de altura han sido el del MINFAR[1], que consta de 24 pisos y 94 metros de altura, construcción concluida paralelamente con la Plaza Cívica y el Monumento a José Martí, así  como el Hospital Hermanos Ameijeiras, terminado en la década de los años 80, con una torre principal de 112 metros.

Hospital Ameijeiras

Hospital Hermanos Ameijeiras

Tampoco es prudente dejar de mencionar al hotel Riviera, un producto de la mafia guiada por Mayer Lansky, el cual comenzó a construirse a fines de los años 50 del pasado siglo. Fue entonces que se creó la compañía Riviera de Cuba S.A. El hotel, ubicado en Paseo y Malecón, fue inaugurado el 10 de diciembre de 1957, obra de un grupo de arquitectos e ingenieros, entre ellos Charlie Bacón, Arthur Fedelman y Bartolomé Bastard, con decoración de Albert Carvin y del arquitecto Igor Polevitsky de ‘Polevitsky and Johnson’. El hotel tiene una altura de 71 metros sobre el nivel del mar.

Hotel Riviera

Hotel Riviera

Como ya se dijo en un artículo anterior, la elevación suprema en la Habana es el Monumento a José Martí en la Plaza de la Revolución, con una altura de 141,95 metros hasta sus faros y banderas.

Fuentes

Bianchi Ross Ciro. 2010. Alturas de La Habana.JR 9 oct. http://www.juventudrebelde.cu/columnas/lecturas/2010-10-09/alturas-de-la-habana

Consuegra Liana. 2017. Las edificaciones más altas de La Habana. Cubanos Guru. https://www.cubanos.guru/las-edificaciones-mas-altas-de-la-habana/

Paz León Raquel. 14 edificaciones que levantan el orgullo cubano. CiberCuba. https://www.cibercuba.com/lecturas/2018-03-06-u196555-e196506-s27315-14-edificaciones-levantan-orgullo-cubano

Martel José. Mi Habana y sus edificaciones. Cuba nuestra: historia. https://cubabuestra7eu.wordpress.com/2013/08/13/mi-habana-y-sus-edificaciones/

 

Escrito por Ricardo Labrada, 16 julio de 2018

[1] El que suscribe recuerda que el edificio del MINFAR fue Instituto de Reforma Agraria hasta 1965.

Los primeros juegos nocturnos de béisbol

En el día de hoy, estoy seguro de que en las graderías hay un niño que
me está viendo jugar por primera vez y él merece mi mejor esfuerzo
”.
Lou Gehrig (ex-inicialista de los Yankees de NY, 1903-1941)

Crosley Field en Cincinnati

Crosley Field en Cincinnati

El legendario John McGraw se equivocaba cuando afirmaba: “los juegos de pelota se han hecho para jugarlos a partir de las dos de la tarde”. La vida misma negó su afirmación cuando el 24 de mayo de 1935, en el ya desaparecido Crosley Field de Cincinnati, tuvo lugar el primer juego nocturno de la MLB, entre los Rojos de Cincinnati contra los Filis de Filadelfia, partido que concluyó 2-1 a favor de los locales.

McGraw tampoco sabía de historia, ya que el primer juego nocturno, en la pelota amateur organizada, se efectuó el 2 de setiembre de 1880, en Nantasket Beach, Massachussetts, entre los Whites contra los Reds, que concluyó con victoria,  de 14-13 para los primeros mencionados. Fue un partido con iluminación aceptable alrededor del cuadro, pero no así en los jardines. Este juego se inició a las 8 y terminó a las 9:30 de la noche.

Hubo otros más, el 2 de junio de 1883, en Fort Wayne, Indiana, entre los Quinces de Illinois, que le ganaron a los locales, 19-11. Nuevamente, la iluminación fue un desastre para los jardineros. Luego se jugó así el el 23 de julio de 1890, en Hartford, Connecticut. Otros más en Wilmington, Delaware, el 4 de julio de 1896; el 7 de  julio de 1909, se enfrentaron Grand Rapids y Zanesville de la Liga Central, durante siete innings; en el Comiskey Park de Chicago, el 27 de agosto de 1910, hubo desafío de nueve innings entre los conjuntos de Logan Square y Rogers Park.

La primera liga profesional que estableció los juegos nocturnos como algo normal, fue la Western League (Liga Occidental) en 1929, la que desarrolló juegos en Independence, Kansas, Des Moines y Lincoln.

Así que la promoción de estos juegos fue continuada. No se debe perder de vista que los juegos en la tarde, en días dentro de la semana, no siempre garantizaban buena asistencia, por lo que los juegos nocturnos representaban una oportunidad de mayores ganancias por juego. Que fuera el primer juego nocturno en Cincinnati no fue casualidad, ya que esta ciudad entonces confrontaba problemas económicos. Larry McPhail, ejecutivo de la MLB, fue el promotor de la iluminación del Crosley Field, cuyos botones de encendido fueron instalados en la Casa Blanca. De esa manera, el presidente Franklyn Delano Roosevelt fue el encargado de iluminar al parque de referencia en el día inaugural del partido nocturno.

Luego el juego de noche se hizo práctica en la mayoría de los estadios, pero llama la atención que el primer juego nocturno de serie mundial se escenificó el 13 de octubre de 1971, en el Estadio Three Rivers de Pittsburgh, partido ganado por los Piratas sobre los Orioles 4-3, donde el gran Roberto Clemente disparó 3 incogibles. El panameño Manny San Guillén fue el receptor de los bucaneros en este juego.

Three Rivers Stadium en Pittsburgh

Three Rivers Stadium en Pittsburgh

El Wrigley Field de Chicago fue el parque más renuente a efectuar juegos nocturnos. Al final, la terquedad fue vencida el 9 de agosto de 1988. El juego terminó con victoria de 6-4 de los Cachorros sobre los Mets.

Wrigley Field Chicago

Wrigley Field en Chicago

En Puerto Rico, increíblemente, el primer juego con alguna iluminación se jugó el 13 de abril de 1902 entre los equipos, el cubano Almendares contra el Colonials. Sucedió que el juego se extendió más de lo previsto, se hizo la oscuridad y de alguna manera, los fanáticos iluminaron para que se terminara el partido. En realidad, el primer juego, con iluminación correcta, se efectuó en 1935 en este país caribeño.

En Cuba, el primer juego con iluminación tuvo lugar el 3 de septiembre de 1932, en el estadio La Tropical, entre los equipos Cubanaleco y los Shriners del Mahi Temple de Estados Unidos. Fue un partido muy sui generis, ya que cada equipo tenía cuatro jardineros. El encuentro terminó 4-3 a favor del equipo cubano.

En la liga profesional cubana, el primer juego de este tipo se efectuó el 21 de diciembre de 1937, en el estadio La Tropical,  entre Marianao y Almendares, con victoria para los primeros de 6-5. Martín Dihigo fue el lanzador vencedor de este partido.

La Tropical, Habana

La Tropical

En Venezuela, el primer juego nocturno se llevó a cabo en 1940, entre los conjuntos del Distrito Federal contra el Zulia, en el estadio San Agustín. Estos juegos confrontaron muchas dificultades de carácter técnico, los que fueron posteriormente vencidos, por lo que a partir del 22 de octubre de 1946 se comenzó a jugar béisbol nocturno normalmente en este país.

En México, el primer juego se efectuó el 17 de abril de 1947 entre los Tuneros de San Luis Potosí, dirigidos por los cubanos Martín Dihigo, Julio Rojo y Tomás de la Cruz, contra los Diablos Rojos de México de Raymond Dandridge, el que concluyó con victoria de 10-7 de los tuneros. Lo sobresaliente de ese juego fue que por los tuneros jugaron los cubanos René Monteagudo, René González, Cuco Correa, Calampio León, Roberto “Tarzán” Estalella, Avelino Cañizares, Conrado Pérez, Cocoliso Torres, Lázaro Medina, Wilfredo Salas, Juan Montero, Aristónico Correoso, Dihigo y De La Cruz, mientras que por los Diablos Rojos, lo hicieron Carlos Colás, Roberto Ortiz, Leonel Aldama, Oliverio Ortiz, Basilio “El Brujo” Rosell y Wilfredo Salas.

En República Dominicana, se jugó con iluminación a partir del 23 de octubre de 1955, en el Estadio Quisqueya, partido disputado por los Tigres del Licey y las Estrellas Orientales.

Estadio Quisqueya en Santo Domingo

Estadio Quisqueya en Santo Domingo

En Nicaragua, el primer partido nocturno tuvo lugar el 16 de febrero de 1957, entre una selección cubana, dirigida por el ex-receptor Emilio Cabrera, y el conjunto local Cinco Estrellas. El juego terminó 14-1 a favor de la tropa cubana y Camilo Pascual lanzando los bultos postales. El equipo cubano presentó en su alineación a Ángel Scull y Carlos Paula, ambos con 4 hits cada uno, Edmundo Amorós, Willie Miranda, Enrique Izquierdo, Tony Taylor, Panchón Herrera,  Pedro Cardenal, Amado Ibáñez y Vicente Amor en funciones de relevista.

Fuentes

Calvo Carrera Rafael. 2016. El día que se jugó de noche. La prensa, 2 de agosto. https://impresa.prensa.com/deportes/dia-jugo-noche_0_4427557209.html

Kako Vázquez Edwin. Origen del béisbol en Puerto Rico. http://www.puertadetierra.info/noticias/beisbol.htm

Maymí Javier. 2012. La historia y mística de Quisqueya. ESPN, 1 febrero. http://espndeportes.espn.com/noticias/nota?s=beisbol/seriedelcaribe2012&id=1457899&type=story

Serrano Ignacio. 2015. Primer juego nocturno en Venezuela. Efémerides, El emergente, 13 de junio. http://www.elemergente.com/2015/06/efemerides-primer-juego-nocturno-en.html

Torres Ángel. 2010. Se cumplieron 73 años de béisbol nocturno. http://www.1800beisbol.com/baseball/deportes/historia_del_beisbol/el_beisbol_nocturno_baseball_night_games/

Escrito por Esteban Romero, 2 agosto de 2018

Joan Fontaine

Espero morir a los 105 años en teatro e
interpretando el papel de Peter Pan
.”
Joan Fontaine

Joan Fontaine en Sospecha (1941)

Joan Fontaine en «Sospecha (1941)» Cortesía Doctormacro.com

La hermana de Olivia De Havilland fue otra actriz destacada en cine. Como se apuntó para Olivia, ellas jamás actuaron juntas en cine, ya que entre ellas existió siempre una gran rivalidad. Joan De Beauvoir De Havilland, nació el 22 cctubre de 1917 en Tokyo, Japón, y junto a su familia se trasladó a California después del divorcio de sus padres. A diferencia de Olivia, Joan en cuanto pudo volvió a Japón y asistió allí a escuela americana. Su regreso a EE.UU. tuvo lugar en 1934. Entonces Olivia actuaba en teatro y Joan la imitó, al incluirse en grupo teatral de San José. Más tarde se trasladó a los Ángeles, donde adoptó el nombre artístico de Joan Burfield. Realmente no quiso afectar la fama de su hermana, que si usaba el apellido de familiar.

A la edad de 18 años, Joan realizó pruebas para la MGM y obtuvo papel secundario de la comedia romántica “No más mujeres (1935)” de Edward H. Griffith y  George Cukor con Joan Crawford y Robert Montgomery. En la segunda mitad de los 30, comenzó a trabajar con bastante frecuencia en papeles de reparto de:

  • Las comedias “Señorita en desgracia (1937)” con Fred Astaire,
  • “Olivia (1937)” con Katharine Hepburn, ambos filmes de George Stevens,
  • “Mujeres (1939)” de Cukor con Joan Crawford y Norma Shearer
  • “No luches contra el amor (1937)” de Christy Cabanne con Preston Foster
  • Del film de aventuras “Gunga Din (1939)” de Stevens con Cary Grant

Tuvo su primer papel protagónico en el romance de suspense “Rebeca (1940)” de Alfred Hitchcock con Laurence Olivier, que fue de hecho su primer gran éxito en el cine. Hitchcock, contento con el trabajo de Joan, la volvió a incluir como protagonista en el suspense “Sospecha (1941)” con Cary Grant, film que le proporcionó un éxito superior al de “Rebeca”. Estas actuaciones la consolidaron como estrella de Hollywood y los contratos para nuevas actuaciones le llovieron desde entonces.

Joan Fontaine en Rebeca

A continuación actuó en:

  • El film de guerra “Sé fiel a ti mismo (1942)” de Anatole Litvak con Tyrone Power
  • El melodrama “La ninfa constante (1943)” de Edmund Goulding con Charles Boyer
  • El film de aventura “El pirata y la dama (1944)” de Mitchell Leisen con Arturo de Córdova y Basil Rathbone
  • El drama “Jane Eyre (1944)” de Robert Stevenson con Orson Welles, film basado en la novela homónima de la escritora Charlotte Bronte
  • La comedia-musical “El vals del emperador (1948)” de Billy Wilder con Bing Crosby
  • Los romances “Carta de una desconocida (1948)” de Max Ophuls con Louis Jordan, una película muy original y con excelentes actuaciones de sus protagonistas
  • “Idilio en septiembre (1950)” de William Dieterle con Joseph Cotten
  • El drama-film de cine negro “Nacida para el mal (1950)” de Nicholas Ray con Mel Ferrer

Joan Fontaine afiches

En la década de los 50, Joan protagonizó:

  • La comedia “Cariño, ¿por qué lo hiciste? (1951)” de Mitchel Leisen con John Lund
  • El film épico “Ivanhoe (1952)” de Richard Thorpe al lado de dos Taylor, Robert y Elizabeth
  • El drama “El bigamo (1953)” dirigido y también protagonizado por Ida Lupino con Edmond O´Brien, nuevamente otra cinta que no se puede olvidar por su calidad
  • La comedia musical “’La gran noche de Casanova (1954)” con Bob Hope

En lo sucesivo, Joan se dedicó más al teatro y la TV, con pocas incursiones en la gran pantalla, entre ellas en:

  • El film de ciencia ficción “Viaje al fondo del mar (1961)” de Irwin Allen con Walter Pidgeon
  • El film de horror “Las brujas (1966)” de Cyril Frankel con Kay Walsh, que fuera su última película

Joan Fontaine afiches 2

La biografía de Fontaine y de su hermana Olivia fue publicada en  el libro “Sisters: The story of Olivia de Havilland and Joan Fontaine (1983)” (Hermanas: la historia de Olivia De Havilland y Joan Fontaine). Su autobiografía se denomina «No bed of roses» (Ninguna cama de rosas), publicada en 1979.

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Rebeca (1940)” y “La ninfa constante (1943)”.  Obtuvo OSCAR como mejor actriz por “Sospecha (1941)”.Obtuvo premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como mejor actriz por “Sospecha (1941)”.

Se sabe que en 1962, las dos hermanas, Olivia y Joan junto con sus familias se reunieron para pasar juntos el día de navidad. Así que no es cierto que no haya habido reconciliación entre ellas. Joan actuó en 71 películas entre 1934 y 1995, productora de una película. Esta actriz no llegó a los 105 años como habría querido, pero vivió 96, murió el 15 de diciembre de 2013 en Carmel, California.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 2 julio de 2018, con información extraída de su obra inédita «Grandes del cine de todos los tiempos».

Francisco de Albear y el acueducto de la Habana

Para crear, uno antes debe cuestionarlo todo.”
Eileen Gray, arquitecta y diseñadora inglesa (1878-1976)

Francisco Albear

Para que una ciudad tenga salud, el suministro de agua es sumamente importante, algo que los romanos, desde tiempos remotos, tuvieron siempre en consideración. La calidad del agua a suministrar depende mucho de los canales que se utilicen a tales efectos. Los métodos para la construcción de acueductos fueron descritos por Vitruvio en su obra “De Architectura”, en el siglo I a. C. El libro sirvió de guía para la construcción de varias de estas obras. Con esto debe quedar claro que cualquier proceso de urbanización debe pasar por la construcción de un acueducto apropiado, lo cual evita que la población no tenga que recurrir a depósitos individuales de agua, que al final se convierten en nichos perfectos para la cría de insectos dañinos a la salud humana.

La Habana tuvo la suerte de tener la competencia del ingeniero cubano, Francisco de Albear y Fernández de Lara, nacido el 11 de enero de 1816, en la misma capital cubana, quien realizó diversas obras en la Habana, las que aún perduran.

Albear era hijo del coronel Francisco de Albear Hernández, gobernador del Castillo del Morro, el cual murió cuando su hijo tenía 7 años. Su niñez y juventud las pasó estudiando y llegó a graduarse de teniente en la Escuela de Ingenieros Militares de Guadalajara, España. Una vez terminados estos estudios, decidió viajar por Europa, a fin de adquirir mayores conocimientos. Además, participó en algunas contiendas bélicas de la corona, donde se destacó por su entrega en combate. Así fue en las tomas de San Mateo y de Valderrobres, así como en la de Campusines. Por su actitud en combate, fue condecorado con la Cruz Militar de San Fernando. Luego participó en el asedio a la Plaza de Morella Infantería, donde volvió a destacarse y fue nuevamente condecorado. Entre sus últimas batallas está la ocupación de Berga al norte de Cataluña, durante la guerra contra los carlistas, donde al final fue nombrado comandante interino.

Su regreso a Cuba tuvo lugar en 1845, fue entonces ascendido a Teniente Coronel y ocupó el cargo de Director General de Obras Públicas de la Real Junta de Fomento. Entre las diversas tareas que emprendió, a Albear se le dio la de llevar el agua a la Habana mediante un acueducto, ya que el suministro era pobre y deficiente. A tales efectos, preparó un proyecto en 1858, cuyo objetivo era conducir las aguas desde los manantiales de Vento. La obra se comenzó y se desarrolló con extrema lentitud, las guerras y la situación inestable del país, fueron las que ralentizaron la ejecución del acueducto, el cual se terminó 45 años después (1893).

Este acueducto sigue en funcionamiento y abastece buena parte del agua a la ciudad. La entrega de agua es de 1,67 m³/s, lo que significa 144.000 m³/día. En aquella época, la Habana tenía una población de 200 mil habitantes, por lo que solo requería 102.000 m³/día. Ahora la capital tiene más de 2 millones de habitantes y el acueducto Albear se las ve difícil para poder abastecer a toda la ciudad. Realmente aporta el 20% del agua que se consume actualmente en la Habana. La obra del acueducto, le valió a Albear, premio especial en la Exposición de París de 1889.

Acueducto Albear

Acueducto Albear

Antes de ocuparse del acueducto de la Habana, Albear desarrolló otros trabajos en el interior del país, como fue reconocer el curso y desembocadura del Río Zaza, dirigir y llevar a cabo la construcción del Cuartel de Caballería de Trinidad, y elaborar un proyecto para la ampliación del muelle de Cienfuegos.

A la par del proyecto del acueducto, se construyó el Muelle de San Francisco en La Habana, las obras del Puente San Jorge sobre el Río Bacuranao y la construcción de la Calzada a San Cristóbal por Guanajay.

Durante todo el período de su mandato en obras públicas, se instalaron las primeras líneas telegráficas en Cuba, se construyó el edificio del Observatorio Meteorológico, el local de la Junta General de Comercio y Lonja Mercantil, y la cátedra de agronomía. Además, se construyeron los Puentes Grandes sobre el río Almendares y el Puente Conde de Alcoy sobre el río Luyanó.

Albear, por sus méritos, fue miembro corresponsal de la Real Academia de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales de Madrid, fundador de la Sociedad Geográfica de Madrid, miembro ordinario de la Sociedad Científica de Bruselas, honorario y corresponsal de la Sociedad Británica de Fomento de Artes e Industrias, miembro de la Sociedad de las clases productoras de México, socio de mérito de la Real Sociedad Económica de Amigos del País de La Habana y del Círculo de Hacendados de la Isla de Cuba, y socio de mérito y vicepresidente de la Real Academia de Ciencias Médicas, Físicas y Naturales de La Habana.

Monumento a la memoria de Francisco Albear en la Habana

Monumento a la memoria de Francisco Albear en la Habana, el cual se halla en la calle Monserrate a un lado del famoso restorán «Floridita»

El ilustre constructor e ingeniero falleció el 23 de octubre de 1887, en la Habana. En honor a su persona, cabe decir, que aún siendo un oficial de la corona española, jamás participó en combate o acción contra los patriotas cubanos en la Guerra de los 10 años, ni tampoco en la Guerra Chiquita.

Fuentes

Anon. Francisco Albear y Lara. Paseos por la Habana, http://www.paseosporlahabana.com/plaza-de-albear/

Anon. Francisco de Albear y Fernández de Lara. EnCaribe. https://www.encaribe.org/es/article/francisco-de-albear-y-fernandez-de-lara/1350

García Blanco, Rolando. 2007. Francisco de Albear: un genio cubano universal, Editorial Científico-Técnica, La Habana.

Jacome Derubin. 2013. Francisco de Albear y Fernández de Lara (1816- 1887). Cuba en la memoria, 25 enero. https://cubaenlamemoria.wordpress.com/2013/01/25/francisco-de-albear-y-fernandez-de-lara-1816-1887/

 

Escrito por Ricardo Labrada, 6 julio de 2018

Las faltas ortográficas más comunes

La ortografía es un reflejo de la educación y la educación está
detrás de todos los problemas. Escribir bien significa respeto al
interlocutor, a quien le estás hablando, a quien le diriges tu mensaje.

Pablo Zulaica Parra (Periodista y corrector de estilo español, 1982)

Benta de Hielo

El castellano o español no es una lengua fácil de escribir. Usualmente cualquier persona, la más letrada del mundo, puede cometer una falta de ortografía. Lógicamente, una falta es una cosa, pero dos o tres ya es para analizar. Un verdadero desastre con personas que cometen más de cinco faltas ortográficas por cuartilla.

Un colega tenía por distracción fotografiar los carteles con errores ortográficos. Se trataba de carteles con publicidad de productos en venta o de servicios. Un ejemplo de estos aparece ilustrado en este escrito. El colega me decía que las faltas eran muy similares en los distintos países hispanohablantes. De esos errores no se salvan ni los mismos españoles. Basta con ver los comentarios en muchos medios de prensa de España, para uno darse cuenta de las faltas de ortografía que se cometen. Veamos algo de lo visto en diversos medios de España y América Latina.

Los latinoamericanos acostumbran a cometer errores con palabras que llevan Z, C o S. Sucede que para ellos todo suena o se pronuncia como S. En España la C y la Z se pronuncian, lo que evita errores a la hora de la escritura. Así vemos oraciones con faltas tales, como hiso, cuando debe ser hizo (pasado del verbo hacer); instaurasión, cuando se escribe instauración; restaurasión en lugar de restauración, y así sucesivamente. Recordemos que con Z acoplan las vocales A, O y U, mientras que C va con E e I.

Otra falta muy común para todos, de esa no se salva ni los peninsulares, es el mal uso de la B y la V. Ni los españoles, ni los latinos pronuncian estas letras, muy diferentes a los italianos, que sí la pronuncian. Por ese motivo, vemos disparates como “él tubo”, cuando debe ser “él tuvo”, o ellos tubieron, cuando es tuvieron; Baca en lugar de Vaca; biene en lugar de viene, o benimos cuando debe ser venimos.

Otra por el estilo es con la LL y la Y. Esas faltas abundan y por todo el mundo hispanohablante. Un disparate muy común es ver Aller en lugar de Ayer; el mal uso del verbo haber, halla querido, cuando es haya querido; el verbo hallar, sinónimo de encontrar, muchas veces viene escrito con la Y incorrectamente.

El otro grave problema es la H, letra muda, que me decían en la escuela, que en muchos casos se originaba de la transformación de la F del español antiguo en H, probablemente bajo la influencia de la ocupación árabe en España. Ese es el caso de fermosa, luego cambiado a hermosa; fazer o facer, ahora usamos hacer; fablar en lugar de hablar. El mal uso u omisión de la H es muy común en todos los países hispanohablantes. Muy fácil ver “él ase” en lugar de él hace, él aya en lugar de él halla. Estos disparates son graves y hacen difícil la lectura e interpretación de los mensajes o escritos.

Otro disparate grave en español es ver la V unida a la R. Uno puede encontrar avrasado en lugar de abrazado, avreviatura en lugar de abreviatura.

También como regla general, se escribe con B cuando sigue cualquier consonante, por ejemplo: obvio, blanco, bravo, obstruir, brazo, abstraer. Nunca se pone N antes de la B y la P, en ese caso de pone M. Por ejemplo: embarque, empezar. La N se utiliza antes de la V. Por ejemplo, envase, envío.

La doble R (rr) va entre vocales por ejemplo: carril, turrón, arrancar. También cuando se utiliza un prefijo antes de una palabra con R, por ejemplo: prerrequisito, vicerrector y otras.

Las palabras terminadas en AJE o EJE siempre se escriben con J. Así tenemos coraje, equipaje y otras. La G siempre se utiliza con verbos terminados en igerar, ger y gir, así tenemos coger, fingir, con la excepción de tejer y crujir.

Conozco a varios profesionales latinoamericanos y no de un solo país, que dicen que no hay necesidad de acentuar las palabras, pues eso es mucha exigencia. Naturalmente, si uno no sabe acentuar y no lo quiere aprender, pues sea así el disparate. Las reglas de acentuación en español- a diferencia del francés, que tiene más de dos acentos- están bien definidas, veamos:

  • Las palabras agudas (no monosílabas) se acentúan si terminan en vocal, N o S, ejemplos: habló, leí, inglés.
  • Las palabras llanas se acentúan si no terminan en vocal, N o S, ejemplos: fácil,  lápiz.
  • Las palabras esdrújulas y sobresdrújulas se acentúan siempre: esdrújula, médico, biólogo.

Existen monosílabos que llevan tilde diacrítica, por ejemplo:

  • Él (pronombre personal), que así se diferencia del artículo determinante El.
  • Tú (pronombre personal), que así se diferencia del adjetivo posesivo Tu.
  • El adverbio de cantidad Más, que así se diferencia de la conjunción Mas sinónimo de Pero.
  • El pronombre Qué en interrogaciones, que se diferencia del pronombre relativo Que.

La lectura de libros ayuda muchísimo a mejorar la ortografía personal. Es necesario inculcar en los niños la lectura de libros y otros materiales culturales, de forma que la ortografía mejore. No obstante, es imprescindible que el maestro, de cualquier asignatura, señale, además de los errores dentro de la materia que se estudia, los errores de ortografía que el estudiante pueda cometer.

Escrito por Ricardo Labrada, 25 julio de 2018

Mi Habana: La plaza de la Revolución y el Monumento a José Martí

El hombre puede ser destruido, pero no derrotado
El pescador Santiago en “El viejo y el mar” de
Ernest Hemighway

Pràctica

La plaza de referencia es una de las más grandes del mundo. Basta solo decir que la famosa Plaza Roja de Moscú mide 23 100 metros cuadrados, mientras que la habanera tiene 72 mil metros cuadrados, que duplican y más fácilmente a la primera mencionada.

Monumento a JM en la Plaza de la Revolución

La idea original de la plaza y su entorno fue aprobada en enero de 1938, cuyo plan era crear un espacio grande, un monumento a José Martí, así como otras edificaciones, entre ellas la biblioteca nacional. No obstante, las obras comenzaron después del golpe de estado de Batista en 1952. La intersección de la calle Paseo con la avenida de Rancho Boyeros fue el lugar escogido para estas construcciones.

BIBLIOTECA-NACIONAL Habana

Biblioteca Nacional

El monumento mide casi 113 metros de altura hasta la torre y casi 142 metros hasta los faros y las banderas, punto más alto de toda la ciudad. El monumento  tiene 52 bloques de mármol rodeado de seis pilares, los que representan las provincias cubanas originales. En esa área se halla una escultura a Martí y su memorial, donde se pueden leer 79 pensamientos del gran héroe cubano. La escultura fue realizada por Juan José Sicre, la misma mide 18 metros de altura y es de mármol blanco.

Teatro Nacional Habana

Teatro Nacional

Esta obra se construyó mediante impuestos, bastante “saladitos” durante la dictadura batistiana. El padre del que suscribe sufrió de ese impuesto y no poco en su época. Los edificios aledaños son los de varios Ministerios, incluido el de la biblioteca nacional, así como los del Gobierno central. El Teatro Nacional de Cuba es un nuevo edificio en la Plaza de la Revolución, La Habana, Cuba, el que abrió sus puertas el 3 de septiembre de 1979.

 

Escrito por Ricardo Labrada, 9 julio de 2018

Los juegos más largos en béisbol

«El juego no termina hasta que no termina”.
Yogi Berra

Una curiosidad, conocer los juegos más largos de béisbol en las distintas ligas. Probablemente una de las bellezas de este deporte, algo que no entienden algunos ejecutivos de la llamada Federación Internacional, es precisamente los duelos entre equipos, que suelen extenderse en extra-innings y con resultados inesperados.

El juego más largo de todos los tiempos

Ocurrió el 2 de septiembre de 2007, en el estadio Bower Shankland en Alliance, Nebraska. Los equipos contendientes fueron los Dragones de Alliance Times-Herland contra el Westo Knights, dos equipos amateurs. El partido comenzó en la fecha indicada y concluyó al siguiente día, para una duración de 83 innings, 30 horas y 5 minutos. La anotación final parece del siglo XIX, 120- 114 a favor de los Dragones. Este juego es obviamente el más largo al nivel amateur universalmente.

En la pelota profesional

El más largo y muy famoso fue el de los Alas Rojas de Rochester contra los Medias Rojas de Pawtucket, iniciado el 18 de abril de 1981, en el estadio McCoy de Pawtucket, Rhode Island. El juego llegó al inning 21 con el marcador empatado a 2 carreras del día 18, pero continuó hasta el inning 32 en la madrugada del 19 de abril, fue entonces que los árbitros decidieron su suspensión. Su reanudación fue posible 2 meses después, con una prolongación de 1 entrada más, o sea un partido de 33 innings, con 8 horas y 25 minutos de duración, que al final los Medias Rojas ganaron 3-2.

En  Grandes Ligas

El primer juego largo registrado fue entre los Bravos de Boston contra los Robins (Dodgers) de Brooklyn, efectuado el 1 de mayo de 1920. Los Robins anotaron una carrera en el quinto y los Bravos respondieron con otra en el sexto. Luego no hubo más anotaciones. No había luces entonces y el juego hubo que detenerlo antes del inning 27. Interesante que los lanzadores abridores cubrieron toda la ruta. Leon Cadore por los Robins y Joe Oeschger por los Bravos. De hecho, ambos ostentan el record de más innings lanzados en un juego de las Mayores.

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El 8 de mayo de 1984, los Cerveceros de Milwaukee y los Medias Blancas de Chicago se enfrentaron. El juego fue detenido concluido el inning 18 y continuó al siguiente día, hasta el inning 25 cuando el inicialista Harold Baines disparó jonrón que dejó a los cerveceros al campo. El partido concluyó 7-6 y duró 8 horas y 6 minutos. El receptor Carlton Fisk sirvió detrás del home todo el partido por los Medias Blancas.

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En juego de Estrellas de 2008, el partido escenificado en el Yankee Stadium, el 14 de julio, que se extendió 15 entradas y finalmente fuera ganado por la Liga Americana 4-3, gracias a un elevado de sacrificio de Michael Young remolcador de Justin Morneau. Este juego duró 4 horas y 50 minutos.

En play off, el más largo ha sido el que escenificaron los Astros de Houston frente a los Bravos de Atlanta, el 9 de octubre de 2005, el que se extendió a lo largo de 18 entradas. El epílogo llegó cuando Chris Burke botó la bola de jonrón. Interesante que la anotación final fue también  de 7-6. Roger Clemens lanzó de relevo y se llevó la victoria.

Burke-Clemens.png

En Serie Mundial, los Mets de Nueva York y los Reales de Kansas City se enfrascaron en duelo de 14 entradas, el 27 de octubre de 2015, primer partido de la serie, que finalmente terminó 5-4 a favor de los Reales, y que duró 5 horas y 9 minutos.

En Cuba

Liga Profesional cubana. El primer juego de largometraje ocurrió durante el Gran Premio de 1924, el 3 de febrero, Almendares y Habana se fajaron por espacio de 18 entradas, el cual terminó con empate a 4 carreras. Isidro Fabré, del Almendares, lanzó 17.5 innings, 16 de ellos escones, mientras que el panameño Oscar Levis, del Habana, lanzaba 12 y 2 tercios de  forma inmaculada y permitió solo 5 incogibles. Pero el más largo ocurrió durante la temporada de 1943-44.  Fue juego entre Cienfuegos y Marianano, que se prolongó 20 entradas con sonrisa final para el Cienfuegos de 6-5. El zurdo Luis Tiant Sr. lanzó bien 14 entradas, faena que se vio ensombrecida por error del torpedero marianense, Mickey Burnett. El vencedor de este juego, que duró 4 horas y 25 minutos, fue Ramón Roger, el que lanzó 11 escones consecutivos.

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Unión Atlética Amateur. El 9 de mayo de 1915, en el Almendares Park, tuvo lugar un partido entre el Club “Atlético” de Cuba frente a la Sociedad “El Progreso”, el cual se prolongó 20 entradas.

Otro largo, con 19 entradas de duración, ocurrió en 1934, en el parque del “Vedado Tennis”, entre el “Hershey” y el “Regla B.B.C”, todo un duelo entre Manolo Fortes por los azucareros y Gilberto Torres por los reglanos. El desafío se decidió por jonrón del jardinero derecho y tercer bate del Hershey, Emilio García, para finalizar con anotación de 5-4.

Fortes-Torres.png

En series nacionales. El 8 de diciembre de 1993, juego entre Habana y Matanzas, en el Victoria Girón de la provincia matancera. El juego se extendió a lo largo de 2 días y 24 entradas. Iba empatado a 8 en el inning 12 cuando los árbitros detuvieron el partido. Al siguiente día, los matanceros pusieron al zurdo Jorge Luis Valdés, quien lanzó 12 entradas. El epílogo llegó cuando Vaisel Acosta botó la bola con la casa llena para decidir. El receptor habanero Pedro Luis Rodríguez estableció record de 11 veces al bate en un desafío.

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En juegos o series de estrellas, hubo otro de larga duración el 19 de mayo de 1968 en el Estadio Latinoamericano. Los abridores fueron Julio Rojo Jr. por los Occidentales y el joven José Antonio Huelga por los Orientales. El juego iba 2-1 a favor de los Orientales en la séptima entrada. Rojo fue sustituido por Changa Mederos en ese inning, el curveador lanzó 2 y un tercio para dar paso al derecho Andrés “Papo” Liaño, ya con el juego empatado a 3. Huelga por su parte estaba fresco y continuó su faena hasta el inning 20. Los Occidentales mandaron al eficiente Urbano González de emergente, un hombre que se ponchaba rara vez, pero ese día, en la entrada 20 saboreó uno recetado por Huelga, el que lanzó más de 200 envíos, 20 entradas, 10 hits, 10 ponches y una carrera limpia. El juego concluyó empatado.

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En México

Se escenificó el 28 de abril de 1977 entre los Rieleros de Aguascalientes y los Cafeteros de Córdoba, con resultado a favor de los Rieleros  6-2 en 23 entradas. Otros similares, tuvo a los Diablos Rojos del México enfrentados a los Rojos del Águila de Veracruz, el 30 de junio de 2001, el que terminó 2-1 a favor de los Diablos Rojos. Por último, el 17 de mayo de 2016, Veracruz y los Olmecas de Tabasco igualmente se enfrentaron 23 entradas, con victoria para Tabasco 6-5. El juego duró 7 horas y 33 minutos, concluyó en la madrugada del 18 de mayo.

En Nicaragua

Los equipos Navarros Cubs y el Escuelas Internacionales de Primera División jugaron 26 innings, el10 de julio de 1949, en el estadio Nacional de Nicaragua. El partido fue iniciado a las 10:30 de la mañana y concluyó a las 16:21, o sea 5 horas y media de juego, en el quelos Navarros se llevaron las sonrisas.

En Puerto Rico

Se han jugado 5 juegos de 20 o más innings de duración. El primero tuvo lugar el 26 de diciembre de 1975, cuando los Senadores de San Juan vencieron a los los Vaqueros de Bayamón, 5-2, en 21 entradas. Otro de 23 innings de duración ocurrió el 30 de diciembre del 1988, entre los Indios de Mayagüez y los Criollos de Caguas. El primer día se jugaron 13 innings y no se reanudó hasta el 8 de enero del siguiente año., cuando se jugaron otras 10 entradas y finalizó 4-3. Hubo otro de 22 entradas, jugaron los Criollos contra los Gigantes, el 4 de noviembre de 2001, con anotación final de 4-3 para los Criollos.

En República Dominicana

El 12 de enero de 1981, los Tigres del Licey y las Estrellas Orientales se enfrentaron a lo largo de 22 innings, en el estadio Quisqueya, partido que terminó el 13 de enero. Las Estrellas ganaron ese encuentro 4-3.

En Venezuela

El 5 de junio de 1938, en el Estadio del Lago, de La Ciega, Maracaibo, se enfrentaron los Gavilanes y Pastora,. El partido llegó a la entrada 20 empatado a 0. Fue entonces que vino la decisión por doble de Domingo Barboza, que trajo la única del partido y las de la victoria para el Pastora. En este juego participaron algunos peloteros conocidos, como fue el padre de Luis Aparicio, Vidal López y Alejandro Carrasquel. El partido duró 6 horas y 40 minutos.

En Serie del Caribe

Los Yaquis de Ciudad Obregón se enfrentaron al representativo de la liga dominicana, el 7 de febrero de 2013, en Hermosillo, Sonora, juego que se prolongó 18 entradas  y se decidió con jonrón de Douglas Clark, el que rompió empate a 3.

La regla de Harvey Schiller, ex presidente de la Federación Internacional de Béisbol, sencillamente mata partidos que pueden tener colorido extra. El béisbol es deporte de outs e innings, esa invención de poner dos corredores en base sin out en extra-inning es lo más absurdo que uno pueda ver. Si lo que se quiere es satisfacer las exigencias de la TV o de los organizadores de olimpiadas u otros juegos regionales, entonces es mejor dejar el béisbol fuera, pero con sus reglas. Como dijo Yogi Berra:

Fuentes

Anon. 2005. Astros ganaron el juego más largo en un playoff. El Diario, 10 oct. https://www.diariolibre.com/deportes/astros-ganaron-el-juego-ms-largo-en-un-playoff-ICDL76390

Anon. 2008. All Star game 2008. MLB.com. http://mlb.mlb.com/es/eventos/all_star/y2008/index.jsp?c_id=ny

Anon. 2011. Mayagüez y Caguas son los equipos con más juegos disputados en más de 20 entradas. PrimeraHora, 5 enero. http://www.primerahora.com/deportes/beisbol/nota/mayaguezycaguassonlosequiposconmasjuegosdisputadosenmasde20entradas-460223/

Anon. 2015. El juego más largo de la serie mundial. EjeCentral, 28 octubre 2015. http://www.ejecentral.com.mx/el-juego-mas-largo-de-la-serie-mundial/

Anon. 2016. Histórico juego; en 23 innings se empata récord de LMB. Excelsior, béisbol, 18 mayo. http://www.excelsior.com.mx/adrenalina/2016/05/18/1093406

Medina Manuel R. 2013. México, campeón de Serie del Caribe en el juego más largo en la historia. SanDiegoRed. 8 febrero. http://www.sandiegored.com/es/noticias/61457/Mexico-campeon-de-Serie-del-Caribe-en-el-juego-mas-largo-en-la-historia.

 

Escrito por Esteban Romero, 13 julio de 2018

Anthony Quinn

He vivido en una ráfaga de imágenes,
pero finalizaré en un marco congelado
”.
Anthony Quinn

Anthony Quinn

Anthony Quinn Cortesía Doctormacro.com

Destacado y laborioso actor, capaz de protagonizar películas de los más variados géneros y de hablar varios idiomas, además de actuar hablando los mismos. Antonio Rudolfo Oaxaca Quinn nació el 21 de abril de 1916 en Chihuahua, México, hijo de Francisco Quinn, que años más  tarde fuera camarógrafo en Los Ángeles, descendiente de familia irlandesa, y madre oriunda de Oaxaca. En su infancia, su familia se trasladó a los EE.UU. No llegó a concluir sus estudios en escuela superior, boxeó desde joven y siempre sintió deseos de actuar. Inicialmente se interesó por la pintura, luego cambió la vocación por la interpretación. Hollywood lo utilizó enseguida como extra en varios filmes desde 1936 y luego empezó a interpretar papeles de indio o de mexicano, trabajó muchísimo en sus inicios, algo que jamás dejó de hacer, incluso ya viejo. Quinn alternaba sus actuaciones en el cine con las del teatro en Broadway, lo que denota su carácter incansable. Una de las obras teatrales en las que se destacó fue “Un tranvía llamado deseo” interpretando el papel de Stanley Kowalski. En sus inicios, en el cine, fue encasillado en papeles de villano, así se le podía ver entonces al lado de Errol Flynn, Henry Fonda o Tyrone Power, siempre interpretando el papel del malvado de la película.

Sus primeras interpretaciones como actor de reparto fueron en:

  • Los filmes de crimen “El trasatlántico de la muerte (1937)” de Robert Florey con Charles Bickford y Buster Crabbe,
  • “Waikiki wedding (1937)” (Matrimonio Waikiki) de Frank Tuttle con Bing Crosby
  • El film de aventura “Los bucaneros (1938)” con Fredrich March
  • El oeste “Unión Pacífico (1939)” con Barbara Stanwyck y Joel McCrea, ambos filmes de Cecil B. DeMille
  • Los dramas “Ciudad de conquista (1940)” de Anatole Litvak con James Cagney y Ann Sheridan,
  • “Sangre y arena (1941)” de Rouben Mamoulian con Tyrone Power, Rita Hayward y Linda Darnell, donde es al final quien se lleva a la bella Rita
  • El oeste histórico “Murieron con las botas puestas (1941)” de Raoul Walsh con Errol Flynn y Olivia De Havilland, donde Quinn interpreta el papel del jefe indio “Caballo Loco”
  • La comedia “Larceny Inc (1942)” de Lloyd Bacon con Edward.G. Robinson y Jane Wyman
  • Los oestes de William Wellman, “Incidente en Ox-Bow (1943)” protagonizado por Henry Fonda,
  • “Buffalo Bill (1944)” con Joel McCrea y Maureen O’Hara, otra vez como el jefe indio, “Mano Amarilla”
  • El film de guerra “Regreso a Bataan (1945)” de Edward Dmytryk con John Wayne, donde no es el villano esta vez
  • El film de aventuras “Sinbad el marino (1947)” de Richard Wallace con Douglas Fairbanks Jr. y Maureen O’Hara

Anthony Quinn afiches

En la década de los 50, actuó en:

  • Los dramas “Viva Zapata (1952)” de Elia Kazan con Marlon Brando,
  • “La strada (1954)” (La vía) de Federico Fellini con Giulietta Masina
  • Protagonizó la película épica, “Atila, hombre o demonio (1954)” de Pietro Francisci con Sophía Loren,
  • Co-protagonizó con Kirk Douglas el drama “Ulises (1954)” de Mario Camerini y Mario Bava con Silvana Mangano, donde interpreta el papel de Antinoos
  • Interpretó el papel del pintor Gauguin en el drama “El loco del pelo rojo (1956)” de Vincente Minnelli y George Cukor con Kirk Douglas nuevamente
  • El papel del jorobado Quasimodo en “Notre Dame de Paris (1956)” de Jean Delannoy con Gina Lollobrigida, donde la actuación de Quinn fue excelente
  • Los dramas “Viento salvaje (1957)” de George Cukor con Anna Magnani,
  • “Orquídea negra (1958)” de Martin Ritt con la Loren de nuevo
  • Los oestes “El último tren de Gun Hill (1959)” de John Sturges con Kirk Douglas una vez más,
  • “Warlock, el hombre de las pistolas de oro (1959)” de Edward Dmytryk con Henry Fonda y Richard Widmark
  • Co-protagonizó con Lana Turner el drama “Retrato en negro (1960)” de Michael Gordon

Anthony Quinn afiches 2

En las siguientes décadas, Quinn protagonizó más películas y tuvo menos papeles de reparto:

  • En papel de reparto del film de guerra “Los cañones de Navarone (1961)” de J. Lee Thompson con Gregory Peck y David Niven
  • Protagonizó los dramas “Réquiem para un campeón (1962)” con Jackie Gleason, donde interpreta el papel de un boxeador a la postre frustado,
  • “Barrabás (1962)” de Richard Fleischer con Silvana Mangano y Arthur Kennedy entre otros,
  • En papel de reparto del épico “Lawrence de Arabia (1962)” de David Lean con Peter O’Toole, Omar Sharif y Alec Guinness
  • Mención particular merece su extraordinaria interpretación en el drama “Zorba el griego (1964)”, de Michael Cacoyannis con Alan Bates e Irene Papas
  • Protagonizó el film de aventura “Viento en las velas (1965)” de Alexander Mackendrick con James Coburn
  • Interesantes sus interpretaciones en el drama “Las sandalias del pescador (1968)” de Michael Anderson con Laurence Oliver, film sobre la Rusia soviética, donde interpretó el papel de un ex-presidiario en Siberia y luego devenido Papa del Vaticano
  • La comedia “El secreto de Santa Victoria (1969)” de Stanley Kramer con la Magnani nuevamente y Virna Lisi, donde de forma casual se convierte en alcalde de un pueblo italiano durante la ocupación nazi
  • El drama “El griego de oro (1978)” de J. Lee Thompson con Jacqueline Bisset, donde interpretó el papel figurado del millonario Onassis, quien luego se casó con la viuda del difunto presidente de EE.UU
  • Estelar fue su desenvolvimiento en el drama “El león del desierto (1980)” de Moustapha Akkad con Raf Vallone y Oliver Reed, donde encarnó el papel del patriota libio Omar Mukhtar, film bastante desconocido o subvalorado en occidente.

Anthony Quinn afiches 3

En la década de los 90, Quinn interpretó papeles para la gran y pequeña pantalla, entre ellos:

  • El film de crimen “Revenge (1990)” (Venganza) de Tony Scott con Kevin Costner
  • El film de acción “El último gran héroe (1993)” de John McTiernan con Arnold Schwarzenegger
  • Los dramas “Alguien a quien amar (1994)” de Alexandre Rockwell con Harvey Keitel y Rosie Pérez,
  • “Un paseo por las nubes (1995)” de Alfonso Arau con Keanu Reeves,
  • “Il sindaco (1996)” (El alcalde) de Ugo Fabrizio Giordani con Raoul Bova y Anna Bonaiuto,
  • “Oriundi (1999)” de Ricardo Bravo con Paulo Betti,
  • “Tierra de cañones (2000)” de Antonio Ribas con Mercè Adalit
  • Su última aparición en pantalla, en el film de crimen “El protector (2002)” de Martyn Burke con Sylvester Stallone y Madeleine Stowe, película que se estrenó cuando Quinn ya había muerto.

Quinn dirigió una sola película, el remake de “Los bucaneros (1958)”, film original de 1938 dirigido anteriormente por su ex suegro, Cecil B. DeMille, en el que él también había actuado. Para la TV, tuvo una notable actuación secundaria, en el drama “Gotti (1996)” de Robert Harmon con Armand Assante. Quinn fue también un destacado pintor y escultor, además de haber escrito dos obras, “The original sin (1972)” (El pecado original) y “One man tango (1997)” (Un hombre de tango).

Nominado para OSCAR como mejor actor por “Viento salvaje (1957)” y “Zorba el griego (1964)”.  Obtuvo OSCAR como mejor actor de reparto por “Viva Zapata! (1952)” y “El loco del pelo rojo (1956)”. Nominado para Globo de Oro como mejor actor en drama por “Zorba el griego (1964)”; como mejor actor en comedia/musical por “El secreto de Santa Victoria (1969)” y como mejor actor de reparto en series para la TV por “Gotti (1996) (TV)”. En 1987 obtuvo el premio Cecil B. DeMille.

Nominado para premio BAFTA como mejor actor extranjero por “Lawrence de Arabia (1962)” y “Zorba el griego (1964)”.

Obtuvo Satélite de oro como mejor actor de reparto en miniseries por “Gotti (1996) (TV)”. En 1996 obtuvo el premio Golden Camera en honor a su carrera. En 2003 obtuvo un premio similar del festival independiente de Chamizal.

Nominado para premio frambuesa como peor actor de reparto por “Mobsters (1991)”.

Quinn actuó en 168 filmes entre 1936 y 2002, productor de 6 y director de dos películas. Falleció, a causa de neumonía y fallos respiratorios debido a cáncer en la garganta, el 3 de junio de 2001 en Boston, Massachussets.

 

Escrito por Esteban Hernández, 28 junio de 2018, con información extraída de su propia base de datos.

El valor de la constitución

Con todos y para el bien de todos.
José Martí

Const Francesa

A partir de la segunda mitad del siglo XX se asienta la idea que la democracia es imposible sin una constitución. Es por eso que casi todos los países, que se llaman democráticos, y no es porque se llamen. es que lo sean, adoptan un texto constitucional  como propuesta ideológica y como herramienta política.

La primera constitución es la inglesa y data de 1215. La misma surgió cuando los señores feudales y los comerciantes exigieron quitar poder al monarca Juan I o Juan sin Tierra. La Carta Magna evolucionó y en 1869, se promulgó el llamado Bill of Rights. Claramente, la constitución desde su nacimiento fue para quitarle poderes a los que gobernaban.

Ferdinand Lasalle afirmó que la constitución es la ley fundamental proclamada en el país, en la que se echan cimientos para la organización del Derecho Público de esa nación. Muy claro, aunque cabría ver que entienden por Derecho Público los que gobiernan o los que redactan la constitución en los distintos países.

Esta Carta Magna debe sentar las bases para que sea el gobierno, quien rinda cuentas al ciudadano, y no este último al gobierno. A su vez, la constitución debe garantizar que el hombre sea dueño de su propia vida y destino. La misma debe garantizar las normas que potencien los derechos fundamentales, pero no normas que lo restrinjan, así como dota de facultades a los servidores públicos a fin de proteger, promover y garantizar los derechos fundamentales de los ciudadanos.

La constitución es una respuesta al absolutismo, la que determina las estructuras, funciones y deberes del Estado en beneficio de los ciudadanos en un país. De esta forma, se evita la concentración de poderes, aunque esto en muchos casos no se cumple. Hay constituciones hechas a las medidas de los que gobiernan, de aquellos que se creen vitalicios, aquellos que se equivocan continuamente pero son incapaces de soltar el poder. Esas constituciones no son más que colorete y crayón de labio, para darle forma a algo que carece de contenido democrático.

Si la Constitución viene plagada de poderes para el Estado, con medidas que reducen los derechos individuales, entonces la misma no es más que un estatuto autoritario, que sirve para los fines de quienes gobiernan, pero no para empoderar al ciudadano.

Una constitución justa debe garantizar la libertad de expresión, la libertad de religión, el derecho de ser juzgado por un jurado imparcial del Estado, el derecho a votar en las elecciones que se convoquen, derecho al empleo, y a postularse y ser electo al servicio público.

Otro aspecto importante, la constitución no puede discriminar a nadie por sus creencias religiosas o ideas políticas. La constitución es para todos los ciudadanos de un país, vivan dentro o fuera del mismo. Todo artículo dentro de esa Carta que tienda a mermar estos derechos, dejará de ser un instrumento democrático. La constitución no puede soslayar el hecho de que los derechos son para todo el pueblo sin excepciones.

Las constituciones de países democráticos casi siempre comienzan con enunciados de unidad de todo el pueblo, por ejemplo, en la de los EE.UU:

NOSOTROS, el Pueblo de los Estados Unidos, a fin de formar una Unión más perfecta, establecer Justicia, afirmar la tranquilidad interior, proveer la Defensa común, promover el bienestar general y asegurar para nosotros mismos y para nuestros descendientes los beneficios de la Libertad, estatuimos y sancionamos esta CONSTITUCION para los Estados Unidos de América.

Se habla de todo el pueblo sin excepción. La italiana por su parte, en sus primeros artículos establece:

Art. 1. Italia es una República democrática fundada en el trabajo. La soberanía pertenece al pueblo, que la ejercitará en las formas y dentro de los límites de la Constitución.

Art. 2. La República reconoce y garantiza los derechos inviolables del hombre, ora como individuo, ora en el seno de las formaciones sociales donde aquél desarrolla su personalidad, y exige el cumplimiento de los deberes inexcusables de solidaridad política, económica y social.

Art. 3. Todos los ciudadanos tendrán la misma dignidad social y serán iguales ante la ley, sin distinción de sexo, raza, lengua, religión, opiniones políticas ni circunstancias personales y sociales. Constituye obligación de la República suprimir los obstáculos de orden económico y social que, limitando de hecho la libertad y la igualdad de los ciudadanos, impiden el pleno desarrollo de la persona humana y la participación efectiva de todos los trabajadores en la organización política, económica y social del país.

Fuentes

Anon. ¿Para qué sirve una constitución? Republicanew. https://republica.gt/2015/02/13/para-que-sirve-una-constitucion/

Corral Fabián. 2013. ¿Para qué sirve la constitución? Diario ELCOMERCIO, 22 agosto. http://www.elcomercio.com/opinion/sirve-constitucion.html

Constitución de los EE.UU. 1787. https://www.constitutionfacts.com/content/constitution/files/usconstitution_spanish.pdf

Constitución de la República Italiana. http://www.ces.es/TRESMED/docum/ita-cttn-esp.pdf

González Placencia Luis. 2016 ¿Para qué sirve una Constitución? Animal Político, 29 febr. https://www.animalpolitico.com/blogueros-phronesis/2016/02/29/para-que-sirve-una-constitucion/

 

Escrito por Ricardo Labrada, 22 julio de 2018

Mi Habana: la ciudad deportiva

Corresponde al Estado defender y promover el bien común
de la sociedad civil, de los ciudadanos y de las instituciones intermedias
.”
Anon.

Coliseo Ciudad Deportiva en 1957

Coliseo de la Ciudad Deportiva en 1957

Otra obra impresionante de la capital cubana es la llamada Ciudad Deportiva, la que abarca unas 26 hectáreas en un área que la bordean la vía Blanca, la avenida Rancho Boyeros, y las Calles Santa Catalina y Primelles. En ese complejo deportivo aparece un Coliseo, majestuoso, además de instalaciones para la práctica de los más diversos deportes.

El Coliseo de la ciudad deportiva comenzó a construirse en noviembre de 1952 y se concluyó en 1957, aunque su inauguración oficial fue 26 de febrero de 1958. Para tal fecha, se organizó una pelea de boxeo entre Joe Brown, campeón de los pesos ligeros, contra el cubano Orlando Echeverría. El coliseo abarca unos 20 mil metros cuadrados de hormigón, con 103.2 metros de diámetro. Posee una cúpula de 95 metros con tejas translúcidas, capaces de permitir el paso de la luz solar. La capacidad del coliseo es de unos 15 mil aficionados y posee rampas lisas que facilitan el acceso y evacuación de ser necesaria.

La disponibilidad del Coliseo y sus áreas deportivas adyacentes ha permitido la celebración de importantes eventos mundiales deportivos, entre los que sobresalen:

  • Olimpiada Mundial de Ajedrez (1966)
  • Campeonato Mundial de Gimnasia Rítmica Moderna (1971)
  • Campeonato Mundial de Levantamiento de Pesas (1973)
  • Campeonato Mundial de Boxeo (1974)
  • Juegos Centroamericanos y del Caribe (1982)
  • Copas y Ligas Mundiales de Voleibol

Coliseo Ciudad Deportiva

En marzo de 2016, la famosa banda de los Rolling Stones brindó un concierto a Coliseo abarrotado de público.

Sin embargo, el estado de las instalaciones no siempre es el mejor. Un ejemplo de ello es el caso de las piscinas existentes, las que han sufrido de falta de mantenimiento. El bombeo y circulación  lleva más de 15 años sin funcionar, lo que obliga a clorar la piscina manualmente, algo engorroso y costoso, pues cuando llueve la cantidad de cloro se debe duplicar.

Dicho lo anterior, es menester darle mantenimiento a este patrimonio de la capital, de manera que permita la práctica deportiva de los interesados, así como continuar organizando eventos nacionales, regionales o internacionales en los distintos deportes de interés nacional.

 

Fuente consultada: Anon. 2017. La Habana moderna: Coliseo de la Ciudad Deportiva. https://onlinetours.es/blog/post/1082/la-habana-moderna-coliseo-de-la-ciudad-deportiva

Escrito por Ricardo Labrada, 7 julio de 2018

Mi Habana: los túneles en la ciudad

«Cada edificio debe contribuir a hacer nueva la ciudad
César Pelli (1926, arquitecto argentino)

La capital cubana tiene algo que no muchas ciudades del mundo poseen. Se trata de tres túneles subacuáticos que se construyeron en la década de los años 50.

El primer túnel fue el de Línea, iniciado en 1951 y concluido en 1953, con una capacidad de 2500 autos por hora y por senda, la cual actualmente está reducida. Habría que ver cómo funcionan ahora los ventiladores extractores que se ubicaron desde el inicio y cuya función estaba controlada automáticamente, incluso con un medidor de monóxido de carbono en el aire del túnel. Su construcción permitió aliviar el elevado tráfico que se registraba sobre el puente del río Almendares.

Túnel de Línea

Túnel de Línea

El siguiente puente fue el de la bahía, una señora obra maestra, que vino a sustituir la idea de un puente que uniera la Habana con su parte Este, algo que habría resultado engorroso y más costoso debido al relieve llano de toda esa zona. Eso permitía evitar tráfico en la carretera Central. Ya en aquel entonces se construía la vía Blanca, que uniría a la Habana con Matanzas sin tener que transitar por la carretera Central.

En definitiva, la obra del túnel de la Habana fue adjudicada a la Compañía de Fomento del Túnel de La Habana, S.A., mientras que la compañía contratista fue la Societé des Grands Travaux de Marseille, y la inspección quedó en manos de la Frederick Snare Corporation, todo eso mediante la Ley-Decreto No 1550, de 4 de mayo de 1954.

Este túnel fue obra conjunta de franceses, estadounidenses y cubanos, el mismo se construyó a lo largo de 3 años y se inauguró 5 años después del túnel de Línea. La obra realizada incluyó además la Vía Monumental y se dieron los primeros pasos para la construcción de la Habana del Este. El túnel tiene cuatro pistas de tráfico de 3.35 m de ancho cada una, con 733 m de largo.

Túnel de la Habana

Túnel de la Habana

Faltando tres meses para inaugurar el túnel de la Habana, se inició la construcción del túnel de Calzada, el cual une al Vedado con Miramar (Quinta Avenida), lo que conllevó a la demolición del puente Pote, el cual retrasaba el tráfico en la zona. Cada vez que pasaba una embarcación, había que abrir el puente para posibilitar su paso. Este túnel, de la mano de la compañía francesa, encargada del túnel de la Habana, inició y concluyó esta obra en 16 meses. Según los expertos, este túnel supera al de Línea en dimensiones,  seguridad y cementaciones.

Tunel de Calzada (Quinta avenida)

Tunel de Calzada (Quinta avenida)

Como habanero, me enorgullecen estas obras y ruego que quienes gobiernen, le den el merecido mantenimiento a estas importantes vías de la capital cubana.

Fuente consultada: Batista Silva, J.L. 2003. Los túneles subacuáticos de La Habana. http://repositorio.geotech.cu/jspui/handle/1234/214.

 

Escrito por Ricardo Labrada, 30 junio 2018

 

Luke Easter- otro bateador de poder

Si la pelota cayó, ese no fue mi jonrón más largo
Luke Easter

Luke Easter en 1949

Luke Easter en 1949

Como aficionado al béisbol guardo muchos recuerdos de grandes jugadas y de peloteros, que al menos me impresionaron. Uno de esos que recuerdo era del gigante Luscious Easter, más conocido como Luke, el que medía 193 cm, una estatura válida para el baloncesto también, se paraba a la zurda y lanzaba a la derecha. Le conocí ya viejo, e igual de efectivo. Jugaba en 1956 con los Bisontes de Buffalo, era su cuarto bate, resguardado por un quinto bate igualmente eficiente, el antesalista californiano Lou Ortiz. Un one-two que le metía miedo al más pinto de los lanzadores. Al menos, el maltrecho pitcheo de los Cubans en esa temporada, bastante que sufría de los descomunales batazos de estos peloteros, donde Easter era el líder en llevar la bola lejos y empujar carrera.

La otra característica de Easter era su elegancia defensiva en la inicial. Cuando se estiraba, lograba outs que podían ser quietos de otra manera. No era de esos inicialistas que recibiera sin cuidado el tiro del lanzador para aguantar al corredor embasado en primera. Hacía gestos para ver si podía engañar al corredor y enfriarlo en la primera.

A mitad de la década de los 90, adquirí una enciclopedia Britannica en CD, la que le daba a uno la oportunidad de solicitar artículos por separado sin costo adicional y fue entonces que solicité uno con abundante información sobre este pelotero.

Veamos, Luscious Easter nació el 4 de agosto de 1915 en Jonestown, Mississippi, eso es según el certificado de nacimiento existente. Sin embargo, Easter daba fechas distintas, casi siempre cambiando el año. Un día era 1913, otro 1914 y así sucesivamente. En 1963, estando en Rochester, le preguntaron la edad real, a lo que respondió que 42 en el béisbol y 52 en su vida. El presidente de las Alas Rojas de Rochester le ofreció pagarle diez dólares por cada año vivido realmente, fue entonces que surgió el año 1911. Da risa realmente, al final le pagaron por eso 520 dólares, ya que tenía 52 años, lo que no cuadraba con el certificado de nacimiento. Easter era parte de una familia de 10 hermanos, donde el padre era agricultor, oficio que cambió en 1919, se fue a palear arena en una fábrica de vidrios de St Louis. La madre de Easter murió cuando tenía siete años. El niño Luke asistió hasta la escuela media, junto a él estudiaba otro grande, el futuro receptor Quincy Trouppe, tres años más viejo que Luke.

Luke no estaba para estudios y los abandonó para jugar pelota. Él y uno de sus hermanos acostumbraban a jugar al taco, modalidad que no solo se juega en Cuba. Ellos usaban palos de escobas a manera de bates. Así las cosas, su debut en la pelota organizada fue en 1937 con el conjunto de los Gigantes Titanium de St Louis, equipo patrocinado por la American Titanium Company. Entonces lo mismo jugaba los jardines que la inicial, pero en los jardines había varios experimentados para cubrir esas posiciones, entre ellos el conocido Sam Jethroe. Por otro lado, Easter no se destacaba ni en las prácticas, ni en los juegos contra los Monarcas de KC. Así y todo, estuvo en el equipo, y en 1941, para su desgracia, el bus que llevaba al equipo, tuvo un accidente, en el cual Easter se fracturó el tobillo.

Luke Easter con los Indios

La guerra había comenzado y Easter, como el resto de sus compañeros, fueron llamados a filas del ejército, donde permaneció 13 meses. Fue liberado precisamente por su fractura en el tobillo, la que, al parecer, no fue bien cuidada. En 1945, se trasladó a Chicago para trabajar en una planta productora de químicos y allí hizo contactos para jugar con los Gigantes Americanos de Chicago de la Liga Negro, pero las orientaciones fueron de ir a jugar con el nuevo Cincinnati Crescents, conjunto que no fue admitido en la Liga Negro y se vio forzado a realizar juegos como equipo itinerante. Fue en 1947 cuando la suerte le sonrió al ser contratado por los Grises de Homestead de la Liga Nacional Negro. En su primera temporada con este conjunto, Easter bateó para .311 y conectó 10 cuadrangulares, y defendió uno de los jardines, ya que la inicial era propiedad de un señor de nombre Buck Leonard, casi nada. Al año siguiente, elevó su ofensiva, .363 y 13 jonrones, además de lograr 8 triples, lo que le valió ser escogido en el Todos Estrellas del Este de esta liga. En esa temporada, disparó un enorme jonrón que cayó en lo más alto del jardín central del desaparecido Polo Grounds en Nueva York. El tablazo se lo conectó a lanzador del equipo New York Cubans.

Easter no se dedicó tan solo a jugar pelota en EE.UU., también lo hizo en varios países, sobre todo en Puerto Rico, donde en tres temporadas acumuló 48 jonrones, 145 impulsadas y .330 de promedio ofensivo. Integró el equipo campeón boricua a la I Serie del Caribe, escenificada en la Habana, en 1949. De hecho, fue entonces que se dio a conocer a la afición cubana, y todavía al que suscribe le faltaban algunos añitos para  tener uso de razón.

La temporada de 1949, con 34 años cumplidos, le dio la bienvenida a Easter en los Indios de Cleveland. Entonces jugó 23 partidos, ya que la mayor parte del tiempo estuvo con el San Diego de la Liga de la Costa del Pacífico. Se puede decir que él como Miñoso tuvieron un inicio similar, con la diferencia que Easter jugó 14 partidos más que el cubano en esa temporada, en las Mayores, y eso a pesar que se había fracturado la rodilla, algo que le mantuvo alejado de juego por un tiempo. No obstante, con el San Diego se destacó disparando enormes jonrones, que los aficionados del Pacífico, a falta de equipos de Grandes Ligas en esa zona, iban con entusiasmo a ver. Además, conectó el primer batazo que se llevaba la pizarra auxiliar del estadio municipal de Cleveland. La pelota recorrió 477 pies, hazaña igualada posteriormente por Mickey Mantle. Mejor aún le fue en la temporada de 1950, cuando jugó regular la inicial, bateó para .280 con 28 jonrones. Entonces jugó junto con Larry Doby, el segundo pelotero afro-estadounidense en llegar a las Mayores. Así y todo, los Indios quedaron cuarto al final de la temporada.

Como jugador de Grandes Ligas, se mantuvo por espacio de 6 temporadas, en las que conectó 93 jonrones, empujó 340 carreras y bateó .274. Easter sufrió del manejo  del manager cubano-americano Al López, el mismo que sufrió Miñoso hasta 1951 cuando fue canjeado a los Medias Blancas. Póngale Ud. el nombre a eso. López, sin contemplaciones, mandó a Easter a los Indios de Indianápolis en 1952, pero el pelotero le hizo ver que se había equivocado, al batear para .340 con 6 jonrones en solo 50 veces al bate, lo que obligó a subirlo. Una vez de vuelta, él respondió con 20 cuadrangulares en la segunda mitad de la temporada, en la que fue escogido por el Sporting News como el pelotero más destacado de la Liga Americana. Hasta el manager general del equipo, el ex slugger Hank Greenberg se maravilló del regreso de Luke a las Mayores.  En 1953 todo fue desgracia, pelotazo que le fracturó un hueso en su pierna izquierda, por lo que quedó fuera de juego. Al momento de ese negativo incidente, bateaba para .303 en 63 partidos. Al final de la temporada fue liberado, luego invitado al entrenamiento primaveral de 1954, pero por una infección en un dedo, nuevamente jugó poco y quedó fuera. Los Indios ganaron el campeonato de la Liga Americana y su puesto fue ocupado por Vic Wertz, el mismo que conectara el batazo enorme, sobre el cual Willie Mays se luciera en la Serie Mundial, la que concluyó en pollona de los Gigantes sobre los Indios.

En lo sucesivo, en 1954, deambuló por las sucursales de los Indios en AAA, igualmente jugó con el Hermosillo de la Liga del Pacífico Mexicano, donde lideró la temporada en jonrones (20). En las temporadas de 1955 al 57, jugó con el Caguas de Puerto Rico, igualmente llevándose los lideratos de cuadrangulares.

La llegada a Buffalo, como ya se dijo, fue en 1956. No ha habido pelotero con más gloria en este equipo que el afro-estadounidense, cuyos batazos en todos los parques hacían levantar el grito de las graderías. En tres temporadas conectó 113 jonrones y empujó 343 carreras. Tuve la suerte o la desgracia de ver algunos de esos jonrones, su presencia al bate era de puro terror. Se podía ponchar, pero alguna que otra vez la enganchaba y como decía Salamanca: “Adiós, Lolita de mi vida”. En 1957 fue el MVP de la Liga Internacional. Para los Bisontes, la presencia de Easter significó gradas llenas en Buffalo, algo que en la actualidad no entienden los ejecutivos de muchos equipos mediocres de Grandes Ligas, muy amigos de hablar de fantasías como el llamado rebuilding.

Placa a Luke Easter en Salón de la Fama de los Bisontes de Buffalo

Placa a la memoria de Luke Easter en el Salón de la Fama de los Bisontes de Buffalo

Lo otro que le hizo grande fue precisamente que los batazos más enormes que se hayan dado en algunos parques, hayan sido obra suya. Uno de ellos fue el que conectó el 14 de junio de 1957, en el mismo parque Offermann de Buffalo, el cual se fue por encima de la pizarra del jardín central, primero logrado por ahí de todos los tiempos. Los entendidos estiman que la bola recorrió 550 pies.

Cosas de la vida, no le bastaba a los magnates de Buffalo lo que había hecho Easter, para enviarlo al vecino Rochester por la ridícula suma de 100 dólares. Bueno, a Camilo Pascual, el Marianao lo cambió por unos bates, así que no hay por qué asombrarse. El béisbol es deporte y negocio a la vez.  La operación de venta del gran Luke fue en 1959, justamente en la temporada cuando los Cubans se alzaron con el título de la Liga Internacional y luego de la Pequeña Serie Mundial. Fue en esa misma temporada que Easter disparara enorme jonrón que se fue a la calle volando las gradas del sol del Estadio del Cerro. Hubo otro jonrón de leyenda en esa temporada, concretamente el 23 de abril de 1959, con la presencia de la máxima dirección de Cuba. Los Alas Rojas y los Cubans llegaron abrazados a 3 al noveno inning, pero en el décimo se paró el “Terror” Easter y el resto ya se lo pueden imaginar, jonrón que decidió el juego a favor de los visitantes, 4-3. En parque que jugara Easter, se podía esperar un tablazo de dimensiones estratosféricas, único en su clase.

Jugó con las Alas Rojas de 1959 a 1964, con los que conectó 66 jonrones, y supo también ganarse la simpatía de su afición. Naturalmente, su producción ofensiva ya descendía. En su última temporada, solo jugó como bateador emergente, 10 veces al bate, dos sencillos y una empujada.

Luke Easter con Rochester

Luke Easter con las Alas Rojas de Rochester

A su retiro, Easter regresó a Cleveland, donde abrió una cafetería. Luego se dedicó a limpiar aviones para la Aircraft Workers Alliance, lugar donde se ganó el puesto de supervisor general.

El 29 de marzo de 1979, Easter transportaba la suma de 35 mil dólares para pagar a sus trabajadores. Estando fuera del banco de la calle 260 y la Avenida Euclid, un par de matones, con armas en mano, se le acercaron y le pidieron el dinero. Easter se negó y fue entonces que lo balearon sin misericordia. Triste que una persona de tanto bien y fama haya caído a manos de un par de maleantes, los que de seguro pensaron que Easter era un negro más y que eliminarlo no costaba nada. La policía los persiguió hasta los que detuvo, pero la vida de Easter ya se había ido al otro mundo.

Leyendo aquellas páginas, pensé en lo doloroso que debe haber sido, para sus familiares y compañeros en Cleveland, conocer de este final trágico. El que suscribe conoció este hecho en detalle años después y sintió el mismo dolor. Siempre tendré a Easter como el hombre de poder extraordinario, del cual no se habla mucho en esta época, quizás por ignorancia o desconocimiento.

program from Luke Easter's memorial service

Programa del funeral de Luke Easter, el 3 de abril de 1979

Fuentes consultadas

Anon. Luke Easter. Baseball-reference.com. https://www.baseball-reference.com/register/player.fcgi?id=easter001lus

Anon. Luke Easter. RedWingsBaseball.com. http://www.redwingsbaseball.com/history/easterhof.html

Anon. Class of 1997, Luke Easter. Buffalo Sports Hall of Fame. http://www.buffalosportshallfame.com/1997/luke_easter.html

Anon. Big Luke’s Rochester legacy. The Negro Leagues Close Up. https://homeplatedontmove.wordpress.com/2016/08/30/big-lukes-rochester-legacy/ 

Anon. 2010. Luke Easter’s Career and Murder in 1979.  Misc. Baseball, 16 dic. https://miscbaseball.wordpress.com/2010/12/16/luke-easters-career-and-murder-in-1979/

Murphy J. Luke Easter. Society for American Baseball Research. https://sabr.org/bioproj/person/f29a4070

 

Escrito por Esteban Romero, 8 julio de 2018.

Fanny y Alexander

Todo está vivo, y todo es Dios y los pensamientos de Dios.
No sólo las cosas buenas, las más crueles también.

Del diálogo de Aaron, el judío, con Alexander en el film

Fanny y Alexander poster

El drama “Fanny y Alexander (1982), película de producción franco-sueca y bajo la dirección del experimentando Ingmar Bergman, ha merecido con creces todos los premios ganados internacionalmente. Los protagonistas son los niños Pernilla Alwyn y Bertil Guve, Ewa Fröling y Allan Edwall, en el papel de padres de ambos, y Jan Maljmsjö como el obispo Vergerus.

Este film fue concebido y realizado para la TV, con una duración de 5 horas, las que luego se redujeron para poder llevarlo como largometraje a la gran pantalla. Fue por coincidencia el último film del realizador Bergman. La trama surge de los sufrimientos del mismo cineasta en su niñez. Fueron esos recuerdos, los que le ayudaron a elaborar el guión, donde aparece la vida de su hermana, la escritora Margareta Bergman, y la suya propia, con un padre, sacerdote luterano, sumamente despiadado.

Escena con Fanny y Alexander

Escena con Fanny y Alexander

La fotografía es lo primero que se destaca en esta película, realmente de alta calidad y detallando los más variados objetos que aparecen en los distintos sitios captados por la cámara.

La película es inicialmente lenta en su desarrollo, algo que va variando en la medida que avanza el film. Por el título dado, cualquiera piensa que se trata de dos jóvenes enamorados, algo erróneo, pues los dos héroes son dos niños, hermanos, ambos muy inteligentes y que le dan el tono perseguido por el director en la película.

Bergman guarda mucho parecido en esta película a la forma de pensar de dos escritores, como fueron Fiodor Dostoievsky y Nicolás Gogol. La constante de la existencia de Dios como punto de controversia está presente a lo largo del film. En ocasiones, el que suscribe recordaba “Los hermanos Karamazov” y en otras partes hasta “Crimen y castigo”, ambas obras de Dostoievski. No es la trama como tal sino el mensaje y cuestión que se evidencian. Esta película puede ubicarse en el género de misterio, aunque no deja de ser un drama real, con aspectos que mentalmente afectan a muchos en las sociedades actuales: ¿Existirá una segunda vida? ¿Seremos entonces fantasmas o espíritus? Esas y otras tantas cuestiones pueden aparecer en la reflexión de cualquier espectador de esta cinta.

El obispo Vergerus en una escena

El obispo Vergerus en una escena

Bergman debe haber sido creyente. No obstante, esta película pone en duda la calidad  ética de aquellos que deben promover la religión, sus creencias y valores. Igualmente se representa ideas distintas que giran alrededor de un mismo Dios, o sea lo cristiano y lo judío.

Lo novedoso de la película es la originalidad de la trama, su polémica filosófica y los resultados finales, muchos de los cuales son almacenados en nuestras mentes, de donde surgen las leyendas y los mitos.

Fuentes consultadas

IMDB.com

Valentí Fernández Tomás. 2018. Centenario de Ingmar Bergman (y 3): “Fanny y Alexander”. http://elcineseguntfv.blogspot.com/2018/06/centenario-de-ingmar-bergman-y-3-fanny.html

 

Escrito por Esteban Hernández, 7 julio de 2018

El Giraldillo y la Giraldilla

Las ciudades tienen la capacidad de proporcionar
algo para todo el mundo, sólo porque, y sólo
cuando, se crean para todo el mundo
”.
Jane Jacobs (periodista y urbanista
autodidacta (1906-2006)

Los cubanos estamos muy acostumbrados a oír hablar de la Giraldilla, que es todo un símbolo en la capital cubana. Sin darnos cuenta llamamos de igual manera al original que está en Sevilla, cuando éste en realidad se llama Giraldillo.

Los giraldillos o giraldillas existen o han estado presentes en otras ciudades de España y del mundo. Por ejemplo, en Badajoz existe una especie de réplica, mientras que Kansas City y Nueva York tienen o han tenido otras versiones. La de la Gran Manzana estuvo presente hasta 1925.

Veamos primero como surgió el Giraldillo, que igualmente se le conoce como Santa Juana o la escultura del Triunfo de la Fe Victoriosa.

España había vencido a los últimos bastiones de los moros en Andalucía y en el transcurso del siglo XVI se decidió, por orientaciones del Cabildo de la catedral de Sevilla, transformar el gran alminar árabe adosado a la catedral, que era en realidad el último vestigio de la Mezquita Mayor.

Giraldillo de Sevilla

Giraldillo de Sevilla

La transformación consistió en añadir cinco cuerpos de altura, colocando sobre el último una gran estatua, de cuatro metros de altura, con funciones de veleta, que representaba el ya mencionado Triunfo de la Fe Victoriosa. Fue así que surgió el Giraldillo en 1568, cuya figura de bronce y 3.47 metros de altura, consta de un gran escudo que hace veleta en la mano derecha y una palma en la izquierda, además de una lanza y una cruz cristiana en lo alto. La Giralda lleva un casco por corona. El diseño original de esta obra fue de Luis Vargas y en su construcción participó el arquitecto Hernán Ruíz.

En el Castillo de la Fuerza Real en la Habana existe una reproducción del Giraldillo, que se llama Giraldilla, de bronce igualmente, construida en 1632 y realizada por Gerónimo Martín Pinzón, cubano de origen canario. Esa estatuilla representa a doña Isabel de Bobadilla, primera gobernadora de Cuba y esposa de Hernando de Soto,  explorador en la Florida.

Se dice que la obra se realizó en honor a la gobernadora que murió de amor poco después de conocer de la muerte de su conyuge, De Soto, quien recorrió buena parte del actual territorio de los  Estados Unidos y finalmente murió, a los 43 años de edad, en áreas aledañas al río Mississippi debido a una persistente fiebre.

La Giraldilla en la Habana

La Giraldilla en la parte alta del Castillo de la Fuerza Real en la Habana. Foto del autor

La Giraldilla fue construida entre 1630 y 1634, o sea durante el mandato del gobernador Juan Bitrián Viamonte, quien precisamente bautizó a esta escultura por el nombre que se le conoce.

El original de la Giraldilla, de 110 centímetros de altura, se encuentra a la entrada del Castillo ya indicado. Una réplica de la misma también aparece en lo más alto del castillo.

Fuentes

Anon. Giraldillo (Sevilla). Sevillapedia. https://sevillapedia.wikanda.es/wiki/Giraldillo_(Sevilla)

Anon. La Giraldilla: una historia de amor convertida en símbolo de La Habana. Cibercuba. https://www.cibercuba.com/lecturas/la-giraldilla-una-historia-de-amor-convertida-en-simbolo-de-la-habana

 

Escrito por Ricardo Labrada, 14 junio de 2018

Daniel Day-Lewis

Vengo de clase media educada pero
me identifico con la clase obrera
.”
Daniel Day-Lewis

Daniel Day-Lewis

Daniel Day Lewis en el Royal Opera House, Covent Garden, Londres, en la premiación de BAFTA 2013. Foto. Steve Vas, Dreamstime.com

Uno de los mejores actores de teatro y cine del momento es sin lugar a dudas Daniel Day-Lewis, a quien se le suele llamar como el De Niro británico. Day-Lewis ha mostrado una tremenda versatilidad para protagonizar con acierto dramas, romances y películas de acción. Daniel Michael Blake Day-Lewis nació el 29 de abril de 1957 en Greenwich, Londres, Inglaterra, hijo del poeta laureado Nicholas Blake y de la actriz Jill Balcon, además de ser nieto de Sir Michael Balcon, una figura muy influyente del cine británico y jefe de los Estudios Ealing. Day-Lewis tiene ascendencia judía por la parte de su madre, hija de familia oriunda de Letonia y Polonia, mientras que su padre tiene ascendentes nor-irlandeses e ingleses. Day-Lewis cursó estudios en la escuela de Sevenoaks en Kent. Luego estudió actuación en la escuela Old Vic de Bristol.

Su debut en el cine fue como extra en el drama, “Domingo, maldito domingo (1971)” del director John Schlensinger. Después desapareció de la gran pantalla para continuar su carrera en los teatros de Old Vic en Bristol y en las compañías del Royal Shakespeare. Regresó al cine para actuar en papel de reparto del drama “Gandhi (1982)” de Richard Attenborough con Ben Kingsley y Candice Bergen. En ese retorno a la pantalla, también trabajó en filmes para la TV, sin dejar el teatro, donde protagonizó obras, como “Drácula (1984)” y “Futurists (1986)”. Posteriormente tuvo una aceptable actuación en el drama- film de acción “Motín a bordo (1984)” de Roger Donaldson con Mel Gibson, Anthony Hopkins y Laurence Olivier.

Durante la década de los 80 actuó en:

  • Papeles de reparto de los dramas románticos “Mi hermosa lavandería (1985)” de Stephen Frears con Saeed Jaffrey,
  • “Una habitación con vistas (1986)” de James Ivory con Maggie Smith, Helena Bonham Carter y Denholm Elliott
  • Una breve actuación en el drama romántico, de producción británico-francesa, “Nanou (1986)” de Conny Templeman
  • Protagonizó el drama, “La insoportable levedad del ser (1988)” de Philip Kaufman con Juliette Binoche, film en el que Daniel usó un acento checo en su forma de hablar y para ello estudió previamente la lengua checa, película que trata sobre las visicitudes de la población checa durante la intervención soviética de 1968 en Checoslovaquia
  • Actuó en la comedia “Un señorito en Nueva York (1988)” de Pat O’Connor con Harry Dean Stanton
  • Una extraordinaria interpretación tuvo en el drama “Mi pie izquierdo (1989)” de Jim Sheridan con Brenda Fricker, film en el que encarnó a una persona inválida que necesita de su pie para poder triunfar en la vida. Para poder interpretar este papel, Daniel permaneció varias semanas moviéndose en una silla de ruedas

Day-Lewis afiches

Después de este último film, volvió al teatro nacional para interpretar Hamlet, pero tres años más tarde volvió al cine:

  • Protagonizó el film de acción “El último mohicano (1992)” de Michael Mann con Madeleine Stowe, el cual fue un verdadero éxito taquillero y donde Day-Lewis encarnó el papel de Hawkeye
  • Bajo la dirección de Martin Scorsese, Lewis actuó en el drama romántico “La edad de la inocencia (1993)” con Michelle Pfeiffer y Winona Ryder
  • Volvió bajo la guía de Jim Sheridan, en el drama “En el nombre del padre (1993)” con Alison Crosbie y Emma Thompson, film que gira alrededor de los problemas políticos prevalecientes entonces en Irlanda del Norte
  • Volvió a actuar con Winona Ryder, en el drama “El crisol (1996)” de Nicholas Hytner
  • Sheridan le dio el papel protagónico de otro film con trama sobre Irlanda del Norte, esta vez el drama “The boxer (1998)” (El boxeador) con Daragh Donnelly, donde interpreta el papel de un púgil norirlandés.

En el presente milenio:

  • Co-protagonizó con Leonardo DiCaprio el drama- film de crimen “Gangs of New York (2002)” de Scorsese con Cameron Diaz y Liam Neeson
  • Protagonizó el drama “The ballad of Jack and Rose (2005)” (La balada de Jack y Rosa) de su esposa, la directora Rebecca Millar, con Camilla Belle
  • El drama-suspense “Pozos de ambición (2007)” de Paul Thomas Anderson con Martin Stringer
  • El drama-musical “Nine (2009)” de Rob Marshall con Marion Cotillard y Penélope Cruz, película que viene a ser un remake moderno del film “8 y medio (1967)” de Fellini
  • Los dramas “Lincoln (2012)” de Steven Spielberg con Sally Field, donde Day Lewis interpreta el papel del famoso presidente Abraham Lincoln
  • “El hilo invisible (2017)” de Thomas Anderson con Lesley Manville y Vickie Krieps, film en el que Day-Lewis interpreta el papel de un famoso diseñador, Reynolds Woodcock, cuya vida sufre cambios al conocer a una mujer, que al final se convierte en su amante.

Day-Lewis afiches 2

Nominado para OSCAR como mejor actor por “En el nombre del padre (1993)” y “Gangs of New York (2002)”. Obtuvo este premio por “Mi pie izquierdo (1989)”, “Pozos de ambición (2007)”, “Lincoln (2012)” “El hilo invisible (2017)” como mejor actor. Nominado para Globo de Oro como mejor actor en drama por “Mi pie izquierdo (1989)”, “En el nombre del padre (1993)”, “The boxer (1998)” y “Gangs of New York (2002)” y “El hilo invisible (2017)”. Obtuvo este premio por “Pozos de ambición (2007)” y “Lincoln (2012)”.

Obtuvo Satélite de Oro y SGA como mejor actor en drama por “Gangs of New York” (2002). Obtuvo premio del National Board Review de EE.UU. como mejor actor de reparto por “Una habitación con vistas (1985)”.

Nominado para BAFTA como mejor actor por “El último mohicano (1992)”, “En el nombre del padre (1993)” y “Gangs of New York (2002)”. Obtuvo este premio por “Mi pie izquierdo (1989)”, “Pozos de ambición (2007)” y “Lincoln (2012)”. Nominado para David en el David Donatello como mejor actor extranjero por “En el nombre del padre (1993)”.

Day-Lewis ostenta una extensa lista de premios en varios certámenes de cine por sus actuaciones en “Mi pie izquierdo (1989)”, “El último mohicano (1992)”, “En el nombre del padre (1993), “The boxer (1998)” y “Gangs of New York (2002)”. Se puede decir que cada actuación suya en el cine ha sido normalmente un éxito en la carrera de este actor.

La revista Premiere ubicó sus actuaciones en “Mi pie izquierdo (1989)” y “Gangs of New York (2002)” en los lugares 11 y 53 de las 100 más grandes actuaciones de todos los tiempos, respectivamente. La revista Empire del Reino Unido lo ubicó, en octubre de 1997, en el puesto 25 de las 100 grandes estrellas del cine de todos los tiempos. En 2014, fue premiado como Caballero Bachiller de la Orden del Imperio Británico por sus servicios en el arte dramático, honores recibidos en ocasión del cumpleaños de la reina.

Es ciudadano irlandés desde 1993, además de su ciudadanía natural como inglés. En resumen ha actuado en 30 filmes entre 1971 y 2017.

Day-Lewis, después de concluida su actuación en “El hilo invisible (2017)”, declaró que se retiraba definitivamente del cine, alegaba que el papel interpretado en esa película le sumió en una depresión tan profunda que provocó su retiro del cine. En 2012, concluido el film “Lincoln (2012)” hizo una declaración similar de retiro.

 

Escrito por Esteban Hernández, 11 junio de 2018, con información extraída de su obra inédita «Grandes del cine clásico de todos los tiempos».

La escultura del Cristo de la Habana

Los ojos de las estatuas lloran su inmortalidad.”
Ramón Gómez de la Serna
(escritor español 1891-1963)

Cristo de la Habana 4

El Cristo de la Habana. Foto del autor

Cada vez que uno se aproxima al Malecón de la Habana, sobre todo a partir del tramo donde está ubicado el antiguo edificio de la Marina de Guerra, uno puede ver bien la escultura del Cristo de la Habana, representativa del Sagrado Corazón de Jesús, obra de la escultora cubana Jilma Madera e inaugurada el 24 de diciembre de 1958.

Dicha escultura fue hecha de mármol de Carrara, importado de Italia, el mismo material utilizado en muchas esculturas que aparecen en el cementerio Tomás Acea de Cienfuegos. La obra tiene unos 20 metros de altura que reposa sobre una base de 3 metros. A esto se le añade que se encuentra en una altura del poblado de Casa Blanca, municipio de Regla, por lo que la escultura aparece a 51 metros sobre el nivel del mar.

Inicialmente no tuvo pararrayos y en 1961 un rayo la alcanzó. Los cubanos tienen costumbre de sacarle broma a cualquier cosa. Por lo que la leyenda de ese primer rayo, que le partió la misma corona a Cristo, es que Jesús veía entrar continuamente barcos soviéticos en la bahía de la Habana, en 1961. Eran tantos los que entraban, que el profeta exclamó: “Si esto no es comunismo, que venga un rayo y me parta”.

El Cristo de la Habana

Foto del autor

En 1962 y 1986 cayeron rayos nuevamente sobre la escultura. Eso terminó una vez que se instaló un pararrayo en el lugar.

 

Escrito por Ricardo Labrada, 12 junio de 2018

Catherine Deneuve

Trabajar es un arte noble.”
Catherine Deneuve

Catherine DeneuveCatherine Deneuve
Cortesía doctormacro.com

Una de las actrices de mucho éxito en el cine francés ha sido Catherine Deneuve, cuya belleza unida a sus modales fríos e indiferentes le ha dado siempre un toque de originalidad en cada una de sus actuaciones. Catherine Dorléac nació el 22 de octubre de 1943 en París, en el seno de una familia de artistas, su padre era el actor teatral Maurice Dorleac, y su madre actriz. Fue por eso que aprendió rápido y pudo así debutar en la gran pantalla a la edad de los 13 años gracias a la ayuda de su  padre y de su hermana mayor, la ya fallecida actriz Françoise Dorléac. Para ese entonces, Catherine usó el nombre de soltera de su madre, quien también era actriz. Entonces su debut fue en en papel de reparto del drama “Les Collégiennes (1957)” (Las colegiales) de André Hunebelle, donde actúa aún con el nombre de Catherine Dorleac. A continuación actuó en el drama “Les portes claquent (1960)” (Golpe de puertas) de Michel Fermaud y Jacques Poitrenaud con su hermana, Françoise Dorléac, al que le siguieron:

  • Papeles de reparto del film de crimen “L’Homme à femmes (1960)” (El hombre de las mujeres) de Jacques-Gérard Cornu con Danielle Darrieux y Nicolas Amato;
  • del drama “Les Parisiennes (1962)” de Marc Allégret y Claude Barma, donde actúa con el cantante Johnny Hallyday y Elina Labourdette en el segmento “Sophie”.

Su primer papel protagónico lo tuvo en el drama “La vice et la vertu (1962)” (Vicio y virtud)  de Roger Vadim con Annie Girardot, al que le siguieron:

  • El drama “Et Satan conduit le bal (1962)” (Y Satanás conduce el baile) de Grisha Dabat con Jacques Perrin,
  • El drama rodado en Portugal “Vacances Portugaises (1963)” (Vacaciones portuguesas) de Pierre Kast con Michel Auclair
  • El drama- musical “Los paraguas de Cherbourg (1964)” de Jacques Demy con Nino Castelnuovo, que vino a ser su consagración sin haber cumplido los 20 años de edad.
  • La comedia-film de crimen “Las más famosas estafas del mundo (1964)” de Claude Chabrol y Jean-Luc Godard, donde Catherine actúa en el segmento “El hombre que vendió la Torre de Eiffel”.
  • Actuó en papel de reparto de la comedia “La caza del hombre (1964)” de Édouard Molinaro con Jean-Paul Belmondo y su hermana Françoise

Catherine Deneuve afiches

Sus características de mujer fría quedaron evidenciadas en su actuación como Carol en la macabra producción de Roman Polansky, “Repulsión (1965)” con Ian Hendry, posteriormente protagonizó:

  • La comedia “Esposa ingenua (1966)” de Jean-Paul Rappeneau con Pierre Brasseur
    El drama-fantasía “Las criaturas (1966)” de Agnès Varda con Michel Piccoli
  • El musical “Las Señoritas de Rochefort (1967)” de Demy con su hermana Françoise, la que moriría ese año en accidente automovilístico
  • El drama “Belle de Jour: bella de día (1967)” de Luis Buñuel con Jean Sorel, film en que la burguesa se siente atraída por la afición sexual al extremo de prostituirse.
  • Buñuel volvería a dirigirla en el drama “Tristana (1970)” al lado de Fernando Rey y Franco Nero, una de las mejores interpretaciones en la carrera de Catherine
  • La comedia “Benjamín (1968)” de Michel Deville con Michèle Morgan y Michel Piccoli
  • Los dramas “Mayerling (1968)” de Terence Young con Omar Sharif,
  • “El amor es un extraño juego (1968)” de Alain Cavalier con Michel Piccoli, donde nuevamente muestra a una mujer con inquietudes insatisfechas por su marido
  • El romance-film de aventura “La sirena del Mississippi (1969)” de François Truffaut con Jean Paul Belmondo
  • La comedia “Locos de abril (1969)” de Stuart Rosenberg con Jack Lemmon.
  • El drama “Piel de asno (1970)” de Jacques Demy con Jean Marais, donde interpreta dos papeles, el de princesa y el de reina azul

Catherine Deneuve afiches2

En la década de los 70 sus mejores actuaciones fueron:

  • “La agresión (1975)” de Gérard Pirès con Jean Louis Tringtignant
  • Los dramas “Mi hombre es un salvaje (1975)” de Jean-Paul Rappeneau con Yves Montand,
  • “Alma perdida (1977)” de Dino Risi con Vittorio Gassman.

En la década de los 80, al parecer con nuevos bríos, protagonizó:

  • El drama “El último metro (1980)” de Truffaut con Gérard Depardieu, que tuvo buena acogida del público y la crítica
  • Los dramas del director André Téchiné “El hotel de las Américas (1981)” con Patrick Dewaere
  • “El lugar del crimen (1986)” con Danielle Darrieux, film rodado en EE.UU., –          “Mi estación preferida (1993)”, y
  • “Los ladrones (1996)”, donde Catherine interpreta el papel de una lesbiana. En las dos últimas películas mencionadas con Daniel Auteuil.

También aparecen en su repertorio:

  • El suspense “Agent trouble” (1987)” de Jean-Pierre Mocky con Richard Bohringer
  • El drama “Drôle d’endroit pour une rencontre (1988)” (Lugar divertido para un encuentro) de François Dupeyron con Gérard Depardieu
  • El suspense “Fréquence meurtre (1989)” (Asesinato frecuente) de Elisabeth Rappeneau con André Dussollier
  • Los dramas “La partida de ajedrez (1994)” de Yves Hanchar con Pierre Richard y Denis Lavant, film en el que interpreta el papel de condesa
  • “O Covento (1995)” del director portugués Manöel de Oliveira con John Malkovich
  • El documental “Las cien y una noche (1995)” de Agnès Varda, donde aparece también Mastroianni
  • El drama “Genealogías de un crimen (1997)” del director chileno radicado en Francia, Raúl Ruiz, con Michel Piccoli
  • El suspense “Place Vendôme (1998)” de Nicole García con Jean-Pierre Bacri y Emmanuelle Seigner, cuya trama es sobre unas joyas encontradas y al parecer robadas, y donde Catherine hace el papel de mujer adicta al alcohol y casada con el dueño de la joyería en la Plaza Vendôme, donde se hallan las joyas.

Catherine Deneuve afiche3

Para resaltar está su protagonismo en el drama “Indochina (1992)” de Régis Wargnier con Vincent Perez, el cual narra una historia que comienza en el Vietnam ocupado por Francia y concluye con el término de la guerra de este país con EE.UU. El film es realmente una joya desde el punto de vista histórico.  Otras actuaciones son:

  • En papel de reparto del musical-drama “Bailar en la oscuridad (2000)” de Lars von Trier con Björk y David Morse.
  • Protagonizando el film de acción “El mosquetero (2001)” de Peter Hyams con Mena Suvari
  • El musical-comedia “8 mujeres (2002)” de François Ozon con Danielle Darrieux nuevamente e Isabelle Huppert
  • Los dramas-comedias “Una película hablada (2003)” de Manoel de Oliveira con John Malkovich, Stefania Sandrelli e Irene Papas entre otros;
  • “Reyes y reinas (2004)” de Arnaud Desplechin con Emmanuelle Devos y Mathieu Amalric
  • El drama “Otros tiempos (2004)” de André Techiné con Gérard Depardieu
  • La comedia “¡Palacio real!” (2005) dirigida y protagonizada por Valérie Lemercier
  • Los dramas “Secretos cantados (2006)” de Thierry Klifa con Gérard Lanvin.
  • “La chica del tren (2009)” de André Téchiné con Émilke Dequenne
  • “Mères et filles (2009)” (Madres e hijas) de Julie Lopes Curval con Marina Hands
  • Las comedias-dramas “El viaje de Bettie (2013)” de Emmanuelle Bercot con Némo Schiffman
  • “En un patio de París (2014)” de Pierre Salvadori  con Gustav Kervern
  • En papeles de reparto de la comedia “El nuevo testamento (2015)” de Jaco Van Dormael con Pili Groyne
  • Del drama “Le cancre (2016)” (El burro) dirigida y protagonizada por Paul Vecchiali
  • Co-protagonizó con Catherine Frot el drama “Dos mujeres (2017)” de Martin Provost
  • Co-protagonizó con Kheiron la comedia “Malas hierbas (2018)” del mismo Kheiron

Las actuaciones de Catherine en Hollywood han sido escasas, entre ellas el film de crimen-drama “Destino fatal (1975)” de Robert Aldrich con Burt Reynolds y el film de terror “El ansia (1983)” de Tony Scott con David Bowie, donde Catherine hace el papel de vampireza.

Con su fallecido esposo, el actor Marcello Mastroianni, también actuó en los filmes “Angustia de un querer (1971)” de Nadine Trintignant, “No te puedes fiar de la cigüeña (1973)” de Demy y “No tocar a la mujer blanca (1974)” de Marco Ferreri,

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Indochina  (1992)”. Nominada para Satélite de Oro como mejor actriz de reparto en drama por ““Bailar en la oscuridad (2000)”.

Nominada para premio César como mejor actriz por “Mi hombre es un salvaje (1975)” “El hotel de las Américas (1981)”, “Agent trouble” (1987)”, “Drôle d’endroit pour une rencontre (1988)”, “Mi estación preferida (1993)”,  “Los ladrones (1996)” y “Place Vendôme (1998)”. Obtuvo premio César como mejor actriz por “El último metro (1980)” e “Indochina  (1992)”. Nominada para premio BAFTA como mejor actriz por “Belle de jour: bella de día (1967)”. Obtuvo el premio David en el David di Donatello como mejor actriz extranjera por “El último metro (1980)”. En 1998 obtuvo la Copa de Zorros como mejor actriz por “Place Vendôme” (1998).

En 1993 obtuvo el premio internacional en el certamen Women in Films. En 1995 obtuvo el premio Donostia en el Festival de San Sebastián por su carrera artística. En 1997 obtuvo la plata de San Jorge en el festival de Moscú. En 1998 ganó el Oso de Oro del Festival de Berlín. Catherine es Embajadora de Buena Voluntad de la UNESCO y es presentadora del premio especial de cine por la cultura de la Paz.

Entre 1957 y 2018 Catherine ha actuado en 132 filmes.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 7 junio de 2018, con información extraída de su obra inédita «Grandes del cine clásico de todos los tiempos.

 

El legado del Dr. Juan Tomás Roig Mesa

 “Aparte de las consideraciones de orden económico y sanitario,
que abogan por la conservación de los bosques, estos
representan una riqueza que recibimos de nuestros padres;
la generación actual no tiene derecho a destruir toda esa
riqueza y legar a las generaciones venideras un terreno pobre e inhabitable
.”
Juan Tomás Roig

Juan Tomás Roig y Mesa

Juan Tomás Roig y Mesa

En materia de botánica, fitomedicina y recursos forestales en Cuba, Juan Tomás Roig Mesa fue y es toda una autoridad. Científico con aportes importantes al conocimiento del mundo vegetal  en la tierra que le vio nacer, todo aquellos alcanzado con mucho esfuerzo personal desde temprana edad.

El ilustre sabio nació El el 31 de mayo de 1877, en Santiago de las Vegas, La Habana, en el seno de una familia pobre, lo que le obligó a temprana edad a comenzar a trabajar y así poder ganar algo para su sobrevivencia. Eran cuatro hermanos en familia y su madre les enseñó a leer y escribir, su padre había fallecido durante la niñez del niño Juan Tomás. Su primer oficio fue de aprendiz de tabaquero y con solo 17 años de edad decidió trasladarse a Cayo Hueso, EE.UU., donde trabajó como tabaquero, a la vez que se integraba a las actividades del Partido Revolucionario Cubano, donde colaboró con la causa independentista cubana. En 1898 regresó a Cuba.

Instaurada la república, el joven Roig supo combinar el estudio y el trabajo. Se superó de tal manera que netre 1901-02 pudo ejercer como maestro de instrucción primaria. Luego se trasladó a la  Universidad de Harvard, Boston, donde obtuvo el Certificado de Maestro de Inglés. Posteriormente se hizo bachiller (1906) y matriculó en la Universidad de la Habana (1906-1907) para estudiar Farmacia y Perito Agrónomo. Durante los años de estudios universitarios obtuvo varios premios en Botánica, Fitografía y Farmacia. La asignatura de botánica era impartida por el Dr. Manuel Gómez de la Meza. Fue entonces que surgió su interés por la botánica y todo el mundo de las plantas. En 1910 se graduó en farmacia y como perito agrónomo. En 1912 defendió su tesis “Las cactáceas de la flora cubana”, que le valió para obtener el grado de Dr. En Ciencias Naturales. Como era un inscansable estudioso, Roig también obtuvo el título de Ciencias Fisico-Química en 1912 igualmente.

Con tan buena trayectoria como estudiante de éxito, no le resultó difícil optar y lograr el puesto de jefe y del departamento de Botánica de la Estación Experimental Agronómica, Santiago de las Vegas, actualmente INIFAT.

En la Estación Experimental, Roig encontró el medio idóneo para poder desarrollar sus investigaciones en los más diversos campos, como fueron la depuración y reconstrucción de las variedades de tabaco havanensis y la definición de las propiedades medicinales de un buen número de plantas de la flora cubana. Los recursos forestales fue otro aspecto de su interés. Su labor en la Estación Experimental se vio interrumpida cuando, en 1917,  se trasladó al instituto de Segunda Enseñanza de Pinar del Río, donde dirigió la cátedra de Historia Natural, Cosmológica y Biología. En 1934, regresó a la Estación Experimental, donde permaneció hasta último día de su existencia.

Entre las obras más importantes del Dr. Roig, se encuentran:

  • “El diccionario botánico de nombres vulgares cubanos (1928)”, obra que este autor ha consultado en infinidad de ocasiones en la identificación de plantas en Cuba.
  • “Plantas medicinales, aromáticas o venenosas de Cuba (1945)”, otro material de consulta obligatorio para el que trabaje con plantas.
  • “Especies y variedades de malangas cultivadas en Cuba (1973)”,
  • “Efecto de la sombra sobre la asimilación y transpiración de la planta de tabaco (1915)”
  • “Árboles maderables cubanos. Su localización por provincias y regiones (1967)”.

Entre sus múltiples actividades, viajó por toda la isla con el objetivo de identificar  plantas para enriquecer el herbario de la estación y aumentar la colección de maderas, la que llegó a albergar más de 600 muestras de corteza, otras en forma de copas y de ánforas, las cuales pasaron a ser parte del Museo, situado en el área de Botánica. Otro aspecto que no escapó de su visión, fue el de alertar sobre los peligros de la destrucción sistemática de los bosques que se llevaba a cabo en las provincias de Camagüey y Oriente. Lamentablemente mucho de su legado fue olvidado décadas después, sobre todo cuando el proceso de eliminación de maniguas en la otrora provincia de Oriente.

El Dr. Roig fue un incansable educador de muchos ingenieros agrónomos y profesionales en el país. Uno de sus colaboradores principales, de quién ya hablé con anterioridad, fue el Ing. Julián Acuña, quien fue su mejor discípulo, ejemplo en conocimiento y comportamiento personal, ya que ambos eran sencillos y modestos a la hora de tratar a cualquier persona, fuera letrada o no.

Entre los tantos premios y méritos obtenidos por el Dr. Roig, se destacan:

  • La medalla y diploma de la Sociedad Geográfica de Cuba (1930)
  • Diploma de mérito de la Sociedad Cubana de Botánica (1946)
  • Presidente de honor de la Asociación Nacional de Emigrados Revolucionarios Cubanos (1946)
  • Hijo Emérito de Santiago de las Vegas, otorgado por el Gobierno Municipal (1953)
  • Ingeniero Agrónomo Honoris Causa, otorgado por la Universidad de la Habana (1962)
  • Homenaje y diploma por 50 años de trabajo científico en la Estación Experimental Agronómica, Santiago de las Vegas (EEA-SV) (1963).
  • Miembro de la Comisión Nacional de la Academia de Ciencias de Cuba (1964)

El ilustre científico murió el 20 de febrero de 1971 y su funeral tuvo lugar en la sede de la Academia de Ciencias de Cuba, en el (Salón de los Pasos Perdidos). Realmente la obra del maestro tiene una tremenda actualidad, por lo que es menester de las nuevas generaciones actualizar y enriquecer dichos conocimientos a la luz de los nuevos descubrimientos en el campo de la agro-biología y la fitomedicina.

Fuentes

Acosta Marta de la Caridad. 2015. Juan Tomás Roig, protector de los bosques cubanos.
Algo de Historia. Agricultura Orgánica, año 21, número 1, pp 41-43.

Fernández Zequeira Maira. Juan Tomas Roig Mesa- 1877-1971. Gela, http://www.ibiologia.unam.mx/gela/p-4.html

Martínez Vera R. 2006. La gloria sembrada. Biografia del Juan Tomás Roig y Mesa. Paperback.

 

Escrito por Ricardo Labrada, 8 junio de 2018

Jud Wilson, una leyenda de la ofensiva en el béisbol

La diferencia entre lo imposible y lo posible
depende de la voluntad de un hombre
.”
Tom Lasorda

Jud Wilson

Cuando el que suscribe redactaba las líneas del artículo de Alejandro Oms en la pelota cubana, había un nombre que saltaba continuamente cada vez que revisaba la base de datos. Se trataba de Ernest Judson “Jud” Wilson, al que los cubanos bautizaron como Jorocón en su época. La excelencia de Jud Wilson en la profesional cubana era tal, que llegó a liderar varios departamentos ofensivos en las temporadas que jugó en el país.

Este pelotero afro-estadounidense, de poca estatura, unos 173 cm, y un poco más de 88 kilógramos, fuerte como un roble, se le llamó boojum en las Ligas Negro, vocablo que se identifica con el sonido que provoca la pelota estrellada contra las vallas de las cercas de los jardines. Para muchos este bateador zurdo fue el hombre que más duro golpeara la pelota en las Ligas Negro. Tan bueno era, que el lanzador derecho Satchel Paige lo catalogó como uno de los más temibles bateadores en su carrera. Jud, sin llegar a ser un  Cool Papa Bell, también sabía correr las bases.

Jud Wilson, además, fue el perfecto pendenciero. Los peloteros adversarios lo evitaban, mientras los árbitros deseaban no vérsela tampoco con él. Wilson todo lo protestaba, prácticamente odiaba a los árbitros y en ocasiones los atacaba directamente en campo. En el terreno, Jud era una persona irascible totalmente, enérgico y joseador, toda una fiera al campo.  A pesar de su agresividad, sobre todo con los árbitros, era una persona bondadosa fuera del terreno, muy dada a ayudar a sus compañeros.

Este pelotero nació el 28 de febrero en Remington, Virginia, pero de año por aclarar. Unos dicen que fue en 1899. Su viuda aseguró que él era de 1894, pero el censo realizado, antes de finalizar el siglo XIX, lo daba como nacido en  1897.

Durante la primera Guerra mundial, sirvió en el ejército de su país a partir de junio de 1918. Una vez finalizada la guerra, Wilson decidió asentarse en la capital norteamericana, Washington, D.C., donde comenzó a jugar pelota semipro. En 1922, Scrappy Brown, torpedero de un equipo independiente, los llamados Medias Negras de Baltimore, descubrió a Wilson y lo animó a jugar en su equipo. Pasó la prueba, comenzó a jugar, pero dos semanas después abandonó al equipo. Luego volvieron a hablar con él para que regresara, lo que así ocurrió. Su equipo ganó 49 y perdíó 12, y Wilson bateó para .467.

En sus comienzos jugó la antesala, no era ningún defensor de maravillas. Debido a su fortaleza, era capaz de detener muchos batazos veloces con su propio pecho. Es por esa razón que jugó muchas veces lesionado, pero no se quejaba. El juego para él era lo primordial.

En el período de 1922 a 1926, Wilson jugó con los Medias Negras. Su primera incursión en Cuba fue en la temporada de 1925-26, vistiendo el uniforme del Habana. El estelar pelotero rompió la liga, quedó como campeón de bateo, con extraordinario promedio de .430. Fue igualmente líder en hits (64), jonrones (3) y bases robadas (10).

Además de todos esos lideratos, disparó enorme cuadrangular por encima de la pared del jardín derecho del desaparecido Almendares Park, un batazo que recorrió facilmente más de 400 pies y por el que los cubanos le bautizaron como Jorocón. Con anterioridad esa hazaña la habían realizado hombres, como Cristobal Torriente, Oscar Charleston, Alejandro Oms y Esteban “Mayari” Montalvo.

Jud Wilson con el Habana

Jud Wilson con el Habana

Wilson regresó para jugar en Cuba en la temporada de 1926-27. Entonces vio su juego limitado a 54 desafíos. Así y todo, logró promediar .333, a la vez que conectaba 4 dobles, 1 triple y dos jonrones.

En 1927-28, volvió a mostrar su excelencia al bate. Nuevamente líder de los bateadores (.424), líder en anotadas (36) y en triples (7). Wilson era merecedor del MVP de este torneo, pero Martín Dihigo bateó para .415 y ganó 4 juegos de los 5 que completó, y se llevó ese premio.

En 1928, nuevamente con los Medias Negras, Wilson bateó para .399 en 42 desafíos, mientras que en Cuba bateaba para .397, solo por detrás del gran Alejandro Oms, a la vez que quedaba de segundo en carreras anotadas (31) y jonrones (4), superado por su coterráneo Cool Papa Bell.

En 1929 hubo algunos cambios en la llamada Liga Americana Negro, la que integraron cinco equipos de la anterior Liga Negro del Este, éstos fueron los Gigantes  Bacharach, las Estrellas Cubanas, los Gigantes Hilldale, los Gigantes Lincoln y los Medias Negras, además del potente conjunto de los Grises Homestead y una nueva versión de los Gigantes de Harrisburg. Fue entonces que los Medias Negras presentaron un cuadro de otra galaxia, al que llamaron el cuadro del millón ($$), consistente en Jorocón Wilson en primera, Frank Warfield en segunda, Dick Lundy en el campo corto y Oliver Marcelle en la antesala. Wilson no desperdició la oportunidad y bateó para .344, a la vez que se especulaba de su posible canje a los Grises de Homestead a cambio de Dihigo y de John Beckwith, cambio que al final no tuvo lugar.

Nuevamente Jorocón se hizo presente en la temporada de 1929-30 en Cuba. Entonces bateó para .363, solo segundo del gran Alejandro Oms en promedio ofensivo, a la vez que conectaba 10 dobles, 4 triples y 5 jonrones.

Los Medias Negras volvieron a ser equipo independiente en 1930. Wilson entonces bateó para .372. En octubre de ese año, este equipo se enfrentó, en doble juego, a los Yankees de Nueva York, ocasión en la que Wilson le sonó 3 incogibles al lanzador Roy Sherid. Luego a Big Jim Beaver le conectó de 2-1 y robó 2 bases.

Wilson pasó a jugar, en 1931, con los Grises de Homestead, conjunto entonces independiente también, en el que jugaban figuras como Oscar Charleston, Josh Gibson, Smokey Joe Williams, Vic Harris, Double Duty Radcliff y Ted Page.

Su estreno como manager tuvo lugar en 1932 con los Grises, pero al final los abandonó y pasó a jugar con los Crawfords de Pittsburgh. Luego jugó para las Estrellas de Filadelfia, donde bateó para promedio de .372. Por su excelencia en el bateo, Wilson fue escogido como antesalista del todos estrellas de la escuadra del Este para el primer juego de este tipo contra las estrellas del Oeste, que se efectuó en el Comiskey de Chicago el 10 de setiembre de 1933. En ese partido, Wilson se anotó el primer incogible y luego trajo dos para home con otro imparable.

Jud Wilson con las Estrellas de Filadelfia

Jud Wilson con las Estrellas de Filadelfia

En la serie final del campeonato de la Liga Nacional Negro, en 1933, entre las Estrellas de Filadelfia y los Gigantes Americanos de Chicago, Wilson tuvo un serio altercado con el árbitro Burt Gholston, al que amenazó con vérsela con él después del juego. Por esa razón, fue inicialmente suspendido, pero el dinero en juego era mucho y fue así que Jorocón jugó el séptimo desafío, el que quedó empatado a cuatro, pero las Estrellas de Filadelfia se llevaron el decisivo con anotación de 2-0.

Su juego con las Estrellas de Filadelfia continuó. En 1937 se hizo cargo de la dirección del equipo  como manager-jugador, aunque su juego se vio mermado debido a la fractura de una costilla. En esa posición se mantuvo hasta mediados de 1939. A Cuba regresó, para jugar en la temporada de 1935-36, en la que promedió .263, realmente su campaña más pobre en la pelota invernal cubana.

De 1940 a 1945 Wilson jugó la inicial y la antesala para los Grises de Homestead. En cuatro de esas temporadas jugó en la serie mundial de la llamada Liga Negro II. En 22 temporadas en estas ligas, Wilson participó en 892 juegos, con 3001 veces al bate, 585 anotadas, 1043 hits, entre ellos 184 dobles, 47 triples y 70 jonrones, con 679 empujadas, 70 bases robadas. Su promedio fue de .348, OBP .428 y slugging .510.

La tabla 1 muestra las estadísticas de Wilson en la invernal cubana, donde promedió para elevado .372 en seis temporadas.

Tabla de Jud Wilson

De la fortaleza de este pelotero ya se habló. En dos ocasiones recibió pelotazos fortísimos, uno de ellos le fracturó el codo. Sin embargo, de tantos pelotazos, además de un accidente de tránsito, Wilson comenzó a padecer de ataques epilépticos. Su memoria con el tiempo se deterioró, al extremo de no recordar a muchos de sus compañeros de equipo más allegados.

El famoso receptor Josh Gibson decía que Wilson fue el mejor bateador, que él haya visto, mientras que Ted Radcliffe afirmaba que Wilson era mejor bateador que el mismo Gibson. Por su juego estelar, este gran pelotero fue elevado, conjuntamente con otros 16 compañeros de las Ligas Negro, al Salón de la Fama de Cooperstown el 30 de julio de 2006.

Jud “Jorocón” Wilson falleció el 27 de junio de 1963 en Washington D.C. a causa de un infarto. Sus restos yacen en el cementerio de Arlington, Virginia.

Fuentes

Anon. Jud Wilson. Negro Leagues-Seamheads.com http://www.seamheads.com/NegroLgs/player.php?playerID=wilso01jud

Riley, James A., The Biographical Encyclopedia of the Negro Baseball Leagues (New York: Carroll & Graf Publishers, 1994).

Gerard Joseph. Jud Wilson. Society for American Baseball Research. https://sabr.org/bioproj/person

 

Escrito por Esteban Romero, 15 junio de 2018

El cementerio Tomás Acea en la ciudad de Cienfuegos, Cuba

Entrar al Cementerio Tomás Acea no siempre es un viaje hacia la noche,
sino un encuentro con otras facetas del pasado y de la creatividad humana
.”
Tania Chapi y Raúl Medina (periodistas cubanos)

Cementerio Tomás Acea

Para una persona que no gusta de visitar cementerios, es algo raro que tenga el deseo de visitar un lugar como este por segunda vez. Eso es lo que le sucedió al autor. Allá por el año 1986 lo había visitado por primera vez y siempre me quedaba la esperanza de volver, lo cual ocurrió en mayo de 2018.

¿A qué se debe ese deseo? Sencillamente la entrada del mismo es majestuosa. Tal parece, cuando uno llega, que está entrando en uno de esos templos griegos con altas y gruesas columnas a ambos lado del acceso al cementerio. Además, dentro del mismo hay varias esculturas hechas con mármol de Carrara, importado desde Italia.

Ese cementerio es el Tomás Acea en la ciudad de Cienfuegos, perla del sur cubana, que realmente no es el Partenón de Atenas, pero sus 64 columnas dóricas la hacen parecer bastante. Esta obra original- ubicada entre los kilómetros 3 y 4 de la antigua Carretera del Junco, hoy avenida 5 de septiembre- fue una realización de los ingenieros Pablo Donato Carbonell y el agrimensor Luis Felipe Ross, la que se inspira en necrópolis europeas, donde los mausoleos, bóvedas y tumbas aparecen armónicamente dentro de todo ese entorno.  Es por esa razón que se le llama cementerio-jardín.

El lugar fue inaugurado el 21 de noviembre de 1926, con fondos del hacendado Nicolás Salvaodor Acea de los Ríos, uno de los hombres más ricos de la ciudad, quien había muerto el 7 de enero de 1904 y en su testamento indicó las obras a construir con el dinero dejado en su fortuna. Fue así que se construyó esta necrópolis en honor a su hijo Tomás, quien murió de tuberculosis, el colegio San Lorenzo y un asilo para ancianos. Es de destacar que Nicolás Salvador, junto con su hermano Antonio, médico de profesión, también construyeron los centrales azucareros Dos Hermanos y Manuelita (14 de julio), ambos en Palmira.

Cementerio Tomás Acea 4

En esta necrópolis yacen los restos de Luis De Clouet, fundador de Cienfuegos, así como los de los mártires del  levantamiento popular contra la tiranía de Batista en septiembre de 1957. Posee también las esculturas de la Virgen Milagrosa y de la Virgen de la Caridad, patrona de Cuba, así como la de Santa Teresa. El cementerio fue declarado Monumento Nacional en 1978.

Fuentes

Batista Díaz Sabdiel. Cementerio Tomas Acea, de Cienfuegos, el único cementerio-jardín cubano. Cienfuegos patrimonio. https://cienfuegospatrimonio.wordpress.com/2014/06/08/cementerio-tomas-acea-de-cienfuegos-el-unico-cementerio-jardin-cubano/

Chapi Tania y Medina Raúl. 2016. Cementerio de Cienfuegos: jardín particular. Bohemia 9 marzo. http://bohemia.cu/nacionales/2016/03/cementerio-de-cienfuegos-jardin-peculiar/

 

Escrito por Ricardo Labrada, 11 junio de 2018

Leslie Howard

“Soy un tremendo admirador del poder de la comunicación..
No creo que haya algo mejor para la audiencia pública en general.”
Leslie Howard

Leslie Howard

Leslie Howard en “El bosque petrificado (1936)”. Cortesía Doctormacro.com

Hablar de Leslie Howard en el cine es referirse a uno de los actores de mayor excelencia en la interpretación, quien logró sus mejores resultados interpretando papeles de persona humilde, modesta, a veces taciturna.  Leslie Howard Stainer nació el 3 de abril de 1893 en Londres, Inglaterra, en el seno de una familia, cuyo padre era judío-húngaro y su madre inglesa de descendencia judía-alemana e inglesa. Su primer trabajo en su juventud fue en un banco. Nunca se caracterizó por ser un hombre de buena salud y en plena Primera Guerra Mundial se le aconsejó trabajo con reposo, después de lo cual comenzó a estudiar interpretación. Primero debutó en el teatro, donde obtuvo grandes éxitos de inmediato. Desde 1914 actuó como extra en algunos cortos y filmes en la gran pantalla.

Con tanta fama no le fue difícil llegar a Broadway y de ahí a Hollywood, donde debutó en el drama “Outward bound (1930)” (Atado al exterior) de Robert Milton con Douglas Fairbanks Jr., obra que Howard ya había protagonizado en el teatro. En ese entonces ya era todo un actor de interpretaciones sólidas y reconocidas por la crítica y el público. En lo sucesivo actuó en:

  • El drama “Prohibido (1931)” de W.S. Van Dyke con Conchita Montenegro
  • El film de crimen-drama “Un alma libre (1931)” de Clarence Brown con Norma Shearer y Lionel Barrymore
  • La comedia-drama “Devotamente tuya (1931)” de Robert Milton con Ann Harding
  • La comedia “The animal kingdom (1932)” (El reino animal) de Edward H. Griffith con Ann Harding y Mirna Loy
  • El drama “La llama eterna (1932)” de Sydney Franklin con Norma Shearer y Fredric March
  • El drama-oeste “Secretos (1933)” de Frank Borzage con Mary Pickford
  • El romance “La plaza de Berkeley (1933)” de Frank Lloyd con Heather Angel
  • El film de aventura “La pimpinela escarlata (1934)” de Harold Young y Alexander Korda con Merle Oberon

Leslie Howard afiches

  • El romance “Agente británico (1934)” de Michael Curtiz con Kay Francis, donde interpreta el papel de agente de su país en la Rusia bolchevique
  • El drama “Cautivo del deseo (1934)” de John Cromwell con Bette Davis, donde Howard brilla con su actuación
  • El clásico “Romeo y Julieta (1936)” de George Cukor con Norma Shearer nuevamente,
  • El drama “El bosque petrificado (1936)” con Bette Davis y con el entonces casi desconocido Humphrey Bogart, quien obtuvo el papel gracias a Howard, quien reclamó la presencia de Bogart por su experiencia en ese rol en teatro
  • Las comedias “Es amor lo que busco (1937)” con Bette Davis y Olivia De Havilland, estas dos últimas películas dirigidas por Archie Mayo,
  • “Siempre Eva (1938)” de Tay Garnett con Joan Blondell y Bogart nuevamente
  • El drama “Pigmalion (1938)” del propio Howard en adaptación de la obra de George Bernard Shaw
  • El remake del romance “Intermezzo (1939)” de Gregory Ratoff con Ingrid Bergman

Leslie Howard afiches 2

Finalmente formó parte del reparto estelar del famoso largometraje “Lo que el viento se llevó (1939)” de Victor Fleming y George Cukor con Clark Gable, Vivien Leigh y Olivia De Havilland, donde Howard interpretó el papel del siempre querido Ashley Wilkes.

Leslie Howard y Vivien Leigh en Lo que el viento se llevó

Leslie Howard y Vivien Leigh en «Lo que el viento se llevó (1939)». Cortesía doctormacro.com

En la década de los 40:

  • Dirigió y protagonizó los dramas “Pimpenela Smith (1941)” con Francis L. Sullivan,
  • “El gran Mitchell (1942)” con David Niven
  • Co-protagonizó con Laurence Olivier el drama-film bélico “Los invasores (1941)” de Michael Powell
  • Fungió como narrador de la comedia “The gentle sex (1943)” (El sexo amable)

Leslie Howard afiches 3

Nominado para OSCAR como mejor actor por “La plaza de Berkeley (1933)” y “Pigmalion (1938)”. Por este mismo film obtuvo Copa de Lobos en el Festival de Venecia como mejor actor.

En resumen actuó en 33 filmes entre 1914 y 1933, productor de 11, guionista de uno y director de cuatro películas. Murió en vuelo de la compañía British Overseas Airways Corporation (BOAC) a bordo de un DC-3, el cual llevaba cuatro miembros de tripulación y un total de trece pasajeros. La nave despegó del aeropuerto de  Portela en Lisboa, Portugal, rumbo al aeropuerto de Whitchurch cerca de Bristol, Inglaterra, el 1 de junio de 1943, la que fue atacada por ocho aviones de guerra alemanes cuando la nave de la BOAC pasaba por la costa norte de España. Producto de los disparos recibidos, el avión cayó en el golfo de Vizcaya y sus 17 personas a bordo perecieron.

 

Escrito por Esteban Hernández, 4 junio de 2018, con información extraída de su obra inédita «Grandes del cine clásico de todos los tiempos».

 

El gran naturalista cubano Felipe Poey Aloy

Para el investigador no existe alegría comparable a la
de un descubrimiento, por pequeño que sea
.”
Alexander Fleming (científico británico, 1881-1955)

Felipe Poey.jpg

Cuba tiene en la figura del Profesor Felipe Poey Aloy a un naturalista de alto prestigio internacional. Este gran exponente de la ciencia nació el 26 de mayo de 1799, en la Habana, en el seno de una familia de padres franceses. A los 3 años de nacido, su familia se trasladó a Francia, por lo que el niño Felipe pasó una parte de su infancia en Pau. Su regreso a su tierra natal tuvo lugar en 1812.

Poco después de su llegada a Cuba, su padre moría. Ya en ese entonces Poey cursaba estudios en el Seminario de San Carlos, donde uno de sus maestros era el ilustre Félix Varela. En dicho centro de estudio se graduó de bachiller en derecho en 1820. Casi de inmediato se marchó a Madrid, donde fue investido como abogado, a la vez que trabajaba como profesor en la Real Academia de Jurisprudencia y Legislación.

No obstante, su vocación no eran las leyes sino la naturaleza. Es por esa razón que se trasladó a París, Francia, donde presentó sus numerosas observaciones sobre la flora y la fauna cubana. Allí comenzó a trabajar bajo la guía de Jorge Leopoldo Cuvier, considerado padre de la paleontología. Las investigaciones de Poey allí giraron alrededor del mundo de los insectos. Su fecunda labor en entomología le dio el derecho a ser uno de los fundadores de la Sociedad de esta especialidad en Francia, en 1832. Al mismo tiempo se hizo miembro de la Real Sociedad Científica de Londres, Inglaterra, y de la Sociedad de Amigos de la Historia Natural de Berlín, Alemania. Su prestigio es tal que fue recibido como Socio de Honor de la Real Academia de Ciencia, del Museo y de la Sociedad de Historia Natural de Madrid.

Su regreso a Cuba ocurrió en 1833. Inicialmente se dedicó a la docencia de varias asignaturas, entre ellas Geografía de Cuba y Geografía Moderna, lengua francesa y latina en el Colegio de San Cristóbal de Carraguao. Posteriormente, en 1837, la Sociedad Económica de Amigos del País solicitó los servicios de Poey a fin de realizar un reconocimiento geológico de la isla.

En 1839, Poey inauguró su propio gabinete de historia natural en su residencia, el cual en 1842 se convirtió en Museo de la Universidad de la Habana. Lideró entonces la catedra de Zoología y Anatomía Comparada en la Universidad, llegó a ser decano de la Facultad de Ciencias y fundó una biblioteca de Ictiología y Ciencias naturales. Luego fue designado vice-rector de la Universidad.

Entre sus obras documentadas aparecen:

  • Compendio de geografía de la Isla de Cuba (1836)
  • Curso de zoología (1843)
  • Memorias sobre la Historia Natural de la Isla de Cuba (1851 y 1856-1858), obra que consta de resúmenes en latín y en francés,
  • Curso elemental de Mineralogía (1872)
  • Poissons de l´Ile de Cuba (Peces de la Isla de Cuba, 1874),
  • Tratado Ictiología cubana (1875.1876), -en el que trabajó durante más de cincuenta años-, entre otros.
  • Aportes importantes a la obra “Naturaleza y Civilización de la Grandiosa Isla de Cuba (1876)”, escrita por el humanista español Miguel Rodríguez Ferrer. Poey aportó enormes conocimientos en el tomo dedicado a la Naturaleza.

Igualmente tradujo la obra Historia de los Imperios de Asiria, publicada en La Habana en 1847, y conjuntamente con Rafael Navarro, Las Nociones elementales de Historia Natura (1844 y 1862), de Gregory Delafosse.

El Prof. Poey tuvo una activa participación en la fundación de la Academia de Ciencias Médicas, Físicas y Naturales, y fue presidente de la Sociedad Antropológica de Cuba. En 1851, recibió reconocimiento del Liceo de Historia Natural de Nueva York al nombrarle como corresponsal, y en 1863 fue nombrado miembro de honor de la Sociedad de Ciencias de Buffalo. Un año más tarde, fue igualmente nombrado miembro de la  Sociedad Entomológica de Filadelfia, y corresponsal de la Sociedad de Historia Natural de Boston y de la Sociedad de Historia Natural y Horticultura de Massachusetts.

El reconocimiento a la obra de Poey es evidente cuando se ve que algunas especies, identificadas en el pasado reciente, reciben su nombre. Son los casos del murciélago cubano Phyllonycteris poeyi, del pez del Atlántico tropical Halichoeres poeyi, y del camarón Micratya poeyi.

El gran sabio murió el 28 de enero de 1891 en la Habana. El Museo de Historia Natural de la Universidad de la Habana lleva con orgullo el nombre de este ilustre científico, cuyos aportes fueron innumerables en la investigación y la docencia.

Fuentes

Brownell Lindsay. 2014. Felipe Poey, Brief life of Cuba’s greatest naturalist: 1799-1891. Harvard Magazine, Jul-Aug. https://harvardmagazine.com/2014/07/vita-felipe-poey.

De la Nuez Daril. Grandes científicos: Felipe Poey Aloy. VIX. https://www.vix.com/es/btg/curiosidades/5228/grandes-cientificos-felipe-poey-aloy

Iglesias Regueyra Alina. 2015. Felipe Poey Aloy, una vida dedicada a la ciencia cubana. Radio Enciclopedia. http://www.radioenciclopedia.cu/noticias/felipe-poey-aloy-una-vida-dedicada-ciencia-cubana-20150127/

Quiñones Roberto Jesús. 2016. El desconocido Felipe Poey. Cubanet., 28. https://www.cubanet.org/actualidad-destacados/el-desconocido-felipe-poey/

 

Escrito por Ricardo Labrada, 6 junio de 2018

El elevado de sacrificio, historia y líderes

La sabermetría no mide el instinto”.
Tim Kurkjian

Esta vez el tema será el llamado fly o elevado de sacrificio, batazo que tiene su historia algo irregular en las Grandes Ligas. Se trata de una estadística reconocida en esos circuitos entre 1908 y 1931, luego fue discontinuada y re-establecida varias veces, hasta que finalmente se restableció definitivamente en 1954. El fly de sacrificio  se anota solo cuando un corredor anota carrera, lo cual ocurre con pisa y corre desde tercera base, aunque se ha dado muchos casos de corredores anotando desde segunda. Lo que sí está claro es que el adelanto de pisa y corre con fly a los jardines no se anota como fly de sacrificio caso de no haber carrera impulsada con el batazo. El pelotero que conecta el fly de sacrificio no se le anota vez al bate y se le carga una impulsada.

El fly de sacrificio no siempre implica out, el jardinero puede posicionarse bien debajo de la bola y dejarla caer, por lo que el hombre en tercera anotará, no habrá out en la jugada por el error del fildeador, pero sí carrera impulsada y fly de sacrificio para el bateador. Para que esto se produzca, o sea la anotación del fly de sacrificio debe haber menos de dos outs en la entrada. Ante esta situación puede ocurrir que haya tres fly de sacrificio en una entrada, lo cual si ha ocurrido en cuatro oportunidades en las Mayores, veamos.

La primera vez que se registraron tres fly de sacrificio en una entrada fue el 1 de julio de 1962 cuando los Medias Blancas, en la quinta entrada, realizaron la hazaña contra los Indios de Cleveland. El lanzador boricua Juan Pizarro se anotó el primer fly de sacrificio, mientras que el segundo fue obra del estelar segunda base Nellie Fox, sobre el cual el jardinero derecho Gene Green cometió error. Finalmente el cuarto bate y antesalista Al Smith produjo el tercer fly de sacrificio. En esa entrada los Medias Blancas anotaron 6 carreras y ganaron el partido con anotación de 7-6.

La segunda vez ocurrió en juego del 29 de junio de 2000, cuando los Yankees le anotaron 8 carreras a los Tigres de Detroit. Los fly de sacrificio fueron obra del inicialista Tino Martínez, del segunda base dominicano José Vizcaino (con error del jardinero izquierdo Bobby Higginson) y del boricua Bernie Williams. El juego concluyó 8-0 con juego completo y lechada a la cuenta del zurdo Andy Pettite.

La tercera vez involucró a los Yankees nuevamente enfrentados a los Angelinos de Anaheim el 19 de agosto del mismo año 2000. En la tercera entrada, el receptor boricua Jorge Posada logró el primer sacri-fly, le siguió el antesalista Scott Brosius y luego del jardinero central Clay Bellinger, padre del pelotero Cody Bellinger de los Dodgers. Lo interesante es que fue un sacri-fly tras otro, ya que Posada, Brosius y Bellinger aparecieron como séptimo, octavo y noveno en el orden al bate. El juego concluyó 9-1 a favor de los Yankees. Nuevamente, vaya curiosidad, Andy Pettite completó este desafío.

El siguiente y último por ahora igualmente involucró a los Yankees, esta vez contra sus vecinos del Queens, los Mets, aunque no fueron los mulos en esta ocasión los realizadores de la hazaña. Ocurrió en la segunda entrada del juego del 24 de junio de 2005, cuando los Mets anotaron exactamente 3 carreras. El primer sacri-fly fue del receptor boricua Ramón Castro, seguido de otro por el torpedero dominicano José Reyes, con error del jardinero central Bernie Williams, y el tercero logrado por el jardinero derecho Mike Cameron. De nuevo, noveno, primero y segundo en el orden al bate. El juego concluyó 6-4 a favor de los Mets, con pitcheo de 8 entradas de Pedro Martínez y cierre del derecho Braden Looper.

Existe un record muy difícil de romper – teóricamente se puede romper, visto lo anterior- y es batear dos fly de sacrificio por un mismo bateador en una misma entrada. En ninguna pelota del mundo esto se ha logrado, excepto en juego de series nacionales en Cuba. Ocurrió en la XII serie (1972-73), en juego de 1973, entre Mineros y Henequeneros cuando el antesalista  José “Chivo” García Hidalgo de los Mineros conectara par de fly de sacrificio en un mismo inning.

Varias veces se ha anotado carrera desde segunda base con fly de sacrificio. Veamos algunas de las ocurridas desde 1998, no son todas, que conste:

  • 6 de abril de, 1998 – juego de Medias Blancas contra los Vigilantes. Albert Belle empuja con fly an central a Mike Cameron.
  • 5 junio de 1998 – juego entre los Mets y los Medias Rojas. El venezolano Edgardo Alfonzo impulsa al inicialista John Olerud con fly al derecho.
  • 24 de Julio de 1998 – juego entre Marlins y Filies. El antesalista Scott Rolen conectó fly que trajo a Kirt Ojala a la goma.
  • 17 de agosto de 1998 – juego entre Mellizos y Orioles- Rafael Palmeiro bateó fly al izquierdo, con el que anota el jardinero Brady Anderson home safely.
  • 27 de julio 1999 – juego entre Rojos de Cincinnati y Dodgers. Todd Hollandsworth trae a Gary Sheffield desde segunda con fly al derecho.
  • 26 de agosto de 1998 – juego entre Cachorros y Rojos de Cinci) – fly al derecho de Gary Gaetti con el que anotó Mark Grace desde la intermedia.
  • 31 de agosto de 1998 – juego entre Mets y Dodgers, fly a lo corto del izquierdo de Mark Grudzielanek fue suficiente para que Bobby Bonilla anotara desde segunda.
  • 26 de julio de 1999 – juego entre Cerveceros y Bravos. Fly al central de Chipper Jones, y Bret Boone anotó.
  • 6 de abril de 2000 – juego entre Filis y Cascabeles, fly al central de Lenny Harris, con el que Steve Finley anotó.
  • 28 de mayo de 2000 – juego entre Cerveceros y Cascabeles. Fly de Charlie Hayes, mientras Marquis Grissom anotó. .
  • 19 de agosto 2000 – juego entre Angelinos y Yankees, en el cual los Yankees anotaron 3 sacri-fly en una entrada. Entonces Clay Bellinger conectó un fly, con el que Jorge Posada anotó.
  • 3 de abril de 2001 – juego entre Filis y Marlins. Doug Glanville conectó fly al central y Brian Hunter anotó.
  • 8 de mayo de 2001 – Rojos de Cinci contra los Cascabeles. Alex Ochoa disparó fly y empujó dos carreras cuando Jason LaRue anotó desde tercera y Donnie Sadler lo hizo desde segunda en la undécima entrada de este juego.
  • 29 de mayo de 2002 – juego entre Tigres e Indios. Fly de Jacob Cruz al central y anotación de Damian Jackson.
  • 20 de junio de 2002 – juego entre Azulejos y Dodgers. Fly al derecho de Tom Wilson y anotación del dominicano Raúl Mondesi.
  • 21 de junio de 2002 – juego entre Indios y Expos. Fly de Wil Cordero y Brad Wilkerson anotó.
  • 30 de julio de 2003 – juego entre Tigres y Marineros. Fly de Craig Monroe al derecho que impulsó a Bobby Higginson.
  • 2 de junio de 2004 – juego entre Cardenales y Piratas. Fly de Daryle Ward y anotación de Jason Kendall.
  • 27 de agosto de 2004 – juego entre Mellizos y Angelinos. Largo fly al izquierdo de David Eckstein empujador del segunda base Adam Kennedy.
  • 20 de setiembre de 2005 – juego entre Medias Rojas y Mantarrayas. Jorge Cantú conectó fly que trajo a Carl Crawford desde segunda.
  • 2014, juego de los Mantarrayas, fly de Matt Joyce y anotación de Desmond Jennings
  • 13 de agosto de 2015- juego entre los Cerveceros y los Filis. Jean Segura anotó con fly conectado por el receptor Jonathan Lucroy.

En la serie mundial de 1912 se produjo un fly de sacrificio que decidió esta serie. Fue batazo de Larry Gardner de los Medias Rojas contra los envíos del estelar Christy Mathewson de los Gigantes de Nueva York. La anotación correspondió a Steve Yerkes,  que decidió la serie y la victoria en el octavo juego de la misma.

El 17 de agosto de 2013, en juego entre los Cardenales y los Cachorros, los de St Louis llenaron las bases, Matt Carpenter produjo un fly dentro del cuadro declarado infield fly por los árbitros, el torpedero dominicano Starlin Castro fildeó la bola y no prestó debida atención a las bases, mientras el cubano-americano Jon Jay sorprendía anotando desde tercera con un elevado de sacrificio dentro del cuadro.

Diez peloteros han conectado tres fly de sacrificios en un juego desde 1954. El último en realizarlo fue José López en 2008. Los otros son Ernie Banks (1961), un conocido de la afición cubana, el receptor Russ Nixon (1965), quien jugó para el Almendares en la década de los 50, Don Mattingly (1986), Vince Coleman (1986), Candy Maldonado (1987), George Bell (1990), Chad Kreuter (1994), Juan González (1999) y Edgar Martínez (2002).

Elevados sacrificio en una temporada.png

Por dos temporadas consecutivas, un pelotero ha logrado liderar el departamento de sacri-fly en las Mayores. El receptor boricua Bengie Molina, hermano de Yadier, fue líder en 2008 y 2009, en ambas temporadas con 11 sacri-fly. En 1991, Howard Johnson de los Mets logró record de 15 elevados de sacrificio como bateador emergente, de hecho fue líder de este departamento en la liga nacional en esa temporada.

El líder máximo en sacri-fly en una temporada es el inicialista Gil Hodges de los Dodgers, con 19 en 1954. Hodges es escoltado por Roy White (17) en la temporada de 1971 con los Yankees, y Bobby Bonilla (17) en la temporada de 1996 con los Orioles. En 2001 Juan González logró 16 jugando para los Indios. Don Mattingly logró 15 con los Yankees en 1985 y J.T. Snow conectó 14 con los Gigantes en 2000. Los records para novatos son de Gary Gaetti (13) con los Mellizos en 1982 y Willie Montanez (13) con los Filis en 1971. Los máximos para bateadores ambidextros pertenecen al ya mencionado Howard Johnson (15) en la Liga Nacional y a Bonilla (17) en la Liga Americana.

Elevados sacrificio uno.png

Los líderes máximos en sacri-fly en su carrera son. Eddie Murray (128), Carl Ripken Jr. (127), Robin Yount (123), Hank Aaron (121), Frank Thomas (121), George Brett (120), Rubén Sierra (120), Rafael Palmeiro (119), Daniel Staub (119), Andre Dawson (118) y Don Baylor (115).

Elevados sacrificio 2.png

Nolan Ryan es el lanzador que más batazos de este tipo ha permitido en su carrera, con un total de 146, mientras que en una temporada el record es de 17 en posesión de Larry Gura (1983) y Jaime Navarro (1993).

En series nacionales en Cuba, el máximo de fly de sacrificio logrado en una temporada pertenece al gran Don Miguel Cuevas (11), con Granjeros, en la séptima serie nacional (1967-1968). En un juego, el liderato es de Lourdes Gurriel con 3 en la XVII temporada (1987-88). Un total de 13 bateadores han logrado dos sacri-fly en un juego, incluido el ya mencionado de José “Chivo” García. El primero de todos en lograrlo fue Tomás Soto en la II serie nacional (1962-1963).

Miguel Cuevas 2

Miguel Cuevas

Lourdes Gurriel

Lourdes Gurriel

Los máximos líderes en este departamento, de por vida, aparecen en la tabla abajo, donde se observa que los tres primeros lugares pertenecen a peloteros como Orestes Kindelán, Antonio Scull y Antonio Pacheco por este orden.

Peloteros cubanos con más elevados de sacrificios

líderes sacri-fly cuba.png

Fuentes

Baseball-almanac.com

Baseball-reference.com

Guías cubanas de béisbol

Kurkjian Tim. 2016. I’m Fascinated by Sacrifice Flies: Inside the Game We All Love. St Martin Press, Nueva York.

 

Escrito por Esteban Romero, 9 junio de 2018

El Gran Teatro de la Habana

Quienquiera que condene al teatro, es un enemigo de su país”.
Voltaire

Teatro Alicia Alonso

Gran Teatro Nacional «Alicia Alonso» Foto del autor

El Gran Teatro de la Habana es una elegante edificación que se encuentra en las intercepciones de las calles San José, San Rafael, Consulado y el largo Paseo del Prado de la urbe habanera. La obra fue construida en el período entre los años de 1834 y 1838. Entonces se le bautizó con el nombre del Capitán General Miguel de Tacón y Rosique,  período en que era el gobernador de Cuba.

El Teatro de Tacón fue obra del arquitecto Antonio Mayo, quien dotó a la edificación de elementos distintos entre sí, combinados razonablemente, lo que le da un aspecto estéticamente original. La arquitectura de este teatro es realmente impresionante al poseer ornamentación de tallas y esculturas en piedra. Entonces el teatro disponía de 90 palcos, con más de 20 filas, apto para albergar hasta dos mil espectadores, y por sus cualidades arquitectónicas y su buena acústica fue el tercero del mundo, solo superado por la Scala de Milán y el de la Ópera de Viena.

Teatro Tacón

La edificación y el lugar fueron adquiridos por el Centro Gallego en 1906, donde se edificó el Palacio Social de esta sociedad. El arquitecto belga Paul Beleu estuvo a cargo de la reconstrucción del teatro en el período de 1907 a 1914, donde predominó el estilo neobarroco, con las tallas y esculturas de piedra ya mencionadas. Su fachada principal consta de cuatro esculturas en mármol blanco-  obra de Giuseppe Moretti-  cada una de ellas dedicada a aspectos importantes sociales y culturales, como la beneficencia, la educación, la música y el teatro. En 1915 fue finalmente inaugurado como Gran Teatro Nacional.

A lo largo de su historia importantes compañías han actuado en el Gran Teatro, siendo sede de  festivales internacionales, entre ellos el del de Ballet de La Habana y el Arte Lírico, el Festival La Huella de España y el Festival Nacional de Narración Oral Escénica, entre muchos otros. En el internacional de ballet de la Habana se han presentado renombrados bailarines del Ballet Real de Londres, de la Scala de Milán, del Ballet del teatro Colón en Argentina y del Ballet de la ciudad de Nueva York, entre otras grandes compañías de este arte.

Teatro Tacón en el pasado

Desde 1985 el teatro se comenzó a llamar Gran Teatro de La Habana, cuya sala principal recibe el nombre del famoso reservándose el nombre del gran poeta, dramaturgo y prosista español, García Lorca, para su sala principal.

A partir de 2015 se le llama Teatro Nacional “Alicia Alonso” en honor a la famosa bailarina cubana, donde igualmente aparece una escultura en su honor, develada el 2 de enero de 2018.

Fuentes

Duarte de la Rosa Amelia. 2015. Una joya en el corazón de la Habana. Granma, 24 junio. http://www.granma.cu/cultura/2015-06-24/una-joya-en-el-corazon-de-la-habana

Ortega Josefina. 2004. El gran teatro de la Habana. La Jiribilla, Memorias. http://www.lajiribilla.co.cu/2004/n183_11/memoria.html

Rojas Barallobre A. 2012. Gran Teatro de La Habana, sede del mejor arte durante 174 años. Radio Rebelde, 13 abril. http://www.radiorebelde.cu/de-cuba-y-de-los-cubanos/gran-teatro-habana-sede-mejor-arte-durante-174-anos-20120413/

 

Escrito por Ricardo Labrada, 9 junio de 2018

Alec Guinness

Me sobrecojo cada vez que alguien me
menciona La guerra de las galaxias
”.
Alec Guinness

Alec Guinness

Alec Guinness. Cortesía Doctormacro.com

Cuando se habla de grandes actores de todos los tiempos, es obligado hablar de Sir Alec Guinness, el que imprimía seriedad a sus personajes y naturalidad al interpretarlos. Alec Guinness de Cuffe nació el 2 de abril de 1914 en Londres, Inglaterra. En su juventud trabajó en publicidad y a la vez estudió interpretación en el Fay Compton Estudio de Arte Dramático. En 1934 debutó en el teatro y en 1936 actuaba en el famoso Old Vic. Su carrera, como la de otros actores, se vio interrumpida durante la Segunda Guerra Mundial, en la que sirvió en la Marina Real enviando suministros a los guerrilleros yugoslavos.

Guinness había debutado en el cine como extra  en el drama “La canción del crepúsculo (1934)” de Victor Saville. Luego desapareció por diversas razones, incluyendo su servicio durante la segunda guerra, y regresó para actuar en papel de reparto del drama “Cadenas rotas (1946)” de David Lean con John Mills, al que le siguieron otros papeles de reparto:

  • Del drama “Oliver Twist (1948)”, del propio Lean con Robert Newton, film basado en la novela del mismo nombre de Charles Dickens. Aquí Guinness es Fagin.
  • De las comedias “Ocho sentencias de muerte (1949)” de Robert Hamer con Dennis Price, en el que increíblemente Guinness interpreta ocho papeles
  • “El hombre vestido de blanco (1951)” de Alexander Mackendrick con Joan Greenwood, sobre la vida de un químico de buenas intenciones
  • “Oro en barras (1951)” de Charles Crichton con Stanley Holloway

Guinness afiches

En la década de los 50 continuó su labor artística:

  • Protagonizando el film de guerra “Historia de Malta (1953)” de Brain Desmond Hurst con Jack Hawkins
  • Las comedias “El paraíso del capitán (1953)” de Anthony Kimmins con Yvonne De Carlo,
  • “El detective (1954)” de Hamer con Joan Greenwood
  • “El quinteto de la muerte (1955)” de Mackendrick con Cecil Parker,
  • “A París con amor (1955)” de Hamer con Odile Versois
  • El drama “El prisionero (1955)” de Peter Glenville con Jack Hawkins
  • La comedia romántica “El cisne (1956)” de Charles Vidor con Grace Kelly
  • Una excelente actuación tuvo en el film de guerra “El puente sobre el Río Kwai (1957)” de David Lean con William Holden, donde interpretó el papel de oficial jefe británico de los prisioneros de guerra en mano de las tropas japonesas
  • El film de fantasía “Un genio anda suelto (1958)” de Ronald Neame con Kay Walsh
  • El film de misterio “Donde el círculo termina (1959)” de Hamer con Bette Davis, donde Guinness interpreta dos papeles en el filme
  • Los dramas “Nuestro hombre en la Habana (1959)” de Carol Reed con Maureen O’Hara, film basado en una novela de Graham Greene, toda una joya de todos los tiempos
  • “Tunes of glory (1960)” (Melodías de gloria) de Neame con John Mills

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Inició la década de los 60 protagonizando la comedia “A majority of one (1961)” (La mayoría de uno) de Mervyn LeRoy con Rosalind Russell, al que le siguieron:

  • El film de aventura “Lawrence de Arabia (1962)” de Lean con Peter O’Toole, Anthony Quinn y Omar Sharif, donde Guinness interpreta el papel del rey Feisal
  • En otros papeles de reparto del drama histórico “La caída del Imperio romano (1964)” de Anthony Mann con Sofia Loren, tephen Boyd y James Mason
  • De los dramas “Doctor Zhivago (1965)” de Lean con Geraldine Chaplin, Rod Steiger y Omar Sharif,
  • “Los comediantes (1967)” de Peter Glenville con Richard Burton y Elizabeth Taylor

Guinness afiches 2

En las siguientes décadas:

  • Protagonizó el drama musical “Muchas gracias, Mr. Scrooge (1970)” de Neame con Albert Finney
  • Los dramas “Cromwell (1970)” de Ken Hughes con Richard Harris, donde nuevamente Guinness es monarca, esta vez rey de Inglaterra,
  • “Hitler: los últimos diez días (1973)” de Ennio De Concini con Simon Ward, donde Guinness interpreta el papel de Adolfo Hitler,
  • “Hermano Sol, hermana Luna (1973)” de Franco Zefirelli con Graham Faulkner
  • La comedia-film de misterio “Un cadáver a los postres (1976)” de Robert Moore con Hielen Brennan y Truman Capote
  • La serie de filmes de ciencia ficción “Guerra de las Galaxias (1977)”,
  • “El Imperio contraataca (1980)”,
  • “El retorno del Jedi (1983)” de George Lucas, donde Guiness interpretó el papel de Ben (Obi –Wan) Kenobi
  • En papeles de reparto de la comedia “Loco de amor (1983)” de Marshall Brickman con Dudley Moore y Elizabeth McGovern
  • Los dramas “Pasaje a la India (1984)” de Lean nuevamente con Judy Davis,
  • “La pequeña Dorrit (1988)” de Christine Edgard con John Atkinson, basado nuevamente en una obra de Dickens
  • “Un puñado de polvo (1988)” de Charles Sturridge con Kristin Scott Thomas,
  • “Kafka, la verdad oculta (1991)” de Steven Soderbergh con Jeremy Irons y Theresa Russell,
  • “A foreign field (1993)” (Un campo ajeno) de Sturridge con Leo McKern, Laureen Bacall, Geraldine Chaplin y Jeanne Moreau

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Para la TV protagonizó el drama- suspense “Tinker, sailor, soldier, spy (1979) (mini)” (Hojalatero, marinero, soldado y espía) de John Irvin con Michael Jayston.Su última aparición en la gran pantalla fue en el suspense “Testigo mudo (1994)” de Anthony Waller con Marina Zudina. Como se habrá podido apreciar, Guinness fue actor favorito de los directores David Lean y Ronald Neame.

Nominado para OSCAR como mejor actor de reparto por “Guerra de las Galaxias (1977)” y  “La pequeña Dorrit (1988)”; como mejor actor por “Oro en barras (1951)”; y como mejor guión por “Un genio anda suelto (1958)”. Obtuvo OSCAR como mejor actor por “El puente sobre el Río Kwai (1957)”. En 1980 obtuvo OSCAR en honor a su carrera.  Nominado para Globo de Oro como mejor actor de reparto por “Guerra de las Galaxias (1977)” y “La pequeña Dorrit (1988)”. Obtuvo Globo de Oro como mejor actor en drama por “El puente sobre el Río Kwai (1957)”.Obtuvo premios del National Board Review de EE.UU. como mejor actor por “Ocho sentencias de muerte (1949)” y “El puente sobre el Río Kwai (1957)”. Obtuvo premio Saturn como mejor actor de reparto por “Guerra de las Galaxias 1977)”.

Nominado para premio BAFTA como mejor actor británico por “El prisionero (1955)”, “Tunes of glory (1960)”: como mejor guión por “Un genio anda suelto (1958)”. Obtuvo premio BAFTA como mejor actor por “El puente sobre el Río Kwai (1957)” y “Tinker, sailor, soldier, spy (1979) (mini)”.

En 1988 obtuvo Oso de Oro en el festival de Berlín en honor a su carrera y en 1996, y un premio similar del European Film Awards. Obtuvo premio del sindicato nacional italiano de críticos de cine como mejor actor en film extranjero por “Oro en barras (1951)”.Obtuvo copa de Zorros en el festival de Venecia como mejor actor por “Un genio anda suelto (1958)”.

Obtuvo premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como mejor actor por “El puente sobre el Río Kwai (1957)”. Obtuvo premio del Círculo de Críticos de Cine de Los Ángeles por “La pequeña Dorrit (1988)”.

Premiado como Comandante de la Orden del Imperio Británico en 1955, en ocasión de los honores por el cumpleaños de la reina Isabel. En 1994, en igual aniversario, fue condecorado como Compañero de Honor. Previamente, en 1959, fue condecorado como Caballero de la Orden del Imperio Británico, siempre por sus servicios al arte drámatico.

Hay dos biografía de este autor, la primera se denomina “Blessings in disguise” (Bendiciones disfrazadas) publicada en  1985, y la segunda escrita por Ronald L. Smith, llamada “Who’s Who in Comedy” (Quién es quién en la comedia).

En resumen actuó en 61 filmes entre 1934 y 1996, y guionista de una película. Falleció de cáncer en el hígado el 5 de agosto de 2000 en Midhurst, Sussex, Inglaterra.

 

Escrito por Esteban Hernández, 12 mayo de 2018, con información extraída de su obra inédita «Grandes del cine clásico de todos los tiempos»

 

 

El truco de la bola escondida en el béisbol

Tú aprenderás relatividad relativamente más
rápido de lo que yo aprendería beisbol
.”
Albert Einstein

La siguiente aseveración que este autor toma prestada, es muy cierta: “el beisbol es un deporte que requiere mucho ingenio, concentración y estrategia. Es un deporte sin límite de tiempo en el cuál un parpadeo te puede costar muy caro, y en el cuál nada está seguro hasta que no cae el último out.” Si alguien lo duda, basta con que se adentre en este deporte para que lo descubra y luego lo disfrute.

Una jugada que demuestra en parte la anterior afirmación es la existencia del truco de la bola escondida, que se sabe se practica desde hace tiempo. El antesalista, Bill Coughlin, quien jugó con los Senadores de Washington (1899-1904) y los Tigres de Detroit (1904- 08), es considerado el pelotero que más veces escondió la pelota con éxito. Se dice que lo hizo siete veces.

Willie Kamm, antesalista entonces de los Medias Blancas de Chicago y considerado un maestro de este truco, el 30 de abril de 1929, en juego, donde los Indios de Cleveland tenían a Charlie Jamieson en primera y Johnny Hodapp en segunda, con Carl Lind conectando batazo por el campo corto. Hodapp intentó anotar, pero quedó atrapado en un round down entre el antesalista y el receptor. Jamieson avanzó a tercera. Kamm recuperó la pelota y tocó a los dos corredores, con lo cual el árbitro declaró out a Hodapp. Kamm luego escondió la pelota bajo su brazo y esperó a que Jamieson saliera de la base. Cuando lo hizo, Kamm lo tocó para completar el triple play.

Entre los más avezados en este tipo de jugada se encuentra el inicialista Dave Bergman, hombre que cuando recibía el viraje del lanzador, simulaba su devolución cuando en realidad la pelota estaba en su mascotín, por lo que bastaba que el corredor se moviera un pasito para que lo sacara out. Ese tipo de jugada este autor le vio realizar en una ocasión al inicialista Luke Easter con los Bisontes de Buffalo de la Liga Internacional en juego contra los Cubans en el estadio del Cerro.

Bola escondida.png

El defensor de la segunda base Marty Barrett de los Medias Rojas, fue otro de los que sabía hacer bien el truco. Recibía el tiro de los jardines, con hombre sobre la segunda almohadilla, e igualmente simulaba su transferencia al lanzador. La pelota estaba escondida en su guante, por lo que un pasito del corredor y el out se cantaba para suerte de su equipo.

Dos otros antesalistas han sido buenos en el manejo de este truco, uno fue Matt Williams, que jugara buena parte de su carrera con los Gigantes y luego con el Arizona. Williams en dos ocasiones le pidió al corredor en tercera se bajara de la base para limpiar la almohadilla, mientras la pelota estaba escondida en su guante. El resto de lo sucedido no es difícil de imaginar. El otro fue el boricua, hijo de cubanos, Mike Lowell, quien recibía la pelota de los jardines, se hacía el desentendido y diez segundos después sorprendía al corredor fuera de la tercera almohadilla. Lowell también realizó el truco dos veces.

En Cuba el maestro de la bola escondida fue el gran Félix Isasi Mestre, defensor de la segunda base en equipos matanceros y durante años del equipo Cuba. Isasi tenía la maña de esconder bien la bola, que ningún jugador la veía. Isasi afirmó que su primera víctima fue uno de los hermanos Sánchez, Felipe. La jugada consistía en coger la pelota y con la misma dirigirse a la lomita, simulaba que se la entregaba al pitcher y entonces la escondía en el guante. Luego regresaba a solo metros de segunda y el lanzador flotaba la pez rubia, y entonces cuando el corredor se movía Isasi corría para tocarlo y ponerlo out.

Félix Isasi

Félix Isasi

El matancero realizó esta jugada varias veces y en dos ocasiones en eventos internacionales. La primera vez fue en la novena entrada del juego decisivo entre los equipos Cuba y EE.UU. en los juegos panamericanos de Winnipeg (1967). Lanzaba Manuel Alarcón por Cuba, el que solo había permitido un indiscutible a la artillería estadounidense. El juego iba empatado a 1. Ray Blosse recibió base, vino una lluvia que retrasó el juego durante 15 minutos. Reanudado el desafío, Mark Marquess se sacrificó y avanzó a Blosse, el jardinero Jack Kraus fue pasado intencionalmente para forzar el doble play, pero el segunda base Mike Lisetski disparó sencillo y las bases se llenaron. Isasi fue entonces que se acercó a Alarcón y tomó disimuladamente la pelota. En cuanto Blosse avanzó, Isasi vino y lo tocó, pero el árbitro norteño en segunda base no cantó el out y la protesta, con razón, no se hizo esperar, la que no prosperó. Supongo que el árbitro haya dicho que había tiempo o que Alarcón no estaba en posición correcta. En fin, que aquella adversidad le costó el juego y el título al Cuba, ya que el jardinero George Greer disparó sencillo al derecho para sentenciar la victoria estadounidense de 2-1 sobre el equipo Cuba.

Alarcón no se pudo desquitar de esta derrota, pero Isasi sí lo hizo en ocasión del campeonato mundial disputado en Barranquilla-Cartagena, Colombia, en 1970. Manuel Hurtado había relevado al abridor Changa Mederos en la tercera entrada después que los estadounidenses le anotaran dos carreras para poner el juego 4-2. A Hurtado le anotaron una carrera en el quinto por doblete impulsor del jardinero izquierdo Sam Ewing. Fue entonces que entró Isasi y volvió a tomar la pelota. El matancero a su regreso a Cuba, declaró en la TV, que una vez tomada la bola, le dijo a su manera al árbitro cubano Iván Davis, el que estaba sirviendo en el jardín derecho, que tenía la bola. El lanzador cubano se movió con desdén y alejado de la caja de pitcheo, Ewing adelantó y esta vez fue fatal, Isasi llegó y lo tocó, mientras Davis cantaba el out aproximándose a la posición. El árbitro de segunda no cantó nada. El alto mando del equipo de EE.UU. protestó la jugada y el juego, lo cual se decidió a favor de Cuba una vez concluido el partido. La jugada era legal en toda regla como también lo había sido en Winnipeg 1967. Davis declaró que en esa reunión posterior a la finalización del juego, tuvo que discutir fuerte con algún que otro árbitro sobre la legalidad del truco de Isasi.

Para que la jugada tenga éxito, sobre todo cuando algún infielder tiene la bola después de alguna conferencia en el montículo, el lanzador no podrá montarse en la caja de pitcheo, ya que de hacerlo y no estar en posesión de la bola, se cantaría balk de acuerdo a la regla 8.05 (i). Igualmente no puede haber tiempo pedido, la situación tiene que ser de play ball.

Fuentes

Anon. 1971. Béisbol-1970, Guía Oficial Cubana. Ediciones deportivas, La Habana.

Anon. 2007. Boston Red Sox – Lowell isn’t hiding his feelings on trick play. The Boston Globe, June 13.

Baseball-reference.com

Martínez Marino. 2015. El legendario pelotero cubano Félix Isasi, el hombre de la bola escondida. El Nuevo Herald, 17 mayo. http://www.elnuevoherald.com/deportes/article21250626.html

Munzel Edgar. 1956. Kamm-ouflage!. Baseball Digest, November, Vol. 15, No. 10.

 

Escrito por Esteban Romero, 7 junio de 2018

Clark Gable

Pongo en cada papel que interpreto
lo que soy, fui y deseo ser
.”
Clark Gable

Clark Gable

Clark Gable Cortesía Doctormacro.com

Un actor importante de la llamada época de oro del cine de Hollywood fue Clark Gable, que siempre será recordado por su bigote fino, su sonrisa irónica, su bien vestir de caballero y sus impecables actuaciones. Es cierto que fue otro galán elaborado por Hollywood, pero sus dotes de actor y la calidad de sus interpretaciones son innegables, no en balde se le llegó a llamar “El Rey” de Hollywood. William Clark Gable nació el 1ro de febrero de 1901 en Cadiz, Ohio, en cuya familia su padre se dedicaba a perforar pozos de petróleo. La madre de Clark falleció cuando él sólo tenía siete meses y su padre entonces decidió mandarlo a crianza con sus tíos por línea materna. Cuando Clark tenía dos años, su padre se lo llevó con él nuevamente. Fue así que conoció del trabajo de extracción petrolera junto con su padre. A los 16 años abandonó la escuela e hizo varios trabajos. Su vocación por la actuación llegó cuando vio la obra “El pájaro del paraíso”. Al involucrarse en el mundo teatral pudo conocer a su instructora, la actriz Josephine Dillon, con la que se casó finalmente en 1924 y poco después se trasladaron a Hollywood, donde Gable a la vez que se presentaba en teatro, hizo varias pruebas, sin éxito para actuar en cine. En 1930 finalmente la MGM firmó a Gable, quien se divorció de la Dillon, quince años mayor que él, para casarse con María Langham, también mucho mayor que Gable. En realidad la actuación del futuro galán en la obra teatral “The last mile” (La última milla) en Los Angeles no pasó inadvertida para muchos directores y actores/actrices de cine, los que vieron en este actor una potencial estrella del cine. Gable ya había debutado en el cine en papel pequeño en el drama “White man (1924)” (Hombre blanco) de Louis J. Gasnier, luego como extra en la comedia “La frivolidad de una dama (1924)” de Ernst Lubitsch, y en los dramas “La viuda alegre (1925)” de Erich von Stroheim, y “One minute to play (1926)” (Un minuto para jugar) de Sam Wood. Su primer papel de alguna importancia en el cine sonoro fue en el rol de villano en el oeste “Desierto pintado (1931)” de Howard Higgin con William Boyd o futuro Hopalong Cassidy. A esta película le siguieron sus interpretaciones como villano o gánster en los filmes de crimen y/o dramas:

  • “El dedo acusador (1931)” de John Francis Dillon con Fray Wray,
  • “Enfermeras de noche (1931)” de William A. Wellman con Barbara Stanwyck y Joan Blondell,
  • “Danzad, locos, danzad (1931)” de Harry Beaumont con Joan Crawford y William Holden,
  • “Alma libre (1931)” con Lionel Barrymore, Leslie Howard y Norma Shearer,
  • “Amor en venta (1931)” con Joan Crawford, éstos dos últimos dirigidos por Clarence Brown

Clark Gable afiches

Los directivos hollywoodenses se dieron cuenta que Gable era un actor sumamente atractivo para las mujeres y por esa razón decidieron darle papeles de galán, así comenzó a actuar en una serie de dramas y romances, como fueron:

  • “Susan Lenox (1932)” de Robert Z. Leonard con Greta Garbo,
  • La comedia musical “Alma bailarina (1933)” de Leonard, en ambos con Joan Crawford
  • Los dramas “Hombres en blanco (1934)” de Richard Boleslawski,
  • “El enemigo público número uno (1934)” de W.S. Van Dyke y George Cukor, en ambos con Myrna Loy,
  • “Extraño intervalo (1932)” de Leonard con Norma Shearer
  • “Tierra de pasión (1932)” de Victor Fleming,
  • “Tú eres mío (1933)” de Sam Wood, en ambos con Jean Harlow,
  • “Sucedió una noche (1934)” de Frank Capra con Claudette Colbert, película que fuera todo un éxito para Gable y la Colbert
  • Protagonizó el remake “La llamada de la selva (1935)” de William A. Wellman con la Young nuevamente, film basado en la obra homónima del escritor Jack London
  • El film de aventura “Rebelión a bordo (1935)” de Frank Lloyd con Charles Laughton del lado opuesto, donde Gable es el rebelde del film
  • Los dramas “San Francisco (1936)” de W.S. Van Dyke con Spencer Tracy y Jeanette MacDonald,
  • “Parnell (1937)” de John M. Stahl con Myrna Loy, donde interpreta el papel de un famoso policía irlandés,
  • “Saratoga (1937)” de Jack Conway con Jean Harlow y Lionel Barrymore

Clark Gable afiches 2

La actuación más recordada de Gable, que ha pasado a la historia del cine de todos los tiempos, fue en el famoso drama “Lo que el viento se llevó (1939)” de Victor Fleming, donde interpreta el papel del aventurero de Rhett Butler, que curiosamente Gable no aceptó inicialmente. Luego cambió de idea, pero aún así estuvo a punto de renunciar debido a sus diferencias con el director inicial de la película, George Cukor, quien dirigió solo una pequeña primera parte de este film. Se dice que Gable padecía de homofobia y Cukor era considerado un homosexual. Probablemente Gable nunca supuso que esta película lo inmortalizaría junto a la brillante Vivien Leigh, Leslie Howard y Olivia De Havilland.

Lo q el viento se llevó

Otras notables actuaciones fueron:

  • Los dramas “Fruto dorado (1940)” de Conway con Claudette Colbert,
  • “Extraño cargamento (1940)” de Frank Borzage con Joan Crawford,
  • “Quiero a este hombre (1941)” de Conway,
  • “Somewhere I’ll find you (1942)” (En algún lugar te encuentro) de Wesley Ruggles, en ambos con Lana Turner

Clark Gable afiches 3

En 1939, Gable después de divorciarse de María Langham, se casó con la actriz Carole Lombard, su verdadero amor en su vida, la que falleció en un lamentable accidente aéreo. Poco después, Gable, a la edad de 41 años, decidió alistarse en la fuerza aérea  norteamericana, donde sirvió como capitán durante la Segunda Guerra Mundial en el frente europeo, lo que se sabe que realizó en honor a su difunta esposa, Carole Lombard. Su regreso a Hollywood fue en 1945, a partir de entonces, las compañías fílimicas decidieron rebajarle su salario, por lo que deambuló algo hasta que logró contratos y actuó con la calidad acostumbrada en:

  • Los dramas “Mercaderes de ilusiones (1947)” de Conway con Deborah Kerr,
  • “La rival (1948)” de Mervyn LeRoy con Lana Turner nuevamente,
  • “Sublime decisión (1948)” de Sam Wood con Van Johnson y Walter Pidgeon,
  • “Hagan juego! (1949)” de LeRoy con Alexis Smith

La década de los 50 fue también fructífera para Gable con actuaciones notables en:

  • El oeste “Estrella del destino (1952)” de Vincent Sherman con Ava Gardner
  • El drama “No me abandones (1953)” de Delmer Daves con Gene Tierney
  • El famoso drama de la selva “Mogambo (1953)” de John Ford, donde Gable actuó con dos bellezas de Hollywood, Grace Kelly y Ava Gardner nuevamente
  • El oeste “Los implacables (1955)” de Raoul Walsh con Robert Ryan
  • El film de acción “Cita en Hong Kong (1955)” de Edward Dmytryk con Susan Hayward
  • La comedia-oeste “Un rey para cuatro reinas (1956)” de Walsh con Eleanor Paker
  • La comedia “Enséñame a querer (1957)” de George Seaton con Doris Day
  • El drama “La esclava libre (1957)” de Raoul Walsh con Yvonne DeCarlo y Sidney Poitier
  • El film de guerra “Torpedo (1958)” de Robert Wise con Burt Lancaster
  • La comedia “Capri (1960)” de Melville Shavelson, con la entonces joven Sofia Loren,
  • El drama “Vidas rebeldes (1961)” de John Huston, film también protagonizado por Marilyn Monroe, el talentoso Montgomery Clift y Elli Wallach, que fuera la despedida del gran actor de la gran pantalla, película que Gable nunca llegaría a ver su estreno

Clark Gable afiches 4

Nominado para OSCAR como mejor actor por “Rebelión a bordo (1935)” y “Lo que el viento se llevó (1939)”. Obtuvo OSCAR como mejor actor por “Sucedió una noche (1934)”.  La estatuilla de este último galardón fue adquirida por el director Steven Spielberg y devuelta a la Academia de OSCAR para así evitar que la misma fuera objeto de comercializaciones sucesivas. En 2001 el certamen Golden Boot (Bota dorada) le entregó al hijo de Gable un premio por el centenario del nacimiento de su padre. En 1999 el Instituto Fímico Americano catalogó a Gable como la estrella masculina número 7 de todos los tiempos en el cine.

Vidas rebeldes

Cosas de la vida, en 1948 Gable le propuso matrimonio a una actriz no muy conocida, Nancy Davis, algo que no se llegó a concretar, ya que esta actriz se convirtió en Nancy Reagan al casarse con Ronald Reagan, más tarde presidente de los EE.UU.

En resumen actuó en 82 filmes entre 1923 y 1961, y productor de una película. Gable murió el 16 de noviembre de 1960 en California poco antes del estreno en cine de su última película (Vidas rebeldes).

 

Escrito por Esteban Hernández, 8 mayo de 2018, con información extraída de su obra inédita «Grandes del cine clásico de todos los tiempos».

El misterio de la durabilidad de los lanzadores japoneses en la MLB

Cada día es una nueva oportunidad. Puedes construir sobre el éxito de ayer
o poner tus fracasos en el pasado y empezar de nuevo. Así es la vida, con un
nuevo juego cada día y así es el béisbol
.”
Bob Feller

Es cierto que la mayoría de los lanzadores y otros peloteros japoneses llegan a las ligas Mayores de EE.UU. ya hechos y con años experiencia. Sin embargo, hay algo que llama la atención y es lo poco que duran muchos de estos lanzadores, los que vienen acompañados de éxitos en las ligas de su país.

En Cuba se ha oído bastante hablar de cómo los lanzadores japoneses entrenan. Los peloteros cubanos que han jugado o juegan allí, saben las formas de entrenamiento incluido el pitcheo. Recordemos a Omar Linares hablar de las 200 pelotas tiradas diariamente por los serpentineros japoneses, algo que uno puede tener sus dudas de su eficiencia en el orden físico y hasta psicológico. No obstante, son sus prácticas y sus mañas. No es lo mismo el béisbol japonés que el de las Mayores, hay sus diferencias y no pocas.

Veamos, con sus excepciones, generalmente los lanzadores japoneses lanzan a menos velocidad que los estelares norteamericanos u otros de la MLB.  El problema de la velocidad usualmente tratan de resolverlo con una pausa distinta en la liberación de la pelota al home, igualmente tienen un repertorio variado a base de lanzamientos de rompimiento. Hideo Nomo lanzaba así y desesperaba a todos, bateadores, directores y árbitros en la MLB. En las Mayores no se lanza tenedor, en Japón aún se usa, de nuevo Nomo fue un ejemplo en el uso de este lanzamiento. La split finger es también parte de esos lanzamientos y era parte del repertorio de Nomo,  además del llamado Eephus (nada en hebreo), el que consiste en un lanzamiento a poca velocidad que saca de paso a muchos bateadores.  En Japón, la zona de strike es algo más amplia que en la MLB, lo cual crea algún problema cuando el lanzador nipón llega a la MLB.

Hideo Nomo

Hideo Nomo

Hay también otras diferencias que vienen desde el béisbol escolar en Japón. Por ejemplo, los llamados maratones de pitcheo en las escuelas superiores. Leía hace unos días, que el derecho Daitsuke Matsuzaka, igualmente conocido como Dice-K, llegó a lanzar 250 pelotas en un juego de 17 innings en 1988, pero que un día antes había tirado la barbaridad de 148 lanzamientos. Eso era cuando tenía 18 años. Masahiro Tanaka lanzó también 180 entradas a la edad de 18 años en las competencias escolares de su país. Otro ejemplo más reciente fue el de Tomohiro Anruku lanzando 772 pelotas en la final de play off de 2014 en iguales torneos. Anruku tenía entonces 16 años.

Daitsuke Matsuzaka

Daitsuke Matsuzaka

Por lo relatado, no parece que en Japón le presten mucha atención al asunto del número de lanzamientos, ni de poner límites a esas prácticas. Tampoco es difícil adivinar que un lanzador de 25 o 26 años llega del Japón a las Mayores con una carga que a la larga limita su efectividad y longevidad en la MLB. En Japón se usa la rotación de seis abridores, algo que con la excepción de Dave Roberts, manager de los Dodgers e hijo de madre japonesa, no se practica en la MLB, incluso se resisten a esa idea la mayoría de los timoneles. La realidad es que el número de lanzadores que deben someterse a la cirugía Tommy John es reducido en Japón, por lo que el día extra de descanso para el lanzador ayuda a preservar su brazo. Los directores en la MLB se resisten a esta rotación por las nóminas limitadas a 25 peloteros.

El que suscribe no cree que el asunto esté en la rotación, quien haya visto pelota de las Mayores en la década de los 50, sabe que muchos estelares entonces, que lo serían hoy nuevamente, se cansaban menos y eran pocos los que tenían que abandonar la carrera de pitcheo por dolores en el brazo. Ni siquiera Tommy John había entonces nacido. Lanzaban cada cuatro días y rendían enormemente. En otro momento será menester retomar el tema más ampliamente. Por ahora hablemos de los nipones.

El primer lanzador nipón en jugar en las Mayores fue el zurdo Masanori Murakami con los Gigantes, el que solo lanzó en dos temporadas, con registro de 5 victorias, 1 derrota y 9 salvados, PCL de 3.43. Después de él han jugado otros 50 serpentineros japoneses. El que más ha durado ha sido el estelar Hideo Nomo, el cual lidera varios departamentos entre los lanzadores de su país en Grandes Ligas (tabla 1). Nomo llegó a la Liga Nacional cuando tenía 26 años, lanzó a lo largo de 12 temporadas en el período de 1995-2005 y con regreso breve en el 2008. Fue novato del año en la Liga Nacional en 1995, lanzó en ambas ligas, fue líder en ponches propinados en dos temporadas, 1995 (236) en la Liga Nacional y 2001 (220) en la Americana. Su WAR es realmente impresionante y fue sin dudas un lanzador sobresaliente en las Mayores.

Tabla 1 lanzadores japoneses

No obstante, existe otra realidad y no es precisamente de éxito entre los lanzadores del país del sol naciente. Varios de ellos han tenido que someterse a intervenciones Tommy John, entre ellos Daisuke Matsuzaka, Tsuyoshi Wada, Kyuji Fujikawa y Yu Darvish. Además Masahiro Tanaka y Koji Uehara no han sido intervenidos quirúrgicamente, pero han sido dados de baja por largos períodos de tiempo debido a distintas dolencias. Tanaka fue dado de baja en su año como novato debido a ruptura de ligamento, lo cual no requiere cirugía.

Relevistas japoneses en MLB

Daisuke Matsuzaka, en su quinto año en las Mayores tuvo que someterse a la Tommy John, pero si bien muchos lanzadores regresan bien y sin mayores problemas, a Dice-K no le fue así y al final tuvo que regresar a jugar con el Softbank Hawks en Japón. Yu Darvish no parece haber recuperado la efectividad inicialmente mostrada en sus años con los Vigilantes. Uehara regresó igualmente a la Liga Central de Japón y lanza en el Yomiuri. Kyuji Fujikawa tuvo un paso breve por las mayores y ahora lanza para su equipo en Japón, los Tigres Hanshin en la misma Liga Central. El zurdo Wada fue un ave de paso en los Cachorros, hasta el pasado año 2017 lanzó para el Softbank.

Kasuhiro Sasaki

Kasuhiro Sasaki

El agotamiento del brazo y los problemas de salud del mismo son una cosa, pero otra es la pérdida de eficiencia, y eso es lo que se está viendo en estos momentos con el derecho Kenta Maeda de los Dodgers. Raro es el juego en el que no es bateado con fuerza, de aquellos buenos juegos de la temporada de 2016 queda solo el recuerdo.

Shohei Ohtani ha debutado en 2018, veremos que rinde a lo largo de la temporada como lanzador. Tiene la ventaja de ser un excelente bateador, por lo que si no triunfa en el montículo, lo podrá hacer en la caja de bateo.

 

Escrito por Esteban Romero, 6 mayo de 2018, con información estadística extraída de baseball-reference.com

 

Jane Fonda

Cuando comienzo algo y sé que lo haré
correctamente,  lo emprendo con todas mis fuerzas
”.
Jane Fonda

Jane Fonda

Jane Fonda. Cortesía doctormacro.com

Jane, hija del actor Henry Fonda, ha sido una de las actrices más atractivas, inteligentes y con luz propia que haya pasado por Hollywood. Jane Seymour Fonda nació el 21 de diciembre de 1937 en la ciudad de Nueva York de madre de la alta sociedad. En su niñez estudió en la escuela Emma Willard en Troy, NY. En la actuación se inició gracias al empeño del director Joshua Logan, quien la estimuló a que apareciera junto a su padre. Así en 1954 se estrenó como actriz teatral en el Teatro de la Comunidad de Omaha, donde debutó en la obra “The country girl” (La chica de pueblo). Su interés por la actuación aumentó cuando conoció a Lee Strasberg en 1958, lo que la motivó a cursar  estudios en el Actors Studio hasta que debutó en el cine en la comedia “Me casaré contigo (1960)” de Logan con Anthony Perkins. A esta actuación le siguieron otras más en dramas románticos y comedias, entre ellas:

  • Los dramas-comedias “Reajuste matrimonial (1962)” de George Roy Hill con Anthony Franciosa
  • “Un domingo en Nueva York (1963)” de Peter Tewksbury con Rod Taylor y Cliff Robertson
  • La comedia “Descalzos por el parque (1967)” de Gene Saks con Robert Redford por primera vez, y Charles Boyer.

 Jane Fonda afiches

En esa década también actuó en:

  • Los dramas “La jauría humana (1966)” de Arthur Penn con Marlon Brando, Robert Redford y Robert Duvall,
  • “Juegos de amor a la francesa (1964)” de su entonces esposo, Roger Vadim, con Denise Benoît,
  • “La noche deseada (1967)” de Otto Preminger con Michael Caine y George Kennedy

El gastado género del oeste no podía faltar en el reparto de Jane, así actuó en “La ingenua explosiva (1965)” de Elliot Silverstein con Lee Marvin, luego:

  • Protagonizó la comedia “Cualquier miércoles (1966)” de Robert Ellis Miller con Jason Robards
  • Actuó en una película de ciencia ficción, “Barbarella (1968)”, de Vadim con John Phillip Law
  • Bajo la dirección de Vadim, también protagonizó el drama “Historias extraordinarias (1968)”, film co-dirigido por Fellini y Louis Malle, en el que también actúa el hermano de Jane, Peter, además de Alain Delon y Brigitte Bardot

Jane Fonda afiches. 2png

Jane fue siempre contraria a la guerra en el Vietnam y así lo hizo conocer en declaraciones propias como en algunas actuaciones, por ejemplo “F.T.A. (1972)”, documental que reseña las miserias de esta guerra. Sus posiciones a este respecto llegaron al extremo que en los EE.UU. le llegaron a llamar “Hanoi Jane”. No obstante, ella fue siempre aceptada por el público y protagonizó dos películas que fueron muy apreciadas por la crítica también. Se trata de:

  • “Danzad, danzad malditos (1969)” de Sidney Pollack con Michael Sarrazin
  • El drama-suspense “Klute (1971)” de Alan J. Pakula con Donald Sutherland.

A continuación:

  • Protagonizó la comedia “Roba sin mirar a quien (1976)” de Ted Kotcheff con George Segal, donde interpreta el rol de esposa de un ladrón de bancos
  • El drama antinazi “Julia (1977)” de Fred Zinnemann con Vanessa Redgrave, Maximilian Schell y la debutante Meryl Streep
  • La comedia “California Suite (1978)” de Herbert Ross con Alan Alda, Michael Caine y Maggie Smith
  • Los dramas “El jinete eléctrico (1978)” de Pollack con Redford nuevamente,
  • El antibélico “El regreso (1978)” de Hal Ashby con Jon Voight y Bruce Dern, donde de nuevo se aborda la tragedia y las secuelas de la guerra en Vietnam

Jane Fonda afiches 3

Después de este período, Jane creó su propia compañía de producción fílmica, la que realizó el drama “El síndrome de China (1979)” de James Bridges, donde Jane actúa junto a Jack Lemmon y Michael Douglas, film que trata sobre una estación electronuclear con serios problemas de peligrosidad.

Luego actuó en:

  • La comedia “Cómo eliminar a su jefe (1980)” de Colin Higgins con Lily Tomlin
  • El estupendo drama- comedia “En el estanque dorado (1981)” de Mark Rydell junto a su padre, Henry, y la experimentada Katharine Hepburn, película que es toda una joya del cine contemporáneo

A partir de aquí, Jane comenzó a actuar algo más en la TV, sobre todo en su programa de ejercicios anaeróbicos, así como en otras producciones, como en papel de reparto del drama “La fabricante de muñecas (1984)” de Daniel Petrie con Mike Bacarella y Etel Billig. En el cine protagonizó:

  • El film de misterio “Agnes de Dios (1985)” de Norman Jewison con Anne Bancroft
  • El suspense “A la mañana siguiente (1986)” de Sidney Lumet con Jeff Bridges y Raul Julia
  • Los dramas “Gringo viejo (1989)” de Luis Puenzo con Gregory Peck
  • “Carta a Iris (1990)” de Martin Ritt con Robert De Niro

En la década de los 90, Jane no se le vio más en la gran pantalla, años después regresó y se le vio:

  • Co-protagonizar con Jennifer Lopez la comedia-romance “La madre del novio (2005)” de Robert Luketic.
  • Protagonizar otro filme de igual género de Garry Marshall, “Lo dice Georgia (2007)”
  • En papel de reparto de otra comedia-drama, ¿Y si vivimos todos juntos? (2011)” de Stéphane Robeline, donde también actúa Geraldine Chaplin
  • En igual género protagonizó “Paz, amor y malos entendidos (2011)” de Bruce Beresford
  • En el drama “El mayordomo (2013)” de Lee Daniels, Jane interpreta el papel de la primera dama Nancy Reagan
  • Otro papel de reparto en la comedia-drama “La juventud (2015)” de Paolo Sorrentino con Michael Caine y Harvey Keitel
  • Y el re-encuentro con su amado compañero de películas, Robert Redford, en el drama-romance “Nosotros en la noche (2017)” de Ritesh Batra

Jane Fonda nosotros en la noche

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Danzad, danzad malditos (1969)”, “Julia  (1977)”, “El síndrome de China (1979)” y “Cualquier miércoles (1966)”. Obtuvo OSCAR como mejor actriz por “Klute (1971)” y “El regreso (1978)”.

Nominada para Globo de Oro como mejor actriz en drama por “Danzad, danzad malditos (1969)”, “El síndrome de China (1979)” y “En el estanque dorado (1981)”; como mejor actriz en miniseries para la TV por “The dollmaker (1984)”, y como mejor actriz en comedia/musical por “La ingenua explosiva (1965)” y “Cualquier miércoles (1966)”. Obtuvo Globo de Oro como actriz más promisoria en 1962,  como mejor actriz dramática por “Klute (1971)”, “Julia (1977)” y “El regreso (1978)”. También obtuvo Globo de Oro en 1973 y 1980 como la actriz favorita del año.

Nominada para premios BAFTA como mejor actriz extranjera por “Descalzos en el parque (1967)”, como mejor actriz  por “Danzad, danzad malditos (1969)” y “Klute (1971)”; y  como mejor actriz de reparto por “El estanque dorado (1981)”. Obtuvo BAFTA como mejor actriz por “Julia (1977)” y “El síndrome de China (1979)”.

En 1961 obtuvo premio como la Mujer del Año del Hasty Pudding Theatricals de EE. UU.  En 1979 obtuvo el premio Sho West como la Estrella Femenina del Año.

Nominada para Emmy por “A century of women (1994)”. Obtuvo premio Emmy como mejor actriz por “The Dollmaker TV (1984)”.

Obtuvo premio LAFCA como mejor actriz por “El regreso (1978)”, así como premios del Círculo Nacional de Críticos de Cine de EE.UU.,  y del similar de Nueva York como mejor actriz por “Klute (1971)”, así como de éste último, en igual categoría, por “Danzad, danzad malditos (1969)”.

Nominada para premio negativo frambuesa como peor actriz por “Gringo viejo (1989)”.

Hasta la fecha, Jane ha actuado em 57 filmes desde 1960, productora de 4 y guionista de una película.

 

Escrito por Esteban Hernández, 6 mayo de 2018, con información extraída de su obra inédita «Grandes del cine clásico de todos los tiempos».

Bette Davis

El éxito solo conduce a una nueva meta”.
Bette Davis

Bette Davis

Bette Davis. Cortesía doctormacro.com

Ruth Elizabeth Davis fue una actriz de reconocidos éxitos en el cine durante los años 30 al 50, que se caracterizó por protagonizar dramas interpretando roles de dama de carácter fuerte, a veces arrogante y oportunista en el amor, pocas veces como mujer débil. Bette nació el 5 de abril de 1908 en Lowell, Massachusetts, hija de padre dedicado a asuntos legales de patente, pero criada por su madre, la que se divorció del padre de Bette cuando la niña tenía 10 años. En su niñez, la pequeña Bette tenía interés en convertirse en bailarina, deseo que abandonó, por lo agotador que le resultaba su práctica. A la actuación llegó al matricularse en una escuela de arte dramático en Nueva York, donde resultó ser alumna estrella. En 1923 actuó en la obra “The Earth Between” (La Tierra de por medio) en el mismo Broadway, donde continuó actuando hasta que fuera contratada por la Universal en 1930. En Hollywood debutó en la gran pantalla en papel  secundario del drama “Mala hermana (1931)”, donde de Hobart Henley con Conrad Ángel y Sidney Fox, no causó ninguna impresión. Posteriormente actuó en otro papel de reparto en el drama “Volver a casa (1931)” de William A. Seiter y protagonizado por Phillips Lord y Effie Palmer. Así las cosas y en 1932 fue contratada por la Warner Bros. Nuevamente secundaria, apareció en el drama-film de crimen “La estatua vengadora (1932)” de Roy William Neill con H.B. Warner. Actuaciones protagónicas comenzaron a partir de los dramas “Casa correccional (1932)” de Howard Higgin con Pat O´Brien, “La oculta providencia (1932)” de John G. Adolfi con George Arliss, y drama-film de crimen “Veinte mil años en Sing-Sing (1932)” de Michael Curtiz, co-protagonizado por Spencer Tracy.

Bette Davis afiches

Bette tuvo una estelar  actuación en el drama “Cautivo del deseo (1934)” de John Cromwell con Leslie Howard, film basado en una novela de Sommerset Maughan, donde ella interpreta el papel de una mujer aprovechada del amor de un joven inteligente y con problemas en uno de sus pies. Se puede decir que a partir de entonces Bette fue consolidándose como actriz con un estilo muy propio en cada una de sus interpretaciones. En lo sucesivo:

  • Protagonizó el drama “Peligrosa (1935)” de Alfred E. Green con Franchot Tone
  • El film de crimen-drama “El bosque petrificado (1936)” de Archie Mayo con Howard nuevamente y Humphrey Bogart, una verdadera joya del cine clásico
  • La comedia “Golden arrow (1936)” (Flecha dorada) de Green con George Brent
  • El drama-film de crimen “La mujer marcada (1937)” de Lloyd Bacon con Humphrey Bogart, un filme que aborda la prostitución ilegal en los EE.UU.
  • Los dramas “Kid Gallahad (1937)” de Michael Curtiz con Edward G. Robinson y Humphrey Bogart,
  • “Jezebel (1938)” de William Wyler con Henry Fonda, donde Bette es todo una perversa
  • “Las hermanas (1938)” de Anatole Litvak con Errol Flynn, tres hermanas juzgadas por sus problemáticos matrimonios
  • “Juárez (1939)” de William Dieterle con Paul Muni, donde interpreta el papel de Carlota de México
  • “La vida privada de Elizabeth y Essex (1939)” de Curtiz con Flynn y Olivia De Havilland, como intérprete de la reina Elizabeth I
  • “Amarga victoria (1939)” con George Brent y Humphrey Bogart, cuando un ser humano se debate entre la vida o la muerte producto de su escasa salud
  • “La solterona (1939)” con Miriam Hopkins y Brent nuevamente, con una Bette Davis dominante como de costumbre. Estas dos últimas películas de Edmund Goulding,
  • “La carta (1940)” de Wyler con Herbert Marshall, otra excelente trama con brillantes actuaciones de Bette y de H. Marshall

Bette Davis afiches 2

En la siguiente década continuó su prolífica carrera artística, como fue en:

  • Los dramas “La loba (1941)” de Wyler con Marshall nuevamente, de tanta calidad como “La carta”
  • “La gran mentira (1941)” de Goulding con Brent, trama con un enredo propio de cine
  • “Como ella sola (1942)” de John Huston con Olivia De Havilland y Brent nuevamente, donde Bette y Olivia aparecen como hermanas en el filme
  • “La extraña pasajera (1942)” de Irving Rapper con Paul Henreid, con Bette como una flor renaciente
  • “Vieja amistad (1943)” con la Hopkins nuevamente, con algún parecido a “Ricas y famosas”
  • “Señor Skenffington (1943)” con Claude Rains, estas dos últimas del director Vincent Sherman, cuya trama es el sacrificio de una mujer que se casa con un millonario con tal de salvar a su hermano de la cárcel
  • “Una vida robada (1946)” de Curtis Bernhardt con Glenn Ford, donde Bette interpreta el papel de dos gemelas, aunque con diferente comportamiento ante la vida
  • “Encuentro invernal (1948)” de Bretaigne Windust con Janis Paige, filme romántico con Bette como poetisa
  • El suspense “Más allá del bosque (1949)” de King Vidor con Joseph Cotten, con adulterio en la trama
  • El drama “Eva al desnudo (1950)” de Joseph L. Mankiewicz con Anne Baxter, Celeste Holm, George Sanders y Marilyn Monroe

Bette Davis afiches 3

En las siguientes décadas y hasta el final de su carrera, protagonizó:

  • Los dramas “La egoísta (1951)” de Curtis Bernhardt con Barry Sullivan, con trama sobre los divorcios
  • “La estrella (1952)” de Stuart Heisler con Sterling Hayden, con romance de sus protagonistas
  • “El favorito de la reina (1955)” de Henry Koster con Richard Todd, donde nuevamente interpreta el papel de la reina Elizabeth I
  • El film de misterio “Donde el círculo termina (1959)” de Robert Hamer con Alec Guinness, enredo de doble personalidad encarnada por Guinness, mientras Bette es la condesa de la trama
  • La comedia-drama “Un gánster para un milagro (1961)” de Frank Capra con Glenn Ford
  • Con su eterna rival, Joan Crawford, en el drama “¿Qué fue de Baby Jane? (1962)” de Robert Aldrich, donde interpreta el papel de una hermana envidiosa y malvada
  • El film de horror “Canción de cuna para un cadáver (1964)” de Robert Aldrich con Olivia De Havilland y Joseph Cotten, terror difícil de digerir
  • En papeles de reparto de otro film de horror, “Pesadilla diabólica (1976)” de Dan Curtis con Karen Black y Oliver Reed, igualmente terror desde el inicio
  • De los dramas “Las ballenas de agosto (1987)” de Lindsay Anderson con Lilian Gish,
  • “La bruja de mi madre (1989)” de Larry Cohen con Barbara Carrera, que fuera su última aparición en pantalla

Bette Davis afiches 4

Bette fue también activa actriz de la TV, así protagonizó los dramas:

  • “The disappearance of Aimee (1976)” (La desaparición de Aimée) de Anthony Harvey con Faye Dunaway,
  • “Strangers: The story of a mother and daughter (1979)” (Extraños: la historia de una madre y una hija) de Milton Katselas con Gena Rowlands,
  • “White Mama” (1980) de Jackie Cooper con Ernest Harden Jr.,
  • “A piano for Mrs. Cimino (1982)” (Un piano para la señora Cimino) de George Schaefer con Penny Fuller,
  • “Little Gloria… happy at last (1982)” (Pequeña Gloria… feliz al fin) de Waris Hussein con Martin Balsam,
  • “Right of way (1983)” (Por el camino derecho) de George Schaefer con James StewartEn papel de reparto del drama “As summers die (1986)” (Mientras el verano muere) de Jean-Claude Tramont con Jamie Lee Curtis y Scott Glenn

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Cautivo del deseo (1934)”,  “Amarga victoria (1939)”, “La carta (1940)”, “La loba (1941)”, “La extraña pasajera (1942)”, “Sr. Skenffington” (1943), “Eva al desnudo (1950)”, “La estrella (1952)” y “¿Qué fue de Baby Jane? (1962)”. Como curiosidad, Bette fue nominada para Oscar durante cinco años consecutivos, 1939, 1940, 1941, 1942 y 1943. Obtuvo OSCAR como mejor actriz por “Peligrosa (1935)” y “Jezebel (1938)”. Nominada para Globo de Oro como mejor actriz en drama por “Eva al desnudo (1950)” y “¿Qué fue de Baby Jane? (1962)”. En 1974 obtuvo el premio Cecil B. DeMille.

Nominada para premio BAFTA como mejor actriz extranjera por “¿Qué fue de Baby Jane? (1962)”. Obtuvo premio en el festival de Cannes, cinta de plata del sindicato italiano de cronistas de cine y premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York por “Eva al desnudo (1950)”. Obtuvo Copa de Zorros en el festival de Venecia por  “Kid Gallahad (1937)”.

Obtuvo Pergamino de Oro de la Academia Fílmica de Ciencia Ficción, Horror y Fantasía como mejor actriz de reparto por “Pesadilla diabólica (1976)”. Obtuvo premios CableAce como mejor actriz en programa dramático o teatral por “Right of way (1983)”, y en miniseries por “As summers die (1986)”. Nominada para Emmy como mejor actriz en series por “White mama (1980)”, y como mejor actriz  de reparto en series por “Little Gloria… happy at last (1982)”. Obtuvo este premio en igual categoría por “Strangers: The story of a mother and daughter (1979)”.

En 1941 y 1963 obtuvo Manzana de Oro como actriz más cooperativa. En 1977 recibió premio por su labor artística del Instituto Fílmico Americano. En 1986 recibió Cesar en honor a su carrera artística. En 1983 se le entregó el premio Crystal en el certamen Women in Film Crystal. En 1989 obtuvo el premio Gala Tribute del Lincoln Center, y el Donostia a su carrera en el festival de San Sebastián.

Ha sido catalogada como segunda en la lista de las Grandes Leyendas de la Pantalla por el Instituto Americano Fílmico y como décima gran estrella de todos los tiempos por el Entertainment Weekly. Una calle en ciudad Iowa, estado de Iowa, lleva su nombre.

En resumen actuó en 122 filmes entre 1931 y 1989, productora de una película. Falleció de cáncer en la mama el 6 de octubre de 1989 en Neuilly, Francia.

 

Escrito por Esteban Hernández, 4 mayo de 2018, con información extraída de su obra inédita «Grandes del cine clásico de todos los tiempos.