“Nuestra entera vida es como una comedia.”
Ben Johnson (1572-1637),
dramaturgo, poeta y actor inglés

El pasado 29 de agosto (2016) moría en Stamford, Connecticut, uno de los comediantes más exitosos que haya pasado por Hollywood, se trata de Gene Wilder, nacido con el nombre de Jerome Silberman el 11 de junio de 1933 en Milwaukee, Wisconsin, en el seno de una familia de emigrantes judíos-rusos.

Según relata Wilder en sus memorias, en su niñez le hacía gracias a su madre, afectada de fiebre reumática, para que riera, y su inclinación por la interpretación comenzó cuando vio a su hermana Corinne actuando, luego la imitó para continuar realizando estudios en este arte. Fue así que estudió Comunicación y Artes del Teatro en la Universidad de Iowa.

Su nombre artístico lo adoptó en 1959 y se derivó de su simpatía por el personaje de Eugene Gant de la novela “Look Homeward, Angel (1929)” (Mira hacia atrás, Ángel) del escritor norteamericano Thomas Wolfe, de ahí viene el Gene, y por admirar al dramaturgo y novelista Thornton Wilder, de donde sale el Wilder.

Gene Wilder en la 14ta. premiación anual del Sindicato de Directores, Los Angeles, 13 II 2010. Foto Imagecollect, Dreamstime.com

En su juventud viajó a Inglaterra para estudiar en el Old Vic de Bristol, regresó a su país y se adiestró en el el HB Studio de Nueva York, cubrió su servicio militar entonces obligatorio y luego comenzó a desenvolverse en teatro. Se unió al Actors Studio y fue aquí que ganó su primer premio, el Clarence Derwwent por su montaje de la obra “The complaisant lover” de Graham Greene.

En 1963 Wilder conoció a Mel Brooks a través de la actriz Anne Bancroft, y esta relación le permitió formar parte de la compañía de Brooks, cuyo estudio produjo el famoso film de crimen “Bonnie y Clyde (1967)” de Arthur Penn con Warren Beatty y Faye Dunaway, donde Wilder debutó en un papel de reparto muy aceptable.

Previamente Wilder había debutado en la TV, en el drama “Muerte de un viajante (1966)” de Alex Segal. Después de este inicio:

• Protagonizó las comedias “Los productores (1967)” de Mel Brooks con Zero Mostel, donde nuevamente tuvo una acertada interpretación,
• “Empiecen la revolución sin mi (1970)”de Bud Yorkin con Donald Sutherland,
• “Un mundo de fantasía (1971)” de Mel Stuart con Jack Albertson
• En papel de reparto de la comedia dirigida y protagonizada por Woody Allen, “Todo lo que quiso saber sobre el sexo, pero nunca se atrevió a preguntar (1972)”
• Co-protagonizó con Cleavon Little la comedia-oeste “Sillas de montar calientes (1974)”,
• Con Peter Boyle la comedia “El jovencito Frankenstein (1974)”, ambas de Brooks. Esta última interpretación de Wilder fue brillante e inolvidable, considerada la mejor en su carrera.

Su debut como director fue con la comedia- film de crimen “El hermano más listo de Sherlock Holmes (1975)” con Madeline Kahn, al que le siguió otro film de igual género junto al cómico Richard Pryor, “El expreso de Chicago (1976)” de Arthur Hiller.

Afiches de películas protagonizadas magistralmente por Gene Wilder

Junto a Harrison Ford, ambos judíos-norteamericanos, actuó en la comedia-oeste “El rabino y el pistolero (1979)” de Robert Aldrich, al que le siguieron las comedias:

•  “Locos de remate (1980)” con Pryor nuevamente,
• “Hanky Panky (1982)” con Gilda Radner y Richard Widmark, éstas dos últimas de Sidney Poitier,
• “La mujer de rojo (1984)” con Charles Grodin.
• El film de horror-comedia “Terrorífica luna de miel (1986)” con Gilda Radner nuevamente, estas dos últimas de su propia dirección
• Las comedias “No me chilles que no te veo (1989)” de Arthur Hiller con Pryor,
• “Funny baby (1990)” (Bebé divertido) de Leonard Nimoy con Christine Lahti,
• “No me mientas que te creo (1991)” de Maurice Philips con Pryor nuevamente

Realmente las comedias con Pryor fueron siempre bien recibidas, ya que en todas ellas se veía el sinergismo de la comicidad de ambos actores.

Afiches de películas protagonizadas por Wilder y Richard Pryor

Wilder también trabajó para la TV con frecuencia, y en 1994-95 protagonizó su propio programa para la TV, “Something Wilder (1994-95)” (Algo más salvaje). En 2005 publicó su autobiografía, “Kiss me like a stranger” (Bésame como a un extraño), donde habla de su niñez y de cómo llegó a ser actor.

Fue nominado para OSCAR como mejor actor de reparto por “Los productores (1968)”, y como mejor montaje por “El jovencito Frankenstein (1974)”. Nominado para Globo de Oro como mejor actor en comedia/musical por “Un mundo de fantasía (1971)” y “El expreso de Chicago (1976)”.

En conclusiones, Wilder actuó en 37 filmes entre 1966 y 2015, guionista de 9, director de 5 y productor de una película.

Escrito por Esteban Hernández el 2 de setiembre de 2016, con información tomada de su obra inédita “Grandes del cine de todos los tiempos, actrices y actores, vol. II”.

“Todos prometen. Nadie cumple.
Vote por nadie”.
Anónimo

Existen comedias que logran con éxito reflejar conflictos de la sociedad en el ámbito político e ideológico. Unas de esas son las que han versado alrededor de la figura del cura Don Camilo y la del alcalde comunista Giusseppe “Peppone” Bottazzi, magistralmente interpretados por los actores Fernandel y Gino Cervi, respectivamente.

Las tramas de esas comedias fueron tomadas de los cuentos y novelas escritos por el escritor italiano  Giovannino Guareschi dentro del ciclo llamado “Pequeño Mundo”. El cura representa el anticomunismo, la versión contraria a un alcalde muy de izquierda de un pueblo figurado y llamado Ponteratto de la cuenca del Po en Italia. La serie de novelas del ciclo de «El pequeño mundo» se compone de las siguientes partes:

• «Don Camilo» (1948)
• «El retorno de Don Camilo» (1953)
• «El camarada Don Camilo» (1963)

Sin embargo, los clásicos de estas comedias en cine son cinco en total, que serán descritos más adelante.

En la confrontación de ambos personajes casi siempre vencía Don Camilo, lo cual era un fiel reflejo de la posición política de Guareschi. Por otro lado, a Peppone se le mostraba como un hombre de pocos modales, pobre educación, aunque con buenos sentimientos. En ocasiones las confrontaciones los unían por causas justas. Don Camilo siempre trataba por un problema de principios, al parecer, de irle a la contra a Peppone, así después se diera cuenta que su adversario tenía la razón y no debía siempre atacarlo.  Así y todo, se puede decir que las comedias eran entretenidas y movían a risa.

Fernandel era un comediante capaz con su mirada de provocar la risa del gran público y cuyo nombre se originó cuando su cuñada dijo: “Voici (He aquí) Fernand d’elles (Fernand de ellas)”. Fernandel era hijo de un empleado de banco, que además actuaba en un café bajo el seudónimo de Sined, o sea Denis a la inversa. El pequeño Fernand le acompañaba y fue así que rápidamente aprendió el arte de la interpretación. Junto a su hermano formó el dúo Fernand y Marcel Sined.

Fernandel en el papel de Don Camilo

Su primer papel en cine tuvo lugar en el corto “La meilleure bobone (1930)” de Marc Allegret y Claude Heymann. En el inicio de su carrera, sus interpretaciones fueron casi siempre en dramas o comedias, generalmente dirigido por Marcel Pagnol, como:

• Los dramas “Angéle (1934)”,
• “Regain (1937)” (Renovado), en estos dos filmes con con Orane Demazis
• Las comedias “Tempestad de almas (1940)”,
• “Topaze (1951)” con Hélène Perdrière,

Luego actuó en otros filmes como:

• El amor de Don Juan (1956)” de John Berry con Carmen Sevilla,
• “La vuelta al mundo en 80 días (1956)” de Michael Anderson con Cantinflas y David Niven entre otros actores,
• “El embrujo de París (1958)” de Ged Oswald con Bob Hope,
• “La ley es la ley (1958) de Christian-Jaque con Totò,
• “La vaca y el prisionero (1959)” de Henri Verneuil con Pierre Louis,
• “El juicio universal (1961)” de Vittorio De Sica con Anouk Aimée,
• “El diablo y los 10 mandamientos (1962)” de Julien Duvivier

Gino Cervi fue un actor italiano muy conocido internacionalmente. Era  en la vida real hijo del crítico teatral Antonio Cervi. Trabajó en teatro durante el período de 1924-1939 hasta llegar a convertirse en director del Teatro Eliseo de Roma. En las tablas fue un excelente comediante, donde interpretó el papel de Feste en “La duodécima noche”, y Falstaff en “The merry wives of Windsor (1939)” (Las felices esposas de Windsor)  de Shakespeare. Después de la guerra, creó su propia compañía de teatro, la que presentó obras de autores extranjeros, entre ellas “Les parents terribles (1945)” (Los terribles padres) y “El tigre de Giraudoux a las puertas (1946)”. Su mejor interpretación teatral fue la de Cyrano de Bergerac en 1953.

Gino Cervi interpretando a Peppone

En el cine Cervi debutó en el film “L’armata azurra (1932)” (El ejército azul) de Gennaro Righelli, y su primer éxito en la gran pantalla fue cuando protagonizó el drama “Quattro passi fra le nuvole (1942)” (Cuatro pasos entre las nubes) de Alessandro Blasetti con Adriana Benetti. Luego se destacó en papeles secundarios de los filmes:

• Los dramas “Le miserie del signor Travet (1945)” (Las miserias del Señor Travet) de Mario Soldati con Carlo Campanini y Alberto Sordi entre otros,
• “Anna Karenina (1948)” de Julien Duvivier con Vivien Leigh y Ralph Richardson
• En los filmes históricos o de leyendas “Guglielmo Tell (1948)” de Giorgio Pastina,
• “Nerone e Messalina (1949)” de Primo Zeglio con Paola Barbara
• “La regina di Saba (1952)” (La reina de Saba) de Pietro Francisci con Leonora Ruffo
• El film de aventura “Les trois mousquetaires (1953)” de André Hunebelle, donde Cervi interpreta el papel del mosquetero Portos
• El drama “Estación Termini (1953) de Vittorio De Sica con Jennifer Jones y Montgomery Clift, donde encarna a un agente policíaco de buenos sentimientos,
• “Il Cardinale Lambertini (1954)” de Pastina
• La comedia “Guardia, guardia scelta, brigadiere e maresciallo (1956)” de Bolognini con Alberto Sordi, Nino Manfredi y Aldo Fabrizi
• Los dramas “Bajo el signo de Roma (1958)” de Michelangelo Antonioni y Guido Brignone con Anita Ekberg y Chelo Alonso,
• “La maja desnuda (1959)” de Henry Koster con Ava Gardner y Amedeo Nazzari,
• “Becket (1964)” de Peter Glenville con Richard Burton y Peter O’ Toole

Los dos primeros filmes de estas historias fueron dirigidos por Julien Duvivier, en este caso, “Don Camilo (1952)” y “Le retour de Don Camilo (1953)” (El regreso de Don Camilo). En la primera comedia se ve el odio/amor que siente cada uno por el otro.. Cada uno con su tema, el cura quería crear el Jardín de la Ciudad, el alcalde la Casa del Pueblo. Las divergencias entre ateos y religiosos saltan a la luz, pero también las de pobres y ricos.  En el segundo filme, a Don Camilo la iglesia lo manda a otro sitio lejos de Ponteratto, por lo que el alcalde se creyó dueño y señor del pueblo, pero que tropieza con la oposición de un terrateniente a la construcción de un embalse para evitar las inundaciones que ocurrían con frecuencia. Peppone hizo su mayor esfuerzo pero no consiguió su objetivo, por lo que mandó a buscar a Don Camilo.

Afiches de las dos películas de Don Camilo dirigidas por Julien Duvivier

Las siguientes dos películas fueron dirigidas por Carmine Gallone, ellas fueron “Don Camilo e L’Onorevole Peppone (1955)” y “Don Camillo monsignore… ma non troppo (1961)” (Don Camilo Monseñor…. pero no tanto). En el primer filme Don Peppone se prepara para integrar el parlamento italiano, algo que no gusta nada al cura Don Camilo, por lo que este decide realizar lo que sea necesario a fin de prevenir que Peppone ascienda en su vida. El Todopoderoso le aconsejó a Don Camilo de no hacer contra esta nueva actividad de Peppone, pero el buen cura no le hizo mucho caso y organizó toda una campaña contra Peppone.  En el filme de 1961 aparece un Don Camilo obispo, mientras que Peppone ya es senador, la rivalidad continua entre ambos y se agudiza cuando el cura se entera que el senador quiere construir una casa-asilo en un antiguo lugar donde existe una vieja iglesia.

Afiches de las películas de Don Camilo dirigidas por Carmine Gallone

El quinteto de filmes de estas historias concluyó con “El camarada Don Camilo (1965)” del director Luigi Comencini, donde se ve como Brescello (aquí no se habla de Ponteratto), comune de la provincia de Reggio Emilia, se hermana con un pueblo de la entonces existente Unión Soviética. A tales efectos se organiza una recibida calurosa al camarada  Brezwyscewski, algo que no fue del gusto de Don Camilo. Brezwyscewski, por su parte, los invitó visitar Moscú y de alguna manera el párroco acabará formando parte de la comitiva italiana, en la que también se incluyen Pepone y su mujer.  Don Camilo viaja con papeles falsos que responden al nombre del camarada Tarocci. Ya se pueden imaginar el resto de la visita en la URSS, donde el programa de visita incluía comidas y cenas, visitas a museos y teatros.

Afiche de «El camarada Don Camilo» filme dirigido por Luigi Comencini

En décadas recientes el actor italiano Terence Hill interpretó el papel de Don Camilo, pero sin quitarle mérito, las interpretaciones de Fernandel de este personaje son insustituibles e inolvidables.

Información preparada por Esteban Hernández, 29 agosto 2016 y basada en su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos, actrices y actores”, vol I.

“Los dictadores son libres, sólo ellos.
Pero esclavizan al pueblo.”
Charles Chaplin

Mucha gente en el mundo piensa que el famoso Charles Chaplin tenía por objetivo solo provocar risas, algo que no es realmente exacto. Si, es cierto que el gran comediante hacía reír hasta los más tranquilos en una sala de teatro, pero lo de Chaplin era también una búsqueda incesante de momentos de esta vida y hasta de la historia para provocar risas y concientizar a muchos de los problemas que nos aquejaban y nos siguen aquejando.

Viendo la actual campaña presidencial en EE.UU., con un candidato que niega prácticamente al mundo, un hombre que se niega a reconocer los problemas causados por el cambio climático, que pone a los negros, musulmanes y latinos en un mismo saco de basura, y que promete la Luna que no dará, un Chaplin no vendría mal para imitar todo lo que hace y dice, y para que las grandes masas que le oyen se den cuenta de su error.

Hablemos de la vida de este gran artista, que fue un dotado actor de teatro, de cine, guionista, productor y director. Charles Spencer Chaplin nació el 16 de abril de 1889 en Londres, cuya  niñez fue de las peores, con un padre adicto al alcohol y una madre con serios problemas mentales, que fuera recluida en un hospital psiquiátrico. El final de Chaplin y su hermano fue en varios orfanatos hasta que su hermano Sydney consiguió comenzar a actuar en un grupo teatral y logró llevarse con él a Charles. Trabajando en estos grupos teatrales, los Chaplin fueron contratados y llevados en gira a EE.UU. En 1910 llegaron a Nueva York y en 1913 a Hollywood. En estas giras, Charles demostró cualidades de actuación superiores a las de su hermano, quien a la larga se convirtió en su representante. Su debut en el cine fue en 1914 y poco después apareció el famoso personaje de Charlot, pobre, vagabundo, de típica forma de caminar, que causaba la risa de todos los cine-videntes. Charlot fue el recuerdo y la representación burlona de lo que Chaplin vivió en su niñez.

Entre 1915 y 1917, protagonizó 32 películas, la mayoría cortometrajes, siendo los más renombrados:

•  “Charlot vagabundo (1915)”,
• “The bank (1915)”,
• “La casa de empeños (1916)”,
• “El vagabundo (1916)”,
• “La pista de patinaje (1916)”
• “La calle de la paz (1917)” entre otros

En 1919, se decidió a crear su propia empresa, a tales efectos se unió a Douglas Fairbank, Mary Pickford y D.W. Griffith, de donde surgió la United Artists, de la cual salió su primer largometraje, “El chico (1921)”, y más tarde produjo sus primeras películas “Una mujer de París (1923)”, donde Chaplin casi no actúa, y las famosas comedias “La quimera de oro (1925)” y “El circo (1928)”, estas dos últimas verdaderas joyas del cine silente.

Afiches de «La quimera de oro (1925)» y «El circo (1928)»

Chaplin y Jackie Coogan en «El Chico (1921)»

Sus primeros filmes sonoros fueron las comedias “Luces en la ciudad (1931)” con Virginia Cherrill, donde un pobre vagabundo interpretado por Chaplin pasa trabajo para conseguir dinero y ayudar a una pobre chica ciega (Virginia Cherrill) de la que se ha enamorado. La película, como se ve, toca el asunto del desempleo y de las magras posibilidades económicas de la clase pobre en un país como EE.UU. Chaplin mueve a risa con el film y presenta una evidencia de cómo estaban las cosas.

Chaplin en «Luces en la Ciudad (1931)»

La otra joya fue “Tiempos modernos (1936)” con Paulette Goddard, la que fuera también su esposa por un tiempo. La película es muy actual, en la época que se hizo el empuje industrial era enorme, algo muy parecido a lo que sucede hoy en el campo de la cibernética. Un obrero metalúrgico interpretado por Chaplin acaba cansado con todo el remolino de la cadena de montaje en un fábrica, su cansancio, casi loco, lo lleva a un hospital. Se recupera y cae preso por sólo estar presente en una manifestación. En realidad él estaba allí ingenuamente, igual le pasa al verse involucrado en un motín, en el cual él participa sin saberlo realmente. El final de este hombre es la lucha por sobrevivir y poder hacer compañía a una joven huérfana que había conocido en estos disparatados andares.

Chaplin en «Tiempos Modernos (1936)»

En 1940, dirigió y protagonizó magistralmente “El gran dictador (1940)” con Paulette Godard nuevamente y Jack Oakie, comedia que criticaba abiertamente al fascismo y ponía una nota de esperanza y paz en el epílogo del film. El mérito de este filme fue el de anticipar la movida criminal de los nazis alemanes y los fascistas italianos. Chaplin chotea realmente a Hitler, lo imita y lo pone en el papel de ese megalómano que fue, un hombre con ambiciones de grandeza y dominio, mientras que al Duce italiano lo ridiculiza situándolo como una especie de sirviente de Hitler. Películas como estas hacen mucha falta para tantos megalómanos que hoy día existen y se creen grandes gobernantes, y para tantos corruptos en las esferas gubernamentales. Eso sí, el cine no se cansa de producir miles de películas de acción sin ningún sentido y con tramas casi iguales unas detrás de otras.

Chaplin en «El Gran Dictador (1940)»

Otra obra maestra fue “Monsieur Verdoux (1947)”, cuyo comentario de Chaplin sobre la misma reproduzco a continuación: “Verdoux es un Barba Azul, un insignificante empleado de banco que, habiendo perdido su empleo durante la depresión, idea un plan para casarse con solteronas viejas y asesinarlas luego a fin de quedarse con su dinero. Su esposa legítima es una paralítica, que vive en el campo con su hijo pequeño, pero que desconoce los manejos criminales de su marido. Después de haber asesinado a una de sus víctimas, regresa a su casa como haría un marido burgués al final de un día de mucho trabajo. Es una mezcla paradójica de virtud y vicio: un hombre que, cuando está podando sus rosales, evita pisar una oruga, mientras al fondo del jardín está incinerando en un horno los trozos de una de sus víctimas. El argumento está lleno de humor diabólico, una amarga sátira y una violenta crítica social”. De hecho este filme no puede ser considerado una comedia como tal. La idea del guión fue del genial Orson Welles, luego retocado por Chaplin. La película fue censurada en EE.UU. en el pasado.

Chaplin en una escena de «Monsieur Verdoux (1947)»

Llegó la caza de brujas de McCarthy y Chaplin levantó el vuelo a Suiza, donde se mantuvo buen tiempo. El gran comediante rechazaba la mordaza que McCarthy y compañía imponían en el cine norteamericano.

En las décadas de los 50 y 60, su producción fílmica se redujo notablemente, no obstante dirigió con mucho acierto la comedia “Candilejas (1952)”, en la que también actúa su amigo Buster Keaton, filme que vino a ser como una salvación para Keaton, el que estaba pasando un período nefasto en el orden económico. La trama de la película se desarrolla en Londres de inicio del siglo XX, lo cual viene a ser como un poco de nostalgia de Chaplin por la ciudad que le vio nacer. El filme tiene una banda sonora que es siempre bien recordada.

Claire Bloom y Chaplin en «Candilejas (1952)»

La comedia “Un rey en Nueva York (1957)” gira alrededor del rey de un país llamado Estrovia, el que por una revolución se ve forzado a emigrar a EE.UU., naturalmente con dinero robado en su país. Lo interesante es que este rey llega en un momento a ser considerado comunista, por lo cual se ve obligado a comparecer ante el Comité de Actividades Antiamericanas, el mismo que McCarthy estableciera a inicios de los 50 en Hollywood. En fin, Chaplin ridiculiza los métodos de la Comisión y satiriza el mercantilismo norteamericano.

Afiche de «Un Rey en Nueva York (1957)»

Su último film fue  la comedia “La condesa de Hong Kong”  (1967) protagonizada por Marlon Brando y Sofia Loren, donde hace una aparición breve en escena. Este filme dista mucho en calidad de sus anteriores realizaciones.

 Chaplin fue nominado para OSCAR:

• como mejor actor por “El circo (1928)”,
• como mejor actor, imagen, edición y montaje por “El gran dictador (1940)” y
• como mejor guión y montaje por “Monsieur Verdoux (1947)”.

Obtuvo OSCAR:

• en honor a su originalidad y genialidad en la actuación, guión, dirección y producción por “El circo (1928)”. Observen que previamente Chaplin fue nominado como mejor actor, pero la Academia decidió retirar su nombre de las nominaciones y entregarle un premio especial,
• como mejor tema musical por “Candilejas (1952)”.
• en honor a su carrera artística en 1972.

El gran artista murió el 25 de diciembre de 1977 en Vevaj, Suiza. En su carrera actuó en 87 filmes entre 1914 y 1967, director de 75, guionista de 62, productor de 36, compositor de 17 y editor de 55.

•  Escrito por Esteban Hernández, 15 agosto de 2016, usando como bibliografía su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos, actrices y actores, vol I”

“A Marcello (Mastroianni) lo recuerdo menos como actor que como amigo. Justamente por su naturaleza gentil se adaptaba a los directores. Y casi tomaba el lugar del director como hizo con Fellini. Pero también conmigo verdaderamente se identificaba”.
Ettore Scola

El experimentado cineasta Ettore Scola (1931-2016) dirigió una película que es una verdadera joya del cine italiano de todos los tiempos, cuya trama es importante que vean las actuales y futuras generaciones. Se trata de la película “Una jornada particular (1977)”, que fuera protagonizada por Sofía Loren y Marcello Mastroianni.

Scola, a manera de referencia, fue un destacado guionista y director, quien escribió guiones para películas italianas muy conocidas, como son «La escapada (1962)», «Brutos, feos y malos (1976)» y «La cena (1998)», además de la película objeto de crítica en este artículo. Fue director de todas esas películas, excepto la de 1962, igualmente dirigió los dramas «La terraza (1980)» protagonizado por Ugo Tognazzi, Vittorio Gassman y Jean-Louis Trintignant, y el estupendo «La familia (1987)» de nuevo con Gassman y Stefania Sandrelli.

¿Qué tiene «Una Jornada Particular» de interesante? Lo primero es la documentación histórica de la visita de Hitler a Roma el 3 de mayo de 1938, la misma duró toda una semana, y el führer fue recibido en la ciudad eterna con todos los honores de jefe de estado.  Sin ánimos de ofender, pero no es primera vez que vemos masas “adormecidas” rindiendo culto a su gobernante, en este caso a Benito Mussolini, y acogiendo con agrado la visita de esa bestia criminal nazi que responde al nombre de Adolf Hitler.

Afiche «Una Jornada Particular»

Ahí radica la grandeza del filme, el cual muestra de todo un poco:

• dictadura con encantamiento popular, donde las grandes masas gritan vivas a su adorable líder,
• militarismo con millares de soldados sobre las armas en Italia,
• medios de comunicación en función del culto al gran dictador, con incesantes loas a la gestión de su líder
• desfiles con participación masiva de la población, la que no puede faltar a la bienvenida de su nuevo invitado, con sus consiguientes gastos que nunca se recuperarán
• machismo a la enésima potencia a nivel familiar
• persecución a todo aquel que no comulgue con las orientaciones del dictador
• homofobia, con niveles altos de discriminación
• no falta algo de violencia de género

Sofía Loren y Marcello Mastroianni en una escena de «Una Jornada Particular»

Todos esos ingredientes en una película que vale la pena ver. La trama mejor no pudo ser mejor, donde los problemas arriba mencionados fueron tejidos con una increíble coherencia.

Sofía Loren como siempre, fantástica, bella, a pesar de no salir con atuendos elegantes, interpreta su rol con plena seguridad y tal parece que ella es la mismísima sufrida Antonietta. Marcello Mastroianni es la eficiencia histriónica en el papel que se le dé. Esta vez fue nuevamente muy convincente. Ambos pasan a la historia del cine como el dúo probablemente más destacado del cine europeo y uno de los tres mejores del cine de todos los tiempos.

Si no han visto aún esta película, se las recomiendo, seguro estoy que no lamentarán el tiempo invertido en verla.

 Escrito por Esteban Hernández, 3 agosto 2016

“El golpe militar representa, en la época moderna,
la más horrenda, atroz y necia forma de asalto”.
Ali Ahmad Said Esber: Escritor, poeta, ensayista,
profesor y traductor sirio

 “La ambición de poder es una mala hierba que sólo
crece en el solar abandonado de una mente vacía”.
Ayn Rand, seudónimo de Alisa Zinovyevna Rosenbaum.
Filósofa y escritora ruso-estadounidense (1905-82)

El filme «Siete días de mayo (1964)» fue una de las grandes obras del director John Frankenheimer, que contó con un reparto impresionante: Burt Lancaster, Kirk Douglas, Ava Gardner, Fredric March, Edmond O´Brien y Martin Balsam, casi nada diría cualquier experto en cine.

Afiche de «Siete dias de mayo»

Se dice actual al abordar un tema que tiene dos aspectos que hoy en día ocurren y se discuten. Por un lado un alto oficial del ejército norteamericano intenta dar un golpe de estado al presidente, hombre de paz y que llega a acuerdos importantes de desarme. Por otro, la posibilidad de que una persona impulsiva quiera llegar a gobernar para imponer todo su poder al resto de la población y del mundo igualmente.

Burt Lancaster caracterizó bien a ese tipo de militar ambicioso, capaz de inventar argumentos falsos para lograr su objetivo. Kirk Douglas, un hombre que simpatizaba con su jefe (Lancaster), es la cara del militar justo que honra verdaderamente a su constitución. Inimaginable que dentro de las filas de un ejército se tejan tantas artimañas para derrotar a un presidente. La trama del filme fue tomada de la novela de los escritores Fletcher Knebel y Charles W. Bailey II. Los militares golpistas instalan una base de operaciones secretas previendo el levantamiento final en un plazo de siete días, de ahí el título de la película.

Lancaster prepotente y arrogante, al lado de Kirk Douglas, sensato y fiel a la constitución

Los golpes de estado se hicieron muy populares en la década de los 60 en América Latina, bastaba darlos y Washington DC les daba su bendición, era la época cruda de la Guerra Fría. Se decía que el terror rojo estaba a la vuelta de la esquina, cruzado de brazos los militares no se quedaban y cuanto presidente moderado llegara al poder, pues era menester de sustituirlo por un general despiadado, capaz de arrollar masas para evitar cualquier rebelión.

La intentona de golpe de estado de la película iba dirigida precisamente a sacar a un pacifista del poder. Por suerte, estos movimientos ya no son tan frecuentes en el llamado Tercer Mundo, son muy condenados en general y cuando suceden es porque puede haber varios motivos para ello, aunque nada de esto lo justifica realmente. Muy pocos golpes han tenido buenas intenciones como tal, al final aquellos que los dirigen, terminan erigiéndose como monarcas en los países donde triunfan.

Lo peor de los golpes es lo que siempre viene detrás de ellos, eso que se llama represión, sea del que triunfa con el golpe o de aquel que lo logra revertir. Lo que estamos viendo ahora es la segunda moción en el golpe más reciente, movimiento revertido con exceso de represión, donde pagan también justos por pecadores.

El otro aspecto actual es que una persona impulsiva o carente de mesura llegue a gobernar en una potencia nuclear. Poner los botones de armas atómicas en manos de tales personas no parece muy sensato. Sucede que en las potencias vota la población del país pero no la de otros países que pueden verse afectados. Los intereses nacionalistas priman, muchas veces egoístas, y sale el gobernante menos indicado. Los pobladores votantes de países potencias nucleares deben tener en cuenta que si un demente llega al poder, el desastre puede tocarle a sus puertas primero que a los adversarios. Una guerra nuclear tiene graves consecuencias para el futuro de la humanidad y es necesario poner todos los esfuerzos en que sea gente cuerda la que gobierne.

En los años 60 hubo un candidato republicano presidencial, de nombre Barry Goldwater, personaje que en sus discursos no escondía sus intenciones de entrar en guerra con la URSS y de quitar toda financiación a las Naciones Unidas. Cuando veía la película, Lancaster me recordaba a Goldwater, de quien sé que había sido piloto durante la II Guerra Mundial y luego político en Phoenyx antes de llegar a ser candidato republicano a la presidencia. Para suerte del mundo y su país, este candidato nunca llegó al poder.

Volviendo al filme, el actor Edmond O’Brien, un quasi eterno acompañante en filmes protagonizados por Burt Lancaster o Ava Gardner- recordemos “Forajidos (1946)” y “El hombre de Alcatraz (1962)”- se llevó el premio OSCAR y Globo de Oro como mejor actor secundario en esta película, mientras que el director Frankenheimer obtuvo nominación para Globo de Oro como mejor director y Fredric March como mejor actor en drama, a la vez que se llevaba el premio David Donatello esta categoría.

Información del filme extraída de IMDB.com y de Filmaffinity.com

Escrito por Esteban Hernández, 22 julio de 2016

“Desconfío de los hombres callados.
Aprovechan el peor momento para hablar
y siempre dicen lo que no deben”.
Sydney Greenstreet en el papel de
Kasper Gutman en “El Halcón Maltés (1941)”.

“Soy el último de los actores de mi era.
Estoy completamente solo,
y ello me entristece”.
Peter Lorre antes de morir en 1964

El cine de hoy está lleno de efectos especiales, mucha tecnología, pero a veces no hay arte realmente. Las películas de acción y crimen son pan nuestro de cada día, a la vez que se repiten remakes que a pocos les interesan. Es cierto que han aparecido filmes biográficos interesantes, pero la magia del cine clásico es como si hubiera desaparecido.

Cuando esas cosas suceden uno rememora películas, sus protagonistas y co-protagonistas. Es como si una nostalgia a uno lo invadiera. No me hacen falta películas 3D, no necesito multicolores, hasta con un blanco y negro me conformo, pero quiero ver películas con tramas de calidad.

Precisamente un dúo de actores que siempre recuerdo y que a ratos veo en las películas coleccionadas, es el que hicieron Sydney Greenstreet y Peter Lorre.

El primero de ellos, Greenstreet, era un hombre obeso,  cuyo nombre completo es Sydney Hughes Greenstreet, nacido el 27 de diciembre de 1879 en Sandwich, Kent, Inglaterra, miembro de una familia de ocho hermanos, que a la temprana edad de 18 años se fue a Ceylán, hoy Sri Lanka, para ganarse la vida en la producción de té. El negocio no le dio los dividendos esperados y el joven Sydney regresó a su patria. Fue entonces que le dio la idea de actuar en teatro, para lo cual estudió interpretación y finalmente debutó en las tablas en 1902. La primera obra en la que actuó era del escritor Arthur Conan Doyle, creador del detective Sherlock Holmes. En la misma Greenstreet interpretó el papel de asesino.

En las tablas se mantuvo hasta 1930 y luego se trasladó a EE.UU. para actuar en teatros de Broadway y en otras partes de Norteamérica. Estaba Greenstreet actuando en la obra de Robert E. Sherwood “There shall be no night” (No habrá otra noche) en el Teatro Biltmore de Los Ángeles  cuando el entonces joven cineasta, John Huston, le echó el ojo a Greenstreet. Huston ya en aquella época deseaba estrenarse como director con una obra compleja, la que conocimos en cine como “El Halcón Maltés” y para cuyo rol protagónico había escogido a Humphrey Bogart en contra de la opinión de la productora, la que deseaba a George Raft en ese papel. Lo otro era buscar los actores y actrices apropiados para co-protagonizar un filme que se convertiría de hecho en el primer éxito en el género de cine noir o cine negro.

Sydney Greenstreet, cortesía doctormacro.com

Greenstreet era la mejor opción para interpretar al perverso de Kasper Gutman en el filme ya mencionado. Le ayudaba su acento inglés, su carácter flemático para comportarse, siempre dando la impresión que él era Gutman y no Greenstreet.

Ese punto que era Gutman necesitaba de otro, que lo interpretara un hombre algo débil, depravado y cobarde de acción. Ese ser aborrecible era el de Joel Cairo. Huston no se equivocó cuando escogió a un actor judío-húngaro, con mucha experiencia en el cine y teatro de Europa Central, de nombre real László Löwenstein y artísticamente conocido como Peter Lorre, nacido el 26 de junio de 1904 en Rózsahegy, entonces territorio del Imperio Austro-Húngaro, y que actualmente es parte de la República de Eslovaquia. Lorre escapó de su casa a temprana edad para trabajar como oficinista en banco a la vez que se entrenaba para actuar en teatro, donde debutó en una obra en Zurich. Como actor teatral se mantuvo actuando en teatros de Austria, Suiza y Alemania. Inicialmente trabajó para el director Bertold Brecht y fue allí que otro director, el famoso Fritz Lang, le invitó a protagonizar el filme de horror “M, el vampiro de Dusseldorf  (1931)”, donde Lorre interpretó el papel del psicópata y asesino de niños, el que luego era buscado por toda la población del lugar de los crímenes.

Lorre huyó de Alemania en 1933, supo oler anticipadamente lo que le vendría encima por su condición de judío. Para ponerse a salvo y continuar su trabajo, se trasladó a EE.UU., donde de inmediato actuó en la primera versión del filme de Alfred Hitchcock, “El hombre que sabía demasiado (1934)”. Posteriormente el famoso director alemán Josef von Sternberg le dio el papel de Raskolnikov para protagonizar el filme “Crimen y castigo (1935)” basado en la obra homónima de Fiodor Dostoyevski. Más tarde comenzó a encarnar el papel del detective japonés Kentaro Moto, lo cual hizo en un total de ocho filmes entre 1937 y 1939, todo esto además de otros papeles interpretados en filmes de suspense y crimen.

Peter Lorre en el papel de Mr. Moto, cortesía doctormacro.com

Huston tuvo su otro cabo con Lorre, quien interpretó de maravillas el papel de Joel Cairo en “El Halcón Maltés (1941)”. La prepotencia de Greenstreet, la cobardía y bajeza de Lorre combinado con la desfachatez de Humphrey Bogart en el papel del detective Sam Spade y la actitud nada sincera de Brigid O’Shaughnessy interpretado por Mary Astor, fueron elementos del éxito de una película que logró tres nominaciones para OSCAR, uno de ellos de Huston como director y otro de Greenstreet como actor de reparto.

Bogart, Lorre, Mary Astor y Greenstreet en «El Halcón Maltés 1941»

Esta película para Greenstreet marcó su debut en el cine, lo que sucedió cuando ya tenía 62 años, pero también fue el inicio de la colaboración de los actores y actriz mencionados en otros filmes. A veces actuaban todos, otras veces algunos. Lorre actuó en “A través de la noche (1941)” nuevamente con Bogart.

Lorre en una escena de «A través de la noche (1941)»

Mary Astor, Bogart y Greenstreet se vieron juntos en el film de acción-bélico “A través del Pacífico (1942)” de Huston con la colaboración de Vincent Sherman. Esta vez Bogart y Mary Astor terminan en romance, mientras Greenstreet interpreta el papel del Dr. Lorenz.

El drama romántico “Casablanca (1942)” de Michael Curtiz juntó nuevamente a Lorre- Greenstreet al dúo romántico de Ingrid Bergman y Humphrey Bogart. Lorre fue aquí el desdichado Ugarte, ente clave en la trama de la película, mientras que Greenstreet es el italiano residente, con algo de opulencia y soluciones a la mano.

Afiches de películas de Greenstreet o Lorre o ambos con Humphrey Bogart

El director Raoul Walsh llevó al dúo de Greenstreet- Lorre a actuar en otro filme bélico con ribetes de suspense, “Background to danger (1943)” (Antecedente del peligro), película protagonizada por George Raft. Nuevamente Greenstreet es un odioso ente nazi, mientras Lorre interpreta el papel de un supuesto personaje ruso.

Para Lorre era importante personalmente participar en estos filmes bélicos con argumentos contra los nazis. Su condición de judío y hombre sufrido por los suyos le movían a estas actuaciones. Tay Garnett no dudó en darle a Lorre el papel de un oficial en “La Cruz de Lorena (1943)”.

Curtiz nuevamente los juntó en el filme bélico “Pasaje para Marsella (1944)”, donde Lorre es la persona capaz de sacrificarse para salvar a los demás, un papel inédito para él, pero Greenstreet es el malvado Mayor Duval, abiertamente simpatizante de la causa de los nazis, al que Bogart (Jean Matrac) debe enfrentarse con coraje.

Afiches de otros filmes con Greenstreet, Lorre o ambos

Otro film intrigante fue “La Máscara de Dimitrios (1944)” de Jean Negulesco. Lorre interpretó el papel del escritor Cornelius Leyden, mientras que Greenstreet junto a Zachary (Dimitrios) llevan la responsabilidad del protagonismo principal de este filme de cine negro.

“Los conspiradores (1944)” de Negulesco unió a Greenstreet y a Lorre en otra película de suspense e intrigas. Esta vez el inglés interpretó el papel de un líder antifascista, mientras Lorre interpretaba uno próximo a su nacionalidad original. El director de este filme finalmente les dio a estos dos actores y a Geraldine Fitzgerald, papeles protagónicos del filme de cine negro “Tres extraños (1946)”.

Sydney Greenstreet interpretó el papel de un hombre astuto, al cual no le pudo engañar un asesino como Bogart en el filme de crimen “Retorno al abismo (1945)” de Curtis Bernhardt y que contó con el protagonismo de la actriz Alexis Smith.

Greenstreet-Lorre co-protagonizaron el film de misterio “El veredicto (1946)” de Don Siegel, donde el primero es el investigador de un caso de asesinato, el que se complica cuando su testigo principal es igualmente asesinado. Esta fue la última vez que se vio en pantalla al gran dúo.

En lo sucesivo Greenstreet actuó en otros filmes, como fueron:

•  Los dramas “Predilección (1946)” de Bernhardt con Ida Lupino y Olivia De Havilland, filme sobre la vida de las hermanas escritoras Brontë.
• “Los vencedores (1947)” de Jack Conway con Clark Gable, Deborah Kerr y Ava Gardnder
• “La mujer de blanco (1948)” de Peter Godfrey con Alexis Smith y Eleanor Parker,
• El drama romántico “Flamingo road (1949)” (Calle Flamingo) de Curtiz con Joan Crawford y Zachary Scott
• El film de aventura “Malaca (1949)” de Richard Thorpe con Spencer Tracy y James Stewart, que fuera su último filme.

El actor inglés en cuestión actuó en 24 películas en el período de 1941 a 1949 y obtuvo una nominación a Oscar como ya se indicó. Greenstreet murió el 8 de enero de 1954 en Hollywood, California.

Por su parte, Lorre tuvo otras interpretaciones notables en el período de los 40, entre ellas:

•  Las comedias-filmes de misterio o terror “Arsenico por compasión (1944)” de Frank Capra con Cary Grant y Raymond Massey, donde Lorre es un hombre siniestro perseguido por la justicia.
• “Morena y peligrosa (1947)” de Elliot Nugent con Bob Hope y Dorothy Lamour.
• El filme de crimen-musical “Casbah (1948)” de John Berry con Yvonne DeCarlo y Tony Martin
• El filme de aventura “Soga de arena (1949)” de William Dieterle con Burt Lancaster y Corinne Calvet.

En las décadas de los años 50 y 60 actuó en:

•  El drama-film de crimen “El hombre perfecto (1951)” de su propia dirección con Karl John, film rodado en Alemania
• La comedia “La burla del diablo (1953)” de John Huston con Bogart y Jennifer Jones
• El film de aventura “Congo crossing (1956)” (El cruce de Congo) de Joseph Pevney con George Nader
• El drama “El gran circo (1959)” de Joseph M. Newman con Victor Mature, donde Lorre interpretó el papel de un payaso
• Los filmes de ciencia ficción “20000 leguas de viaje submarino (1954)” de Richard Fleischer con Kirk Douglas y James Mason,
• “Viaje al fondo del mar (1961)” de Irwin Allen con Walter Pidgeon y Joan Fontaine
• Las comedias “La vuelta al mundo en 80 días (1957)” de Michael Anderson,
• “El cuervo (1963)” de Roger Corman con Vincent Price y Boris Karloff,
• “La comedia de los terrores (1963)” de Jacques Tourneur con Price,
• “The sad sack (1957)” (El triste saco) de George Marshall,
• Su última presentación en la gran pantalla, “Jerry calamidad (1964)” de Jerry Lewis, donde a Lorre se le vio algo obeso en escena.

Lorre obtuvo del German Film Awards una mención en  honor a su actuación en “El hombre perfecto (1951)”.

A la escasa edad de 60 años este actor murió el 23 de marzo de 1964 en Los Ángeles. En su carrera logró actuar en 112 filmes entre 1929 y 1964, además de ser guionista y director de un filme.

Bibliografía consultada

Hernández Esteban. Grandes del cine clásico de todos los tiempos, vols. I y II (inédito).

Proudfit Scout. 2003. Peter Lorre y Sydney Greenstreet. Backstage, 3 junio. http://www.backstage.com/interview/peter-lorre-and-sydney-greenstreet/

Escrito por Esteban Hernández, 20 julio de 2016

«Personajes famosos sienten que deben estar perpetuamente
en la cresta de la ola, sin darse cuenta de que está en
contra de todas las reglas de la vida. No se puede estar
en la cima todo el tiempo, no es natural«.
Olivia De Havilland

El pasado 1 de julio de 2016 la actriz Olivia De Havilland cumplía 100 años, algo que se dice fácil, pero no lo es. Se trata de una de las exponentes principales del cine clásico norteamericano, la que se destacó interpretando los más diversos papeles, mujer de buenas intenciones, malvada,  psíquicamente afectada, lo que se le ocurriera al director de turno, por lo que supo protagonizar dramas, comedia, filmes de acción y suspense.

Olivia Mary nació en Tokyo, Japón, hija de padre, abogado británico, Walter de Havilland, especializado en patentes internacionales, y la actriz Lillian Ruse, de donde le vino el arte a ella y a su hermana, la ya difunta y también destacada actriz Joan Fontaine. Los padres de Olivia y Joan se separaron y ellas con su madre emigraron a California en 1919.

Olivia De Havilland. Cortesía doctormacro.com

Ya en California, Olivia interpretó varios papeles en teatro dentro del Mills College de Oakland y en el cuerpo artístico del Community Players de Saratoga. En estas faenas el director Max Reinhardt la descubrió actuando en la obra “El sueño de una noche de verano” y la llevó al cine, donde debutó en papel secundario precisamente de la comedia-drama “El sueño de una noche de verano (1935)” dirigida por William Dieterle y el propio Reindhardt.

En ese mismo período Olivia comenzó su colaboración con el director de origen húngaro Michael Curtiz y con el actor de origen australiano Errol Flynn. El primer film fue el de aventura “Capitán Blood (1935)”, al que le siguieron:

• Los filmes de aventura “La carga de la brigada ligera (1936)”,
• “Robin de los bosques (1938)”, donde Olivia interpretó el papel de Marian
• El drama “La vida privada de Elizabeth y Essex (1939)”, que contó con el protagonismo de Bette Davis
• La comedia “El hombre propone (1938)”
• Los oestes “Dodge, ciudad sin ley (1939)”,
• “Camino de Santa Fé (1940)”

Con Errol Flynn en «La carga de la brigada ligera», cortesía doctormacro.com

Se sabe que la relación con Flynn rebasó los límites del arte y entró en la intimidad de ambos. Flynn aseveró haber querido casarse con Olivia, pero ella no aceptó la propuesta pues el actor aún no había formalizado su divorcio de su entonces actual esposa.

Con Flynn en «La vida privada de Elizabeth y Essex», cortesía doctormacro.com

Otras actuaciones en la década de los 30 Olivia tuvo en:

•  El film de aventura “El caballero Adverse (1936)” de Mervyn LeRoy con Fredric March
•  Las comedias “The great Garrick (1937)” (El gran Garrick) de James Whale con Brian Aherne,
• “Es amor lo que busco (1937)” de Archie L. Mayo con Leslie Howard y Bette Davis

Su primer gran éxito llegó con la interpretación de Melanie Hamilton en el inolvidable drama “Lo que el viento se llevó (1939)” de Victor Fleming con Clark Gable, Leslie Howard y Vivien Leigh. La realidad es que a Olivia le llegó por carambola ese papel. Inicialmente George Cukor- director del filme, el cual tuvo que renunciar a ese trabajo por sus serias divergencias con el actor Clark Gable- había llamado a Joan Fontaine, hermana de Olivia para que interpretara el papel de Melanie, pero Joan quiso en su lugar interpretar el principal de Scarlett O’Hara, y Cukor no lo aceptó. Al final Joan les aconsejó que hablaran con su hermana si querían a alguien para interpretar a Melanie. La propuesta de Joan fue por despecho, ya que ambas hermanas siempre fueron rivales y no eran capaces de comerse un plato juntas. Así las cosas Olivia aceptó y se anotó un gran éxito con la interpretación de este papel de mujer bondadosa y humilde.

Con Vivien Leigh (izq.) en «Lo que el viento se llevó», cortesía doctormacro.com

Nuevos éxitos vendrían en la década de los 40,  como fueron en:

• El drama “Si no amaneciera (1941)” de Mitchell Leisen con Charles Boyer
• Protagonizando las comedias románticas “Pelirroja (1941)” de Raoul Walsh con James Cagney y Rita Hayworth,
• “The male animal (1942)” (Animal macho) de Elliott Nugent con Henry Fonda
• El film de guerra “Murieron con las botas puestas (1941)” de Walsh, con Flynn por última vez

Después de esta actuación con Flynn, Olivia entabló un pleito judicial con la Warner debido a que ella consideraba que los papeles que se le daban no estaban acorde con su capacidad interpretativa y que en muchas ocasiones era relegada a papeles de reparto. La demanda presentada estaba al amparo de la ley “anti-peonaje” de California, que prohibía a los dueños de negocios reducir a los empleados a simples sirvientes. La decisión final del pleito le fue favorable,  con lo que podría interpretar mejores papeles, pero la Warner en represalia la hizo esperar tres años para darle nuevos papeles. La demanda favorable a Olivia tuvo repercusión en Hollywood y ayudó a otros grandes actores a beneficiarse con la misma al poder firmar contratos con mejores cláusulas.

A la gran pantalla volvió protagonizando:

• El suspense “A través del espejo (1946)” de Robert Siodmak con Lew Ayres y Thomas Mitchell
• Los dramas “La vida íntima de Julia Norris (1948)” de Mitchell Leiden con Mary Anderson, con trama sobre una mujer soltera que se le separa de su hijo, luego prospera y ella sigue a su hijo de por vida y de lejos
• “Nido de víboras (1948)” de Litvak con Mark Stevens
• El inolvidable “La heredera (1949)” de William Wyler con Montgomery Clift

Afiches de películas protagonizadas por Olivia De Havilland

Todas estas actuaciones pueden catalogarse de calidad y muy superiores a la de Melanie Hamilton en “Lo que el viento se llevó”, además que mostró la versatilidad artística de Olivia.

En la década de los 50, Olivia actuó menos en la gran pantalla y con más frecuencia en el teatro y la TV. Aún así tuvo actuaciones interesantes en:

• El romance-film misterio “Mi prima Raquel (1952)” de Henry Koster con Richard Burton
• El drama “No serás un extraño (1955)” de Stanley Kramer con Robert Mitchum y Frank Sinatra
• El oeste “El rebelde orgulloso (1958)” de Michael Curtiz con Alan Ladd
• El drama romántico “Luz en la ciudad (1962)” de Guy Green con Rossano Brazzi
• El film de horror “Canción de cuna para un cadáver (1965)” de Robert Aldrich con Bette Davis y Joseph Cotten

En los 70 sus actuaciones se redujeron a papeles de reparto en:

• Los filmes de acción “Aeropuerto ’77 (1977)” de Jerry Jameson con Jack Lemmon y Lee Grant,
• “El enjambre (1978)” de Irwin Allen con Michael Caine y Richard Widmark
• El film de aventuras “El quinto mosquetero (1979)” de Kenn Annakin con Beau Bridges y Ursula Andress, que fue la última vez que se le vio en la gran pantalla.

Igualmente trabajó para la TV:

• Protagonizó el drama “Noon wine (1966)” (Vino de tarde) de Sam Peckinpah con Jason Robards
• El film de horror “The screaming woman (1972)” (La mujer gritona) de Jack Smight con Ed Nelson
• Actuó en papeles de reparto del film de crimen “Murder is easy (1982)” (El asesinato es fácil) de Claude Whatham con Bill Bixby y Lesley-Anne Down
• de los dramas “The royal romance of Charles and Diana (1982)” (El romance real de Carlos y Diana) de Peter Levin con Catherine Oxenberg y Christopher Baines, donde interpreta el papel de la reina Isabel
• “Anastasia: el secreto de Anna (1986)” de Marvin J. Chomsky con Amy Irving
• “The woman he loved (1988)” (La mujer que él amó) de Charles Jarrott con Anthony Andrews y Jane Seymour

Olivia en total actuó en 60 filmes entre 1935 y 1988, reside en París, Francia desde hace 60 años y es la única superviviente de las estrellas que protagonizaron “Lo que el viento se llevó (1939)”. Olivia siempre mantuvo una eterna rivalidad con su hermana, la que se agudizó cuando Joan Fontaine le arrebató el OSCAR como mejor actriz protagonista con “Sospecha (1941)” y Olivia quedara solo como nominada por “Si no amaneciera (1941)”. Esta rivalidad fue alimentada por su madre, la que sentía predilección por Olivia.

Olivia De Havilland en años recientes

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Si no amaneciera (1941)” y “Nido de víboras (1948)”, así como mejor actriz de reparto por “Lo que el viento se llevó (1939)”. Obtuvo OSCAR como mejor actriz por “La vida íntima de Julia Norris (1946)” y “La heredera (1949)”.

 Nominada para Globo de Oro como mejor actriz en drama por “Mi prima Raquel (1952)”. Obtuvo Globo de Oro como mejor actriz por “La heredera (1949)”, y como mejor actriz de reparto en mini-series para la TV por “Anastasia: el secreto de Anna (1986)”.

Obtuvo cinta de plata del sindicato italiano de cronistas de cine como mejor actriz en film extranjero, copa de zorros en el festival de Venecia y premio del National Board Review de EE.UU. como mejor actriz por  “Nido de víboras (1948)”.

Obtuvo premios como mejor actriz del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York por “Nido de víboras (1948)” y “La heredera (1949)”.

 Con 92 años recibió la Medalla Nacional de las Artes y con 94 años fue nombrada Caballero de la Legión de Honor, una distinción otorgada por el Presidente de la República Francesa.

Apareció por última vez en público en la ceremonia de entrega de los premios César de 2011, ocasión en la que la actriz Jodie Foster la presentaran. La ovación a Olivia no se hizo esperar.

Escrito por Esteban Hernández el 15 julio de 2016, con información extraída de su propia obra (inédita) “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”, Vol. I (A-L).

“Un país sin burdeles es como una casa sin baños”   Marlene Dietrich

En días pasados estuve en un hotel y al llegar a la habitación, muy cómoda, por cierto, me encontré un cuadro de la famosa actriz Marlene Dietrich, a la que considero como una de las mejores vedettes y actrices del cine del mundo.

No escondo mis simpatías por ella, recuerdo que fue ella quien hace parte de la narración en el documental “Fascismo corriente o Fascismo ordinario (1965)” de producción soviética del director Mikhail Romm, el cual narra parte de los crímenes cometidos por los nazis durante la II Guerra Mundial. De hecho Marlene fue una antifascista destacada. Rechazó la invitación de Goebbels de regresar a Alemania, ya que  Hitler quería convertirla en la estrella del cine del Reich. Sobre ese asunto ella declaró: «Cuando abandoné Alemania oí por la radio un discurso de Hitler y fui presa de un gran malestar. No, jamás podría volver a mi país mientras semejante hombre fanatice a las masas».

Marlene Dietrich en el cuadro del hotel

El nombre real de esta actriz es Marie Magdalene Dietrich, nacida el 27 de diciembre de 1901 en Schöneberg, hija de un policía y de una dama de buena cuna. En el seno familiar recibió una educación formal muy severa que cuidaba tanto sus modales y educación como su manera de vestir, lo cual le ayudó en el futuro a introducirse en el mundo del arte, en este caso, el canto y el cine.

A la edad de 19 años Marlene intentó entrar en la Deutsche Theaterschule, pero el avezado director teatral, Max Reinhard, la rechazó. Dos años después pudo lograr su objetivo, que le permitió actuar en teatro como en cine. Su filmografía dice que su primera actuación en cine fue  como actriz de reparto del film “Im schatten des glücks (1919)” (En la sombra de la suerte) de Georg Jacoby y Luise Fleco, por lo que de ser cierto, Marlene entró a cursar estudios en la Deutsche Theaterschule cuando ella tenía 18 años. Más tarde actuó en otras películas como “Los hombres son como esto (1922)” de Jacoby y “Un hombre al borde del camino (1923)” de William Dieterle.

Durante la filmación de “Tragedia de amor (1923)” del director Joe May, conoció y se casó con Rudolf Sieber en 1924, con quien tuvo su único hijo de por vida. Ya para ese entonces Marlene era una actriz solicitada y trabajó para Alexander Korda en “La moderna Du Barry (1926)” y para Gustav Ucicky en “Cuando la mujer pierde su camino (1927)”. Pocos años después conoció al director Joseph von Sternberg, con quien estableció una colaboración estrecha. El primer filme de ambos fue el clásico “El ángel azul (1930)”, donde Marlene interpreta el papel de la perversa Lola Lola, la que logra atraer y engatusar al recto profesor Rath (Emil Jannings). Ese filme fue todo un éxito a nivel mundial y fue el que prácticamente le abrió las puertas de Hollywood a Marlene.

Marlene Dietrich y Emil Jannings en una escena de «El Ángel Azul (1930)». Cortesía doctormacro.com

En la meca del cine su primera película fue al lado de un joven galán de nombre Gary Cooper, en el romance “Marruecos (1930)” dirigido por Sternberg. Tal película garantizó la taquilla y dicen los chismosos que Marlene tuvo un romance real con el galán norteamericano.

Sternberg la dirigió en el romance “Fatalidad (1931)”, donde Marlene actuó junto con el actor inglés Victor McLaglen, aquí la actriz alemana interpreta el papel de espía austriaca dentro de las filas soviéticas. Luego actuó en el filme de aventura-drama “El expreso de Shanghai (1932)”, además de:

• “La Venus rubia (1932)” al lado de Cary Grant,
• “Capricho imperial (1934)” con John Lodge,
• “El diablo es una mujer (1935)” con Lionel Atwill y César Romero

Terminada su labor con Sternberg, Marlene actuó en películas de otros directores, como fueron:

• El drama romántico “Deseo (1936)” de Frank Borzage con Gary Cooper nuevamente
• Los filmes de aventuras “El jardín de Alá (1936)” de Richard Boleslawski con Charles Boyer
• “La condesa Alexandra (1937)” de Jacques Feyder con Robert Donat
• El oeste “Arizona (1939)” de George Marshall con James Stewart
• El film de aventura “Siete pecadores (1940)” de Tay Garnett con John Wayne y Broderick Crawford

Marlene Dietrich con John Wayne en «Siete Pecadores 1940)» Cortesía doctormacro.com

Marlene obtuvo la nacionalidad americana antes del inicio de la II Guerra Mundial y participó activamente en faenas de venta de bonos y en comitivas de artistas que fueron al frente para entretener a los soldados de los aliados.

Sus mejores interpretaciones en la década de los 40 fueron en:

• La comedia “La llama de Nueva Orleans (1941)” de René Clair con Bruce Cabot
• El drama “Manpower (1941)” (Poder humano) de Raoul Walsh con Edward G. Robinson y George Raft
• El oeste “Los usurpadores (1942)” de Ray Enright con Randolph Scott y John Wayne
• La comedia “Capricho de mujer (1942)” de Mitchell Leisen con Fred MacMurray
• El film de aventura “El principe mendigo (1944)” de William Dieterle con Ronald Colman
• La comedia “Berlín Occidente (1948)” de Billy Wilder con Jean Arthur
• El film de misterio “Pánico en la escena (1950)” de Alfred Hitchcock con Jane Wyman

Su actividad decreció en la década de los 50 y en lo sucesivo, así actuó en:

• El oeste “Encubridora (1952)” de Fritz Lang con Arthur Kennedy
• El famoso drama “Testigo de cargo (1957)” de Billy Wilder con Tyrone Power y Charles Laughton
• El film de crimen “Sed de mal (1958)” de Orson Welles con Charlton Heston, Janet Leigh y el propio Welles
• El drama histórico “Vencedores o vencidos (1961)” de Stanley Kramer con Spencer Tracy, Burt Lancaster, Montgomery Clift y Maximilian Schell entre otros

Después de esta interpretación de 1961, Marlene apareció rara vez en la gran pantalla, ya que desde entonces se dedicó a actuar más en el teatro. Regresó al cine brevemente para actuar en papel de reparto del drama “Gigoló (1979)” de David Hemmings con David Bowie y Sydne Rome. De hecho actuó en 54 filmes entre 1919 y 1979, mientras que la década de los 60 se había dedicado más a la música en los 60, ya que fueron varios los discos grabados en EEUU y Europa.

Marlene fue nominada para OSCAR como mejor actriz por  su actuación en “Marruecos (1930)”, mientras que recibió nominación de Globo de Oro como mejor actriz en drama por “Testigo de cargo (1957)”. Obtuvo premio en honor a su carrera artística de parte del German Film Awards.

Es muy acertado afirmar que Marlene fue uno de los grandes mitos del cine, la que gozó de simpatías de muchos cinéfilos. Su canto y baile adornaron aún más sus actuaciones. Fue una persona muy liberal, era bisexual y no se escondía para decir que lo era. Tuvo romances con reconocidos actores como también con otras actrices, algunas de las cuales trataban de guardar el secreto por los prejuicios existentes. Eso a Marlene poco le interesó, lo decía abiertamente que si le gustaba un hombre o una mujer, y lo podía disfrutar, no perdía la oportunidad.  Se enorgullecía de haber dormido y tener sexo con tres de los Kennedy: Joseph P. Kennedy, Joseph P. Kennedy Jr. y John F. Kennedy. Resultó encinta de su relación con James Stewart, pero al final abortó, al de lo cual Stewart no supo en ese momento.

Marlene vivió en París los últimos años de su vida, gustaba del ambiente de la capital francesa y allí murió el 6 de mayo de 1992. Sus restos fueron llevados a Berlín, donde allí descansan y existe la Marlene Dietrich Platz.

Su mirada en el cuadro me clavó fuertemente cuando llegué al cuarto del hotel, y no tuve otro remedio que fotografiarla y escribir este breve esbozo sobre su vida.

Bibliografía consultada

Anon. Marlene Dietrich. Biografías y vidas. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/dietrich.htm

Anon. Marlene Dietrich. El Mundo.es http://www.elmundo.es/larevista/num106/textos/madie1.html

Hernández Esteban (inédito). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- Actrices y actores I Volumen (A-L).

Escrito por Esteban Hernández, 8 julio de 2016

«Hay dos tipos de éxito que yo distingo: el primero es en el deporte y nadie me lo puede quitar. El segundo es lo que el público decidió darme y que a la vez me permitió actuar en muchas películas”.  Bud Spencer

El pasado 27 de junio murió un famoso comediante italiano, me refiero al conocido Bud Spencer, cuyo nombre real es Carlo Pedersoli, nacido el 31 de octubre de 1929 en Nápoles, Italia, y que actuó en 78 filmes entre 1951 y 2013, guionista de 9 y productor de tres películas.

Bud Spencer en Berlín, Alemania, 14/VI/2011, en la promoción de su autobiografía “Mein Leben, mein film”. Foto: Vipflash-Shutterstock.com

La familia de Spencer emigró en 1947 a América del Sur, pero dos años después regresaba a Italia para convertirse en un excelente nadador. En 1950 estableció record italiano de menos de un minuto en la modalidad de 100 metros libres, en la que a su vez fue siete veces campeón nacional. En este deporte representó a Italia en varios  Juegos del Mediterráneo, así como en los Juegos Olímpicos de Helsinki (1952), Melbourne (1956), y Roma (1960). En estas dos últimas olimpiadas fue miembro también del equipo nacional italiano de polo acuático, el cual llegó a semifinales.

Spencer se hizo famoso haciendo dúo en pantalla con otro nadador, Terence Hill (Mario Girotti), con quien protagonizó un buen número de comedias-filmes de acción sumamente divertidas. Él era el gordo barbudo, mientras Hill era el hombre apuesto.

Como actor debutó en el cine en el film de acción “Vacanze col gangster (1951)” (Vacaciones con el gángster) de Dino Risi, donde por coincidencia debutaba también Terence Hill en cine, luego actuó en otro papel de reparto en la comedia “Un héroe de nuestro tiempo (1957)” de Mario Monicelli con Alberto Sordi y Franca Valeri. Cambió su nombre al actual en 1967, para lo cual tomó el nombre del actor Spencer Tracy (era su preferido) para su apellido, mientras que el nombre, Bud, es en honor a la cerveza que más le gustaba beber. Spencer, además de actor, poseía un doctorado en jurisprudencia.

Bud Spencer al centro y a la izq. de Alberto Sordi en «Un Héroe de Nuestro Tiempo (1955)»

Haciendo dúo con  Hill, por lo general era el tosco y rudo de siempre, quien tenía que soportar las majaderías y burlas de Hill. Risa provocaba ver cuando alguien le golpeaba, entonces adoptaba un tono de enojo y procedía a darle su merecido al adversario. Golpeaba como si tuviera un martillo en mano y como si tuviera una fuerza descomunial. Con Hill actuó en más de 20 filmes, entre los cuales están:

• Los oestes “Los cuatro truhanes (1968)” con Eli Wallach,
• “La Collina degli Stivali (1969)” (La colina de las botas) con Woody Strode, estos dos dirigidos por Colizzi
• El film de acción “El corsario negro (1971)” de Lorenzo Gicca Palli con Silvia Monti
• Los oestes-comedias “Le llamaban Trinidad (1971)”,
• “Le seguían llamando Trinidad (1972)”, ambos de Enzo Barboni
• Los filmes de acción “Más fuerte, muchachos! (1972)” de Colizzi,
• “Dos misioneros (1974)” de Franco Rossi,
• “.. .Y si no, nos enfadamos (1974)” de Marcello Fondato,
• “Dos superpolicías (1976)” de Barboni
• La comedia-film de crimen “Par- Impar (1978)” de Sergio Corbucci
• Los filmes de aventura “Estoy con los hipopótamos (1979)” de Italo Zingarelli, “Quien tiene un amigo, tiene un tesoro (1981)” de Corbucci,
• “Nati con la camicia” (1983),
• “Dos super Dos (1984)”, éstos dos últimos de Barboni,
• “Dos superpolicías en Miami (1985)” de Bruno Corbucci
• El oeste “Y en Nochebuena…. Se armó el belén (1994)” de su propia dirección

Afiches de algunas películas de Bud Spencer y Terence Hill

Otras actuaciones secundarias o protagónicas importantes en la carrera de Spencer fueron  en:

•  Los oestes “Más allá de la ley (1968)” de Giorgio Stegani con Lee Van Cleef y Antonio Sabato,
• “En el Oeste se puede hacer… amigo (1972)” de Maurizio Lucidi con Jack Palance
• Co-protagonizó con Giuliano Gemma el film de acción “También los ángeles comen judías (1973)” de Enzo Barboni
• Protagonizó la divertida comedia fantástica “El supersheriff y el pequeño extraterrestre (1979)” de Michele Lupo con Raimund Harmstorf
• Interpretó el papel del inspector Piedone en las comedias de acción “El super poli (1974)”,
• “Pies grandes (1975)”,
• “Puños fuera (1978)”,
• “Zapatones (1979)”, todas de Steno

Afiches de otras películas con la actuación de Bud Spencer

Posteriormente se convirtió en Jack Clementi para varias comedias para la TV, como fueron:

• “Il professore – fanciulla che ride (1988)” (El profesor- la niña que ríe),
• “Il professore – 395000 dollar l’oncia” (1988) (El profesor- $395 000 la onza),
• “Il professore – polizza droga (1989)” (El profesor- poliza de la droga),
• “Il professore – polizia inferno (1989)”,
• “Il professore – diva (1989)”,
• “Il professore – boomerang (1989)”, todas también de Steno

En el presente milenio, Spencer interpretó otro personaje similar en una docena de filmes para la TV, se trata de Jack “Extralargo” Costello, casi siempre bajo la dirección de Enzo Castellari o principalmente de Alessandro Capone. Entre sus últimas interpretaciones están las de:

• Papel de reparto del drama “Cantando dietro i paraventi (2003)” (Cantando detrás de los parabrisas) de Ermanno Olmi
• Protagonizando otro drama para la TV, “Padre Speranza (2005)” de Ruggero Deodato con Marco Messeri, donde Spencer hace el papel de cura

Spencer como Jack Clementi (izq.) y como Jack «Extralargo» Costello

En 1990 y 1996 obtuvo el premio François Truffaut en el festival de Giffoni y fue nominado para cinta de plata del Sindicato de Críticos de Cine de Italia como mejor actor de reparto por “Cantando dietro i paraventi (2003)”.

Información preparada por Esteban Hernández, tomada de «Grandes del cine clásico de todos los tiempos, Tomo II (M-Z)» (inédito) de Esteban Hernández

“Un asesinato es un caso vulgar, un hecho

más o menos vivo de bestialidad, de ferocidad.”
Enrique López Albújar, escritor y poeta peruano

El director John Frankenheimer fue un director de interesantes filmes, muchos de ellos drama y algunos basados en hechos reales. Cuando el cine a color se iba imponiento, Frankenheimer continuó realizando películas en blanco y negro, cuyos contenidos eran sumamente interesantes.

El primer film para la gran pantalla que realizó fue el drama “Un joven extraño (1957)”, el cual versaba sobre el tema de la delincuencia juvenil. Muy preocupado por ese asunto, su segundo film fue sobre igual tema “Los jóvenes salvajes (1961)”, para el cual contó con el protagonismo de algunos actores experimentados o en ascenso, uno de ellos fue Burt Lancaster, quien interpretó el papel de un fiscal. El otro fue Telly Savalas en el rol de agente de policía y la experimentada Shelley Winters como madre de uno de los supuestos delincuentes.

Afiche «Los jóvenes salvajes»

La colaboración de Frankenheimer con Lancaster fue fructífera e incluyó otros tres títulos sumamente interesantes, como fueron “El hombre de Alcatraz (1962), donde Savalas también actuó; “Siete días de mayo (1964)”, película sobre un supuesto intento de golpe en EE.UU.; y el bélico “El tren (1964)”, cuya trama se desarrolla en Europa.

Muchos expertos en cine llegaron a considerar a Lancaster como buen protagonista de películas de acción y oestes. Se equivocaban, las actuaciones de este actor fueron excepcionales en otros géneros, como este que queremos ahora abordar, además de los dramas “El fuego y la palabra (1960)”, “Vencedores o vencidos (1961)”, “El gatopardo (1963)” y otros más.

No vamos a narrar “Los jóvenes salvajes”, así evitamos los spoilers. Lo mejor que se puede recomendar es ver la película de existir interés. A aquellos que gustan de filmes serios, este es muy aconsejable.

Telly Savalas (izq.) con Lancaster en otra escena del film

La trama de este film gira alrededor de ese problema que es jóvenes de descendencia italiana, de descendencia puertorriqueña y los jóvenes americanos, enfrentados entre sí, donde la carga racial está presente. El punto de partida del film es el asesinato de un joven boricua ciego a manos de tres jóvenes americanos, los cuales son inmediatamente arrestados y sometidos a juicio. Todo sucede en áreas de Harlem oriental, Nueva York.

El fiscal del asunto es interpretado por Burt Lancaster, conocedor del barrio, donde él mismo se había criado. Las investigaciones que llevó a cabo por todos lados, no condujeron a buen puerto o no dabann elementos concluyentes. Unos pedían más sangre, otros piedad, menudo problema el de poder contentar a todos, pero este no es un asunto de contentar a nadie, es el de impartir la debida justicia y adecuar las condenas de acuerdo al grado de culpabilidad de cada uno de los reos.

Una escena en «Los jóvenes salvajes», el fiscal habla con los parientes y paisanos de la víctima

¿A quién le puede importar en este caso que la hermana del asesinado sea prostituta? No es ella la que lo mató, así que admitir un interrogatorio que se va por las ramas no es señal que las cosas caminen por donde deben. Sin embargo, el fiscal tenía su programa y la pregunta seguía el libreto que él había establecido.

Los fiscales están para acusar y presentar las pruebas necesarias para adoptar la sanción. Un fiscal no está para ejercer defensa. Si su conciencia quiere estar tranquila, lo más aconsejable es que aporte los elementos que disponga a la defensa.

Cuando se asesina, sobre todo una vida joven, no hay forma de devolver esa vida a su seno familiar. Se perdió, pero aquellos que lo causaron deben pagar de alguna forma. Los veredictos no siempre son los justos, y pregunto algo porque así lo siento. Si los que hubieran matado habrían sido los puertorriqueños a un blanco ciego ¿habría sido igual la pena para los imputados?

En EEUU existe aún en muchos estados la pena capital, pero esta no siempre se aplica con justicia. Cuantos ciudadanos negros no han sido asesinados incluso por agentes de la policía, y sus condenas judiciales han sido en algunos casos bastante leves. El que suscribe no aboga por la pena de muerte, es algo contra lo cual se debe luchar hasta eliminarlo radicalmente en la sociedad, pero tampoco es justo pasar mano a aquellos que han cometido un asesinato de una persona, incluso incapaz de defenderse, con condenas realmente benévolas. Tan culpable es el que mata la chiva como el que la aguanta para matarla, es un viejo dicho y aquí es muy oportuno. Los argumentos utilizados sutilmente en la película no pueden conducir al espectador a una conclusión errada. Hubo una muerte y a manos de tres delincuentes, esa es la realidad y no hay muchas atenuantes a la vista.

Ficha técnica

Título: “Los jóvenes salvajes (The young savages) (1961)”

Adaptación de la novela de Evan Hunter «A Matter of Conviction».

Género: Drama-crimen

Director: John Frankenheimer

Reparto: Burt Lancaster, Dina Merrill, Edward Andrews, Vivian Nathan, Shelley Winters, Larry Gates, Telly Savalas, Luis Arroyo, José Pérez y Richard Velez.

Duración: 103 minutos. Color: Blanco y negro.

Escrito por Esteban Hernández, 8 junio de 2016

“Nadie, de hecho, puede arrogarse la facultad de destruir

o de manipular de manera indiscriminada

la vida del ser humano”.

Juan Pablo II

Todos conocemos la película norteamericana “Capitán Phillips (2013)” del director Paul Greengrass, la que gira sobre un secuestro real de un enorme navío en aguas del Indico por parte de piratas somalíes. Un filme bastante crudo y con mucha crueldad de parte de los piratas, protagonizado por Tom Hanks, pero sucede que antes de esta película, ya en Dinamarca se había realizado otra con trama similar llamada en danés “Kapringen (2012)” del director Tobias Lindholm.

Afiche de «Secuestro (2012)»

La diferencia de un filme y otro es que la danesa parece más real, los piratas no son siempre tan crueles como los vistos en la versión norteamericana, mientras que el asunto gira alrededor de cómo resolver el rescate solicitado a la compañía danesa dueña del navío. Los daneses no podían hacer lo que los americanos lograron por la fuerza, sus naves de guerra, soldados y otros. Los nórdicos estaban obligados a negociar, no había otra opción.

La película se desenvuelve entre la desesperación de los familiares de la poca tripulación europea a bordo y las conversaciones entre el empresario jefe de la compañía naviera en Dinamarca con los piratas. No es menester narrar la película, así se evitan los spoilers, pero el asunto ético de este problema no debe escapar de la visión del espectador. Las preguntas pueden ser:

–          ¿Qué importa más el ahorro del dinero del rescate exigido por los piratas o las vidas de los tripulantes?

–          ¿Qué importa más el ahorro del dinero del rescate exigido por los piratas o el tiempo que puedan estar los tripulantes sin comida a bordo?

–          ¿Qué importa más el ahorro del dinero del rescate exigido por los piratas o el sufrimiento de los familiares en tierra?

Las respuestas a las preguntas formuladas deben ser el centro del asunto cuando uno vea esta película. He visto un comentario en otra fuente, donde al parecer lo humano era secundario tratándose de dinero. Él que suscribe es del criterio que cuando se trata de vidas humanas en peligro, el regateo en el rescate puede resultar inmoral, pero vale preguntarse si ese fue el objetivo de este filme por parte de su director y demás realizadores. Probablemente hayan querido mostrar los hechos como sucedieron y que cada espectador concluyera lo que entendiera mejor.

Pilou Asbæk, el cocinero del navío y personaje principal del filme «Secuestro (2012)»

Sin banda sonora en el filme, tan solo la interpretación de los actores europeos y africanos, se puede afirmar que esta película supera bien a la opulenta “Capitán Phillips”. Claro está, ambos filmes están basados en hechos reales y cada uno se desarrolló a su manera, probablemente la única coincidencia es que los piratas eran de Somalia, lo cual no quiere decir que hayan sido los mismos en ambos secuestros.

Søren Malling en el papel de jefe de la empresa de navíos en Dinamarca

Les invito a que vean este filme danés y saquen Uds. mismos son propias conclusiones. La película está bien doblada al castellano.

Ficha técnica

Kapringen (Secuestro) 2012, duración 1hora 43 minutos

Director y guión: Tobias Lindholm

Productor. Rene Ezra

Reparto: Pilou Asbæk, Søren Malling, Dar Salim, Roland Møller

Compañía productora: Nordisk Film

Sonido: Dolby Mix

A color.

Ficha consultada en IMDB.com

Escrito por Esteban Hernández, 4 junio de 2016.

“A mi entender, el actor tiene la gran responsabilidad de interpretar a otro ser humano, que es como es tomar la vida de otra persona e imitarla tan sincera y honestamente como uno pueda”. Edward G. Robinson

No es difícil identificar un apellido judío. Al menos hay un buen número de personas que lo son claramente por su nombre. Tomen por ejemplo esos que terminan en stein, inski, cohen, levi, y así sucesivamente. Es por eso que uno puede preguntarse: ¿quién no es judío en Hollywood?

Realmente la meca del cine ha estado inundada de cineastas judíos, pero no de toda la vida. Si uno hace historia, verá que la llegada del cine sonoro por un lado, además del establecimiento del régimen nazi en Alemania y en los territorios ocupados, obligó a que buena parte de las actrices-actores y directores emigraran a EE.UU., con lo que Hollywood fue llenándose de todo ese talento europeo.

A la memoria del que suscribe, Theda Bara fue probablemente la primera actriz judía de éxito en el cine silente, mientras que en el cine sonoro lo fueron Paul Muni y Edward G. Robinson. Ambos habían previamente actuado en obras teatrales habladas en Yidish en EE.UU.  Paul Muni o Muni Weisenfreund, era judío, nacido en la actual Ucrania occidental, entonces territorio del Imperio Austro-Húngaro, y que su familia emigró cuando el actor era aún un adolescente. Muni ya en ese entonces era todo un poliglota, hablaba ruso, alemán, yidish y probablemente polaco o ucraniano. Emmanuel Goldenberg, nombre natural de Edward G. Robinson, venía de Bucarest, Rumania, y se dedicó a la interpretación desde su llegada a EE.UU. Después de estos dos excelentes actores, vinieron otros, entre ellos un inglés-judío de nombre Larry Leach, el que por su simpatía con Gary Cooper se cambió el nombre por el de Cary Grant (GC a la inversa). Le siguió la talentosa Luise Rainer, actriz judía de una familia muy prospera en Alemania, la que se inició en su país natal, pero no le quedó otra alternativa que emigrar tan pronto Hitler se afianzó en el poder.  En Hollywood tiene el mérito de ser la única actriz en haber ganado dos Oscar en dos años consecutivamente, primero en 1937 con el excelente filme “La buena tierra”, donde actuó con Paul Muni, y en 1938 en “El gran Ziegfeld” con William Powell y Myrna Loy.

Primeros actrices y actores judíos destacados en Hollywood: Theda Bara, Luise Rainer, Paul Muni y Edward G. Robinson

De esos primeros años del cine sonoro son también las actrices Barbara Stanwyck, Joan Crawford (nombre original Lucille Le Sueur), June Allyson (Ella Geisman), Joan Blondell (Rosebud Blustein), Norma Shearer, Judy Garland (Frances Gumm), Betty Grable, Paulette Goddard (Paulette Levy), el neoyorquino Ricardo Cortez (Jacob Krantz), el actor inglés Leslie Howard (Leslie Stainer), que era hijo de alemana-judía; los grandes comediantes, los hermanos Marx, así como el actor Peter Lorre o László Löwenstein, judío húngaro nacido en el territorio de la actual Eslovaquia, en cuya familia se hablaba yidish y húngaro, estudió en un colegio de habla alemana y posteriormente en Viena cuando su familia se trasladó allí. Huyó de Alemania en 1933 cuando Hitler era dueño y amo en Alemania.

En la década de los 40 debutaron en el cine norteamericano actores y actrices judíos como John Garfield (Jacob Julius Garfinkle), Dorothy Lamour (Dorothy Kaumeyer), Eva Gabor, Gene Barry, Cornel Wilde, Oskar Homolka, Eddie Cantor, Judy Holliday (Judith Tuvin), Lauren Bacall (Joan Perske), Kirk Douglas (Isadore Demsky), Tony Curtis (Bernie Schwartz), mientras que a finales de los 40 y en los 50 lo hicieron Piper Laurie (Rosetta Jacobs), Cyd Charisse, Shelley Winters, Elli Wallach, Lee J. Cobb, Rachel Weisz, Jeff Chandler, Eddie Albert (Eddie Heimberger), Ernest Borgnine (Effron Borgnine), Martin Balsam, Carroll Baker, Charles Bronson (Charles Buchinsky), Eleanor Parker (Ellen Friedlob), Rod Steiger, Karl Malden (Maiden Sekulovitch), Eddie Fisher, Jerry Lewis (Joseph Levitch) y Walter Matthau (Walter Matasschanskayasky) entre otros.

No faltaron algunos que se convirtieran al judaísmo, como fueron los casos de Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor y Sammy Davis Jr.

Tres convertidos al judaísmo, Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor y Sammy Davis Jr.

El actor Paul Newman era hijo de padre judío. Sin embargo, su posición respecto al judaísmo era algo ambigua. Inicialmente como actor apoyó la causa de Israel, incluso protagonizó el filme “Éxodo (1960)”, pero después se apartó de todo este asunto e incluso se casó con la cristiana de Joanne Woodward.

La lista ha continuado creciendo con el tiempo, donde se incluyen las hermanas Patricia y Rosanna Arquette, Jamie Lee Curtis, Ellen Barkin, Mathew Broderick, Albert Brooks, Mel Brooks, James Caan, Peter Falk (Columbo), Billy Crystal, Peter Coyote, Daniel Day-Lewis, Michael Douglas, Richard Dreyfuss, Noah Emmerich, Harvey Keitel, Peter Falk, Elliott Gould, Jake Gyllenhaal, Laurence Harvey, Kate Hudson, Scarlett Johansson, Natalie Portman, Lisa Kudrow, Mila Kunis, Michael Landon, Gwyneth Paltrow, Winona Ryder, Adam Sandler, Steven Seagal, William Shatner, Sylvia Sidney, Ben Stiller, Barbra Streisand, Gene Wilder, Debra Winger, Kevin Costner,  Joan Collins, Harrison Ford, Richard Gere, Dustin Hoffman, Amy Irving,  Peter Strauss, Jane Seymour y Bruce Willis.

El renombrado actor Robert De Niro es descendiente de italianos por línea paterna, mientras que su mamá era judía, y un judío hereda esta condición por línea materna. Meryl Streep fue bautizada como Mary Louise Streep y es la mayor de tres hermanos de una familia de origen judío sefardita. Meryl es de Summit, Nueva Jersey.

Si bien el listado de actores y actrices es grande, el de realizadores teatrales y de cine no se queda atrás. Los grandes profesores de la interpretación en Nueva York, Stella Adler y Lee Strasberg eran judíos. El listado de directores judíos abarca a Peter Bogdanovich, Joel y Ethan Coen, George Cukor, Max Fleischer, Richard Fleischer, William Friedkin, Menahem Golan, Arthur Hiller, Stanley Kramer, Stanley Kubrick, Fritz Lang, Melvin Leroy, Barry Levinson, Ernst Lubitch, Sidney Lumet, Joseph Mankiewicz, Paul Mazursky,  Max Ophuls (Maximilian Oppenheimer),  Alan J. Pakula, Roman Polanski, Sidney Pollack,  Abraham Polonsky, Otto Preminger, Max Reinhardt (Maximillian Goldman), Martin Ritt, Stuart Rosenberg, Herbert Ross, Robert Rossen, John Schlesinger, Melville Shavelson, Don Siegel, Robert Siodmark, Steven Spielberg, Billy Wilder, Robert Wise, William Wyler, Robert Zemeckis, Fred Zinneman, David Zucker y Jerry Zucker.

Hay personas que se sienten identificadas con la causa israelí sin ser judíos, ese es el caso del actor Jon Voight, padre de Angelina Jolie, quien hace poco censuraba a los actores españoles Javier Bardem y Penélope Cruz por haber criticado los bombardeos israelíes en Gaza.

Algunos de los cineastas de las décadas de los 40 y 50 simpatizaron con la URSS en la guerra contra la Alemania nazi e incluso militaron en las filas del partido comunista, por lo que fueron afectados una vez el senador McCarthy inició su caza de brujas en los inicios de los años 50 en Hollywood. Entre los más afectados están el actor John Garfield y los directores Martin Ritt y Robert Rossen. Este último testificó, admitió ser miembro  del Partido Comunista, para finalmente proporcionar los nombres de 57 cineastas con similares ideas y afiliación política. Todo este proceso “judicial” detuvo prácticamente la obra de Rossen. Ritt, igualmente afiliado al Partido Comunista, sufrió condena, pero después se presentó en tribunal arrepentido e incluso se declaró dispuesto a colaborar.  Garfield se negó a testificar, luego se declaró no comunista, algo que ni él se creyó. Su espíritu decayó hasta morir de una trombosis con solo 39 años de edad.

Tres afectados por la caza de brujas, John Garfield, Robert Rossen y Martin Ritt

El tema de la discriminación de los judíos en EE.UU. no era muy abordado por el cine norteamericano. Una película que recuerdo en ese tema fue “La barrera invisible (1947)” de Elia Kazan y protagonizado por Gregory Peck, John Garfield y Dorothy McGuire. En esta película Garfield interpreta el papel del discriminado.

De hecho la colaboración entre actores y actrices judíos en el cine es algo muy natural y uno puede ver caras repetidamente actuando juntos. El mejor ejemplo ha sido el de la pareja de Piper Laurie y Tony Curtis, cuyos primeros filmes fueron protagonizados por ambos, como así fueron:

• “Su alteza el ladrón (1951)”
• “Prohibido el paso al novio (1952)”
• “Son of Ali Baba (1952)”
• “Johnny Dark (1954)”

Piper Laurie y Tony Curtis, asiduos colaboradores en sus inicios en el cine

Kirk Douglas gustaba de protagonizar filmes junto a figuras relevantes, ese fue el caso con Burt Lancaster, pero también actuó en tres ocasiones con Tony Curtis, como fueron:

•  “Los vikingos (1958)”,
• “Espartaco (1960)”,
• “El último de la lista (1963)”

Hoy en día esa colaboración continua al ver las actuaciones conjuntas de los actores Dustin Hoffman, Ben Stiller y Barbra Streisand en varios filmes. Muchos actores llevan el tema de la vida cotidiana de los judíos al cine, Hoffman y Streisand fueron quizás los que más.

En los filmes “Lenny (1974)”, “Todos los hombres del presidente (1976)”, “Marathon Man (1976)”, “Kramer contra Kramer (1978)”, “Los padres de él (2004), y “La ciudad perdida (2005)”, Dustin Hoffman interpreta papeles de judíos. Barbra Streisand no se queda atrás, así la vimos en “Tal como éramos (1973)”, “Ha nacido una estrella (1976)”, “Combate de fondo (1979)”, “El príncipe de las mareas (1991),  “Los padres de él (2004), y “Ahora los padres son ellos (2010)”.

Dustin Hoffman, Barbra Streisand, Elliott Gould, Ben Stiller y Adam Sandler casi siempre en papeles judíos en el cine

En esa misma dirección siempre se han comportado los actores Richard Dreyfuss, Elliot Gould, Adam Sandler y Ben Stiller.

Hay un detalle de una película que tiene que ver con Israel, se trata de “Victoria en Entebbe (1976)” del director Marvin J. Chomsky, cuya trama gira alrededor de un famoso secuestro de un avión francés por parte de palestinos. El avión volaba con un número alto de pasajeros judíos. Los dos papeles principales del film fueron interpretados por actores no judíos como Anthony Hopkins y Burt Lancaster en los roles de Yitzhak Rabin y Shimon Peres. Hubo otros actores y actrices judíos, como fueron los casos de Elizabeth Taylor, Kirk Douglas y Richard Dreyfuss, pero los claves no fueron interpretados por judíos. La veterana Helen Hayes igualmente actuó en este filme interpretando el papel de una señora judía, pero Hayes tampoco era judía en la vida real.

De todas formas, guste o no a algunos, hay una realidad, el cine de Hollywood sin muchas de esas estrellas no sería realmente lo que es.

Bibliografía consultada   

Anon. Judíos famosos y gente judía famosa. Scientific psychic. http://www.scientificpsychic.com/search/judios-famosos.html

Anon. Actores judíos en Hollywood. Gochira. http://gochira.com/1665/actores-judios-en-hollywood

Anon. Famosos judíos con nombres cambiados. Chiwultun. http://chiwulltun.blogspot.com.es/2011/01/famosos-judios-con-nombres-cambiados_08.html

Hernández Esteban. Grandes del cine clásico de todos los tiempos, tomo I y II (inédito).

Hernández Esteban. Grandes del cine clásico de todos los tiempos-directores (inédito).

Escrito por Esteban Hernández, 26 mayo de 2016

“En las circunstancias imperantes en el Tercer Reich, tan solo los seres «excepcionales» podían reaccionar «normalmente».” Hannah Arendt

Son varios los actores, actrices, directores y otros en el mundo del cine que colaboraron con el régimen nazi de Adolf Hitler en Alemania y en los territorios ocupados. Algunos nombres famosos salen a la luz, muchos de ellos negaron su colaboración o simpatía, algunos la justificaban para poder sobrevivir el sistema impuesto de dictadura.

Los hombres no actúan en línea recta, un día tienen una idea y con el tiempo se convencen que la misma no sirve o no se justifica. Desde ese punto de vista se puede aceptar algunas actitudes, o sea aquellas que un buen día reconsideran honradamente su error. Lo peor es cuando se está convencido de que la idea no es justa, pero en un momento dado sirve para sus intereses personales o la persona la sustenta de por vida por puro egoísmo.

En el caso del régimen nazi, los judíos estaban de hecho descartados como colaboradores, pero aquellos que no lo eran podían acoplarse a las nuevas regulaciones y seguir su vida como si nada hubiera ocurriera.

Veamos algunas de estas figuras, donde sobresalen nombres no sólo de alemanes, pero igualmente de otras nacionalidades que se ajustaron bien a las normas del régimen nazi.

La primera figura que salta es la actriz francesa Arletty, mujer que fuera en su vida inicialmente secretaria y modelo hasta que en 1920 debutó en teatro parisino. Arletty colaboró con los nazis durante la ocupación de Francia y fue acusada de traición, condenada y llevada primero al campo de concentración de Drancy y posteriormente a la cárcel de Fresnes en las cercanías de París. En diciembre de 1944, luego de 120 días encarcelada, Arletty fue llevada a cumplir prisión domiciliaria por dos años y suspendida de actividades artísticas por otros tres. Por esta razón, se vio privada de asistir al estreno del film “Los niños del paraíso (1945)”.

Otro actor reconocido fue Emil Jannings, el mismo que co-protagonizara con Marlene Dietrich en el famoso drama “El ángel azul (1930)” del director de Josef von Sternberg. Jannings fue un destacado actor, el cual pudo actuar en filmes de producción italiana, francesa, inglesa e igualmente en Hollywood durante la época del cine silente. Llegado el cine sonoro y su dificultad para pronunciar bien el inglés, Jannings decidió regresar a Alemania. Posteriormente Jannings se convirtió en todo un defensor de las ideas nazis del régimen hitleriano y sus filmes versaron sobre la defensa de la ideología nazi. Su labor pronazi fue tal, que Goebbels le confirió el título de “Artista  del Estado” en 1941. Es de señalar que algunos de estos filmes alemanes, donde Jannings actuó, tenían claros mensajes antisemitas. Por esta actitud, se puede decir que Jannings antes de morir era ya una persona non grata en la comunidad fílmica internacional. En Suiza fue todo un ídolo y en 2004 se levantó un monumento en forma de estrella a su memoria, que poco después fue removido al conocerse en detalle de su intensa actividad como simpatizante nazi.

El director francés Claude Autant-Lara, aunque no aparece nada recogido que fuera colaborador de los nazis en Francia, fue una figura controvertida por sus ideas inicialmente de izquierda que con el tiempo terminaron en ser pro-fascistas y muy propias del ultraderechista Frente Nacional de Francia. Habiendo sido elegido miembro del parlamento europeo, se vio obligado a renunciar al mismo debido a sus posiciones extremas y de declarar que las historias sobre los campos de concentración de los nazis, durante la Segunda Guerra Mundial, no eran más que una ensarta de mentiras.

La cantante y actriz chilena Rosita Serrano (1914-1997) disfrutó de gran éxito en Alemania durante el periodo 1937-1943. En Alemania se le conocía como Die chilenische Nachtigall (El ruiseñor chileno). Lamentablemente Rosita mantuvo una buena relación con el régimen nazi y su prensa, que le valió la simpatía del propio Führer, mientras que Goebbels la utilizaba mucho en sus actividades de propaganda.

La holandesa Ilse Werner (1921-2005) fue una cantante y actriz muy destacada durante la época de los nazis en Alemania. Ilsa actuó en varias películas alemanas y al final de la II Guerra Mundial fue proscrita, pero brevemente. Luego continuó su carrera y adoptó la nacionalidad alemana en 1955.

Fila superior de izq a der Arletty, Rosita Serrano, Ilse Werner, Marika Rökk, Fila inferior de izq a der Zarah Leander, Brigitte Horney y Leni Riefenstahl

La húngara Marika Rökk (1913-2004), fue otra destacada del baile, canto y la actuación en Alemania, donde tuvo tanto éxito como las anteriores actrices. En varias ocasiones protagonizó películas de producción nazi, entre ellas  “Hallo Janine (1939) y Hab Mich Lieb! (1942) (Tenme cariñosamente). Marika navegó con más suerte después de la guerra, a pesar que todos sabían de sus vínculos con la cúpula del régimen nazi, nunca se le sancionó.

La actriz y cantante sueca Zarah Leander (1907-1981) fue igualmente una artista de éxito en la Alemania nazi, al extremo de ser una de las preferidas de los grandes líderes. Sus canciones eran tan famosas que las llegaban a poner en los campos de concentración. Goebbels aprovechó bien a esta figura y la convirtió en el símbolo de la cinematografía nazi. Lo que los nazis no sabían era que esta actriz era una espía de los soviéticos, algo que solo se reconoció por un oficial del KGB cuando Zarah estaba al morir en 1996.

Dentro de los artistas alemanes sobresale el nombre de Brigitte Horney (1911-1988), actriz y cantante, muy destacada en teatro y cine. Brigitte igualmente protagonizó varias películas casi siempre en unión del famoso actor Joachim Gottschalk. Sucede que este actor estaba casada con una judía, por lo que los nazies le obligaron a la separación de su esposa e hijo. Horney tuvo al menos la decencia de asistir al funeral de su compañero. Terminada la II Guerra Mundial, Brigitte optó por adoptar la ciudadanía americana, y continuó actuando en EE.UU. y en Alemania.

Un director tristemente célebre fue el alemán Veit Harlan, el hombre que dirigió el film racista “El judío Suss (1940)”, película que asquerosamente presentaba sus ideas antisemitas sin limitaciones. Harlan pudo atraer la atención de Goebbels cuando el éxodo de actores-actrices y directores en Alemania era una realidad como producto de la dictadura en que se vivía. Harlan fue acusado de colaborar con los nazis terminada la guerra, pero él se defendió diciendo que otra cosa no podía hacer. Al final pudo volver a sus faenas de dirección. Un filme muy discutido durante la década de los 50 fue el drama “Anders als Du und Ich (1957)” que en Cuba se tituló “El tercer sexo”, película plagada de homofobia, algo que en esa época era muy aceptado.

De izq a der Emil Jannings, Claude Autant-Lara y Veit Harlan

La otra figura alemana muy controvertida fue la actriz, fotógrafa y cineasta alemana, Helene Bertha Amalie Riefenstahl, célebre por sus producciones propagandísticas del régimen de la Alemania nazi. Leni Riefenstahl fue muy admirada por Hitler y Goebbels, aunque durante las olimpiadas de Munich en 1936 realizó algunas entrevistas y tomas que no fueron del gusto del régimen, todas ellas le sirvieron para su gran documental “Olimpia”. Al terminar la guerra fue acusada, pero luego fue exonerada. De hecho todo el mundo sabía que ella tenía una estrecha relación con el führer, pero supo escapar de las acusaciones las distintas veces que fue juzgada. Leni llegó a declarar que ella no sabía nada sobre el holocausto. Su actividad de colaboración fue tal que dirigió la famosa trilogía de Nuremberg compuesta de tres documentales donde se hacía una abierta alabanza al nuevo régimen nazi. Esos documentales fueron: “La victoria de la fe (1933)”, “El triunfo de la voluntad (1934)” y “Día de la libertad: nuestras fuerzas armadas (1935)”.

Hay otros nombres, entre ellos se mencionan a la cantante-actriz Edith Piaf, la que en ocasiones amenizó con sus canciones fiestas privadas nazis. No obstante, se sabe que Edith con su actitud logró salvar a varios artistas judíos en aquel entonces.

Bibliografía consultada

Anon. Leni Riefenstahl. Exordio, La segunda guerra mundial (1939-1945). http://www.exordio.com/1939-1945/civilis/cine/leni.html

Anon. Zarah Leander. Wikipedia.org. https://es.wikipedia.org/wiki/Zarah_Leander

Anon. Ilse Werner. Listal. http://www.listal.com/ilse-werner

Cerdá Manuel. Las favoritas de los nazis. https://musicadecomedia.wordpress.com/2013/09/19/las-favoritas-de-los-nazis/

Felis Clara. 2015. Los artistas franceses que sirvieron a las fuerzas de Adolf Hitler. El Mundo, 3 enero. http://www.elmundo.es/la-aventura-de-la-historia/2015/01/03/54a2a52b268e3e4c278b4574.html

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Hernández Esteban (inédito). Grandes del cine clásico de todos los tiempos-directores.

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Rohter Larry. 2010. Nazi film still pains relatives. NY Times, 1 marzo. http://www.nytimes.com/2010/03/02/movies/02suss.html?_r=0

Escrito por Esteban Hernández, 13 mayo 2016

“Creía que un drama era cuando llora el actor,

pero la verdad es cuando llora el público”

Frank Capra

Uno de los mejores directores de los primeros tiempos del cine sonoro lo fue el italo-americano Frank Capra, hombre que nació el 18 de mayo de 1897 en Palermo, Sicilia, cuya familia emigró a EE.UU.  cuando el niño Francesco tenía sólo 6 años. Obviamente, emigraron en la búsqueda de empleo y mejoras en la vida en general.

La familia de Capra se estableció en Los Ángeles. Terminada la escuela se decidió estudiar ingeniería, pero las condiciones económicas le impusieron buscar empleo. Al final obtuvo uno como ayudante de guionista y luego como guionista como tal para el cine silente de comedias de aquel entonces. En 1922 se estrenó como director con la comedia-corto “Fultah Fisher’s boarding house (1922)” (La pensión de Fultah Fisher) protagonizada por Mildred Owens, a la que siguieron una decena de películas, entre ellas las comedias “El hombre cañón (1926)” y “Sus primeros pantalones (1927)” protagonizadas por Harry Langdon.

Capra en lo sucesivo no se encasilló en un género de película, todo lo contrario, dirigió dramas, comedias, filmes de aventura, cuyas realizaciones buscaban siempre reflejar un futuro mejor para aquellos que se ven en una situación económica realmente penosa.  De siempre fue un promotor de de la belleza en el quehacer cotidiano. Un objetivo claro de sus películas fue el de estimular la iniciativa individual de cada ser, pues cada uno tiene en si algo que aportar.

Frank Capra en el rodaje de “Caballero sin espada (1939)”. (Foto Cortesía Doctormacro.com)

Sus primeros trabajos en el cine sonoro fueron dirigiendo:

• Los dramas “The younger generation (1929)” (La generación más joven) con Jean Hersholt, film que aborda la asimilación de los judíos en EE.UU.,
• “La mujer milagro (1931)” con Barbara Stanwyck, cuya trama trata sobre la fe religiosa,
• “La amargura del general Yen (1932)” con la Stanwyck nuevamente, film sobre las peripecias de una joven americana en China,
• “La locura del dólar (1932)” con Walter Huston y Pat O’Brien, donde se refleja los fraudes de un banco en Norteamérica
• Las comedias “Sucedió una noche (1934)” con Clark Gable y Claudette Colbert, una de las cintas más originales de Capra,
• “Estrictamente confidencial (1934)” con Warner Baxter y Myrna Loy,
• “El secreto de vivir (1936)” con Gary Cooper y Jean Arthur, película que trata las peripecias de un joven que hereda una fortuna
• El fabuloso film de aventura “Horizontes perdidos (1937)” con Ronald Colman
• La comedia romántica “Vive como quieras (1938)” con Jean Arthur y Lionel Barrymore
• El drama-comedia “Caballero sin espada (1939)” con James Stewart y Jean Arthur, film sobre un joven que se inicia trabajando en el senado de EE.UU., donde finalmente se rebela.

Afiches de dos de los primeros éxitos de Frank Capra en el cine sonoro

En lo sucesivo, entre sus mejores películas están:

•  El drama-comedia “Juan Nadie (1941)” con Gary Cooper y Barbara Stanwyck
• La comedia “Arsénico por compasión (1944)” con Cary Grant y Raymond Massey entre otros actores
• El romance “¡Qué bello es vivir! (1946)” con James Stewart y Donna Reed, donde Capra imprime belleza y optimismo en su mensaje fílmico
• El drama “Estado de la Unión (1948)” con Spencer Tracy y Katharine Hepburn
• La comedia “Riding high (1950)” (Cabalgando alto) con Bing Crosby, película que viene a ser un remake de su anterior comedia “Estrictamente confidencial (1934)”
• Las comedias-musicales “Aquí viene el novio (1951)” con Crosby nuevamente y Jane Wyman,
• “Millonario de ilusiones (1959)” con Frank Sinatra, Edward G. Robinson y Eleanor Parker
• Su último film, la comedia-drama “Un gángster para un milagro (1961)” con Bette Davis y Glenn Ford, también remake de su comedia anterior “Dama por un día (1933)”

Afiches de cuatro éxitos más de Frank Capra

La autobiografía de Capra aparece en dos libros: “Frank Capra” (1973) y  “Frank Capra’s American dream (1997) (TV)”.

Entre los premios obtenidos por este director están nominaciones para OSCAR como mejor director por “Dama por un día (1932-33)”, “Caballero sin espada (1939)” y “¡Que bello es vivir! (1946)”; como mejor film por “El secreto de vivir (1936)”, “Horizontes perdidos (1937)”, “Caballero sin espada (1939)” y “¡Que bello es vivir! (1946)”. Obtuvo este premio como mejor director por “Sucedió una noche (1934)”, “Secreto de vivir (1936)” y “Vive como quieras (1938)”, así como mejor film por esta última película.

Obtuvo Globo de Oro como mejor director por “¡Que bello es vivir! (1946)”.  Nominado para DGA como mejor director por “Millonario de ilusiones (1959)” y “Un gangster para un milagro (1961)”.

Nominado para premio en el Festival de Venecia por “Sucedió una noche (1934)” y “El secreto de vivir (1936)”, por igual film obtuvo recomendación especial.

Obtuvo galardones por su carrera del Instituto Fílmico Americano en 1982, y del sindicato de directores de América en 1941 y 1959,  así como el León de Oro en el Festival de Venecia en 1982.

Capra en su carrera dirigió 40 filmes entre 1926 y 1961, guionista de 13, productor de 12 y  actuó en dos películas. Murió el  3 de septiembre de 1991 en La Quinta, California.

El presente esbozo fue tomado del libro inédito “Grandes del cine de todos los tiempos-directores” de Esteban Hernández

Esta es la duodécima propuesta, la cual trae varias películas premiadas con varios Oscar.

Tal como éramos (1973) de Sydney Pollack, drama sobre el activismo de una judía comunista durante el preludio de la II Guerra Mundial y el romance con un joven que se convierte en oficial del ejército norteamericano. Protagonizado por Barbra Streisand y Robert Redford, filme de producción norteamericana.

¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) de Robert Zemeckis, comedia animada sobre un detective que se empeña en encontrar evidencias de una persecución de un hombre negocios a una mujer esposa de una superestrella de Hollywood. Protagonizado por Bob Hoskins y Christopher Lloyd, filme de producción norteamericana.

Salvaje (1953) de Stanley Kramer, drama sobre un grupo de motoristas, del cual su líder se enamora y comienza a darse cuenta de lo necio que ha sido su vida hasta ese entonces. Protagonizado por Marlon Brando, Mary Murphy y Lee Marvin, filme de producción norteamericana.

Testigo de cargo (1957) de Billy Wilder, drama sobre la acusación a un joven que mantenía una relación con una mujer mucho mayor que él y que las pruebas van casi todas en su contra, pero su abogado defensor persevera. Protagonizado por Tyrone Power, Marlene Dietrich, Charles Laughton y Elsa Lanchester, filme de producción norteamericana.

Tigre y dragón (2000) de Ang Lee, film épico sobre una leyenda en la antigua China, muy interesante y de mucho colorido. Protagonizado por Chow Yun-Fat, Michelle Yeoh y Zhang Zivi, filme de producción taiwanesa.

El mundo, la carne y el diablo (1959) de Ranald MacDougall, drama sobre un trío de sobrevivientes de un desastre que ha barrido con toda la población del lugar. Sobreviven tres, un afroamericano, un blanco y una mujer, de cuya relación surge un conflicto. Protagonizado por Harry Belafonte, Inger Stevens y Mel Ferrer, filme de producción norteamericana.

El año que vivimos peligrosamente (1982) de Peter Weir, drama sobre las tensiones en Indonesia durante el mandato del presidente Sukarno, las que afectan a la pareja de un fotógrafo y una trabajadora occidental en embajada conjuntamente con el traductor Billy Kwan, interpretado por la actriz Linda Hunt. Protagonizado además por Mel Gibson y Sigourney Weaver. Filme de co-producción australiana-americana.

El ángel ebrio (1948) de Akira Kurosawa, drama sobre la relación de un mafioso de la Yakuza afectado de tuberculosis y el médico que lo atiende. Protagonizado por Takashi Shimura y Toshiro Mifune, filme de producción japonesa.

Afiches de Tal como éramos, Quién engañó a Roger Rabbit, Salvaje, Testigo de Cargo, El Tigre y dragón, El mundo, la carne y el diablo, El año que vivimos peligrosamente, El ángel ebrio

Yojimbo (El mercenario,1961) de Akira Kurosawa, drama-filme de acción sobre un samurái que llega a un poblado donde dos bandas se baten con frecuencia y en las que él recién llegado demuestra su fuerza, por lo que las dos bandas se disputan sus servicios. Protagonizado por Toshiro Mifune y Tatsuya Nakadai, filme de producción japonesa.

El baile de los malditos (1958) de Edward Dmytryk, drama-film bélico de cómo tres vidas de países diferentes se entrecruzan durante la II Guerra. Los tres son militares y todos con ética a pesar de ser de bandos enemigos. Protagonizado por Marlon Brando, Montgomery Clift, Dean Martin y Maximilian Schell, filme de producción norteamericana.

Z (1969) de Costa Gavras, drama sobre la situación en un país (más parece Grecia) convulso, donde las fuerzas policiales reprimen cualquier movimiento de protesta y terminan asesinando a uno de los líderes de estas manifestaciones, con lo cual se inicia todo un proceso judicial lleno de obstáculos de todos los bandos políticos. Protagonizado por Yves Montand, Jean-Louis Trintignant, Irene Pappas y Jacques Perrin, filme de co-producción franco-argelina.

Vivos y muertos (Zhivie i miortvie) (1963) de Alexander Stolper, film bélico basado en la novela homónima del escritor Konstantin Simonov, el cual relata las represiones dentro del ejército rojo durante la II Guerra, todo relatado por un corresponsal de guerra que vivió todas esas situaciones. Protagonizado por Kiril Lavrov, Mikhail Ulyanov, Anatoli Papanov, Oleg Efremov y Oleg Tabakov, filme de producción soviética.

Spotlight (En primera plana, 2015) de Tom McCarthy, drama sobre la pederastia y una investigación conducida por el Boston Globe que arrojó datos espeluznantes sobre los desmanes de la iglesia en estos asuntos. Protagonizado por Michael Keaton, Mark Ruffalo y Rachel McAdams, filme de producción americana.

12 Años de esclavitud (2013) de Steve McQueen, drama sobre el secuestro de un mulato americano, hombre libre del estado de Nueva York, en 1841 y que fuera llevado a Louisiana a trabajar, vendido como esclavo y que estuvo así durante 12 años hasta que su situación se logré esclarecer. Protagonizado por Chiwetel Ejiofor, Solomon Northup y Brad Pitt, filme de producción americana.

El discurso del rey (2010) de Tom Hooper, drama biográfico sobre la figura de un heredero al trono de Gran Bretaña, el duque de Jorge de York, quien debió vencer la tartamudez que le afectaba para poder realizar sus labores como monarca. Protagonizado por Colin Firth, Geoffrey Rush y Helen Bonham Carter, filme de producción británica.

Quisiera ser millonario (2008) de Danny Boyle, drama sobre las vivencias de un joven hindú que sufre una terrible niñez y logra una educación elemental, más que todo basada en hechos acaecidos alrededor de su persona. El joven decide competir en un programa quiz, en el cual va triunfando poco a poco. Protagonizado por Dev Patel, Freida Pinto, Anil Kapoor e Irrfan Khan, filme de producción britânica.

Afiches de Yojimbo, El baile de los malditos, Z, Vivos y Muertos, Spotlight, 12 Años de esclavitud, El discurso del rey, Quisiera ser millonario

Corazón valiente (1995) film épico dirigido y protagonizado por Mel Gibson, el que versa sobre las batallas de William Wallace en pro de la independencia de Escocia, filme de producción americana.

Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) de Milos Forman, drama sobre un supuesto psicópata, el cual ingresa en una clínica para enfermos mentales, pero que resulta ser un individuo que todo el tiempo ha estado evitando la prisión. Protagonizado por Jack Nicholson, Danny DeVito, Louis Fletcher y Christopher Lloyd, filme de producción americana.

Afiches de Corazón Valiente, Alguien voló sobre el nido del Cuco, El golpe, Contra el Imperio de la droga

El golpe (1973) de George Roy Hill, comedia-film de crimen sobre dos verdaderos estafadores, que logran acoplar de tal forma que burlan con facilidad a la justicia y a sus competidores. Protagonizado por Paul Newman y Robert Redford, filme de producción americana.

Contra el imperio de la droga (1971) de William Friedkin, film de crimen sobre una organización dedicada al tráfico de droga de Marsella, Francia a EEUU. Protagonizado por Gene Hackman, Roy Scheider, Fernando Rey y Tony Lo Bianco, filme de producción americana.

Preparado por Esteban Hernández (20 abril de 2016)

“Caballeros, así es el sagrado matrimonio al estilo moderno:

                                                    vidas separadas,  camas gemelas y antidepresivos por la mañana.”  Sylvia Sidney en “Tuya para siempre” de

Dorothy Arzner

La única directora mujer en Hollywood en los años 30, la edad de oro de la meca del cine, fue Dorothy Arzner, quien fue toda una feminista, lo que se evidenció en cada una de sus películas, donde los papeles protagónicos principales siempre fueron para actrices y no actores. Se dice que ella se sentía atraída por sus protagonistas femeninos, entre ellas Clara Bow, Claudette Colbert y Joan Crawford entre otras. En Hollywood, su lesbianismo nunca fue objeto de crítica, era algo que se sabía, se admitía y no se le criticaba.

Arzner nació el 3 de enero de 1897 en San Francisco, en su juventud estudió medicina en la Universidad del sur de California por dos años, estudios que luego abandonó, primero para servir como enfermera durante la Primera Guerra Mundial y luego para  iniciar trabajo en la Players-Lasky Corporation, pues desde niña había sentido fuerte vocación por el cine y había admirado a estrellas como Charles Chaplin y William S. Hart. Más tarde comenzaría a trabajar para la Paramount Pictures, donde fungió como mecanógrafa hasta que un día le dieron la posibilidad de escribir guiones y hacer montaje de algunas películas, sobre todo para el director James Cruze, en la década de los 20.

Dorothy Arzner durante una filmación

Finalmente la Paramount le dio la oportunidad de dirigir su primera película que fue el drama silente “Fashions for women (1927)” (Modas femeninas) con Esther Ralston y Raymond Hatton. La dirección de Dorothy tuvo la influencia del trabajo de la actriz y productora Alla Nazimova. Casi de inmediato, dirigió otras dos películas más, la comedia-drama “Ten modern commandments (1928)” (Diez modernos mandamientos) con la Ralston nuevamente, y el romance “Get your man (1928)” (Consigue tu hombre) con la entonces destacada Clara Bow.

Se sabe que Dorothy Arzner mantenía relación con Marion Morgan, bailarina y coreógrafa hasta su muerte en 1971, con la cual vivía en una casa estilo neogriego, que fuera construida en Mountain Oak Drive. De esa relación también se derivaron diseños de decorados y vestuarios muy originales. El trabajo de Dorothy con Marion fue estable en las cuatro primeras películas de la directora. De hecho compartían muchas actividades, además de vivir juntas.

Fredric March y Clara Bow en Loca Orgía (1929) (Foto doctormacro.com)

El primer film sonoro de Dorothy fue la comedia-drama “La loca orgía (1929)” con la Bow nuevamente y Fredric March, film en el que Arzner utilizó el micrófono móvil escondido por primera vez en el cine, que daba la posibilidad a los artistas de moverse libremente en el escenario de filmación. En lo sucesivo dirigió:

•  El drama “Sarah and son (1930)” (Sara e hijo) con Ruth Chatterton y Fredric March
• El musical “Galas de la Paramount (1930)” con Richard Arlen y Jean Arthur
• Los dramas “La mujer de cualquiera (1930)” con Ruth Chatterton y Clive Brook,
• “Working girls (1931)” (Chicas trabajadoras) con Judith Wood,
• “Honor entre amantes (1931)” con Fredric March y Claudette Colbert,
• “Tuya para siempre (1932)” con Sylvia Sidney y Fredric March nuevamente
• “Hacia las alturas (1933)” con Katharine Hepburn y Colin Clive, film en el que un aviador casado se enamora de otra mujer, en este caso la Hepburn,
• “Nana (1934)” co-dirigido con George Fitzmaurice y protagonizado por Anna Sten, film basado en la obra del mismo nombre del escritor francés Emile Zola,
• “La mujer sin alma (1936)” con Rossalind Russell, donde Arzner trata de aconsejar la dominancia femenina en el matrimonio
• Los dramas-comedias “The bride wore red (1937)” (La novia vistió de rojo) con Joan Crawford, film que aborda las diferencias sociales existentes
• “Baila, chica, baila (1940)” con Maureen O’Hara y Lucille Ball, cuyo tema central es la prostitución
• Su última labor de dirección fílmica, la película de guerra “First comes courage (1943)” (Primero llega el coraje) con Merle Oberon

Afiche de «Hacia las alturas (1933)»

En 1943 Dorothy abandonó Hollywood, decisión tomada debido a conflictos con el realizador Louis B. Mayer, por lo que se dedicó desde entonces a realizar películas de entrenamiento para el Cuerpo de Mujeres en el Ejército, produjo un programa radial llamado “You Were Meant to Be a Star” (Ud. estaba llamado a ser una estrella), trabajó para el teatro y enseñó realización fílmica en el Pasadena Playhouse y luego en la Universidad de California en Los Ángeles. Igualmente realizó varias decenas de anuncios publicitarios para la Pepsi a petición de la actriz Joan Crawford.

Joan Crawford con Robert Young (der.) y Franchot Tone en «The bride wore red (1937)». (Foto doctormacro.com)

En 1975 Dorothy recibió un premio en honor a su carrera de parte del sindicato de directores de América.

Bibliografía consultada

Aranzasti María José. Dorothy Arzner: una gran retrospectiva en el 62 festival de cine de San Sebastián. Arte y cultural visual. http://www.m-arteyculturavisual.com/2014/09/24/dorothy-arzner-una-gran-retrospectiva-en-el-62-festival-de-cine-de-san-sebastian/

Hernández Esteban (inédito). Grandes del cine de todos los tiempos- Directores.

Hopwood C. John. Dorothy Arzner. IMDB.com. http://www.imdb.com/name/nm0002188/bio?ref_=nm_ov_bio_sm

Nadia Field Allison. Dorothy Arzner. Women film pioneers.  https://wfpp.cdrs.columbia.edu/pioneer/ccp-dorothy-arzner/

Escrito por Esteban Hernández (14 abril de 2016)

Esta es la décima primera propuesta de filmes. Como ya se dijo, las mismas saldrán cada dos o tres semanas en lo sucesivo.

El destino de un hombre (1959) de Serguei Bondarchuk, filme bélico-biográfico, sobre las vicisitudes de un soldado soviético durante la II Guerra Mundial. Protagonizado por Sergei Bondarchuk, Pavel Boriskin, Zinaida Kiriyenko, Pavel Volkov, Yuri Averin y Kirill Alekseyev. Filme de producción soviética.

Suite Habana (2003) de Fernando Pérez, documental que muestra con claridad la vida de los habaneros, no hay dialogo en el filme, solo las evidencias de lo que se vive, se sufre o se disfruta. Filme de producción cubana.

Domingo, maldito domingo (1971) de John Schlesinger, drama sobre un triángulo amoroso de un joven, el cual es deseado por una dama y a su vez por un médico de mediana edad. El filme muestra como los adversarios luchan por el amor y posesión del joven. Protagonizado por Peter Finch, Glenda Jackson y Murray Head. Filme de producción británica.

Superman (1978) de Richard Donner, filme de ficción sobre el famoso héroe de los comics, esta vez interpretado por Christopher Reeve, siempre luchando contra el mal encarnado por el terrible Luthor (Gene Hackman). La película tuvo excelentes efectos especiales. Filme de producción americana.

Taxi Driver (1976) de Martin Scorsese, drama sobre la enajenación de un ex- soldado en Vietnam, obsesionado con una rubia, que mira y observa todo lo que se desarrolla a su alrededor, sobre todo violencia, hasta que decide por si mismo entrar en acción. Protagonizado por Robert De Niro, Jodie Foster y Harvey Keitel. Filme de producción americana.

El Señor de los Anillos: La comunidad del Anillo (2001) de Peter Jackson, filme fantástico y de aventura, sobre el anillo único con poder de esclavizar toda la Tierra, por lo cual un grupo de jóvenes emprende la misión de encontrarlo y destruirlo. Protagonizado por Elijah Wood, Viggo Mortensen, Orlando Bloom, Cate Blanchett y Christopher Lee. Filme de producción americana.

El tercer hombre (1949) de Carol Reed, drama sobre la visita de un hombre a Austria para ver un amigo, al cual lo encuentra muerto y la policía le da detalles de la forma en que murió, pero que él no se lo cree y entiende que hubo un tercer hombre en un sospechado asesinato. Protagonizado por Joseph Cotten, Alida Valli, Trevor Howard y Orson Welles. Filme de producción británica.

Titanic (1997) de James Cameron, drama romántico sobre un pasaje amoroso de una pareja a bordo del famoso buque que se hundió. Tal parece una versión de Romeo y Julietta bien adaptada, él un golfo viajando a EEUU y ella de clase media pero prometida de un hombre rico. Protagonizado por Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Kathy Bates y Billy Zane. Filme de producción americana.

Tombstone: la leyenda de Wyatt Earp (1993) de George P. Cosmatos, oeste muy logrado sobre la vida del famoso justiciero y de su duelo en OK Corral con la colaboración de Doc Holliday, así como la persecución implacable de varios bandoleros de esos lares. Protagonizado por Kurt Russell, Val Kilmer, Sam Elliott y Bill Paxton.  Filme de producción americana.

Afiches de El destino de un hombre, Suite Habana, Domingo-Maldito Domingo, Superman, Taxi Driver, El Señor de los Anillos, El tercer hombre, Tombstone-la leyenda de Wyatt Earp

Tootsie (1982) de Sydney Pollack, drama-comedia sobre un actor que decide lograr éxitos representando a una mujer en la TV pero que a su vez logra la simpatía de una dama, todo lo cual le trae varios problemas. Protagonizado por Dustin Hoffman, Jessica Lange, Bill Murray y Charles Durning. Filme de producción americana.

La trampa (1966) de Sidney Hayers, drama-filme de aventura sobre un cazador de pieles, quien vive aislado del mundo y un buen día compra una muda para que le sirva de compañía, a la que maltrata sin misericordia hasta un buen día que se da cuenta de su error. Protagonizado por Oliver Reed y Rita Tushingham. Filme de producción canadiense.

El tesoro de Sierra Madre (1948) de John Huston, filme de aventura sobre un trío de buscavidas que deciden irse a Tampico a buscar un tesoro escondido. Las buenas relaciones terminan pronto dentro de este viaje, lo que trae algunas consecuencias. Protagonizado por Humphrey Bogart, Tim Holt, Bruce Bennett y el padre de John Huston, Walter Huston. Filme de producción americana.

Tristana (1970) de Luis Buñuel, drama sobre un anciano que acoge en su hogar a una bella mujer, de la cual se enamora, mientras que ella conoce un apuesto pintor. Las complicaciones entre esas tres vidas y su desenlace final se ven en este filme de Buñuel.  Protagonizado por Catherine Deneuve, Fernando Rey y Franco Nero. Filme co- producción  hispano-franco-italiana.

12 hombres en pugna (en España se llama 12 hombres sin piedad 1957) de Sidney Lumet , drama sobre cómo un jurado intentaba condenar a un adolescente sin entrar en un análisis de la verdadera culpabilidad del supuesto reo. La película se desarrolla en una habitación casi todo el tiempo. Protagonizado por Henry Fonda, Lee J. Cobb, Jack Warden, Martin Balsam, E.G. Marshall entre otros. Filme de producción americana.

Los intocables de Eliot Ness (1987) de Brian De Palma, drama-filme de crimen sobre cómo un grupo de agentes federales deciden liquidar las actividades subversivas de Al Capone y su banda en Chicago. Protagonizado por Kevin Costner, Sean Connery, Robert De Niro y Andy García. Filme de producción americana.

Vértigo (1958) de Alfred Hitchcock, suspense y joya fílmica de Hitchcock sobre un agente al que se le solicita sus servicios como detective y seguir a una mujer casada, la que vive una obsesión con su pasado. Protagonizado por James Stewart y Kim Novak. Filme de producción americana.

Los vikingos (1958) de Richard Fleischer, filme de aventura sobre la historia de un enfrentamiento entre dos valientes vikingos (Kirk Douglas y Tony Curtis), los que ignoraban que eran medios hermanos, y que buscaban rescatar a la amada Morgana (Janet Leigh). Filme de producción americana.

Afiches de Tootsie, La trampa, El tesoro de Sierra Madre, Tristana, 12 hombres en pugna, Los intocables de Eliot Ness, Vértigo, Los Vikingos

La vida es bella (1997) de Roberto Benigni, comedia de cómo un matrimonio sufre al ser internado en un campo de concentración, donde Guido (Benigni) hace lo imposible para educar a su hijo. La película tiene un poco de fantasía para adecuar su argumento, no obstante es buen mensaje para la paz. Protagonizado además por Nicoletta Braschi, Marisa Paredes, Giorgio Cantarini. Filme de  producción italiana.

Volavérunt (1999) de Bigas Luna, drama sobre la fiesta organizada por la Duquesa de Alba y cómo al siguiente día aparece muerta, cuyas circunstancias fueron todo un misterio. Protagonizado por Aitana Sánchez Gijón, Penélope Cruz, Jordi Mollà y el cubano Jorge Perugorría en el papel del pintor Goya. Filme de co-producción franco-española.

Afiches La vida es bella, Titanic, Volavérunt, Guerra y Paz-I Andrei Bolkonskiy

Guerra y Paz I: Andrey Bolkonskiy (1965) de Serguei Bondarchuk, filme basado en la novela homónima de León Tolstoy, cuyo primer filme contempla la vida del príncipe Andréi Bolkonsky (Viacheslav Tikhonov), el idealista Pierre Bezukhov (Serguei Bondarchuk) y la joven Natacha Rostova (Liudmila Saveleva). Filme de producción soviética, cuyo colorido y filmación supera a la versión anterior norteamericana.

Preparado por Esteban Hernández (28 marzo de 2016)

“Todo el mundo parece estar hablando de la democracia.

No lo entiendo. Cuando pienso en ella,

la democracia no es como un traje de domingo para ser llevado

y usado sólo para los desfiles.

Es la clase de vida que un hombre decente conduce,

es un motivo para vivir y para morir”.

Dalton Trumbo

Uno de los guionistas más productivos de Hollywood fue Dalton Trumbo, quien adolecía de un defecto para su época, era afiliado al partido comunista desde 1943, y como era de esperar, cayó junto con una lista de diez cineastas de Hollywood en desgracia cuando la lamentable caza de brujas implementada por el senador Joseph McCarthy.

Los diez en cuestión fueron el guionista Alvah Bessie, el guionista y director Herbert Biberman, los guionistas Lester Cole, Ring Lardner Jr. John Howard Lawson y Samuel Ornitz, el famoso escritor y guionista Albert Maltz, el productor y guionista Adrian Scott, el director Edward Dmytryk y el novelista, guionista y director Dalton Trumbo. Todos ellos fueron encarcelados y despedidos de sus empleos indefinidamente hasta que declarasen y demostrasen no ser comunistas. Todos ellos se negaron a declarar ante el corrupto de John Parnell Thomas, quien poco después cayó en prisión por no declarar sus ingresos al fisco americano.

 Las acusaciones contra los diez fueron discursos preparados y luego leídos por actores como Gary Cooper, Robert Taylor, Robert Montgomery, Ronald Reagan, Adolphe Menjou entre otros. Los supuestos reos se acogieron a la primera enmienda de la Constitución, que aseguraba la libertad de asociación y de expresión. A su vez un grupo de actores, actrices y directores protestaron contra los ataques indiscriminados a Hollywood y sus integrantes. Entre esos estaban Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Henry Fonda, Gene Kelly, John Garfield, Edward G. Robinson, Judy Garland, Katharine Hepburn, Ira Gershwin, William Wyler, Lucillle Ball, Sterling Hayden, Groucho Marx o Frank Sinatra. Lamentablemente y aunque en la película esto se muestra parcialmente, algunos de los de esta lista fueron igualmente incriminados, como fue el caso de Edward G. Robinson y Sterling Hayden.

Yendo al caso concreto de Trumbo, se trataba de un guionista con la capacidad de redactar un guión en tres días, capaz de llevarse en el acto el deseo del director de turno, un hombre fuera de serie, que después de cumplir prisión siguió escribiendo con otros pseudónimos y ganó Oscar en más de una ocasión de esta forma. Él era de la idea que la maldad se destruye con trabajo de calidad y que nada podía contra ello. Al final su trabajo se impuso hasta que un buen día se le volvió a reconocer en los créditos de las películas, para las cuales escribió guión.

Afiche de «Trumbo – La Lista Negra de Hollywood»

Trumbo tuvo el apoyo de su familia y sus verdaderos compañeros, que nunca le dieron la espalda. En un momento las productoras rechazaron la censura impuesta a su persona.

Trumbo (Bryan Cranston) y su esposa Cleo (Diane Lane) en el estreno de un filme premiado por su guión y no acreditado con su nombre

El mundo está lleno de violaciones de los derechos humanos, no ha faltado quien haya querido callar una idea con la censura más severa al extremo de encarcelar a todo aquel que piense distinto a aquel que gobierna. Este filme es una buena muestra de lo que no debe suceder, es una muestra que el hombre tiene derecho a pensar y expresar libremente su pensamiento, que no se puede sancionar a nadie por esa razón, que no se puede encarcelar a nadie y considerarlo preso político por el solo hecho de pensar y expresarse distinto a la moda establecida.

Las violaciones de los derechos humanos abundan, hay gobernantes que creen que estos derechos son gomas de mascar que se les puede dar la forma que se le antoje. La caza de brujas fue un mal ejemplo, que luego se pudo enmendar o se pudo encaminar de otra forma, de lo contrario hubiera sido impensable un filme de esta naturaleza.

La película de 2015, dirigida por Jay Roach, está protagonizada por Bryan Cranston en el papel de Trumbo, Diane Lane como su esposa Cleo, Helen Mirren en el papel de la perversa periodista y mediocre actriz Hedda Hopper (su nombre real era Elda Furry), una verdadera miseria de persona en Hollywood; John Goodman en el papel del productor Frank King, y Michael Stuhlbarg como Edward G. Robinson entre otros.

Helen Mirren es la perversa Hedda Hopper

Su estreno en España está previsto para finales de abril de 2016, es de suponer que aún se esté haciendo su doblaje, ya que la única versión disponible en español es con sub-títulos.

Preparado por Esteban Hernández (1  abril de 2016)

Esta es la décima propuesta de filmes para ver, un total de 200 películas recomendadas. Muchos son de épocas anteriores, pero no por eso carecen de calidad, entiéndase belleza en el contenido de sus tramas.

A pleno sol (1960) de René Clement, film de crimen, primera historia fílmica de la novela “El talento de Mr. Ripley” de la escritora Patricia Highsmith. Un joven norteamericano llega a Europa para visitar a un amigo rico, el que disfruta todo el tiempo humillándole delante de todos al extremo de crear un odio que se traduce en lo peor. El filme tiene buenas vistas de Roma y del sur de Italia. Protagonizada por Alain Delon, Maurice Ronet y Marie Laforêt. Filme de producción francesa.

Cenizas y diamantes (1958) de Andrzej Wajda, drama-film de crimen sobre dos ex-soldados del ejército nacional polaco que reciben una encomienda de asesinar a un comisario comunista. El filme es atrevido al mostrar los privilegios de los oficiales soviéticos dentro de la Polonia recién liberada de los nazis, a su vez muestra las contradicciones mentales del ex-soldado Maciek. Protagonizado por Zbigniew Cybulski, Ewa Krzyżewska, Wacław Zastrzeżyński y Adam Pawliskowski. Filme de producción polaca.

El cartero siempre llama dos veces (1981) de Bob Rafelson, drama-film de crimen sobre la relación de un hombre que vagabundea y se queda a trabajar en un bar-cafetería de un griego casado con la joven Cora, de donde surgen pasiones y ambiciones. Protagonizado por Jack Nicholson, Jessica Lange y John Colicos. Filme de producción americana.

Pretty Woman (1990) de Garry Marshall, comedia sobre un romance de una prostituta con un hombre rico de una noche, pero que después el rico quiere prolongar hasta una semana. Protagonizado por Richard Gere, Julia Roberts y Héctor Elizondo. Filme de producción americana.

Psicosis (1960) de Alfred Hichtcock, film de crimen con ese acento de suspense que le pone Hichtcock. Se trata de unas de las películas más vistas en el cine de todos los tiempos sobre el joven Norman Bates, propietario de un hotel en las afueras de una ciudad, una huésped que llega y en la noche sucede lo imprevisto. Protagonizado por Anthony Perkins, Janet Leigh, John Gavin y Vera Miles. Filme de producción americana.

El enemigo público (1931) de William A. Wellman, film de crimen sobre la vida de un hombre que desde joven comete fechorías y que con la ley seca las intensifica. El filme hace una radiografía de lo que es un delincuente y cuáles son sus verdaderos amores. Protagonizado por James Cagney, Jean Harlow y Joan Blondell. Filme de producción americana.

Pulp Fiction (1994) de Quentin Tarantino, filme de acción- crimen, con una trama bien enredada y original, donde las escenas van de delante a atrás en ocasiones, por lo que no puede separarse del filme mientras se esté mostrando, caso contrario perderá el hilo. Protagonizado por John Travolta, Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Harvey Keitel y Ving Rhames entre otros. Filme de producción americana.

Los cuatrocientos golpes (1959) de François Truffaut, drama sobre la vida de un joven de nombre Antoine Donel, quien soporta la severidad de un maestro de escuela y descubre cosas inconcebibles de su familia, todo esto hace que Antoine decida tomar un nuevo rumbo. Protagonizado por Jean-Pierre Léaud y Claire Maurier. Filme de producción francesa.

Afiches de A pleno sol, Cenizas y diamantes, El cartero siempre llama dos veces, Pretty Woman, Psicosis, El enemigo público, Pulp Fiction, Los cuatrocientos golpes

La chica de Bube (1963) de Luigi Comencini, drama sobre una joven que se enamora de otro joven de afiliación comunista, el que ha matado a un policía y por lo cual es condenado a 14 años de prisión. El filme muestra la fidelidad de la chica y cómo ella cree en la inocencia de su prometido. Protagonizado por Claudia Cardinales y George Chakiris. Filme de producción italo-francesa.

Toro salvaje (1980) de Martin Scorsese, drama sobre la vida del boxeador y campeón mundial Jake La Motta, sus problemas familiares y de matrimonio, y su violencia incluso fuera del ring. Protagonizado por Robert DeNiro, Joe Pesci y Cathy Moriarty. Filme de producción americana.

Rain Man (1988) de Barry Levinson, drama sobre la vida de un joven autista, quien hereda toda la fortuna de su padre, y tiene un hermano, pero ninguno de los dos lo sabe ni se conocen. El asunto de la herencia los hace encontrar y ahí comienza una relación interesante entre ambos. Protagonizado por Dustin Hoffman y Tom Cruise. Filme de producción americana.

Rashômon (1950) de Akira Kurosawa, drama sobre un asesinato ocurrido en Kyoto en el siglo XII, y cómo se tergiversan los hechos al ser contados por tres personas distintas. Protagonizado por Toshiro Mifune y Machiko Kyo entre otros. Filme de producción japonesa.

La ventana indiscreta (1954) de Alfred Hichtcock, suspense con adornos de comedia en algunos momentos sobre la vida de un hombre con una pierna fracturada y en reposo, que dedica el día a mirar por su ventana hasta descubrir a un supuesto criminal. Protagonizado por James Stewart, Grace Kelly, Thelma Ritter y Raymond Burr. Filme de producción americana.

Rebelde sin causa (1955) de Nicholas Ray, drama sobre tres jóvenes, cada uno de ellos con serios problemas a nivel familiar, los que al final se conocen y nace entre ellos una amistad profunda. Protagonizado por James Dean, Nathalie Wood y Sal Mineo. Filme de producción americana.

Richard III (1955) de Laurence Olivier, drama sobre la vida del monarca de referencia, las guerras en el siglo XV en Inglaterra, donde el deforme Ricardo juega un papel oscuro en todos esos eventos. Protagonizado por Laurence Olivier y Ralph Richardson. Filme de producción británica.

Rocco y sus hermanos (1960) de Luchino Visconti, drama sobre una familia del sur de Italia que emigra a Milán. Cada hermano busca y encuentra empleo, pero dos de ellos compiten por el amor de una prostituta. Protagonizado por Alain Delon, Renato Salvatori y Annie Girardot entre otros. Filme de producción italiana.

Afiches de La chica de Bube, Toro Salvaje, Rain Man, Rashomon, La ventana indiscreta, Rebelde sin causa, Richard III, Rocco y sus hermanos

Roma, ciudad abierta (1945) de Roberto Rossellini, drama sobre la Italia durante la II Guerra Mundial, donde un ingeniero comunista es perseguido por la Gestapo y encuentra cobjija en casa de un camarada que estaba por casarse con una viuda. En la causa participa un cura muy colaborativo con los guerrilleros que combaten a los nazis. Protagonizado por Anna Magnani, Aldo Fabrizi y Marcello Pagliero. Filme de producción italiana.

Vacaciones en Roma (1953) de William Wyler, comedia muy refrescante, agradable, con vistas excelentes de Roma, sobre una princesa que decide escapar del palacio donde están albergados y logra conocer Roma conjuntamente con un periodista americano, de cuya relación nace el amor. Protagonizado por Gregory Peck, Audrey Hepburn y Eddie Albert. Filme de producción americana.

Afiches de Roma ciudad abierta, Vacaciones en Roma, La hija de Ryan, Sabrina

La hija de Ryan (1970) de David Lean, drama sobre la historia de una joven que se encapricha en casarse con un hombre mucho más viejo que ella, lo que logra al final, pero que con el tiempo se da cuenta de su error, el cual le hace cometer otro más, este imperdonable para los habitantes de su pueblo, muy católico. Protagonizado por Sarah Miles, Robert Mitchum y Trevor Howard. Filme de producción británica.

Sabrina (1954) de Billy Wilder, comedia sobre un triángulo amoroso que se crea entre dos hermanos de familia muy pudiente y una joven encantadora, hija de un chofer, la que después de un viaje a París regresa cambiada y atrayente. Protagonizado por Humphrey Bogart, Audrey Hepburn y William Holden. Filme de producción americana.

Preparado por Esteban Hernández (7 marzo 2016)

Con esta la novena propuesta de  filmes.

Salvador (1986) de Oliver Stone, drama histórico sobre la guerra interna en Salvador en los años 80. Protagonizado por James Woods y James Belushi. Filme de producción americana.

El samurai (en España se le conoce como «El silencio de un hombre») (1967) de Jean-Pierre Melville, film de cine negro- crimen, donde se presenta a un asesino de sangre fría de nombre Jef Costello interpretado por Alain Delon. También protagonizado por Cathy Rosier y Nathalie Delon. Filme de producción francesa.

Sayonara (1957) de Joshua Logan, drama sobre la historia de un militar americano que se enamora de una mujer japonesa y la lucha del primero contra los prejuicios existentes en sus filas. Protagonizado por Marlon Brando, Miiko Taka y James Garner. Filme de producción americana.

La lista de Schindler (1993) de Steven Spielberg, drama histórico sobre cómo un hombre de negocios, Oskar Schindler, logra emplear a miles de prisioneros judíos en una fábrica en Cracovia. Protagonizado por Liam Neeson, Ralph Fiennes y Ben Kingsley. Filme de producción americana.

Seducida y abandonada (1964) de Pietro Germi, drama sobre las vicisitudes de una joven siciliana, la que es seducida y dejada encinta por un joven que ya tenía otro compromiso. Protagonizada por la muy joven entonces Stefania Sandrelli, Saro Urzi y Aldo Puglisi. Filme de producción italiana.

Mesas separadas (1958) de Delbert Mann, drama que describe la vida y los conflictos de varios huéspedes en un hotel, y cómo se puede llegar solventar esos problemas sentimentales que los agobian. Protagonizado por Deborah Kerr, David Niven, Burt Lancaster y Rita Hayworth. Filme de producción americana.

El sirviente (1963) de Joseph Losey, drama sobre la vida de un hombre opulento que toma a un sirviente, quien poco a poco se va adueñando de todo en la casa incluyendo la voluntad del dueño. Protagonizado por Dick Bogarde, Sarah Miles y James Fox. Filme de producción británica.

Las siete maravillas del mundo (1956) de Tay Garnett, documental sobre las maravillas del mundo antiguo, realizado en formato panorámico. Filme de producción americana. Lamentablemente de este filme no hay DVD en venta.

Afiches de Salvador, El samurái, Sayonara, La lista de schindler, Seducida y abandonada, Mesas Separadas, El sirviente, Las siete maravillas del mundo

El cielo protector (en italiano se traduce como “El té en el desierto”) (1990) de Bernardo Bertolucci, drama sobre el viaje a África de unos norteamericanos deseosos de aventuras en ambientes exóticos. Las aventuras son de todo tipo y algunas trágicas. Protagonizado por Debra Winger y John Malkovich. Filme de producción británica.

Los siete samuráis (1954) de Akira Kurosawa, filme épico en ambiente del siglo XVI en Japón cuando un número de campesinos estaban indefensos del ataque de forajidos, por lo que deciden hacerse de los servicios de un grupo de samuráis y así hacerle frente a estos ataques. Protagonizado por Toshiro Mifune, Takashi Shimura y Yoshio Inaba. Filme de producción japonesa.

El silencio de los corderos (1991) de Jonathan Demme, filme de crimen-suspense, sobre la relación entre una especialista de psicopatía la que interroga al criminal Hannibal Lecter, único que puede ayudar a detener a otro asesino buscado por el FBI. Protagonizado por Jodie Foster y Anthony Hopkins. Filme de producción americana.

La muerte se llama Engelchen (1963) de Jan Kadar, filme bélico en que un guerrillero herido y hospitalizado recuerda los combates y peripecias ocurridas durante la guerra, y de un criminal de apellido Engelchen. Protagonizado por Jan Kacer, Eva Poláková y Martin Ruzek. Filme de producción checoslovaca.

Nido de Víboras (1948) de Anatole Litvak, filme de misterio sobre una escritora que muestra síntomas de locura y es ingresada para tratamiento, lo que al final se traduce en el agravamiento de su estado mental. Protagonizada por Olivia De Havilland, Mark Stevens y Leo Genn. Filme de producción americana.

Las nieves de Kilimanjaro (1952) de Henry King, drama basado en la novela homónima del escritor Ernest Hemingway, que es parte de su autobiografía y sus andanzas en la España en guerra civil y luego en África. Protagonizado por Gregory Peck, Ava Gardner y Susan Hayward. Filme de producción americana.

Algunos prefieren quemarse (en España se titula “Con faldas y a lo loco”) (1959) de Billy Wilder, comedia sobre dos músicos que presencian la famosa matanza de San Valentine y que huyen para no ser descubiertos, por lo que deciden hacerse pasar como mujeres. Una comedia divertida desde el inicio hasta el final. Protagonizada por Tony Curtis, Marilyn Monroe y Jack Lemmon. Filme de producción americana.

Voces de muerte (1948) de Anatole Litvak, suspense-filme de crimen sobre una mujer hipocondriaca que se ve acosada continuamente con llamadas telefónicas en ausencia de su esposo. Protagonizado por Barbara Stanwyck y Burt Lancaster. Filme de producción americana.

Afiches de El cielo protector, Los siete samuráis, El silencio de los corderos, La muerte se llama Engelchen, Nido de víboras, Las nieves de kilimanjaro, Algunos prefieren quemarse, Voces de muerte

Espartaco (1960) de Stanley Kubrick, versión libre sobre la vida del famoso combatiente y líder de los gladiadores rebeldes y esclavos en la antigua Roma. Protagonizado por Kirk Douglas, Jean Simmons, Laurence Olivier, Tony Curtis, Charles Laughton, Peter Ustinov, Herbert Lom, John Ireland y John Gavin. Filme de producción americana

Ha nacido una estrella (1954) de George Cukor, drama sobre un artista adicto a la bebida, quien descubre a una nueva cantante, con la cual se casa. En la medida que ella avanza en sus éxitos, él decae por días. Protagonizado por Judy Garland y James Mason. Filme de producción americana.

Afiches de Espartaco, Ha nacido una estrella, Guerra de las Galaxias- una nueva esperanza, Un tranvía llamado deseo

La guerra de las galaxias, Episodio IV: Una nueva esperanza (1977) de George Lucas, filme de ciencia ficción sobre la reinstauración de una república en la galaxia, y que deben enfrentarse a fuerzas malignas opositoras. Esta película es parte de toda una serie de filmes que duran hasta nuestros días. Protagonizado por Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness y Peter Cushing. Filme de producción americana.

Un tranvía llamado deseo (1951) de Elia Kazan, drama basado en la novela homónima de Tennessee Williams y que versa sobre una pareja que recibe la visita de la hermana de la mujer, que padece de trastornos y con su actitud provoca serios problemas en el seno de la familia. Protagonizado por Marlon Brando, Vivien Leigh, Kim Hunter y Karl Malden. Filme de producción americana.

Preparado por Esteban Hernández (10 marzo de 2016)

Otra nueva propuesta de películas de calidad, de distintos géneros y de varios países.

Nipon tanjo o Los Tres Tesoros (1959) de Hiroshi Inagaki, film que es una verdadera leyenda sobre Japón, lleno de ficción y escenas mágicas. Protagonizada por Toshiro Mifune, Yoko Tsukasa y Akihiko Hirata. Filme de producción japonesa.

Un rayo de luz (1950) de Joseph L. Mankiewicz, drama sobre el racismo, donde un paciente blanco-preso común, se niega a ser atendido por un médico negro. Protagonizado por Richard Widmark, Sidney Poitier y Linda Darnell. Filme de producción americana.

Norma Rae (1979) de Martin Ritt, drama basado en hechos reales de una mujer que adquiere conciencia política y se convierte en una luchadora sindical. Protagonizado por Sally Field y Beau Bridges. Filme de producción americana.

No serás un extraño (1955) de Stanley Kramer, drama sobre la relación de un estudiante de medicina con su esposa, donde sus estudios priman ante todo lo demás. Por otro lado, su esposa se cierra en su mundo y no es capaz de conversar de sus problemas ni con sus amigos. Protagonizado por Robert Mitchum, Olivia De Havilland, Frank Sinatra, Broderick Crawford y Gloria Grahame. Filme de producción americana.

Encadenados (1946) de Alfred Hitchcock, drama-suspense sobre la persecución de un agente nazi, para lo cual un oficial americano encubierto entra en contacto con la hija de un oficial nazi condenado. Protagonizado por Cary Grant e Ingrid Bergman. Filme de producción americana.

El cuchillo en el agua (1962) de Roman Polanski, drama sobre una pareja que aborda su yate para un paseo, pero que se tropieza con un hombre más joven que el marido de la mujer, lo que finalmente deriva en celos y malentendidos. Protagonizado por Leon Niemczyk, Jolanta Umecka, Zygmunt Malanowicz. Filme de producción polaca.

Historia de una monja (1959) de William Wyler, drama una joven monja belga que es enviada en misión al Congo, pero que al llegar, ve que el hospital donde trabajará es solo para blancos. Protagonizado por Audrey Hepburn y Peter Finch. Filme de producción americana.

El fascismo cotidiano (1965) de Mikhail Romm, documental que analiza el desarrollo del fascismo y como se basa en métodos populistas, el efecto de los medios de propaganda y como un ser humano se convierte en una máquina de matar. Filme de producción soviética.

Afiches de Tres tesoros, Un rayo de luz, Norma Rae, No serás un extraño, Encadenados, El cuchillo en el agua, Historia de una monja y Fascismo cotidiano

Nido de ratas (en España se llama La ley del silencio) (1954) de Elia Kazan, drama sobre la corrupción de un sindicato portuario y cómo maneja a sus secuaces, muy parecido al de las mafias. Protagonizado por Marlon Brando, Lee J. Cobb, Karl Malden y Eva Marie Saint. Filme de producción americana.

Érase una vez en América (1984) de Sergio Leone, drama-film de crimen sobre la asociación de dos jóvenes judíos que prosperan y erigen todo un imperio mafioso. Protagonizado por Robert De Niro, James Woods, Joe Pesci, Danny Aiello y Elizabeth McGovern. Filme de producción americana.

Liberación (o La Batalla de Berlín) (1969) de Yuri Ozerov y Julius Kun, film bélico en cinco partes que aborda la guerra de la URSS contra Alemania y sus principales batallas hasta llegar a la toma de Berlín. Protagonizado por Vladimir Samojlov, Jan Englert, Fritz Diez, Barbara Bryslká. Filme de producción soviética.

Nuestro hombre en La Habana (1959) de Carol Reed, comedia sobre un comerciante inglés en la Habana que es reclutado como agente del servicio británico y que viendo que no daba la talla en esa función, se inventaba los informes a sus superiores. Protagonizado por Alec Guinness y Maureen O’Hara. En la pelí aparecen escenas con Enrique Almirante como una especie de gigoló cubano. Filme de producción británica.

África mía (En España Memorias de África) (1985) de Sydney Pollack, drama sobre la vida de una pareja europea que se establece en Kenya, donde el matrimonio se desintegra debido a la infidelidad del marido y al amor de su mujer por otro hombre más romántico. Protagonizado por Meryl Streep, Robert Redford y Klaus María Brandauer. Filme de producción americana.

Retorno al pasado (1947) de Jacques Tourneur, filme de cine negro, que aborda la vida de un hombre que decide vivir en paz, pero que un buen día recibe la visita de un ente que le ordena ir a ver su anterior jefe. Protagonizado por Robert Mitchum, Jane Greer y Kirk Douglas. Filme de producción americana.

Los paraguas de Cherburgo (1964) de Jacques Demy, musical sobre una historia de amor en Cherburgo. Protagonizado por Catherine Deneuve y Anne Vernon. Filme de producción francesa.

Philadelphia (1993) de Jonathan Demme, drama sobre la discriminación con aquellos que enferman de SIDA, lo cual deriva en una demanda judicial. Protagonizado por Tom Hanks, Denzel Washington y Antonio Banderas. Filme de producción americana.

Afiches de Nido de ratas, Érase una vez en América, Liberación, Nuestro hombre en la Habana, Memorias de África, Retorno al pasado, Los paraguas de Cherburgo, y Philadelphia

El pianista (2002) de Roman Polanski, drama sobre la barbarie nazi con los judíos en la Varsovia ocupada, donde uno de los perseguidos huye y se mantiene escondido hasta el final de la guerra en Polonia. Protagonizado por Adrien Brody y Thomas Kretschmann. Filme de producción británica.

Picnic (1955) de Joshua Logan, drama sobre una joven de familia pobre que su madre se empeña en casarla con un joven de familia adinerada. El compromiso se rompe con la llegada de un aventurero del cual la joven se enamora. Protagonizado por William Holden, Kim Novak y Cliff Robertson. Filme de producción americana.

Afiches de El Pianista, Picnic, Ambiciones que matan, y Platoon

Ambiciones que matan (En España Un lugar en el Sol) (1951) de George Stevens, drama con trama de la segunda parte de la obra “Una tragedia americana” del escritor Theodore Dreiser, que versa sobre la vida de un joven, George Eastman que logra empleo en la fábrica de su tío, Charles Eastman, pero donde conoce a una obrera con la que establece relaciones, las que se rompen cuando conoce a su prima, de la que se enamora. Filme de producción americana.

Platoon (1986) de Oliver Stone, film bélico que se desarrolla durante la guerra en Vietnam y que relata la vida de un soldado, el que sufre de la guerra y de la crueldad de algunos de sus superiores y compañeros. Protagonizada por Tom Berenger, Charlie Sheen y Willen Dafoe. Filme de producción americana.

Preparado por Esteban Hernández (3 marzo de 2016)

Esta es la séptima propuesta de filmes para ver:

Lawrence de Arabia (1962) de David Lean, drama biográfico sobre la vida de un oficial británico, T.E. Lawrence interpretado por Peter O’Toole, además de su amigo árabe Sherif Alí encarnado por Omar Sharif en una campaña de de apoyo a los árabes contra la ocupación otomana. A Lawrence los locales lo llegaron a adorar. Co-protagonizan Anthony Quinn, Alec Guinness, Claude Rains, Arthur Kennedy y José Ferrer. Filme de producción británica.

Pequeño Gran Hombre (1970) de Arthur Penn, drama sobre la vida de un anciano que sobrevivió la matanza de indios del General Custer, que a su vez fue siempre un defensor de la causa de los verdaderos dueños de las tierras de Norteamérica. Protagonizado por Dustin Hoffman, Faye Dunaway y Martin Balsam. Filme de producción americana.

Hampa Dorada (1931) de Mervyn LeRoy, film de crimen sobre un poderoso jefe mafioso, de nombre Rico (probablemente Al Capone), donde se pone de relieve las formas utilizadas para asesinar y para poder dominar todo el ambiente político y económico. Protagonizado por Edward G. Robinson y Douglas Fairbanks Jr. Filme de producción americana.

La ley del sobreviente (1967) de José Giovanni, película de crimen-suspense, cuya trama se desarrolla en Córcega, donde un aventurero se enamora de una dama de un pasado nada claro y relacionado con supuestos elementos mafiosos, que en realidad había sido una red de resistencia durante la II Guerra Mundial. Protagonizada por Michel Constantin y Alexandra Stewart. Filme de producción francesa.

El loco del pelo rojo (1956) de Vincente Minnelli, drama biográfico sobre la vida del pintor Van Gogh interpretado por Kirk Douglas, además de Anthony Quinn. Filme de producción americana.

El hombre del brazo de Oro (1955) de Otto Preminger, drama sobre un hombre que sale de la cárcel, había dejado el vicio de la droga y trata, a través de su arte, de abrirse paso en la sociedad que lo discrimina. Protagonizado por Frank Sinatra, Eleanor Parker y Kim Novak. Filme de producción americana.

El Halcón Maltés (1941) de John Huston, film negro sobre el destino de una estatuilla que la Orden de Malta había regalado a Carlos I, pero nunca llegó a su destino por el robo cometido por algunos piratas. Cuatro siglos después se trata de conocer dónde estaba la estatuilla, la que al parecer había pasado de manos en manos. Protagonizado por Humphrey Bogart, Mary Astor, Sidney Greenstreet y Peter Lorre. Filme de producción americana.

Mandabi (1968) de Ousmane Sembene, drama llamado en español “El giro”, sobre las peripecias en el envío de un dinero de un extracomunitario senegalés que trabaja en París. El dinero llega a Senegal pero nunca va a manos de sus destinatarios. Protagonizado por Makhouredia Gueye e Ynousse N’Diaye. Filme de producción senegalesa.

El marqués del Grillo (1981) de Mario Monicelli, comedia sobre los placeres mundanos del marqués de referencia durante parte del siglo XIX. Protagonizado por Alberto Sordi y el mismo Mario Monicelli. Filme de producción italiana.

Máscara (1985) de Peter Bogdanovich, drama sobre la vida de una madre drogadicta que tiene un hijo con un rostro realmente horrible, el que trata de sobrevivir en un medio que le resulta adverso por mucha gente rechazar relacionarse con él. Protagonizado por Cher, Eric Stoltz y Sam Elliott. Filme de producción americana.

Matrimonio a a la italiana (1964) de Vittorio De Sica, drama sobre la vida de una prostituta napolitana, Filomena Maturano, quien de alguna forma enlaza su vida con el pudiente Doménico Soriano. Protagonizado por Sofía Loren y Marcello Mastroianni. Filme de producción italiana.

Cowboy de medianoche (1969) de John Schlesinger, excelente drama de un tejano llegado a Nueva York que se junta con un buscavida discapacitado, quien le muestra al fornido cowboy que la ciudad que él soñaba no existe. Protagonizado por Jon Voight y Dustin Hoffman. Filme de producción americana.

Desaparecido (1982) de Costa Gavras, drama sobre un joven desaparecido americano durante el golpe de Augusto Pinochet en Chile. El filme muestra la confabulación americana en el golpe y las nefastas consecuencias del mismo sobre muchos perseguidos injustamente. Protagonizado por Jack Lemmon y Sissy Spacek. Filme de producción americana.

La misión (1986) de Roland Joffé, drama histórico sobre una misión Jesuita en las cataratas de Iguazú en el siglo XVIII que defiende el derecho de los indígenas del lugar. Protagonizado por Robert DeNiro, Jeremy Irons y el entonces joven Liam Neeson. Filme de producción británica.

Arde Mississippi (1988) de Alan Parker, film que se desarrolla en un pueblo del sur de EEUU, donde el KKK hace de las suyas cometiendo crimenes en pro de preservar el racismo existente, y al cual se enfrentan unos agentes federales. Protagonizado por Gene Hackman y Willen Dafoe. Filme de producción americana.

Tiempos Modernos (1936) dirigido y protagonizado por Charles Chaplin, comedia sobre el desarrollo tecnológico y como un hombre pierde la razón, es hospitalizado, luego ya curado participa en una manifestación y es encarcelado, así sucesivamente, una continua lucha por la sobrevivencia y por hacer el bien. Protagonizado también por Paulette Godard. Filme de producción americana.

Afiches de El loco del pelo rojo, Máscara, Matrimonio a la italiana, Cowboy de medianoche, Desaparecido, La misión, Arde Mississippi, Tiempos Modernos

Monster’s ball (2001) de Marc Foster, drama de cómo un hombre educado en las peores tradiciones conservadoras, logra evadir esas ideas a la vez que se enamora de una bella joven afroamericana. Protagonizado por Billy Bob Thornton y Halle Berry. Filme de producción americana.

Asesinato en el Orient Express (1974) de Sidney Lumet, film de crimen basado en una novela de Agatha Christie, donde un asesinato cometido sobre el tren que viaje al lejano Oriente es investigado por el siempre eficiente inspector Hercules Poirot. El reparto del filme es impresionante, con Vanessa Redgrave, Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Anthony Perkins, Jacqueline Bisset, Richard Widmark, Sean Connery, John Gielgud, Martin Balsam, y Albert Finney en el papel de inspector Poirot. Filme de producción americana.

La Caja de Música (1989) de Costa Gavras, drama sobre la vida de una familia húngara emigrante en EEUU, a quien se le acusa de ser criminal de la II Guerra Mundial, y que su hija, convencida de su inocencia, decide como abogada defender. Protagonizado por Jessica Lange y Armin Mueller-Stahl. Filme de producción americana.

Mi pie izquierdo (1989) de Jim Sheridan, drama autobiográfico sobre cómo el pintor y escritor irlandés Christy Brown, afectado de parálisis cerebral, logró, con el apoyo de su madre, imponerse para así poder realmente integrarse a la sociedad. Protagonizado por Daniel Day-Lewis, Brenda Fricker y Ray McAnally. Filme de producción irlandesa.

Afiches de Monster’s ball, Asesinato en el Orient Express, La Caja de Música, Mi Pie Izquierdo

Preparado por Esteban Hernández (25 febrero de 2016)

Esta es la sexta propuesta, con lo cual se han llegado a sugerir 120 filmes, muchos de ellos de nacionalidades distintas a la americana. La sugerencia lleva implícita la calidad de la trama de cada película.

La herencia del viento (1960) de Stanley Kramer, drama en un pueblo del estado de Tenessee sobre la disputa entre un abogado y un ultraconservador, ambos profesores, uno a favor de la teoría de la evolución y el otro aferrado a las leyendas. Con Spencer Tracy y Frederich March. Film de producción norteamericana.

En el calor de la noche (1967) de Norman Jewison, drama-film de crimen, sobre cómo la odisea de un agente federal negro en una investigación criminal y todos los obstáculos que se interponen para llegar a la verdad. Con Sidney Poitier y Rod Steiger. Filme de producción norteamericana.

Irma la Dulce (1963) de Billy Wilder, comedia sobre el amor de un hombre por una mujer de diversión, por la que deja todo a cambio de su amor. Con Jack Lemmon y Shirley MacLaine. Filme de producción norteamericana.

Qué bello es vivir! (1946) de Frank Capra, drama con buena dosis de fantasía, sobre un hombre que en medio de la desgracia le llega su salvación. Con James Stewart, Donna Reed y Lionel Barrymore. Filme de producción norteamericana.

Juana de Arco (1948) de Victor Fleming, historia sobre la famosa heroína de la Guerra de los 100 años entre Inglaterra y Francia. Con Ingrid Bergman, José Ferrer y Ward Bond. Filme de producción norteamericana.

Johnny Belinda (1948) de Jean Negulesco, drama sobre la vida de una sorda, considerada igualmente como tonta, la que logra rebasar los prejuicios existentes gracias a la ayuda del médico del pueblo. Con Jane Wyman, Lew Ayres y Charles Bickford. Filme de producción norteamericana.

Johnny Guitar (1954) de Nicholas Ray, oeste-drama sobre la relación sentimental de una mujer de fuerte carácter con un avezado vaquero, y las dificultades por las que atraviesa ese romance. Con Joan Crawford, Sterling Hayden, Scott Brady y Mercedes McCambridge. Filme de producción norteamericana.

Juana la Loca (2001) de Vicente Aranda, sobre las peripecias del matrimonio de Juana, hija de Isabel y Fernando, reyes católicos de España, con Felipe el Hermoso. Con Pilar López de Ayala y Daniele Liotti. Filme de producción española.

Afiches de La herencia del viento, En el calor de la noche, Irma la dulce, Qué bello es vivir!, Juana de Arco, Johnny Belinda, Johnny Guitar, Juana la Loca

¿Vencedores o vencidos? (El juicio de Nuremberg) (1961) de Stanley Kramer, drama histórico sobre el juicio a connotados criminales del régimen nazi. Con Spencer Tracy, Burt Lancaster, Marlene Dietrich, Judy Garland, Maximilian Schell, Montgomery Clift, Richard Widmark y William Shatner. Filme de producción norteamericana.

Julia (1977) de Fred Zinnemann, drama sobre la amistad entre una famosa escritora judío-americana y otra norteamericana, que coinciden en el torbellino del inicio de la II Guerra Mundial. Con Jane Fonda, Vanessa Redgrave, Jason Robard y el casi debut en el cine de Meryl Streep. Filme de producción norteamericana.

El manantial de la doncella (1960) (En Cuba le llamaron La Fuente de la Virgen) de Ingmar Bergman, drama ambientado en la Suecia del siglo XIV sobre la tragedia de una doncella que se encaminaba a realizar ofrenda de velas en el altar de la Virgen. Con Max Von Sydow y Birgitta Valberg. Filme de producción sueca.

Kapò (1959) de Gillo Pontecorvo, drama sobre cómo una prisionera judía logra sobrevivir en un campo de concentración y se presta a servir a sus carceleros alemanes. Con Susan Strasberg y Laurent Terzieff. Filme de co-producción italo-francesa.

Cayo Largo (1948) de John Huston, film de crimen-cine negro sobre la huída de un grupo mafioso que se encaminaba a Cuba a través de la Florida. Con Humphrey Bogart, Edward G. Robinson, Lauren Bacall, Lionel Barrymore y Claire Trevor. Filme de producción norteamericana.

Kid Galahad (1937) de Michael Curtiz protagonizada por Edward G. Robinson, Bette Davis y Humphrey Bogart, con trama sobre los negocios sucios en el boxeo profesional. Filme de producción norteamericana.

Forajidos (1947) de Robert Siodmak, filme de cine negro-crimen, sobre las dificultades de un ex soldado de la II Guerra Mundial para encontrar empleo y reincorporarse a la vida civil. Protagonizado por Burt Lancaster, Ava Gardner y Edmond O’Brien. Filme de producción norteamericana.

A Köszívü ember fiai (1965) (Los hijos del hombre de corazón de piedra) de Zoltán Várkonyi, drama histórico, con trama basada en la novela del escritor Mor Jokai, que describe la lucha de una familia durante la revolución de 1848 contra el imperio de los Habsburgo en Hungría. Protagonizado por Mária Sulyok, Vera Szemere y Tibor Bitskey. Filme de producción húngara, existe versión en DVD subtitulada en inglés, pero se puede ver en línea subtitulado en español.

Afiches de Vencidos o Vencedores, Julia, El Manantial de la Doncella, Kapò, Cayo Largo, Kid Galahad, Forajidos, Los hijos del hombre de corazón de piedra

Kramer contra Kramer (1979) de Robert Benton, drama sobre la vida de un hombre, cuya esposa le abandona y lo deja al cuidado igualmente de su único hijo, por lo que al final él se convierte en padre y madre a la vez. Protagonizado por Dustin Hoffman, Meryl Streep, Jane Alexander y JoBeth Williams. Filme de producción norteamericana.

L.A. Confidential (1997) de Curtis Hanson, filme de cine negro-crimen, que aborda una interesante trama en el mundo del cine, que atrapa a tres agentes de policía, los que giran alrededor de una connotada actriz. Protagonizado por Guy Pearce, Kim Basinger, Russell Crowe, Kevin Spacey y Danny DeVito. Filme de producción norteamericana.

Afiches de Kramer contra Kramer, L.A. Confidential, Ladrón de bicicletas, El último emperador

Ladrón de bicicletas (1948) de Vittorio De Sica, drama en la Italia de pos-guerra, cuando un hombre le roban la bicicleta, medio importante para ganarse la vida, la que trata de recuperar precisamente para sobrevivir. Protagonizado por Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola y Lianella Carell. Filme de producción italiana

El último emperador (1987) de Bernardo Bertolucci, drama sobre la vida de Pu Yi, el niño que sería el último emperador de China, el que sufre las vicisitudes del dominio Manchú, luego la ocupación japonesa hasta la llegada de los comunistas al poder en 1949. Protagonizado por John Lone, Peter O’Toole y Joan Chen. Filme de producción británica.

Preparado por Esteban Hernández

Hoy es viernes 12 de febrero de 2016, aquí les va la quinta propuesta de filmes para ver.

Una jornada particular (1977) de Ettore Scola, drama sobre la visita de Hitler a Italia en mayo de 1938, donde una vecina conoce a otro perseguido por las fuerzas de represión de Mussolini debido a su inclinación sexual. Protagonizado por Sofía Loren y Marcello Mastroianni. Film de producción italiana.

El Gladiador (2000) de Ridley Scott, drama sobre un alto oficial del imperio que por razones adversas se tiene que convertir en gladiador para luego lidiar directamente con aquel que lo llevó a la tragedia. Protagonizado por Russell Crowe y Joaquin Phoenyx. Film de producción norteamericana.

La pequeña tierra de Dios (1958) de Anthony Mann, drama basado en la novela homónima de Erskine Caldwell sobre un campesino que diariamente les habla a sus hijos de un tesoro escondido. Protagonizado por Robert Ryan y Aldo Ray. Film de producción norteamericana.

El padrino (1972) de Francis Ford Coppola, drama-film de crimen basado en la novela de Mario Puzo sobre la vida de una familia poderosa mafiosa instalada en Nueva York. Protagonizado por Marlon Brando, Al Pacino y James Caan. Film de producción norteamericana.

El padrino: Parte II (1974) de Francis Ford Coppola, secuela de la primera parte que continúa con la historia de la familia mafiosa una vez su jefe inicial muere. Protagonizado por Al Pacino y Diane Keaton. Film de producción norteamericana.

Lo que el viento se llevó (1939) de Victor Fleming, primer filme a colores que narra la vida de la pareja Scarlett O’Hara y el apuesto Rhett Butler durante la guerra de secesión. Protagonizado por Clark Gable, Vivien Leigh, Olivia de Havilland y Leslie Howard. Film de producción norteamericana.

Uno de los nuestros (1990) de Martin Scorsese, drama sobre la vida de los mafiosos y cómo uno de ellos comienza a trabajar para la policía en calidad de informante. Protagonizado por Ray Liotta, Robert De Niro y Joe Pesci. Film de producción norteamericana.

Gorilas en la niebla (1988) de Michael Apted , drama sobre la vida de Diana Fossey, que se convierte en defensora de la vida de los gorilas en la reserva del norte de Ruanda. Protagonizado por Sigourney Weaver. Film de producción norteamericana.

Afiches de Una Jornada Particular, El Gladiador, La Pequeña Tierra de Dios, Lo que el viento se llevó, El Padrino I y II, Uno de los Nuestros, Gorilas en la niebla

El graduado (1967) de Mike Nichols, sobre la relación de un joven estudiante con una dama que lo convierte en su amante. Protagonizado por Dustin Hoffman y Anne Bancroft. Film de producción norteamericana.

El gran dictador (1940) de Charles Chaplin, comedia que ilustra a un dictador, en este caso Adolfo Hitler, y se burla de sus sueños y forma de actuar. Protagonizada por Charles Chaplin y Paulette Goddard. Filme de producción norteamericana.

La gran esperanza blanca (1970) de Martin Ritt, drama sobre la vida de Jack Jefferson, el primer púgil negro que gana el título mundial de los pesos pesados, y su vida y vicisitudes al lado de su mujer blanca. Protagonizado por James Earl Jones y Jane Alexander. Filme de producción norteamericana.

La milla verde (1999) de Frank Darabont, drama carcelario en plena depresión en EEUU, con un presidiario dotado de fuerza para curar y predecir fenómenos adversos, con Tom Hanks y Michael Clark Duncan. Filme de producción norteamericana.

Más dura sera la caída (1956) de Mark Robson, drama que asemeja algo la vida del boxeador italiano Primo Carnera y las malas prácticas de los magnates del boxeo en EEUU. Protagonizado por Humphrey Bogart y Rod Steiger. Filme de producción norteamericana.

Sólo Dios lo sabe (1957) de John Huston, film bélico-drama sobre un marine y una monja atrapados en una pequeña isla del Pacífico ocupada por las tropas japonesas. Protagonizado por Deborah Kerr y Robert Mitchum. Filme de producción norteamericana.

La heredera (1949) de William Wyler, drama sobre la relación de una mujer adinerada enamorada de un hombre más joven que ella, a cuya relación su padre se opone. Protagonizado por Olivia de Havilland y Montgomery Clift. Filme de producción norteamericana.

Un Hombre (1967) de Martin Ritt, drama sobre un hombre criado por los indios, a los que él respeta y que hereda una casa, para lo cual debe trasladarse en una diligencia, donde se ve la variedad de personajes e ideas existentes en EEUU y su carácter discriminatorio con  los indios. Protagonizado por Paul Newman y Fredrich March. Filme de producción norteamericana.

Un hombre y una mujer (1966) de Claude Lelouch, drama sobre las relaciones de dos viudos, cada uno con sus prejuicios y recuerdos, donde al final triunfa el amor. Protagonizado por Anouk Aimée y Jean-Louis Tringtigant con excelente tema musical (soundtrack). Filme de producción francesa.

La casa de los espíritus (1993) de Bille August, drama con guión adaptado de la novela homónima de Laura Allende, donde se muestra la vida de una familia rica chilena y sus vivencias en los acontecimientos del país hasta el fatídico golpe de estado al presidente Salvador Allende. Filme de producción norteamericana.

¡Quiero vivir! (1958) de Robert Wise, drama trágico de cómo dos reos se salen con la suya y descargan sus culpas sobre otra persona supuesta delatora de los anteriores. Con Susan Hayward y Simon Oakland. Filme de producción norteamericana.

Indochina (1992) de Régis Wargnier, drama romántico que tiene por escenario el entonces cambiante Vietnam desde la ocupación colonial francesa hasta su completa liberación. Con Catherine Deneuve y Vincent Pérez. Filme de producción francesa.

Afiches de Un Hombre y Una Mujer, La casa de los espíritus, ¡Quiero vivir!, Indochina

Preparado por Esteban Hernández

“Una nación no debe juzgarse por cómo trata
a sus ciudadanos con mejor posición,
sino por cómo trata a los que tienen poco o nada”.
Nelson Mandela

No son muchos los actores o actrices latinos que han logrado llegar a actuar en la meca del cine de Hollywood. México ha sido el país que mayores exponentes ha tenido. En muchos filmes hemos visto a actuar a Pedro Armendáriz padre en papeles secundarios, a Arturo de Córdoba protagonizando filme al lado de la experimentada Joan Fontaine, a Dolores del Río en los más variados, así como a Ricardo Montalbán y a Gilbert Roland en muchos filmes del oeste o de aventuras.

Puerto Rico ha tenido como su gran exponente a José Ferrer, hombre que es recordado por sus actuaciones en los filmes “Cyrano de Bergerac (1950)”, donde interpreta el papel principal, o en “El motín del Caine (1954)”, encarnando al teniente-fiscal Barney Greenwald en el juicio que se le hace al capitán y a los tripulantes de esa nave de guerra.

De otras nacionalidades, puede haberlos, pero no son muy conocidos o no han interpretado papeles incluso secundarios de importancia.

En lo referido a los cubanos, repasando un poco, sólo vemos al santiaguero Desi Arnaz (se llama Desiderio Alberto Arnaz y De Acha), quien actuó en 24 filmes entre 1940 y 1982. Su fama se debió cuando se casó con la famosa actriz Lucille Ball y juntos comenzaron a actuar en show. Desi salió a los 16 años de Cuba junto a sus padres, obligados por las circunstancias. Batista había dado su primer golpe de estado en 1933 y al padre de Desi le quitaron todas sus propiedades y fue llevado a prisión, de la cual pudo salir debido a que las autoridades norteamericanas intercedieron en su favor. Al llegar a los EEUU, se vio obligado a hacer trabajos de todo tipo. Se ganó la vida primeramente limpiando jaulas de canarios. No obstante, como era músico, logró formar su propia banda y luego fue contratado por Xavier Cugat, considerado entonces el rey de la música latina en EEUU., músico de origen catalán. Desi no estuvo mucho tiempo con él, volvió a crear su banda, muy famosa por sonar la conga con mucho ritmo en EEUU. Tuvo la suerte de ser contratado para actuar en una de las obras musicales de Broadway, que se titulaba “Too many girls” (Demasiadas chicas), que tuvo mucho éxito, por lo que fue después contratado por Hollywood para llevar la obra musical al cine con el mismo nombre en 1940. Fue entonces que conoció a la comediante Lucille Ball, con la cual se casó y finalmente, en 1951 lanzaron el famoso show “Te quiero, Lucy”, el que duró hasta 1957, fecha en la que se divorciaron. De hecho, Desi fue una figura destacada de la TV y no propiamente del cine. Su hijo Desi Arnaz Jr. si incursionó en el mundo del cine. Desi murió de complicaciones pulmonares en 1986.

Desi Arnaz. Foto: Doctormacro.com

Pasaron años para que se viera a un cubano en pantalla de filmes norteamericanos. El año 1983 fue el agraciado cuando el habanero Andy García (nombre completo Andrés Arturo García Menéndez) debutó en papel de reparto de la comedia “Blue skies again” del director Richard Michaels. Andy había salido de Cuba muy niño- realmente no pudo conocer el país que le vio nacer- con su familia contraria al proceso iniciado en 1959 en Cuba. Su padre era abogado y su madre, maestra de inglés. Como actor comenzó a destacarse en obras de su escuela superior en Miami Beach, y de ahí estudió interpretación dramática en la Universidad Internacional de Florida. Por su labor durante más de 4 décadas en el cine, Andy puede ser considerado el mejor actor cubano en Hollywood de todos los tiempos. Una característica principal de Andy es la privacidad en su vida y la de su familia.

Andy García Foto S_Bukley

Hay una actriz cubana, nacida en Cienfuegos, Cuba, que conste, pero cuya niñez transcurrió todo el tiempo en Venezuela y llegó a ser Miss Universo Teenager (adolescente) en 1971 después de haber sido ganadora de Miss Venezuela. Me refiero a la bella María Conchita Alonso, quien debutó en el cine protagonizando el film de acción-aventura de producción Italo-Dominicano-Mexicano “Savana-Sesso e Diamanti (1978)” del director Guido Leoni. María Conchita se mantuvo inicialmente actuando en filmes latinoamericanos, y en 1984 debutó en Hollywood, en la comedia-drama “Un ruso en Nueva York”. Su labor no ha sido sólo en cine, sino que también ha actuado con éxito en Broadway.

María Conchita Alonso

El otro cubano, cuyo despegue fue muy prometedor en el cine, fue Steven Bauer, cuyo nombre real es Esteban Ernesto Echevarría, igualmente habanero como Andy García, e hijo de maestra y padre, piloto de Cubana de Aviación. Steven adoptó el Bauer como apellido de su abuelo por línea materna, el cual era judío refugiado de Alemania y se apellidaba Bauer. Inicialmente quiso ser músico, pero luego cambió de idea. Estudió interpretación un colegio de Miami-Dade, luego pasó al Departamento de Artes Teatrales de la Universidad de Miami, y en 1980 se trasladó a Nueva York para continuar sus estudios de interpretación bajo la guía de Stella Adler. Su debut en cine fue en el film de crimen “El precio del poder (1983)” del director Brian De Palma protagonizado por Al Pacino (Cara cortada) y Michelle Pfeiffer. La actuación de Bauer como Manolo Ribera fue realmente convincente.

Steven Bauer en «El Precio del Poder»

Bauer luego protagonizó un drama-suspense “Ladrón de pasiones (1984)” de Douglas Day Stewart, donde nuevamente su actuación fue bien acogida. Para la TV protagonizó el film de acción “La espada de Gedeón (1986)” de Michael Anderson, donde interpreta el papel de un oficial joven israelí, a quien se le encomienda ajusticiar a todos aquellos palestinos implicados en la masacre de los deportistas israelís en los Juegos Olímpicos de Munich (1972). Sus actuaciones ocasionalmente pasan inadvertidas, son más bien en papeles de reparto y más que todo en películas de acción y crimen.

Ya hemos hablado anteriormente del reciente debut de la cubana Ana de Armas, y buscando no encuentro a otro actor o actriz cubana en el mundo del cine hollywoodense. También recientemente han tomado auge las actuaciones del actor cubano William Levy (William Gutiérrez Levy), quien por su segundo apellido se sabe que tiene ascendencia judía. William inicialmente se destacó en filmes y seriales para la TV y a partir del 2014 actúa en cine.

Daisy Fuentes nació en La Habana en 1966, y a los tres años abandonó Cuba junto con su familia. Vivió en España y luego en varias ciudades de los Estados Unidos. Actualmente radica en Nueva Jersey. Ha tenido una actuación en cine, la comedia-film de crimen “Tú asesina, que nosotros limpiamos la sangre (1996)” del director Reb Braddock, pero si ha actuado asiduamente en seriales para la TV americana desde 1983.

Actrices y actor cubanos, Daisy Fuentes, William Levy y Danay García

Danay García (Danay Aguilar García) es nacida en 1984 y criada también en la Habana. De Cuba salió en 2003 por vía ilegal. Danay estudiaba ballet en Cuba y fue entrenada incluso por el equipo del Teatro Bolshoi de Moscú. Debutó como actriz de cine en 2006 y hasta ahora ha actuado en 16 filmes. Actualmente radica en Los Ángeles.

No obstante, sí hay actores y actrices de origen cubano, pero algunos suelen ser confundidos. Es el caso de la familia de los Estevez, más conocidos como los Sheen. De ellos el más viejo es Martin Sheen (nombre real Ramón Antonio Gerard Estevez), padre de Charlie Sheen, Emilio Estevez, Renée Estevez y Ramón Estevez. Ellos no son cubanos, el padre de Martin, Francisco Estevez, era un inspector de maquinaria de fábricas, oriundo de Galicia, España, mientras que su madre era irlandesa. Todos los Sheen-Estevez nacieron en EEUU y se suele a veces confundir con que ellos sean cubanos o sus ancestros, debido a que Francisco trabajó en Cuba en algún momento.

Un actor que toda su vida dijo ser nieto del patriota cubano José Martí fue César Romero. César era hijo del comerciante cubano César Julio Romero y de la cantante, igualmente cubana, María Mantilla, de quien siempre se especuló que era hija de José Martí. Realmente no existe ninguna evidencia que confirme que Martí era su abuelo y a su vez padre de María, quien muy lejos de lo que siempre su hijo César dijo, negó toda posibilidad de que José Martí fuera su padre. César en la búsqueda de fama, nunca se cansó de afirmar lo contrario. Varios estudiosos de Martí han negado rotundamente la afirmación de César, destacado actor en una carrera que duró de 1933 a 1994, actuando en 202 filmes. César fue uno de los famosos Latin lovers de Hollywood, compitiendo con otros como los mexicanos Ricardo Montalbán y Gilbert Roland, luego interpretó el papel del justiciero Cisco Kid, el malvado Joker en una película de Batman de 1966, Lucky Luciano en 1964, el malvado Esteban de la Cruz en el serial del Zorro de 1959, y otros papeles más.

César Romero con Carmen Miranda (der.) y John Payne con Alice Faye (izq) Foto: Doctormacro.com

El otro actor de origen cubano es Mel Ferrer (Melchor Gastón Ferrer), de madre neoyorkina y padre cubano, cirujano de profesión. Ferrer se inició en el cine protagonizando el film sobre racismo “El color de la sangre (1949)”, luego co-protagonizó con Leslie Caron, la comedia-musical “Lili (1953)” del director Charles Walters, interpretó el papel del Príncipe Andrei Bolkonsky en el film “Guerra y Paz (1956)” de King Vidor, donde también actuaron Henry Fonda y Audrey Hepburn, quien ya en ese momento era su esposa y con la cual estuvo casado hasta 1967. Actuaciones relevantes Ferrer tuvo en el drama “El mundo, la carne y el diablo (1959)” del director Ranald MacDougall, con Harry Belafonte e Inger Stevens, película que nuevamente toca el tema del racismo, así como en el formidable “El diablo y los 10 mandamientos (1962)” de Julien Duvivier. Ferrer fue igualmente un buen director, entre sus realizaciones están “Furia secreta (1950)” protagonizado por Claudette Colbert, así como a su entonces esposa Audrey Hepburn en “Mansiones Verdes (1959)” y “Sola en la oscuridad (1967)”.

Mel Ferrer con Audrey Hepburn en «Guerra y Paz (1956)». Foto: Doctormacro.com

En estos momentos el número de actores/actrices con ascendencia cubana es grande y personalmente pienso que seguirá creciendo en la misma medida que avance el actual éxodo de cubanos hacia EEUU.

Dos actrices son actualmente muy reconocidas, la primera es Cameron Díaz (Cameron Michelle Díaz), natural de San Diego, EEUU, hija de padre cubano y madre que es una mezcla de sajones variados. Ella no habla español, nunca ha ido a Cuba, aunque en la Isla están esperando por su visita. Cameron más de dos décadas en el cine y debutó en la comedia “La máscara (1994)” de Charles Russell y actuando conjuntamente con el comediante Jim Carrey.

Cameron Díaz Foto: Nancy Kaszerman

La otra actriz destacada es la exuberante Eva Mendes, nacida en Miami, pero criada en California, que debutó en cine en 1998. Ha tenido actuaciones sobresalientes al lado de actores afroamericanos como Will Smith y Denzel Washington.

Eva Mendes

Actualmente hay más de dos decenas de actores/actrices de origen cubano en Hollywood. Entre esos nombres están:

Laz Alonso es nacido en Washington DC, hijo de padres cubanos, quien además es graduado de la Universidad Howard en Comercio y especializado en mercadotecnia. Laz se hizo famoso con su actuación en el filme “Avatar (2009)” al interpretar el papel del combativo Tsu’tey.

Odette Annable nació en Los Ángeles, y se distingue por dominar el español muy bien. Ella afirma que esa es su primera lengua. Odette es de madre cubana y padre nacido en Colombia. En ocasiones ha sido acreditada como Odette Yustman. Ella ha sido asidua actriz en filmes y seriales para la TV. En cine su papel más destacado fue en el filme de acción “Monstruoso (2008)” del director Matt Reeves.

María Canals-Barrera es nacida en Miami, de padres cubanos. Se ha hecho famosa por sus actuaciones en “Los magos de Waverly Place (2007)”, “La Liga de la Justicia (2001)” y “Camp Rock (2008)”.

Bobby Cannavale, nacido en nueva Jersey, de madre cubana y creció en Broward, Florida, cerca de Miami. Desde 1996 actúa en cine, se le recuerda por sus actuaciones en los seriales “Will and Grace” y “Broadway Empire”.

Néstor Carbonell es oriundo de Nueva York, de padres cubanos. Como María Conchita, vivió en Venezuela varios años y luego se hizo famoso actuando en la serie “Lost” y en los filmes sobre Batman, “El caballero oscuro (2008)” y su secuela “El caballero oscuro: la leyenda renace (2012)” del director Christopher Nolan.

Matt Cedeño, hijo de padre cubano y madre anglo-irlandesa. Se hizo famoso por sus actuaciones en el serial “Days of Our Lives (1999-2006)”, la comedia “The suburbans (1999)” de Donald Lardner Ward, y el drama deportivo “Price of glory (2000)” de Carlos Ávila. Ha obtenido premio ALMA como latino sobresaliente.

Eddie Cibrián, oriundo de Burbank, California, de ascendencia cubana, Eddie se dio a conocer como Cole Deschanel en el serial “Sunset Beach (1997)”, y también actuó en los filmes “Turno de guardia (1999)” y “La caverna maldita (2005)”.

Valerie Cruz, nacida en Nueva Jersey, que se hizo famosa como actriz en las series “Nip/Tuck” y “Anatomía de Grey”.

Rosario Dawson (Rosario Isabel Dawson), oriunda de Nueva York, actriz y cantante de ascendencia cubana y puertorriqueña. En el cine actúa desde 1995.

Melissa Fumero, oriunda de Nueva Jersey, de padres cubanos. Famosa por su papel de Adriana Cramer en el serial “One Life to Live (1998-2011)” y por una breve actuación en otro serial, “Gossip Girl (2007-2010)”. Es más actriz de TV.

Dominik García-Lorido es oriunda de Miami e hija del actor-director cubano Andy García. Ella fue parte del reparto del drama “La ciudad perdida (2005)” y la comedia “Asuntos de familia (2009)”, así como el serial “Magic City”.

Josie Loren (Josie Loren López) es nacida en Miami, de padres cubanos, se hizo conocer en el serial “Make it or Brake It’” (2009-2012)” y la comedia “Noche de marcha (2013)” de los directores Jon Lucas y Scott Moore.

Christina Milián, de Nueva Jersey, de padres cubanos. Es actriz y cantante y sacó su primer y exitoso álbum a los 19 años. Debutó en cine, en la comedia “American Pie (1999)”.

Danny Pino, nacido en Miami, Florida, hijo de cubanos. Se dio a conocer con personajes en series como “Caso abierto (2003)”, “Ley y orden: Unidad de víctimas especiales (1999)”, y el film de Andy García, “La ciudad perdida (2005)”.

Adam Rodríguez es de padre descendiente de boricua y cubano, mientras su madre es boricua completamente. Adam espera un buen día visitar Cuba. Famoso fue su papel en el serial de crimen “CSI: Miami (2002-2012)”, por el cual obtuvo un premio ALMA. Luego se destacó en la comedia-drama “Magic Mike (2012)” del director Steven Soderbergh.

Génesis Rodríguez es hija del cantante venezolano José Luis Rodríguez «El Puma», y su madre es una modelo cubana, de quien Génesis heredó su belleza. La actriz nació en Miami, habla inglés y español bien, actúa desde 2012 en cine.

Jamie-Lynn Sigler, oriunda de Jericho, Nueva York, se hizo famosa por su personaje en la serie “The Sopranos”. Actúa mayormente en seriales para la TV. Jamie-Lynn es madre cubana y su padre es greco-judío.

Bella Thorne es nacida en Pembroke Pines, Florida, hija de padre cubano y madre igualmente mezcla sajónica. Desde 2010 actúa en cine y ya ha obtenido premio ALMA como latina sobresaliente.

Bibliografía consultada

Anon. Los cubanos y cubanas más sexies de Hollywood. Telemundo. http://www.telemundo.com/entretenimiento/2013/09/05/los-cubanos-y-cubanas-mas-sexies-de-hollywood?image=3374771

Hernández Esteban (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- Actrices y actores (vols. I y II).
IMDB.com

Escrito por Esteban Hernández (1 de febrero de 2016)

Esta la propuesta de filmes de hoy (5 de febrero 2016).

Doña Flor y sus dos maridos (1976) de Bruno Barreto, comedia sobre la vida de una mujer que se enamora de un hombre atractivo y provocador, que muere, pero luego vuelve mientras Doña Flor está nuevamente casada, con Sonia Braga, José Wilker y Mauro Mendoça. Film de producción brasileña.

Perdición (1944) de Billy Wilder, film de crimen-drama sobre un fraude de un agente de seguro que para lograr sus objetivos propone un asesinato a la mujer del asegurado, con Barbara Stanwyck, Fred MacMurray y Edward G. Robinson. Film de producción norteamericana.

Al Este del Edén (1955) de Elia Kazan, drama alrededor de un joven que siente el poco amor de su padre y la predilección paterna por su hermano, con James Dean, Raymond Massey y Julie Harris, Film de producción norteamericana.

Ocho hombres (1988) de John Sayles, drama histórico sobre el famoso escándalo de la serie mundial de béisbol en 1919 cuando varios peloteros de los Medias Blancas vendieron sus juegos por dinero. Con John Cusack, Clifton James y Michael Lerner. Film de producción norteamericana.

El hombre elefante (1980) de David Lynch, drama sobre un cirujano que logra rescatar a un hombre con rostro todo desfigurado, protagonizado por Anthony Hopkins y John Hurt. Film de producción británica.

El pequeño salvaje (1970) de François Truffaut, drama sobre la vida de un niño criado en un ambiente silvestre y que se comporta como un simio de la selva, protagonizado por François Truffaut y Jean-Pierre Cargol. Film de producción francesa.

El paciente inglés (1996) de Anthony Minghella, drama sobre la vida de un oficial británico que se enamora de la mujer de uno de sus compañeros en la India ocupada por la Gran Bretaña, con Ralph Fiennes, Juliette Binoche, Kristin Scott-Thomas y Colin Firth. Film de producción británica.

Erin Brockovich (2000) de Steven Soderbergh, drama sobre una mujer que logra, trabajando para una compañía de seguros, descubrir el daño a la salud de miles de personas por los establecimientos de una compañía, con Julia Roberts y Albert Finney. Film de producción norteamericana.

Afiches de Doña Flor y sus dos maridos-Perdición-Al Este del Edén- Ocho Hombres-El hombre elefante-El pequeño salvaje-El paciente inglés-Erin Brockovich

Estado de sitio (1973) de Costa Gavras, drama-suspense con trama sobre los guerrilleros Tupamaros en Uruguay al acecho de un agente de la CIA, encargado de llevar a cabo la operación de desmantelamiento de la red guerrillera, con Yves Montand y Renato Salvatori. Film de producción francesa.

Fedra (1962) de Jules Dassin, drama trágico de la vida moderna basado en una historia del pasado griego, con Melina Mercouri, Anthony Perkins y Raf Vallone. Film de producción francesa.

Descubriendo Nunca Jamás (2004) de Marc Foster, drama biográfico sobre el autor de Peter Pan, cuyo estreno teatral fue en Nueva York, protagonizado por Johnny Depp, Dustin Hoffman y Kate Winslet. Film de producción norteamericana.

Por quién doblan las campanas (1943) de Sam Wood, drama histórico-romántico sobre la vida de un combatiente internacionalista en las filas de los rebeldes republicanos en España, trama basada en la obra homónima del escritor Ernest Hemighway, protagonizado por Gary Cooper e Ingrid Bergman. Film de producción norteamericana.

Forrest Gump (1994) de Robert Zemeckis, comedia-drama basada en una novela del escritor Winston Groom sobre una persona que sufre de ligero retraso mental y motor, pero que es a la vez testigo de momentos importantes en la historia de los Estados Unidos. Con Tom Hanks, Sally Field y Gary Sinise. Film de producción norteamericana.

Frances (1982) de Graeme Clifford, drama sobre la vida de la actriz Frances Farmer interpretada por Jessica Lange, toda una rebelde dentro del mundo hollywoodense. Film de producción norteamericana.

Fresa y Chocolate (1994) de Manuel Gutierrez Alea, comedia cubana sobre el homosexualismo y los prejuicios de la sociedad sobre este problema. Con Jorge Perugorría y Vladimir Cruz. Film de producción cubana.

Frida (2002) de Julie Taymor, drama biográfico sobre la famosa pintora izquierdista, sus vicisitudes y relaciones en sus amores hasta con el propio Trostky. Protagonizado por Salma Hayek y Alfred Molina. Film de producción norteamericana.

Afiches de Estado de sitio-Fedra-Descubriendo nunca jamás-Por quién doblan las campanas-Forrest Gump-Frances-Fresa y chocolate-Frida

De aquí a la eternidad (1953) de Fred Zinnemann, drama histórico sobre las relaciones de un grupo de soldados en Pearl Harbor previo al ataque aéreo criminal perpetrado por Japón. Protagonizado por Burt Lancaster, Deborah Kerr, Montgomery Clift, Donna Reed, Frank Sinatra y Ernest Borgnine entre otros actores y actrices. Film de producción norteamericana.

Gandhi (1982) de Richard Attenborough, estupendo drama biográfico sobre el gran líder hindú y como llevó a cabo todo el proceso de oposición al yugo británico de forma pacífica. Protagonizado por Ben Kingsley, Martin Sheen, Candice Bergen entre otros. Film de producción Indo-británico.

Afiches de De aquí a la eternidad-Gandhi-El gatopardo-Gigante

Il Gatopardo (1963) de Luchino Visconti, drama basado en una novela de Giuseppe Tomasi di Lampedusa, que muestra la vida del Príncipe de Salina y de su familia durante la invasión de las tropas de Garibaldi en Sicilia, la convicción del Príncipe que el mundo estaba cambiando, muy a su pesar. Film de producción italiana.

Gigante (1956) de George Stevens, drama basado en la novela homónima de Edna Ferber, donde se muestra como la ganadería va cediendo finalmente a la extracción de petróleo en Texas, igualmente el filme muestra el racismo dentro de las familias blancas de ese estado. Protagonizado por Elizabeth Taylor, Rock Hudson y James Dean. Film de producción norteamericana.

“Toda censura es peligrosa porque detiene
el desarrollo cultural de un pueblo”.
Mercedes Sosa (1935-2009),
cantante argentina de música folclórica

Acostumbrados todos a ver películas norteamericanas predominantemente, ignoramos que existen otras películas de otros países con actores, actrices y directores muy capaces. Uno de esos realizadores es Andrzej Wajda (su apellido se pronuncia Vaida), quien ha realizado varios filmes relativos a la ocupación nazi en Polonia, su tierra natal, durante la Segunda Guerra, así como otros notables dramas de carácter histórico-biográfico, todos muy comprometidos con los problemas políticos y sociales de su país.

Los filmes de Wajda se caracterizan por una constante búsqueda en los temas referidos a la juventud y a los conflictos propios del ser humano. Wajda nació el 6 de marzo de 1926, en Suwalki, y participó en la resistencia a la ocupación nazi, su padre fue oficial de caballería y murió en esta misma contienda, mientras que su madre era maestra de escuela en Ucrania occidental, entonces territorio polaco.

Una vez terminada la segunda guerra, Wajda estudió pintura en la Academia de Artes de Cracovia, y luego dirección fílmica en el Teatro Estatal Leon Schiller y en la Academia Fílmica de Lodz. Inicialmente fue asistente del director polaco Aleksander Ford, luego realizó su primer trabajo de dirección, el corto “Zly chlopiec (1950)” (Muchacho feroz), al que le siguieron otros cortos/documentales hasta que realizó su primer largometraje, el drama-film bélico “Generación (1954)” con Tadeusz Lomnicki, el cual trata sobre la vida de la juventud polaca durante la ocupación nazi.

Andrzej Wajda junto a la actriz Jane Fonda en la 72da. premiación de los Oscar, 26/03/2000. Foto: Paul Smith / Featureflash/ImageCollect.com

A continuación, dirigió el film “Kanal (1957)” con Teresa Izewska, cuya trama es sobre los últimos días de la ocupación nazi en Polonia, y al año siguiente su primer gran éxito,
“Cenizas y diamantes (1958)” protagonizado por Zbigniew Cybulski, película muy recomendable a ver, que presenta complicaciones y peripecias ocurridas en la pos-guerra y la ocupación de Polonia por las tropas soviéticas. De hecho ese film fue todo un reto de Wajda a las autoridades políticas de su país. Las borracheras de los oficiales soviéticos se muestran, así como lo desencajada que estaba la juventud polaca. Habían salido de los nazis y ahora eran los soviéticos.

Afiches de Kanal, Cenizas y Diamantes

En la misma vertiente histórica, Wajda dirigió “Lotna (1959)” con Jerzy Pichelski, donde se describe cómo los polacos combatieron la ocupación alemana desde sus inicios, los atacantes con mejores armas y tanques, mientras que los polacos, menos tecnificados, y donde se destaca un caballo de nombre Lotna.

El drama “Niewinni czarodzieje (1960)” (Brujos inocentes) con Tadeusz Lomnicki nuevamente un film sobre la juventud, sus inquietudes, su desviación en una sociedad que ofrece un futuro incierto. Luego dirigió una película que puede catalogarse de noir, “Sibirska Ledi Magbet (1961)” (La dama Macbeth de la Siberia) con Olivera Markovic, sobre una dama adultera que va a parar a la Siberia, la trama transcurre en el siglo XIX.

Dirigió el segmento “Varsovia” del filme “El amor a los 20 años (1962)” protagonizado por Zbigniew Cybulski nuevamente. Este filme fue una colaboración de destacados directores, como Shintarô Ishihara y Marcel Ophüls entre otros.

Siempre tratando de reseñar parte de la historia de su país, Wajda dirigió “Popioly (1965)” (Cenizas) con Daniel Olbrychski, cuya trama transcurre durante el paso de Napoléon por Polonia en el siglo XIX. En la misma dirección “Gates to paradise (1968)” (Puertas al paraíso) con Lionel Stander y Ferdy Maine, que relata la victoria en 1212 de la toma de Jerusalem por niños de manos de los ocupantes turcos.

Su drama “Wszystko na sprzedaz (1969)” (Todo para venta) con Beata Tyszkiewicz, que fuera su primera esposa, tiene que ver con la desaparición de un actor y de su esposa, lo que me inclina a pensar que lo haya hecho pensando en la ya entonces figura desaparecida del actor Zbigniew Cybulski, que fuera de su preferencia en algunos de sus filmes.

“Paisaje después de la batalla (1970)” es un relato de lo que sucedió cuando la guerra terminó y cómo se desenvolvieron los miles de prisioneros en los campos de concentración.

Afiches Todo para venta y Paisaje después de la batalla

Posteriormente dirigió un filme solidario con el movimiento político en su país, “El hombre de mármol (1977)” con Jerzy Radziwilowicz. Aquí Wajda muestra por primera vez públicamente sus simpatías por el movimiento sindical “Solidaridad” en Polonia, al cual se afilió en 1981. El drama “El hombre de hierro (1981)” con Radziwilowicz, fue otro filme sobre el movimiento Solidaridad, al extremo que la productora fílmica de Wajda fue ilegalizada por el gobierno polaco de aquel entonces. No obstante, su afición principal era mostrar filmes sobre la historia y no realmente sobre la política, aunque no es necio pensar en la censura a la que se sometía parte de sus obras.

Afiches El Hombre de Mármol y El Hombre de Hierro

Entre sus otros filmes a destacar están “La tierra de la gran promesa (1975)”, “Anestesia (1978)”, “El director de orquesta (1980)” con John Gielgud, “Danton (1983)” con Gérard Depardieu, “Kronika wypadków milosnych (1986)” (Crónica de amores accidentales) con Paulina Mlynarska, “Los poseídos (1988)” con Isabelle Huppert, “Korczak (1990)” con Wojciech Pszoniak, “Wielki tydzien (1995)” (Semana Santa) con Beata Fudalej, y “Pan Tadeusz (1999)” (El Sr. Tadeusz) con Boguslaw Linda y Daniel Olbrychski.

Entre sus filmes del nuevo milenio se destacan los dramas históricos “Katyn (2007)” con Andrzej Chyra y Maja Ostaszewska, que relata la masacre de oficiales polacos de mano de las tropas estalinistas en el bosque Katyn en 1940, y “Walesa, la esperanza de un pueblo (2013)” sobre la vida y obra del fundador del movimiento Solidaridad en Polonia e igualmente premio Nobel de la Paz, Lech Walesa.

Afiches Katyn, y Walesa, la esperanza de un pueblo

Wajda ha dirigido un total de 56 filmes desde 1950 hasta la fecha, ha producido 4 y ha escrito 35 guiones.

En el año 2000 recibió un Oscar en honor a su carrera y ha sido premiado en distintos certámenes internacionales de cine.

Bibliografía consultada

Hernández Esteban (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- directores.

Andrzej Wajda. IMDB.com. http://www.imdb.com/name/nm0906667/?ref_=fn_al_nm_1

Escrito por Esteban Hernández (28 de enero de 2016)

Aquí les va la tercera propuesta con un par de decenas de películas más. Lamentablemente no todas ellas cuentan versión en DVD o más bien versión en DVD de calidad.

Casino (1995) de Martin Scorsese, drama-film de crimen con trama en las Vegas, que muestra los manejos de la mafia con los juegos al azar en esa ciudad, con Robert DeNiro, Sharon Stone y Joe Pesci. Film de producción norteamericana.

Hasta que llegó su hora (C´era una volta nel west, 1968) de Sergio Leone, oeste con muestras de carácteres diversos en film épico lleno de venganza, con Henry Fonda, Claudia Cardinale, Charles Bronson y Jason Robards. Film de producción italiana.

Ese oscuro objeto del deseo (1977) de Luis Buñuel, drama sobre los amores de un hombre de mediana edad con una mujer sumamente joven, con Fernando Rey, Carole Bouquet y Ángela Molina. Film franco-español.

Afiches de Casino, Hasta que llegó su hora, Ese oscuro objeto del deseo, Charada, La jauría humana, Calumnia

Charada (1963) de Stanley Donnen, comedia-film de misterio, con trama llena de persecuciones, con Cary Grant y Audrey Hepburn. Film de producción norteamericana.

La jauría humana (1966) de Arthur Penn, drama sobre una historia en un poblado norteamericano y la discriminación de los ricos sobre los pobres, y de los blancos sobre los negros, con Marlon Brando, Jane Fonda y Robert Redford. Film de producción norteamericana.

La calumnia (1961) de William Wyler, drama sobre la acusación a dos personas de ser lesbianas, algo insólito en aquel momento, con Audrey Hepburn y Shirley MacLaine. Film de producción norteamericana.

Chinatown (1974) de Roman Polanski, drama-suspense sobre la historia de una mujer adinerada pero afectada por el trato de su padre, con Jack Nicholson, Faye Dunaway y John Huston. Film de producción norteamericana.

Cielo despejado (Chistoe nebo 1961) de Grigori Chukhrai, drama sobre un aviador ruso capturado prisionero en Alemania y quien a su regreso a su país, concluida la guerra, es acusado de traidor y expulsado del partido comunista, la única prueba es haber sobrevivido. Un film de denuncia al estalinismo imperante, con Evgeni Urbansky y Nina Drobysheva. Film de producción soviética.

El rey del juego (1965) de Norman Jewison, drama sobre un joven que intenta ganar a un experto en competencia de cartas, con Steve McQueen, Edward G. Robinson, Karl Malden y Ann-Margret. Film de producción norteamericana.

Afiches de Chinatown, Cielo despejado, El rey del juego, Dos Mujeres, Ciudadano Kane, El Color Púrpura

Dos mujeres (La Ciociara 1960) de Vittorio De Sica, drama sobre la vida de una madre e hija a la deriva en un sitio rural al sur de Roma en el período previo a la conclusión de la II Guerra, con Sofía Loren, Jean-Paul Belmondo, Renato Salvatori y Eleonora Brown. Film de producción italo-francesa.

Ciudadano Kane (1941) de Orson Welles, drama que hiciera famoso a Orson Welles como director y actor, sobre un magnate de la publicidad y el dominio de los medios masivos de comunicación, con Welles, Joseph Cotten y Dorothy Comingore. Film de producción norteamericana.

El color púrpura (1985) de Steven Spielberg, drama que muestra las vicisitudes de una ciudadana negra y el maltrato a que se vio sometida por parte de su padre y otros, con Danny Glover, Whoopi Goldberg y Oprah Winfrey. Film de producción norteamericana.

La leyenda del indomable (1967) de Stuart Rosenberg, drama sobre la vida de los presidiarios y como uno de ellos, Luke, trata de escapar de ese martirio, con Paul Newman y George Kennedy. Film de producción norteamericana.

Pena de muerte (1995) de Tim Robbins, drama sobre cómo una monja logra entrar en la vida de un convicto a muerte y de las familias afectadas, con Susan Sarandon y Sean Penn. Film de producción norteamericana.

El cazador (1978) de Michael Cimino, drama sobre las consecuencias de la Guerra en Vietnam, con Robert De Niro, Christopher Walken y Meryl Streep. Film de producción norteamericana.

Afiches de La leyenda del indomable, Pena de muerte, El Cazador, Fugitivos, Dersu Uzala- el cazador, El diablo y los 10 mandamientos

Fugitivos (también llamado Fuga en cadenas en Cuba, 1958) de Stanley Kramer, drama sobre la fuga de un hombre negro y otro blanco de un vehículo de prisión, ambos encadenados y cómo con el tiempo se forja la solidaridad entre ambos, con Tony Curtis y Sidney Poitier, film norteamericano.

Dersu Uzala-el cazador (1975) de Akira Kurosawa, historia sobre un oficial ruso enviado a la Siberia donde conoce a un cazador local, lleno de sabiduría, con Maksim Munzuk y Yuri Solomin. Film de co-producción soviética-nipona.

El diablo y los diez mandamientos (1962) de Julien Duvivier, filme con varias historias cortas, picantes, todas llenas de moraleja, con Michel Simon, Charles Aznavour, Alain Delon, Louis de Funes, Mel Ferrer y otros. Film de producción francesa.

Afiches de Divorcio a la italiana, Doctor Zhivago

Divorcio a la italiana (1962) de Pietro Germi, comedia-drama de cómo un hombre de sociedad siciliano se enamora de su prima, lo qué hace para divorciarse y llegar a su amada prima, con Marcelo Mastroianni, Daniela Rocca y Stefania Sandrelli. Film de producción italiana.

Doctor Zhivago (1965) de David Lean, drama basado en la obra del escritor ruso Boris Pasternak, premio Nobel de la Literatura, sobre las vicisitudes de los rusos durante la Guerra Civil, con Omar Sharif, Julie Christie, Geraldine Chaplin y Rod Steiger. Film de producción norteamericana.

Escrito por Esteban Hernández (28 de enero de 2016)

“Todos los seres humanos nacen libres
e iguales en dignidad y derechos”.
Primer artículo de la Declaración Universal de los Derechos Humanos

El racismo es un fenómeno viejo de discriminación, el que no se elimina en ningún país por decreto. Las autoridades pueden y deben legislar de manera de propiciar que todos los ciudadanos tengan iguales deberes y derechos. No obstante, eliminar el racismo de la mente de las personas no es cosa sencilla, se requiere de mucha educación y persuasión. La educación no es solo para los que discriminan, es también importante para los discriminados. La educación ayuda a eliminar los rencores existentes y en ese contexto, el cine puede ser un medio efectivo.

Hollywood ha sido históricamente la meca del cine a nivel mundial y en buena medida representativa de desconocer el fenómeno del racismo, no tratarlo, ignorarlo o presentarlo como algo secundario, lo que fue usual en las primeras décadas del séptimo arte. Cuando lo trataba, no se escondía para mostrar todo su prejuicio racial.

En 1915 se estrenó la película “El nacimiento de una nación”, cuyo director fue el mismo padre del cine norteamericano, el Sr. D.W. Griffith y con el protagonismo de estrellas femeninas de entonces, como Lilian Gish y Mae Marsh. La película en video dura unos 125 minutos. Imagínense todo una superproducción en esa época, cuya trama era presentar al Ku Klux Kan como los salvadores de EEUU. El comentario del entonces presidente Woodrow Wilson sobre el film fue: “Lamentablemente todo eso es verdad”.

Escena con el KKK en acción en el filme «El nacimiento de una nación (1915)»

El racismo no era sólo con las personas de raza negra, el asunto abordaba otras naciones. Por ejemplo, en 1921, Rodolfo Valentino encarnó el papel de árabe en el film “The Sheik” (El Caid), y luego en su secuela, “The Son of the Sheik (1926)” (El hijo del Caid), donde los árabes eran presentados como salvajes.

Afiches de los filmes «El Caid» y «El hijo del Caid»

Los chinos y asiáticos no se salvaban de esta regla. Por un lado, aparecía un Charlie Chan buena gente, pero por el otro el malvado de Fu Manchú. Si han visto los seriales de Flash Gordon, primer héroe de los Comics, verán que el malvado no es otro que el Emperador Ming, o sea un apellido chino para un personaje extra-terrestre.

Demonización de los asiáticos, Christopher Lee como Fu Manchú y Charles Middleton como el emperador extraterrestre Ming

Se sabe que la atracción de muchos oestes era la de ver matar a muchos indios. Sutilmente nos hicieron ver que los indígenas eran los malos, mientras que los vaqueros (cowboys) blancos, eran los generosos. Este tema ya lo hemos tratado anteriormente, por lo que aquí no será objeto de debate.

En varios filmes británicos de la década de los 50, el famoso movimiento guerrillero de los Mau Mau que luchó por la independencia de Kenya, fue presentado como un movimiento de asesinos que mataban todo lo que fuera blanco. Una verdadera tergiversación de los hechos, pues si bien los Mau Mau desaparecieron en un momento previo a la liberación, su acción propició que las autoridades británicas razonaran sobre la conveniencia de otorgar la independencia a los kenianos.

Si uno se fija en las películas de las primeras seis décadas del cine, los actores y actrices negros sólo aparecían interpretando papeles muy secundarios, de sirvientes en mansiones de gente rica. Se trataba de papeles, donde el negro aparecía como tonto y cómico a la vez.

Con respecto a las mujeres, el asunto fue peor. Por mi cuenta, la pionera fue Ruby Dee, que ya en los 50 actuaba en papeles serios. Previamente hubo algunas actrices como Hattie McDaniel y Butterfly McQueen, pero usualmente interpretaban papeles de criadas, siempre con ese carácter bonachón, de ahí no pasaban. Hoy son mucho más, pero no tantas como debieran ser. Las más notables son Whoopy Goldberg, Oprah Winfrey, la mestiza Halle Berry, Vanessa Williams, Thandie Newton entre otras.

Hattie McDaniel, Butterfly McQueen y Ruby Dee

Destacadas actrices Whoopy Goldberg-Oprah Winfrey-Halle Berry-Vanessa Williams-Thandie Newton

Esa tendencia comenzó a quebrarse en los inicios de los años 50 cuando debutó el gran Sidney Poitier, quien sí logró interpretar papeles de mayor responsabilidad en varias películas, de las que luego hablaremos. Una de sus primeras interpretaciones fue en el papel de médico en el drama “Un rayo de luz (1950)” de Joseph L. Mankiewicz, donde el herido Richard Widmark es un delincuente y a su vez un perro racista, que no acepta que un médico de color lo atienda. El film da una solución típica de un cuento de hadas, pero no deja de ser un film que pone sobre la mesa el problema. Luego el director Martin Ritt dirigió otro drama, donde además de exponer el problema de los trabajadores en los muelles norteamericanos, igualmente reseña el problema del racismo. Este drama se llama “Donde la ciudad termina (1957)”, que contó con el protagonismo de John Cassavetes, Sidney Poitier y un malvado bastante acertado de parte de Jack Warden. La película al final no da tampoco solución.

Hattie McDaniel, Butterfly McQueen y Ruby Dee

Muy original fue el drama “Fuga en cadena (1958)” de Stanley Kramer, donde Sidney Poitier y Tony Curtis son dos prófugos encadenados que intentan escapar del régimen penitenciario a que estaban sometidos. Realmente muy inteligente poner a un blanco y a un negro a correr juntos y sufrir las mismas penas. La película muestra que al final se desarrolla una solidaridad entre los hombres. El director Norman Jewison realizó un film de crimen muy sugerente, “En el calor de la noche (1967)”, donde Sidney Poitier es un agente federal que persigue a un criminal en un pueblo del sur de EEUU, donde la policía local le obstruye su trabajo, más que todo por ser un agente negro.

Kramer también realizó una comedia muy sugerente “Adivina quién viene esta noche (1967)”, que contó con la interpretación de Spencer Tracy, Katharine Hepburn como padres de una joven blanca que se enamora del ciudadano negro encarnado por Sidney Poitier. Película que pone a más de un padre blanco a pensar.

El otro actor que rompió un poco la monotonía racista fue el también cantante Harry Belafonte, quien protagonizó algunos dramas que ponía algún acento en la cuestión racial, como fueron “El mundo, la carne y el diablo (1959)” de Ranald McDougall con Harry Belafonte, Inger Stevens y Mel Ferrer. Imagínense un mundo con sólo tres personas, dos blancos y un hombre negro, donde al final la mujer blanca se enamora del hombre negro. El otro fue “Apuestas contra el mañana (1959)” de Robert Wise, donde Robert Ryan es un delincuente y racista connotado, que debe realizar un atraco con ayuda de un personaje como Belafonte.

Afiches de películas protagonizadas por Harry Belafonte

En la década de los 60 este asunto de actores negros en las películas fue promoviéndose más. Fue así que apareció Bill Cosby, sea en shows o seriales televisivos, como en algunas películas conjuntamente con Sidney Poitier o incluso Harry Belafonte. A este grupo se unió un actor muy capaz, como lo ha sido James Earl Jones, cuya interpretación en el drama “La gran esperanza blanca (1970)” de Martin Ritt fue una de las primeras veces que se vio a un actor negro acariciando o besando a una actriz blanca, en este caso Jane Alexander. El film abordó la historia real de un campeón de boxeo de los superpesados, quien en el esplendor de su vida, decidió casarse con una mujer blanca.

Afiche de «La Gran Esperanza Blanca (1970)»

Hoy día son decenas de actores negros, pero los primeros mencionados dieron el impulso para que otros llegaran. Sidney Poitier se sintió muy contento cuando vio que Denzel Washington y Halle Berry ganaban sendos Oscar hace unos años. Fue realmente un logro. No obstante, no creo que por este hecho, ya Poitier piense que este asunto de inclusión de actores y actrices negros esté resuelto el asunto del racismo en el cine y la sociedad norteamericana.

La no inclusión de actores de otras razas en el cine fue una tradición desde su creación. De este hecho no se salva ni el propio cine europeo. Un ejemplo claro es el cine francés, y no se puede pensar que el problema ya esté resuelto.

En Francia y Europa, lo que más se abordó en igual período fue el asunto del antisemitismo y las secuelas de la política hitleriana durante la Guerra.

Europa ha sido albergue de millones de judíos, dentro de los cuales hay muchos actores/actrices y directores, los que comenzaron a sufrir de la discriminación tan pronto Hitler se hizo del poder en Alemania y comenzó su expansión a otros territorios vecinos. Muchos artistas judíos no tuvieron más remedio que emigrar e incluso muchos realizadores europeos por estar casados con ciudadanas o ciudadanos judíos tuvieron que hacer algo similar.

Entre las películas europeas que sitúo en un lugar preferencial con respecto al asunto del racismo o el antisemitismo, están “Professor Mamlock (1938)” de Konrad Wolf con Wolfgang Heinz, la que relata como un renombrado profesor judío es discriminado sin piedad en la Alemania nazi. Esta película tuvo un remake años (1960) después en la entonces Alemania Oriental.

El director italiano realizó el drama “Kapò (1960)” protagonizado por Susan Strasberg, cuya trama relata las vicisitudes de una judía, la que para sobrevivir se hace Kapò, que es un prisionero que se le dan algunos privilegios a cambio de vigilar a los otros presos en el campo de concentración. Ella se adapta al crimen de sus carceleros hasta que se enamora de un prisionero ruso.

El drama “El otro Sr. Klein (1976)” de Joseph Losey con Alain Delon y Jeanne Moreau es otro filme que demuestra la locura nazi con respecto a los judíos. Bastaba tener un apellido común entre los judíos para que lo tomaran como tal.

Afiches de filmes sobre el antisemitismo

Muy convincente fue la historia plasmada en el drama “La lista de Schindler (1997)” de Steven Spielberg con Liam Neeson y Ralph Fiennes, filme con trama basado en un hecho real. Polanski realizó “El pianista (2002)” protagonizada por Adrien Brody, una película que muestra las salvajadas con los judíos de parte de los nazis en la Polonia ocupada.

Este tema del antisemitismo y el racismo a la vez lo trató el director Costa-Gavras en el contexto de EEUU, con la película “El sendero de la traición (1988)” protagonizada por Debra Winger y Tom Berenger.

La realización de películas que tratan el asunto de la discriminación racial ha sido algo no muy abordado en el pasado en Hollywood. Por el contrario la industria fílmica británica dio un paso adelante cuando en 1930 realizó el film silente “Borderline” (Límite), cuya trama versa sobre un hombre blanco y casado, que tiene relaciones con una ciudadana negra. Su esposa al enterarse de este adulterio, termina loca y provoca la fobia contra la comunidad negra del lugar. La película fue protagonizada por el cantante y actor negro Paul Robeson.

Afiche del filme británico «Bordeline (1930)»

Algo antes que Poitier y Belafonte irrumpieran en el cine con las películas que ellos protagonizaron, Hollywood realizó unas pocas relacionadas con el racismo. Una de las primeras fue “Pinky (1949)” de Elia Kazan y John Ford con Ethel Barrymore, el cual aborda el tema racial y donde Jeanne Crain interpreta el papel de la enfermera mestiza Pinky Johnson, la que reniega de su madre negra.

Afiches de los filmes «El color de la sangre» y «Pinky», ambos de 1949

En el mismo 1949, el actor Mel Ferrer, de origen cubano por línea paterna, debutaría protagonizando el drama “El color de la sangre” del director Alfred L. Werker, donde una familia de mestizos que pasan como blancos, van a residir a un pueblo de New Hampshire. Allí Ferrer se convierte en el médico bien querido de todo el pueblo hasta que un día se descubre que él, su esposa e hijos no son de “sangre azul”. La solución del problema es para que uno se lo imagine, Hollywood nunca ha sido muy fan de finales trágicos.

En la década de los 60, a destacar los dramas “Matar un ruiseñor (1962)” de Robert Mulligan con Gregory Peck, en película donde se inculpa a un hombre negro de un supuesto asesinato de una mujer blanca y que fue objeto hasta hoy día de la crítica de los sectores más conservadores de los EEUU. Se le acusaba sin pruebas convincentes, el color de su piel era suficiente. El otro es “La jauría humana (1966)” de Arthur Penn y protagonizado por Marlon Brando, Jane Fonda y Robert Redford, la que muestra el racismo bestial de un pueblo de EEUU.

Afiches de películas sobre racismo en EEUU

En 1977 se estrenó el serial televisivo “Raíces” basado en la obra homónima de Alex Haley sobre la esclavitud en EEUU. Haley escribió su novela obteniendo relatos de sus parientes africanos en Gambia. La novela pone de relieve la brutalidad con la que se cazaban a los negros por parte de los europeos, y cómo luego eran transportados a América y tratados en esos lares. Personalmente pienso que esta novela fue la que finalmente abrió las puertas a tratar el problema racial más abiertamente en los filmes norteamericanos. En esa misma vertiente, Stephen Spielberg dirigió el magnífico drama “El color púrpura (1985)”, que contara con la actuación de notables interpretes afroamericanos, como Danny Glover, Whoopy Goldberg y Oprah Winfrey entre otros.

El film de crimen-drama “Arde Mississippi (1988)” de Alan Parker con Gene Hackman y Willen Dafoe, puso al descubierto la acción malvada y despiadada del Ku Klux Klan. “Tiempos de gloria (1989)” de Edward Zwick con Morgan Freeman, Denzel Washington y Mathew Broderick, es un filme que relata cómo un grupo de soldados afroamericanos luchan en la guerra de secesión al lado de las tropas del Norte.

El drama “Fantasmas del pasado (1996)” de Rob Reiner con Whoopy Goldberg y Alec Baldwin gira con un argumento similar a “Matar un ruiseñor”. El drama “American history X (1998)” de Tony Kaye con Edward Norton es realmente una película muy convincente de cómo se puede vencer el racismo aún en los seres más recalcitrantes.

Las películas sobre figuras importantes afroamericanas se han producido en las últimas décadas, unos dedicados enteramente a las vidas de esas personas o pasajes importantes sobre los mismos. Así están “Rosewood (1997)” de John Singleton con Don Cheadle, Jon Voight, Ving Rhames; “Malcolm X (1992)” de Spike Lee con Denzel Washington; y “Selma (2014)” de Ada DuVernay con David Oyelowo, Carmen Ejogo, que aborda algo de la vida del ilustre Martin Luther King.

Afiches de filmes sobre racismo en EEUU (II)

Ya ahora se puede ver a un afroamericano teniendo amor con una blanca o viceversa en distintos filmes. Así están las películas: “Fiebre salvaje (1991)” de Spike Lee con Wesley Snipes y Annabella Sciorra, la relación de un joven arquitecto negro con su secretaria, de origen italiano; “Por encima de todo (1992)” de Jonathan Kaplan con Michelle Pfeiffer y Dennis Haysbert; “Monster’s ball (2001)” de Marc Foster con Billy Bob Thornton y Halle Berry; y “Lejos del cielo (2002)” de Todd Haynes con Julianne Moore, Dennis Quaid y Dennis Haysbert.

Afiches de filmes de amor de mujeres blancas con hombres negros y viceversa

Otras películas recomendables a ver el asunto del racismo en EEUU son:

• “Paseando a Miss Daisy (1989)” de Bruce Beresford con Jessica Tandy y Morgan Freeman, de cómo una anciana pierde su desconfianza en su chofer negro
• “Una árida estación blanca (1989)” de Euzhen Palcy con Donald Sutherland, Susan Sarandon, Marlon Brando, sobre un incidente ocurrido en la Sudáfrica del apartheid
• “Instinto maternal (1995)” de Stephen Gyllenhaal con Jessica Lange y Halle Berry, una madre negra se ve privada de la custodia de su hijo que pasa en adopción por una familia blanca
• “Beloved (1998)” de Jonathan Demme con Oprah Winfrey y Danny Glover, sobre las vicisitudes de una familia negra ocho años después de terminada la guerra de secesión
• “La milla verde (1999)” de Frank Darabont con Tom Hanks y Michael Clark Duncan, sobre un presidiario negro con dones sobrenaturales
• “12 años de esclavitud (2013)” de Steve McQueen con Chiwetel Ejiofor y Brad Pitt, sobre un hecho real de cómo un músico negro que residía en el norte de EEUU es apresado por esclavistas y llevado al sur para trabajar como una bestia
• “Crash (2004)” de Paul Haggis con Don Cheadle, Thandie Newton, Sandra Bullock, Matt Dillon, Terrence Howard, film muy original donde se entrecruzan la vida de varios implicados en un accidente de tráfico
• “The great debaters (2007)” dirigido y protagonizado por Denzel Washington, y Forest Whitaker, que narra la historia de Melvin B. Tolson, profesor del Wiley College de Texas
• “El mayordomo (2013)” de Lee Daniels con Forest Whitaker y Oprah Winfrey, sobre la vida de un hombre negro que trabaja en la Casa Blanca, donde ve claramente la evolución de las políticas, incluidas las del racismo en EEUU
• “42 (2013)” de Brian Helgeland con Chadwick Boseman y Harrison Ford, sobre cómo el pelotero Jackie Robinson rompió la barrera racial en la MLB en 1947

Igualmente se han realizado filmes que han abordado otros temas de racismo dentro de los EEUU. Entre estas sobresale el drama “Alamo Bay (1985)” (La bahía del odio) de Louis Malle con Ed Harris y Amy Madigan, que aborda el problema racial en un pueblo portuario norteamericano con población de origen vietnamita.

Bibliografía consultada

Anon. Cine y racismo. Biblioteca pública Ciudad Real. http://reddebibliotecas.jccm.es/portal/images/BPE-CR/documentos/guias%20lecturas/Cine%20racismo.pdf

Filmaffinity.com

IMDB.com

Rubio Moraga Ángel L. Evolución del racismo en el cine norteamericano- de D.W. Griffith a John Singleton y Spike Lee. 12 p. .http://pendientedemigracion.ucm.es/info/hcs/angel/articulos/racismoenelcine.pdf

Escrito por Esteban Hernández (25 de enero de 2016)

Aquí les van 20 películas más como segunda propuesta de filmes.

Ataque (1956) de Robert Aldrich, film bélico sobre un episodio durante la II Guerra Mundial en Bélgica, no es un film de guerra más, es de lo mejor que en este género se pueda haber producido. Con Jack Palance y Eddie Albert. Film de producción norteamericana.

La aventura (1960) de Michelangelo Antonioni, drama de una atracción afectiva después de una desaparición de la persona que los separaba. Con Monica Vitti y Gabriele Ferzetti. Film de producción italiana

Conspiración de silencio (1955) de John Sturges, drama sobre un agente federal en su investigación sobre un ciudadano japonés desaparecido en California durante la II Guerra Mundial. Con Spencer Tracy, Robert Ryan, Lee Marvin y Ernest Borgnine. Film de producción norteamericana.

La condesa descalza (1954) de Joseph L. Mankiewicz, drama sobre la vida de una bailarina famosa y su romance con un hombre rico, del cual ella se enamora. Con Humphrey Bogart, Ava Gardner, Edmond O’Brien y Rossano Brazzi. Film italo-norteamericano.

Barry Lyndon (1975) de Stanley Kubrick, drama basado en la novela de William Makepeace Thackeray sobre un hombre que logra un extraordinario poder y fortuna en la Inglaterra del siglo XVIII. Con Ryan O’Neal y Marisa Berenson. Film de producción británica.

La batalla de Argel (1966) de Gillo Pontecorvo, film histórico sobre cómo Argelia pudo independizarse del dominio francés. Con Brahim Hadjadj y Jean Martin, film italo-argelino.

Afiches de los filmes Ataque, La Aventura, Conspiración del silencio, La condesa descalza, Barry Lindon y La Batalla de Argel

Una mente maravillosa (2001) de Ron Howard, drama sobre un matemático y su obsesión con su ciencia. Con Russell Crowe, Richard Harris y Christopher Plummer, film norteamericano. Film de producción norteamericana.

Becket (1964) de Peter Glenville, drama histórico sobre la vida del hombre, Thomas Becket que se opuso a los manejos de su amigo y rey, Enrique II. Con Richard Burton y Peter O’Toole. Film de producción británica.

La bella y la bestia (1946) de Jean Cocteau y René Clement, film de fantasía basado en la famosa historia de un amor entre lo horrible y lo bello. Con Jean Marais y Josette Day. Film de producción francesa

La podadora (The Big Knife 1955) de Robert Aldrich, drama sobre la tragedia de un actor de cine en Hollywood. Con Jack Palance, Ida Lupino y Rod Steiger. Film de producción norteamericana.

El hombre de Alcatraz (1962) de John Frankenheimer, sobre la vida de un hombre condenado a cadena perpetua que llega a convertirse en un genio de la ornitología. Con Burt Lancaster, Karl Malden y Edmond O´Brien. Film de producción norteamericana.

Semilla de Maldad (1955) de Richard Brooks, drama sobre la delincuencia escolar en EEUU. Con Glenn Ford y Sidney Poitier. Film de producción norteamericana.

Afiches de los filmes Una mente maravillosa, Becket, La Bella y la Bestia, La Podadora, El hombre de Alcatraz y Semilla de Maldad

El ángel azul (1930) de Josef Von Sternberg, drama de un amor fatal de un profesor por una cantante al visitar una taberna. Con Emil Jannings y Marlene Dietrich. Film de producción alemana.

La Felicidad (1965) de Agnès Varda, drama sobre un triángulo normal de amor entre un hombre y dos buenas mujeres, con Jean-Claude Drouot, Claire Drouot, Olivier Drouot, Sandrine Drouot, Marie-France Boyer, los dos primeros están casados y los otros dos son sus hijos en la vida real y en la película, la Boyer es la que resulta ser la amante de Jean-Claude. Film de producción francesa.

El puente sobre rel Río Kwai (1957) de David Lean, drama-film de guerra sobre la historia de la construcción del puente sobre el Río Kwai por parte de prisioneros de guerra de EEUU y Gran Bretaña. Con Alec Guinness y William Holden. Film de producción norteamericana.

El crucero Potemkin (1925) de Sergei M. Eisenstein, film histórico sobre la rebelión de la tripulación del famoso crucero en Odessa, en junio de 1905, y la masacre policial. Con Aleksandr Antonov y Vladimir Barsky. Film de producción soviética.

El motín del Caine (1954) de Edward Dmytryk, film bélico-drama sobre la rebelión de la tripulación del Caine contra su capitán, un hombre con serios problemas psíquicos, protagonizada por Humphrey Bogart, Van Johnson, Fred MacMurray y José Ferrer. Film de producción norteamericana.

El Cabo del terror (1962) de J. Lee Thompson, drama-suspense sobre un ex presidiario que desea cobrársela a su juez y a su familia por la condena anteriormente recibida. Con Gregory Peck y Robert Mitchum. Film de producción norteamericana.

Afiches de los filmes El Ángel Azul, La Felicidad, El Puente sobre el Río Kwai, El Crucero del Potemkin, El Motín del Caine y El Cabo del Terror

Carne trémula (1997) de Pedro Almodóvar, drama muy original de cómo se entrecruzan las vidas después de un accidente fatal. Con Javier Bardem, Francesca Neri y Liberto Rabal. Film de producción española.

Casablanca (1942) de Michael Curtiz, drama inolvidable que se desarrolla en la ciudad de referencia durante la II Guerra Mundial. Con Humphrey Bogart, Ingrid Bergman y Claude Raine. Film de producción norteamericana.

Afiches de los filmes Carne trémula y Casablanca

Escrito por Esteban Hernández (20 de enero de 2016)