En un sondeo de 2017 entre 150 actrices-actores, directores,
guionistas, productores y críticos de la revista Time Out
se catalogó a la película “El tercer hombre (1949)” como el
segundo mejor filme británico de todos los tiempos.

El cine clásico se caracteriza por sus tramas, sumamente interesantes, la interpretación de sus actrices-actores y sus agradables temas musicales muchas veces. Daba igual que la imagen fuera en blanco y negro, lo que valía era su calidad y ese es el caso de esta película de cine negro de producción británica, que fuera dirigida por Carol Reed.

La trama del filme es obra del destacado novelista inglés, Graham Greene, con adaptaciones de montaje aportadas por Orson Welles y Alexander Korda, que tiene muchas aristas, donde sobresalen dos, a entender del que suscribe, una es la amistad y sus límites, la otra es el amor infinito, las que son de hecho contrapuestas.  

El escenario del filme fue la Viena de post-guerra, bastante destruida y que fuera ocupada por las cuatro potencias en 1945. Los primeros en llegar fueron los soviéticos, mientras que los estadounidenses y británicos lo hicieron en agosto de ese año y los franceses un mes después.

La ocupación se extendió por 10 años. La firma del tratado del Estado Austriaco tuvo lugar el 10 de mayo de 1955, con lo cual finalizó la ocupación del país y el nuevo estado se declaró independiente y neutral políticamente.

La trama alrededor de un escritor estadounidense, aparentemente por vocación, ya que no era una persona de vasta cultura, encarnado por Joseph Cotten, Holly Martins, el cual viene a Viena para encontrarse con un amigo de su juventud, Harry Limes (Orson Welles), quien fue dado como muerto. Las indagaciones de Martins sobre la muerte de su amigo le dan a entender que las versiones no coinciden, que existe un tercer hombre en la recogida del cuerpo fallecido, el cual insistentemente se omite.

La guardia británico-estadounidense, dirigida por el mayor Calloway (Trevor Howard), está detrás del caso, pero posee más información que revela que los hechos no sucedieron como se declararon y que los actores del hecho pueden haber cambiado de rol, otro muerto y otro recogedor de cuerpo no declarados.  

Al desarrollo de la película se agrega el amor de Anna Schmidt (Alida Valli), emigrante de Checoslovaquia, la que por siempre amará al fallecido, pase lo que pase y sea como sea.

La amistad existe por comunidad de intereses y formas similares de pensar. Si la conducta del amigo se vuelve ajena a los principios que uno tiene, entonces la amistad corre el riesgo de desaparecer. Este aspecto queda recalcado en este filme.

Como siempre, no doy más elementos del argumento fílmico, pues de lo contrario caería en el spoiler. Aconsejo que la vean, no lo van a lamentar, todo lo contrario.

Las actuaciones son de verdaderos artistas del cine, cuyos nombres ya he ido mencionando, aunque sería injusto no citar el de los actores austriacos Paul Hörbiger y Annie Rosar. La cinta obtuvo Oscar como mejor filme en 1951, premio BAFTA como mejor filme británico y del National Board Review de EE.UU. como mejor filme extranjero, ambos en 1950. El director Carol Reed se llevó nominación para Oscar como mejor director, premios en el Festival de Cannes (1949) y del DGA de EE.UU. (1950).

Escrito por Esteban Hernández, el 16 setiembre de 2020, con información consultada en IMDB.com

“Hay una gran diferencia entre James Bond y mi persona,
él era capaz de resolver todos los problemas.”
Sean Connery

A la edad de 90 años, el 31 de octubre de 2020 en Nassau, Bahamas, falleció Sean Connery, actor que se hiciera famoso por sus interpretaciones como el hábil, superinteligente y dotado James Bond o Agente 007, y que en lo sucesivo se le viera siempre en películas con ingredientes marcados de aventura y acción, lo cual no demerita sus habilidades histriónicas   

Thomas Sean Connery nació el 25 de agosto de 1930 en Edimburgo, Escocia, en el seno de una familia humilde escocesa, de padre camionero y madre señora de limpieza en casas. En su juventud tuvo que trabajar en varios oficios, como lechero, camionero, albañil, pulidor de ataúdes y carrocero. También fue reclutado por la marina de su país, de la cual fue liberado por problemas médicos. Por su físico, medía 188 cm, podría haber sido jugador de fútbol, pero su deseo era el de actuar, para lo cual se inscribió como modelo del Colegio de Artes de Edimburgo. Este actor era también robusto y bien parecido, por lo que en 1953 participó en el certamen de Mr Universe, donde terminó en tercera posición, luego comenzó a trabajar en grupos teatrales locales.

En el cine debutó como extra en la comedia “Lilacs in the spring (1955)” (Lilas en la primavera) de Herbert Wilcox, pero en lo sucesivo se mantuvo actuando en seriales televisivos, entre ellos. “Requiem for a heavyweight (1957)” (Requiem para un peso pesado) de Alvin Rakoff con Michael Caine, film que relataba la vida de un boxeador. No obstante, su primera actuación de significación fue cuando co-protagonizó con la experimentada Lana Turner el drama romántico “Brumas de inquietud (1958)” de Lewis Allen. Un año después se le vio como villano en el filme de aventuras “La gran aventura de Tarzán (1959)” de John Guillermin con Gordon Scott en el papel de hombre mono. Luego continuó en la TV hasta que actuó en papel de reparto del film de crimen “La ciudad bajo el terror (1961)” de John Lemont con Herbert Lom. En ese mismo año co-protagonizó una versión de Anna Karenina para la TV, del director Rudolph Cartier, donde obviamente interpretó el papel del apuesto Conde Alexys Vronsky, mientras Claire Bloom era la Karenina. Otro papel secundario importante tuvo en el film de acción-guerra “El día más largo (1962)” de Ken Annakin y Andrew Marton con John Wayne, Henry Fonda y Paul Anka entre otros. 

Su primera interpretación del papel de James Bond fue en el film de acción “Agente 007 contra el doctor No (1962)” con Ursula Andress, al que le siguieron:

• “Desde Rusia con amor (1963)” con Daniela Bianchi, ambas películas de Terence Young,
• “James Bond contra Goldfinger (1964)” de Guy Hamilton con Honor Blackman, “Operación trueno (1965)” de Young con Claudine Auger, “
• “Sólo se vive dos veces (1967)” de Lewis Gilbert con Akiko Wakabayashi,
• “Diamantes para la eternidad (1971)” de Hamilton con Jill St. John

Después de esta película, parecería que Sean no volvería a interpretar este papel, lo cual no fue así, ya que sorprendió a todo el público al volverse a presentar por última vez en este rol en el film “Nunca digas nunca jamás (1983)” de Irvin Kershner con Bárbara Carrera y Kim Basinger.

A pesar de su fama en el papel indicado, este actor se le vio en filmes de otros géneros, como fueron:

• Los suspenses o filmes de crimen “Marnie, la ladrona (1964)” de Hitchcock con Tippi Hedren,
• “La mujer de paja (1964)” de Basil Dearden con Gina Lollobrigida,
• “Un loco maravilloso (1966)” de Irvin Kershner con Joanne Woodward
• El oeste “Shalako (1968)” de Edward Dmytryk con Brigitte Bardot
• El drama “Odio en las entrañas (1970)” de Martin Ritt con Richard Harris, el cual puede considerarse como la mejor actuación de Connery en un filme dramático con una trama muy interesante y real. 

En sentido general fue casi siempre un protagonista o co-protagonista muy efectivo en filmes de acción, así se le vio en:

Otras actuaciones en su repertorio son:

• El film de misterio y crimen “Asesinato en el Orient Express (1974)” de Sidney Lumet junto a un buen número de actores/actrices destacados
• Los filmes de aventura “Robin y Marian (1976)” de Richard Lester con Audrey Hepburn, donde Connery aparece como el viejo Robin Hood,
• “El viento y el león (1975)” de John Milius con Candice Bergen, donde encarna al mulay Ahmed Muhammed el Raisuly, más conocido como “El magnífico”,
• “El hombre que pudo reinar (1975)” de John Huston con Michael Caine,
• El drama “Cinco días, un verano (1982)” de Fred Zinneman con Betsy Brantley,
• El film de misterio “En el nombre de la rosa (1986)” de Jean-Jacques Annaud con F. Murray Abraham, film basado en la novela del mismo nombre de Umberto Eco
• El film épico “Los inmortales (1986)” de Russell Mulcahy con Christopher Lambert
• El drama-film de crimen “Los intocables de Elliot Ness (1987)” de Brian De Palma con Kevin Costner, en una actuación muy convincente como agente de policía y que le valió el reconocimiento de la exigente crítica de cine
• El film de aventura “Indiana Jones y la última cruzada (1989)” de Steven Spielberg, donde encarna el papel de padre del protagonista, Harrison Ford
• La comedia-film de crimen “Negocios de familia (1990)” de Sidney Lumet con Dustin Hoffman y Mathew Broderick
• El film de acción “La caza del octubre rojo (1990)” de John McTiernan, donde Connery funge como el capitán de un submarino que decide disidir
• El suspense “La casa Rusia (1990)” de Fred Schepisi con Michelle Pfeiffer, film basado en una novela de John Le Carré

En la década de los 90 y en lo sucesivo, protagonizó o actuó en papeles de reparto de:

• Los filmes de aventura “Robin Hood, príncipe de los ladrones (1991)” de Kevin Reynolds con Kevin Costner, donde Connery interpreta brevemente el papel del Rey Ricardo Corazón de León,
• “El primer caballero (1994)” de Jerry Zucker con Richard Gere y Julia Ormond, donde encarna al Rey Arturo
• Los filmes de acción “La roca (1996)” de Michael Bay con Nicholas Cage y Ed Harris,
• “La trampa (1999)” de Jon Amiel con Catherine Zeta-Jones
• El drama “Descubriendo a Forrester (2000)” de Gus Van Sant con Rob Brown
• El film de acción “La Liga de los hombres extraordinarios (2003)” de Stephen Norrington con Naseeruddin Shah.

Obtuvo OSCAR como mejor actor de reparto por “Los intocables de Elliot Ness (1987)”. Nominado para Globo de Oro como mejor actor de reparto por “Indiana Jones y la última cruzada (1989)”. Obtuvo Globo de Oro como mejor actor de reparto por “Los intocables de Elliot Ness (1987)”. En 1972 fue declarado por este certamen como actor favorito y en 1996 recibió el Cecil B. DeMille por su carrera artística.

Nominado para premios BAFTA como mejor actor por “La caza del octubre rojo (1990)”, y como mejor actor de reparto por “Los intocables de Elliot Ness (1987)” e “Indiana Jones y la última cruzada (1989)”. Obtuvo BAFTA como mejor actor por “En el nombre de la rosa (1986)”. Obtuvo premio de oro del German Film Awards por “En el nombre de la rosa (1986)”. 

Obtuvo premio laurel de oro por su actuación en “James Bond contra Goldfinger (1964)” y “Operación trueno (1965)”. Obtuvo premio MTV como mejor dúo con Nicholas Cage por “La roca (1996)”. Nominado para premio Satélite como mejor actor en drama por “Descubriendo a Forrester (2000)”. 

Nominado para premio frambuesa como peor actor de reparto por “Los vengadores (1998)” y como peor pareja junto a Catherine Zeta-Jones por “La trampa (1999)”.

En 1984 fue declarado el Hombre del Año por el Hasty Puddding Theatricals. Obtuvo el premio Amistad de la Ciudad de Edimburgo en 1991. Recibió honores por su Carrera en el 22do. evento Anual del Centro Kennedy en diciembre de 1999. En este mismo año obtuvo un premio similar del ShoWest Convention. Abogó por la independencia de su tierra natal, Escocia.

En resumen, actuó en 94 filmes entre 1954 y 2012, productor de diez y director de un documental.

Escrito por Esteban Hernández el 1 noviembre de 2020, con información consultada en IMDB.com y https://www.cbsnews.com/news/sean-connery-dies-age-90-james-bond-actor/

Nadie tiene el monopolio del sufrimiento.”
Dicho por el abogado acusador en el filme

Sencillamente estupendo, interesante, instructivo, todos los calificativos positivos que se puedan dar a un filme como este. No, no piensen que es made in Hollywood, nada de eso, se filmó en el Líbano con actores y director árabes, cuya trama muestra una realidad que en Occidente no se conoce mucho, la discriminación de los palestinos en el país ya mencionado.

Ah, pero la historia está ahí y los palestinos no es que hayan andado con pañitos calientes con los cristianos falangistas libaneses. No, la tercera ley de Newton se demuestra, a una fuerza, otra fuerza. El director-guionista libanés Ziad Doueiri tuvo la idea de presentar una trama a partir de un hecho, a criterio personal, insignificante, a partir del cual el agua fue calentando y luego hirviendo, para terminar en la tragedia de un juicio.

Durante el proceso legal afloran las diferencias de los distintos grupos, los simpatizantes cristianos, muchos de ellos orientados por entes falangistas, y del otro los refugiados palestinos, que más parecían mexicanos ilegales en California, que árabes en un país hermano.

Hay mucha historia, con otros entes fuera siempre listos para dividir y usar ese odio a su favor, los que no se ven en el filme, pero se hace alusión a ellos. Son los mismos que han invadido y ocupado al Líbano varias veces.    

Entre esos bandos existe un rechazo enorme, difícil de eliminar. A cada uno le asiste su razón, cada uno cree ser dueño de su verdad. En estas circunstancias encender la mecha es sumamente fácil. Basta una palabra mal dicha y por ahí todo se incendiará. La hubo, como también hubo una respuesta desagradable, sumamente ofensiva, capaz de hacer arder todo un bosque.

Las leyes pueden servir de apagafuegos, pero no siempre, de no llegarse a un entendimiento. El mismo invasor que afecta a uno, afecta al otro, así este último se resista a reconocerlo como tal.

La película se desarrolla principalmente entre dos procesos judiciales, uno breve y atropellado, pero otro mejor preparado y con argumentos apropiados para cada parte.

Los actores, el libanés Adel Karam, y el palestino Kamel El Basha, ambos actúan a un alto nivel, nada que envidiar a lo que se hace en otras mecas fílmicas. Los dos logran representar con eficiencia los polos beligerantes de la película. Camille Salameh es el abogado acusador, al inicio agresivo, luego se da cuenta de su error y lo rectifica con una clase de historia, de la cual todos podemos aprender.

Salameh cuenta con recortes fílmicos sobre la masacre de Damour, ocurrida el 20 de enero de 1976. Era la OLP palestina, la que atacó a los pobladores del lugar, mayoritariamente cristianos y simpatizantes falangistas. Fue la respuesta a la otra masacre, la de Karantina, que ocurrió dos días antes, perpetrada por la falange y en la que murieron 1500 personas.  

Cuando esto sucede, lo único que queda es un serio resentimiento, que es capaz de provocar pleitos, disturbios en cualquier momento. La vida lo ha demostrado con la masacre llevada a cabo por la falange en Sabra y Chatila durante la Guerra del Líbano en 1982.

Así que, a través de este film, nominado para Oscar como mejor película extranjera en 2918, uno podrá conocer de las relaciones entre palestinos y libaneses, así como parte de la triste historia del Líbano, sin excluir la influencia de Israel y de Ariel Sharon en todos estos desarrollos adversos.

Escrito por Esteban Hernández, el 2 setiembre de 2020, con información consultada en IMDB.com   

“En cuestiones de vida o muerte, el vocabulario
de un hombre es sumamente limitado.”
Pronunciado por el abogado en el film

Sin uno proponérselo, le cae un viejo film en manos con trama muy actual, el cual tiene un título muy directo en español, mientras que su original en inglés es “Intruder in the dust” (Intruso en el polvo), película dirigida por un director destacado, del cual se habla poco en estos tiempos, Clarence Brown, quien nunca obtuvo Oscar, pero le llovieron cinco nominaciones de películas muy aceptadas por la crítica y el exigente público.

Dice la sinopsis que el film se desarrolla en Mississippi, había pensado que era en un pueblo de Tennessee. Sea donde fuera, la discriminación era pan nuestro de cada día. Realmente se rodó en Oxford, pueblo de Mississippi, donde residía el guionista.

La película y guion están basados en una obra del famoso novelista William Faulkner, autor de otros guiones de filmes de reconocida calidad, tales como “Gunga Din (1939)”, “Tener o no tener (1945)”, “El sueño eterno (1946)”, entre muchos otros. Faulkner si es oriundo de Mississippi, por lo que su aporte a la trama del film fue valioso indudablemente.  

Sucede un asesinato de un blanco, enseguida la conclusión acusatoria fue la más simple, lo mató un negro, el que estaba cerca del lugar de los hechos. La horda de blancos de todo el territorio se movió para linchar al piel oscura, asesino y criminal. No hacía falta más prueba, ni argumentos, el negro era el culpable y tenía que pagar con su vida.

El resto de la trama tendrán que verlo en el film, no spoiler es una consigna de este blog. Si se anima a ver esta cinta, la cual está disponible gratuitamente en youtube.com, se dará cuenta de que los problemas raciales que ocurren en estos años son muy similares a los de décadas atrás.

Ese supremacismo de los blancos sea allí o en otros muchos países del planeta es una forma de trato inhumano, que no busca ninguna vía de relación normal. Por suerte, las poblaciones no son homogéneas, suelen tener minorías que se contraponen a esas mayorías y ofrecen una oposición racional. Se trata en algunos casos de personas que no están de acuerdo con la esclavitud, tampoco con la discriminación extrema, pero aceptan la segregación, nada de integración. Otras minorías abogan por una relación normal sin importarles el color de la piel de sus vecinos.

Las actuaciones del boricua Juano Hernández, como negro acusado; de Claude Jarman Jr., el adolescente defensor; David Brian, el abogado supuestamente defensor; y Porter Hall, padre de la víctima, el que como de costumbre encarnó su papel a la perfección, fueron todas de alto nivel, nada que envidiar a las de los protagonistas de películas de mayor categoría.

Escrito por Esteban Hernández, 24 setiembre de 2020, con información consultada en IMDB.com

“Los famosos piensan que pueden estar siempre en la cima,
sin darse cuenta que eso va contra las reglas de la vida.
No es natural estar todo el tiempo en ese sitial.”
Olivia de Havilland

El año 2020 pasará a la historia como el año del desastre mundial ocasionado por el covid-19, pero también el año que se ha llevado a dos figuras destacadas del cine de todos los tiempos.

El primero fue el legendario Kirk Douglas, quien falleció el 5 de febrero en Ámsterdam, Nueva York, mientras que la última estrella viviente de “Lo que el viento se llevó (1939)”, Olivia de Havilland, murió en la madrugada del 26 de julio por causas naturales.

De Douglas se ha hablado en múltiples ocasiones en este blog, pero no así tanto sobre Olivia. Sus esbozos biográficos pueden ser encontrados en estas páginas, pero quería referirme a dos aspectos en la vida de Olivia, uno positivo y otro negativo.

El primero de ellos, el positivo, fue el relacionado con la demanda que le hiciera a la Warner Bros. Olivia tenía un contrato de siete años y se quejaba de que la empresa fílmica tenía la costumbre de darle papeles del montón, siempre privilegiando a la destacada Bette Davis. El resultado fue que Olivia estuvo 6 meses sin trabajo, por lo que al terminar el contrato la Warner Bros. le exigió trabajar ese medio año, a lo cual Olivia se negó. El pleito judicial duró 3 años y al final Olivia se alzó con el veredicto favorable de los jueces.

La victoria, conocida como la Ley de De Havilland, significó un cambio, las grandes empresas fílmicas no podrían pausar contratos y luego extenderlos con el alegato de que las condiciones de exclusividad van incluso después de la fecha de término del contrato. Tampoco las actrices/actores estaban obligados a actuar en películas que no fueran de su gusto. Casi todos ellos quedaron agradecidos de por vida al valor de Olivia de interponer demanda a la Warner Bros.

Después de eso, a Olivia le llovieron contratos justos y sus éxitos en el cine fueron notables.

El negativo fue su relación con su hermana, la también actriz Joan Fontaine. Según afirmaba Olivia la rivalidad entre ambas comenzó en su niñez. Olivia era la preferida de su mamá, mientras que Joan siempre estaba por detrás. Mamá estimuló a Olivia para que se hiciera actriz de cine, lo logró a temprana edad. Joan se propuso algo similar y no es que le hubiera ido mal, todo lo contrario.

En 1941 ocurrió un hecho que fue como echarle más leña al fuego, Olivia fue nominada al Oscar como mejor actriz por su interpretación en el drama “Si no amaneciera (1941)”, donde actuara conjuntamente con el famoso Charles Boyer. Para su desgracia ese premio fue a parar a manos de su hermana Joan por el papel en el suspense “Sospecha (1941)” de Alfred Hitchcock.

Después que Joan murió Olivia habló pestes de su hermana, la hizo aparecer como la malvada de la escena. Uno se pregunta, ¿por qué calló y vino a hablar cuando su hermana ya no estaba presente? Puede que tenga razón en algunos momentos, pero no es para creer que Olivia fuera siempre la buena y Joan la malvada.

Otro aspecto negativo de ambas fue que se disputaran a un mismo hombre, como fue el caso del realizador Howard Hughes.

Cuando la madre de ambas murió, el funeral fue organizado por Olivia y Joan no asistió, según ella por no haber sido informada con tiempo de este fallecimiento por parte de Olivia. Este episodio fue el que destruyó toda posibilidad de acercamiento entre ambas hermanas.

A fin de cuentas y dejando atrás este aspecto negativo, la muerte de Olivia significa la desaparición de una grande del cine, a la que se le recuerda y honra por sus actuaciones, que, a muchos, incluido este servidor, nos deleitaron.

Fuentes

Carrasco Lupe. 2020. Olivia de Havilland, el último mito femenino de la época dorada de Hollywood. Vozpopuli, 27 julio. https://www.vozpopuli.com/altavoz/cultura/muere-olivia-havilland-peliculas-joan-fontaine_0_1377162447.html

Hernández Esteban. 2016. Olivia de Havilland cumplió 100 años. Deportescineyotros.wordpress.com. https://deportescineyotros.wordpress.com/2016/07/15/olivia-de-havilland-cumplio-cien-anos/

Madrid José. 2020. Olivia de Havilland contra Joan Fontaine: así habló la actriz de su guerra entre hermanas. Vanitatis, 27 julio. https://www.vanitatis.elconfidencial.com/celebrities/2020-07-27/olivia-de-havilland-muerte-enemistad-joan-fontaine_1227529/

Escrito por Esteban Hernández, 27 julio de 2020.

“La segregación daña física y espiritualmente,
su herida cicatriza en el alma, es un sistema
que siempre mira en la cara al segregado y le
dice: “tú eres menos que… o no eres igual a…”
Martin Luther King Jr.

Hace algunas semanas veía un film, “El largo camino a casa(1990)” del director Richard Pearce con protagonismo de Whoopi Goldberg y Sissy Spacek, cuya trama gira alrededor de los hechos ocurridos el 1 de diciembre de 1955, en Montgomery (Alabama, EE.UU.). La cinta refleja la acción de dos mujeres, una afro y otra blanca en apoyo a la rebelión de la población negra, que logró boicotear el transporte público, ya cansados de sentarse siempre en la parte trasera de los buses. El boicot consistió en no montar más los buses de transporte público hasta tanto no se le diera iguales derechos a la población afro de sentarse donde quisieran igual que hacían los blancos.

Ese tipo de rebelión implicaba que la población negra se tenía que mover con sus propios medios. Era la odisea diaria de Odessa Cotter, papel interpretado por Whoopi Goldberg, criada en casa de unos ricachones blancos, donde la Señora es encarnada por Sissy Spacek.

La trama, a entender del que suscribe, está algo edulcorada, ya que Miriam Thompson (Spacek) evoluciona rápidamente a favor de la población negra. Un proceso de concientización muy veloz que está por ver si fue realidad.

Lo extraño de esa película es que la figura central de esta rebelión no es mencionada, que yo recuerde. La historia real cuenta que la ciudadana y costurera Rosa Louise Parks, nacida el 4 de febrero de 1913 en Tuskegee, Alabama, regresaba de su trabajo, subió a un bus y se sentó en la parte trasera como de costumbre, pero ese día los pasajeros blancos parados eran muchos, por lo que el chofer paró el vehículo y ordenó a los negros sentados que cedieran sus puestos a los blancos. No se esperaba el chofer blanco que Rosa Parks se negaría a aceptar su orden.

Ya saben, donde existe segregación y discriminación, la ley injusta se hace sentir, por lo que Rosa fue arrestada, juzgada y luego condenada por haber violado el orden de la ciudad. Law and force era la receta.  

La reacción de la población negra fue contundente, orientada por la Asociación de Mejoramiento de Montgomery, presidida por el reverendo Martin Luther King Jr. Se estableció un boicot por parte de la población negra, la que se movería en sus vehículos, de poseerlos, o irían a pie a sus puestos de trabajos, lo que implicaba largas caminatas, que es lo que trata la película de Pearce.

El boicot duró 382 días, lo que provocó pérdidas económicas a la transportación local de Montgomery. Finalmente, el gobierno norteamericano no tuvo más remedio que echar abajo todas las reglas segregacionistas existentes en el transporte de ese país.

Algunos datos sobre Rosa Parks, era hija de padre carpintero y de maestra. Estudió en la escuela industrial Montgomery Industrial para damas y luego en el colegio estatal para maestros en Alabama. Ya graduada, Rosa se casó con Raymond Parks.

A partir de la lucha iniciada en 1955, Rosa continuó su activismo en favor de la igualdad racial, para lo cual ella y su esposo se trasladaron a Detroit, el llamado motown norteamericano, en 1957. Ocho años después Rosa trabajó para el congresista John Conyers. Fundó en 1977 el instituto de Auto-Desarrollo Rosa y Raymond Parks, el cual promovió el llamado Camino a la Libertad. Este centro creado después de la muerte de Raymond Parks por Rosa, organiza paseos en buses para adolescentes y de otras edades a fin de conocer la historia de la lucha por los derechos civiles en los Estados Unidos.

Rosa tuvo activa participación en la inauguración del Memorial de los Derechos Civiles en Montgomery en 1989. Diez años después el presidente Bill Clinton le otorgó la Medalla de Oro del Congreso. Rosa es siempre muy recordada como una de las grandes activistas del movimiento por los derechos civiles en EE.UU. Su fallecimiento tuvo lugar el 24 de octubre de 2005 en Detroit.

Volviendo al tema de la película, cuyo argumento aborda el conflicto creado por la decidida actitud de Rosa, llama la atención que su nombre no sea mencionado. Al menos, el que suscribe no lo recuerda, y se centra en la actitud de la protagonista principal Sissy Spacek, la señora blanca, la que en horas o días logra conciencia de los desmanes de la discriminación. Se dice que la película está basada en hechos reales, eso es cierto, pero a uno le queda la duda del activismo de esa señora. ¿Acaso el guionista y el director no podían centrar su atención más en el activismo de la población afroamericana?

Cabe aclarar que el guionista de esta película, John Cork, es famoso por sus libretos para James Bonds y el Hombre Araña entre otros. Solo “El largo camino a casa(1990)” aparece en su repertorio como guion de película dramática. A su favor está el hecho de haber nacido y ser criado en Montgomery, Alabama, por lo que conoce de cuna el problema racial existente en esa ciudad de EE.UU.

Fuentes

IMDB.com. El Largo Camino a Casa (1990). https://www.imdb.com/title/tt0100046/reference

Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. 2004. Biografia de Rosa Parks. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/parks.htm, 2 de julio 2020.

UNICEF (s/a). Rosa Parks: Un asiento reservado a los derechos humanos. https://www.unicef.es/educa/blog/rosa-parks-asiento-reservado-derechos-humanos

Escrito por Esteban Hernández, 25 julio de 2020

“La injusticia, siempre mala, es horrible ejercida contra un desdichado.”
Concepción Arenal (1820-1893, Escritora y socióloga española)

Uno no se cansa de ver los filmes de calidad, sobre todo si los mismos abordan aspectos de actualidad y problemas que afectan a la sociedad.

La noche del 21 de julio LA2 proyectó en pantalla un clásico de todos los tiempos, se trata del drama del director Sidney Lumet, “12 hombres en pugna”, que en España se titula “12 hombres sin piedad”, el cual cuenta con las actuaciones de verdaderas estrellas protagónicas o co-protagónicas como Henry Fonda, Lee J. Cobb, Martin Balsam, Jack Warden, E.G. Marshall, Robert Webber entre otros.  

La película se realizó con pocos recursos, ya que se desarrolló en una habitación casi todo el tiempo, donde un jurado intenta condenar a un adolescente sin entrar en un análisis de la verdadera culpabilidad del supuesto reo. Los jurados llegaron con la idea de terminar rápido, o sea matar y salar, pero encontraron un escollo cuando uno de ellos declaró al reo inocente y expuso cuidadosamente sus argumentos.

Pocos valores daban a la vida de una persona joven, que de ser declarado culpable iría sin más remedio a la cámara de gases. Cuando no se valora correctamente el bien y el mal de una persona, entonces ya uno puede comenzar a poner en duda la ética de los que juzgan. Eso fue precisamente lo que quiso el guionista del filme, Reginald Rose, reflejar. Los elementos de la trama fueron tomados de un proceso similar, de ocho horas de duración, en el cual Rose tuvo la oportunidad de participar como Jurado.

Lo interesante de la película es como poco a poco se van desgranando los elementos que podrían culpar o inculpar al reo, trabajo que en la corte no se llegó a realizar y que puso en tela de juicio el pobre papel del abogado defensor designado para el reo.

Los sentimientos de los jurados son importantes en estos casos. A una persona llena de prejuicios le resulta difícil llegar a conclusiones justas, a una persona que discrimina, otro tanto. Sin embargo, lo penoso es que lograr conciencia sobre la vida de un hombre fue una labor ardua de parte de quien objetó la culpabilidad. Él podía estar equivocado, pero sus méritos radican en su análisis, donde siempre puso por delante la vida del adolescente.

De cierta forma, la trama nos hace pensar en la injusticia de la pena capital, más aún cuando se trata de una vida joven, alguien a quien se puede reeducar. Privar la vida a cualquier ser en el mundo es algo que se sale de las normas de humanidad en las sociedades modernas. En el caso de los EE.UU. se sabe que muchos han sido injustamente castigados con la pena capital.

Ahí radica el valor de esta película y por lo que no cansa verla repetidamente. Lo que era injusto en la década de los 50, sigue siéndolo en el nuevo milenio. La injusticia perdura y las penas capitales no han desaparecido. Muchos países aún las practican sin ninguna piedad.

Escrito por Esteban Hernández, 22 julio de 2020, con información consultada en IMDB.com y https://www.britannica.com/biography/Reginald-Rose

“Si Ud. quiere paz, trabaje por la justicia”
Papa Pablo VI

La desgracia ocurrida en Minnesota con el ciudadano afro-estadounidense George Perry Floyd Jr. en el curso del año 2020 me hizo recordar esta película (Mr. 880 como título original), híbrido de suspense y comedia, dirigido por Edmund Goulding, que tiene algunas similitudes con el hecho actual, con la diferencia que el posible reo en el filme era un hombre blanco y viejo de 73 años, cuyo papel interpretó Edmund Gwenn, que venía de ganar Oscar como mejor actor de reparto por su actuación en la comedia-drama “De ilusión también se vive (1947)”.

De George Floyd la policía local sospechó que intentaba pagar con un billete falso de 20 dólares, mientras que William “Skipper” Miller, el personaje encarnado por Gwenn, falsificaba regularmente billetes de un dólar. Su trabajo era secreto, solo él conocía del mismo, lo que obligó a los aparatos judiciales y policiacos a montar toda una investigación para poderlo identificar, cuyo resto de la trama no voy a relatar más para que los espectadores no pierdan el interés de ver un filme muy entretenido, uno de las tantas cintas en blanco y negro, que enriquecieron la época dorada del cine de Hollywood.

Burt Lancaster es el encargado de la investigación, a la cual se le prestaba toda la debida atención. Imagínense el gasto incurrido para pescar a un hombre falsificador de billetes de 1 dólar. Claramente no había rentabilidad, era más lo que se gastaba investigando, que lo que el pobre viejo hacía y no para lucrar sino para sobrevivir.

La tónica romántica y de ternura fue puesta por Dorothy McGuire, nominada anteriormente para Oscar como mejor actriz principal por su actuación en el drama “La barrera invisible (1947)”.

Así que hubo coincidencias con sus diferencias entre lo ocurrido realmente a Floyd, hombre de piel oscura, y lo que, a Miller, hombre blanco, le llegó al final de la película. A Floyd lo redujeron hasta matarlo ahogado, “Skipper” Miller tuvo otra suerte sin ningún maltrato. Para dicha del actor Gwenn, esta nueva actuación le valió un segundo Oscar en igual categoría, actor de reparto.   

Escrito por Esteban Hernández, 16 junio de 2020, con información consultada en IMDB.com

“África tiene un aura especial y la tersura de un sueño infantil.”
Javier Martínez Reverte (1944, escritor español)

No son muchos los que conocen el mundo del África al sur del Sahara, su forma de vivir y de pensar. Viven en la pobreza, muchas de esas familias con pocos recursos para poder comer el mínimo indispensable diariamente, aun así, ellos poseen eso que se llama resiliencia. Adaptados a los males dejados por siglos de dominación colonial, a los que se suma la corrupción e ineficiencia de muchos de sus autoridades, logran un equilibrio de vida, que les deja tiempo para poder disfrutar algunas pequeñas cosas.

El autor viajó varias veces al Senegal, incluso conoce bien los parajes de la frontera de este país con Mauritania y del río Senegal, por lo que ver esta película fue como recordar realidades vistas anteriormente, desconocidas en los países desarrollados. La peli se presenta como una fábula con sus ingredientes bien añadidos de las costumbres de los grupos étnicos que componen al Senegal.  

Todo gira alrededor de un viaje de un famoso actor francés de origen senegalés, que viaja a la tierra de sus ascendentes, así como un niño de una aldea al norte del país, quién por sus grandes simpatías con este actor, decide escapar de casa para encontrarlo en la capital. A partir del encuentro comienzan a sucederse eventos inesperados o desconocidos para el actor, hombre que en realidad desconocía la cultura de sus ancestros.

Lo mejor de la película es que refleja la hospitalidad de su pueblo, la forma tan libre de vivir, no muy dados a preocuparse mucho del tiempo, también la maldad que se genera en algunos para hacerse de forma engañosa de lo que no se tiene, el comportamiento de la policía, las creencias locales, sus ritmos. Un filme hecho con muchos pedacitos veraces de lo cotidiano.

La peli, dirigida por Philippe Godeau y de producción francesa, cuenta con el protagonismo del actor afro-francés Omar Sy, quien probablemente se interpreta así mismo; el niño Lionel Louis Basse, quien encarna el papel de Yao; y la bailarina oriunda del vecino Mali, Fatoumata Diawara, en el papel de Gloria.

Yao es un entretenimiento cultural, el que adentra al espectador en un país, donde viven varios grupos étnicos y se hablan unas siete lenguas locales, además del francés, idioma oficial.  

Escrito por Esteban Hernández, el 8 junio de 2020, con información consultada en IMDB.com

“Viviremos para ver al Sr. Obama como presidente,
viviremos entonces una era socialista que
América no había visto antes, en la que nuestro
país se debilitará en todos los sentidos.”
Jon Voight

Jon Voight en una escena de «El regreso (1978)»

El actor de referencia es, sin lugar a dudas, una representación de lo más ultraconservador en el mundo del cine estadounidense. Conocido es por sus posiciones extremas y agresivas con todos aquellos que no piensen como él.

Su biografía nadie la quiere escribir en IMDB.com, así que a retazos se describe lo que existe sobre este actor. Primero ver los orígenes del padre de Angelina Jolie. Jonathan Vincent Voight nació el 29 de diciembre de 1938 en Yonkers, estado de Nueva York, EE.UU., hijo de padre golfista profesional, descendiente de familia eslovaca, y de madre, hija de alemanes. Cursó estudios en la primaria y en la Escuela Superior del Arzobispado de Stepinac, White Plains. Terminó escuela en 1956, se matriculó en la Universidad Católica de America en Washington, DC, donde se estudió artes, lo que terminó en 1960. Posteriormente decidió ir a residir a Nueva York. Según Voight afirma, en su vida mucha influencia ha ejercido las enseñanzas católicas recibidas, las que inicialmente en su juventud no fueron muy tomadas en cuenta.

Sus habilidades histriónicas han quedado bien expuestas en pantalla. Entre las más famosas están “Cowboy de medianoche (1969)” del director John Schlesinger, película en la que actuó con el pequeño gigante de la pantalla, Dustin Hoffman, que le valió Oscar al director y nominaciones como mejor actor para él y Hoffman. Sencillamente sus interpretaciones fueron excelentes, la de él, como todo un “guajiro” tejano (vaquero) aparecido en Nueva York, donde quiso abrirse paso para ganar más dinero y poder dejar atrás el mundo del que venía. Poco después interpretaba el papel de un joven rebelde, incitador de revueltas en el drama “The revolutionary (1970)” (El revolucionario) de Paul Williams, en la que también actuó Robert Duvall. La peli venía muy adaptada a su época, era cuando Europa estaba convulsa con las manifestaciones de jóvenes en sus calles. Se le recuerda protagonizando “Odessa (1974)” de Ronald Neame, con trama de la novela antifascista del mismo nombre del escritor Frederick Forstythe, donde también actúan María y Maximilian Schell. Mejor aún, su interpretación de Luke Martin, hombre que regresó invalido de la guerra en el Vietnam, en el drama “El regreso (1978)” de Hal Ashby, en el que actúa Jane Fonda como el amor de su vida, mientras Bruce Dern, es el marido, oficial ultraconservador, quien no acepta las figuras rebeldes con el sistema imperante. Franco Zefirelli lo llevó a protagonizar “Campeón (1979)”, trama sobre un boxeador, deporte que siempre ha sido la predilección de Voight. Su protagonismo del filme de acción “El tren del infierno (1985)” fue realmente bien recibido por espectadores y crítica. No menos famosa fue su actuación en la serie “Regreso a Paloma Solitaria (1993)”, que Voight protagonizó, al igual que su actuación en el drama histórico “Rosewood (1997)” de John Singleton.

Su breve interpretación del presidente Roosevelt en “Pearl Harbor (2001)” fue meritoria, la escena en que aparece declarando la guerra a Japón fue muy convincente. Resultó ameno su desenvolvimiento en la película “Ali (2001), la que gira alrededor de la figura del gran campeón Muhammad Ali o Casius Clay. Encarnó el papel del Papa Juan Pablo II en la miniserie televisiva del mismo nombre en 2005.

Sin embargo, se puede decir que en las décadas iniciales de su carrera en cine mantuvo una actitud muy diferente a la actual. Él mismo afirma que se equivocó con Vietnam, donde erróneamente achaca los muertos asesinados por el régimen de Pol Pot en Camboya a los vietnamitas. Enreda con falsos argumentos lo ocurrido en Camboya bajo ese régimen fascista. La guerra en esa parte del planeta fue por la independencia de tres de sus naciones, Vietnam, Camboya y Laos, los otros actores en esa confrontación eran foráneos invasores, esa es una verdad, guste o no. Lo ocurrido después de la independencia en Camboya es lo mismo que ocurrió en Ruanda, donde las causas hay que encontrarlas en el odio tribal o en las diferencias políticas entre las partes que obraron en la lucha independentista, en ninguno de los casos se puede aprobar el genocidio, pero tampoco achacarlo a lo que no es.

Cada cual puede tener su posición política, la que debe ser respetada. Voight escogió su camino. Votó abiertamente a favor de George W. Bush, apoyó la candidatura de Rudy Giuliani para presidente, puesto que al final ocupó John McCain por el partido republicano, ha atacado repetidamente sin piedad al ex-presidente Barack Obama, nada de lo que dijo sobre él se cumplió, así que carece de condiciones de profeta, luego se erigió en uno de los entes que más ha alabado a Donald Trump, al que compara con Abraham Lincoln. Si así lo piensa, es su derecho, guste o no.

Sucede que el respeto tiene que ser reciproco, algo que Voight no parece verlo así. Uno de los mayores críticos de Donald Trump ha sido el actor Robert De Niro, lo ha hecho despiadadamente, algo que seguramente no ha gustado a los electores del magnate neoyorquino, entre ellos Jon Voight, quien afirma que las posiciones de Robert le avergüenzan y que se equivoca.

Desde el 2000, Voight funge como consultor del Museo del Holocausto en Florida, positivo en este caso, pero está su posición sobre el conflicto Palestino-Israelí, donde se sitúa de lleno de la parte israelí y de una forma nada aceptable, pues hay afirmaciones que no ayudan a propiciar la paz, que es lo que se necesita en esa parte del Medio Oriente. La actriz Penélope Cruz y el actor Javier Bardem, ambos españoles, no dudaron en calificar de genocidio la injerencia del ejército israelí en la franja de Gaza, algo que está muy al descubierto y descrito por la prensa internacional. Otros tantos actrices y actores han respaldado esas declaraciones y solicitaron alto al fuego. Eso no es ninguna falta de respeto al pueblo israelí, algo que así no lo entendió Voight, quien afirmó que las declaraciones de Cruz-Bardem incitaban al antisemitismo, algo realmente muy lejano de la realidad. Sin embargo, la voz de Voight no se oye cuando suceden actos de tiroteos injustificados en su país o cuando asesinan a negros en las calles, como es el caso reciente de George Floyd en Minneapolis. Todavía uno se pregunta que le indujo a actuar en “Rosewood (1997)”.

Lo que se aplica para uno, se debe aplicar para otros, sencillamente Voight debe reflexionar un poco más lo que opina y respetar el criterio de los demás. A él puede no interesarle las vidas de los palestinos que mueren en esos ataques, incluyendo niños, no así a otras estrellas del cine. Es su posición la que no ayuda a resolver pacíficamente este conflicto.

Donald Trump le confirió una condecoración por sus méritos artísticos, los que son innegables. La ceremonia de premiación tuvo lugar el 23 de febrero de 2018 en Mar-a-Lago, en Palm Beach (sur de Florida), club privado de Trump. pero resulta que sus verdaderos honores como actor y de parte de la exigente crítica del cine, los recibió por papeles que nada tienen que ver con la figura del actual Jon Voight.  Por el filme “El regreso (1978)”, el de la guerra en Vietnam, recibió Óscar y Globo de Oro al Mejor actor, y mejor interpretación masculina el Festival de Cannes. Otro Oscar obtuvo por “El tren del infierno (1986)”.

Mucho se ha hablado sobre sus divergencias con su hija, la actriz Angelina Jolie, que debe entenderse como problemas de familia, que nada interesan al que suscribe.

Fuentes

Anon. 2014. Jon Voight acusa de antisemitas a Javier Bardem y Penélope Cruz. El País, 4 ago. https://elpais.com/elpais/2014/08/04/gente/1407152040_755163.html

Anon. Jon Voight. IMDB.com. https://www.imdb.com/name/nm0000685/?ref_=fn_al_nm_1

Escrito por Esteban Hernández, 24 de mayo 2020

“Las historias más bellas siempre
comienzan con destrucción.”
Jack London

El filme de referencia, The call of the wild en su título original, está basado en una famosa obra de Jack London y que ha sido llevada al cine en varias ocasiones, pero todos sabemos que una cosa es el libro y otra es el filme. Sin embargo, esta vez les puedo asegurar que, si existe versión más parecida al libro, esta se aproxima en más de un 95%. Así que, ante todo, hay que felicitar al director Chris Sanders por esta realización tan similar a la obra de London.

En todo filme los protagonistas son seres humanos, en este caso los aplausos son para un perro, Buck, como en la novela, el cual tiene que luchar contra innumerables vicisitudes al ser llevado por ladrones al mismo Yukón de Alaska. Este can es un cruce de San Bernardo y de Collie escocés, el cual vivía en Santa Clara, California, como todo un bitongo en casa de gente adinerada y un buen día unos rufianes vieron en él la oportunidad de hacer algún dinero y mandarlo al norte frío y nevado.

No es para describir toda la peli, la realidad es que la interpretación del perro es de lo mejor que uno pueda ver en pantalla. Es un perro con sentimiento e hiperinteligencia. Sus movimientos, reacciones y decisiones parecen ser de un ser humano y no de un animal. Lo mejor es la interpretación del perro, aunque puede que haya sido más de un perro con igual cruce el que haya actuado, algo que quien suscribe desconoce. Como se trata de una peli, todo vale a fin de que la misma sea lo más fiel a la novela y logre el debido impacto en el espectador.

Entre los actores estaban Harrison Ford, con una excelente actuación; el afro-francés Omar Sy, igualmente muy bien ajustado al rol concedido; la canadiense Cara Gee, la que luce como una descendiente de esquimal en el filme; y otro inglés, el malvado Dan Stevens. Todos ellos lograron complementar el éxito de la peli, donde, repito, el perro fue el protagonista y debería ser quien opte por el Globo de Oro y el Oscar al mejor actor, ¿por qué no? Tampoco se puede dejar de mencionar a los perros del trineo y a los lobos de las áreas circundantes, donde cada uno jugó su papel para dar más colorido a esta cinta.

Este es un filme para todas las edades y muy aconsejables para niños mayores de 7 años. La violencia existente no llega a ser la desquiciante de las películas actuales, aparte de ser poca, no hay escenas porno de ningún tipo y si mucha interacción positiva entre la mayoría de los personajes y el perro Buck.

Escrito por Esteban Hernández, 11 mayo de 2020

“Donde no hay humanidad, no hay justicia.”
Abhijit Naskar (1991, India, neurólogo y escritor)

El título de este film, dirigido por Matt Ruskin, responde al de un barrio céntrico de Brooklyn, Nueva York, que, por lo visto, está muy poblado de afro-estadounidenses y de otros provenientes de Haití, Trinidad y otras islas del Caribe.

La trama no es muy complicada, es tomada de hechos reales, que una vez más demuestran las enormes debilidades del sistema judicial y penitenciario de un país.  Una vez más queda claro el nivel de pobreza y miseria de algunas de estas familias negras, las que sobreviven como medios de distribución de drogas en muchos casos. La peli sugiere que los casos de homicidios hay que cerrarlos como sea, así sean inocentes los condenados culpables. Según una estadística aparecida al final del film, hay más de 2.5 millones de presidiarios en EE.UU., de los cuales, se estima 120 mil son inocentes. Imaginemos a un inocente condenado a cadena perpetua, ¿quién le devuelve la vida perdida en prisión cuando se demuestre la injusticia? Eso, si se llega a demostrar, lo cual no parece siempre muy probable.

La corrupción policial, por un lado, los jueces entregados a falsas pruebas y a procedimientos dudosos de verificación, donde una palabra mal utilizada sin intenciones se puede convertir en caso de perjurio, todo eso demuestra que hay muchas cosas que no funcionan bien. A ello hay que sumar el régimen carcelario, de espanto, cuando las zurras a los presidiarios pueden ser incontenibles y terminan con aislamiento severo del reo golpeado.

De esta película ni se habla, sus actrices y actores no son muy conocidos, su trama es un clavo duro de asimilar para los que proclaman la existencia de otro ambiente agradable e irreal. Condenamos las tiranías y las dictaduras sin piedad, algo muy justo, pero no queremos aceptar las imperfecciones de la llamada democracia, nos da miedo hablar al respecto cuando se trata de groseras violaciones de los derechos humanos.

Es de felicitar al director y al resto del equipo que realizó esta película. Más cinematografía seria y basados en la realidad es lo que la humanidad necesita, y no la caterva de filmes de acción o ciencia ficción sin sentido que en la actualidad se producen y no enseñan nada.

Escrito por Esteban Hernández, 20 abril de 2020

“La verdad es que hice buenas actuaciones
en los 50, luego me fui en caída libre.”
José Ferrer

José Ferrer yace en cama y Charles Bickford aparece a la izquierda en «Vorágine (1949)». Cortesía doctormacro.com

En el cine de Hollywood, los actores latinos han sido tratados muchas veces como mercancía sexual. Basta mencionar los nombres de los actores mexicanos Gilbert Roland y Ricardo Montalbán para uno darse cuenta. Incluso otros estadounidenses, pero de origen latino, como César Romero y Mel Ferrer, han sido incluidos en esa lista de machos atractivos, muy usados en el cine con fines de atracción, al menos mientras fueron jóvenes.

En este artículo se hablará de un latino, caribeño para ser más específico, pero que distaba mucho de ser el latin lover gustado en Hollywood. Se trata de un actor, también director, que realmente tenía una extraordinaria capacidad histriónica, que logró éxitos en el teatro como en el cine en el pasado.

Su nombre es José Vicente Ferrer de Otero y Cintrón, más conocido como José Ferrer, nacido el 8 de enero de 1912 en Santurce, Puerto Rico, a quien se le puede considerar como el mejor actor-director del área del Caribe que haya pasado por Hollywood, muy recordado por sus interpretaciones en papeles de villano en varios filmes de acción-aventura o incluso en dramas. Ferrer era hijo de padre abogado y se dice que su abuelo paterno fue uno de los que apoyó las luchas independentistas en Puerto Rico. Cuando el niño José tenía 2 años, su familia decidió trasladarse al territorio de los EE.UU., concretamente a Nueva York. Sin embargo, su educación primaria y secundaria tuvo lugar en Rolle, Suiza, por lo que es de suponer que el joven José haya aprendido francés y alemán, además de haber cursado clases de piano. Luego pasó estudios universitarios, arquitectura en este caso, en la Universidad de Princeton, que concluyó en 1933. No está claro por qué escribió una tesis sobre el naturalismo francés y el arte literario de la naturalista española Emilia Pardo Bazán (1851-1921).

En su tiempo en universidad no descuidó su interés por la música, fundó la orquesta José Ferrer & his Pied Pipers (Gaiteros de varios colores), donde lo mismo tocaba el piano, el clarinete y el saxofón, o cantaba, y dirigía su grupo musical.  Su estrecha relación con la música lo acompañaría a través de su carrera, facilitando su entrada al mundo del teatro. Su inclinación por las artes lo llevaron a cursar estudios de literatura y lenguas romances en la Universidad de Columbia.

Su vocación artística incluía la interpretación, en 1934 debutó como actor en un teatro de Long Island. Luego fue reclutado por el director del Suffern Country Playhouse. Su debut en Broadway fue en 1935, en la obra “A slight case of murder” (Un caso ligero de asesinato), el cual se reprodujo 69 veces en teatro. Luego actuó con éxito en las obras “Brother rat” (Hermano rata), “Charley’s aunt” (La tía de Charley), interpretó el papel del villano Yago en “Otelo” y el de Cyrano de Bergerac, que le valió un premio Tony como mejor actor. Toda esta labor teatral se desarrolló durante más de una década, hasta 1948.

En el cine, algo viejo, tenía 35 años, debutó en el drama “Juana de Arco (1948)” de Victor Fleming con Ingrid Bergman, donde interpretó el papel del rey Carlos VII de Francia, el delfín, o sea el villano monarca, al que Juana de Arco sirvió en vida. Su actuación convenció, al extremo de obtener nominación para Oscar como mejor actor de reparto. A continuación, encarnó el papel del cínico y perverso hipnotista David Korvo en el film de cine negro “Vorágine (1949)” de Otto Preminger y protagonizado por Gene Tierney y Richard Conte, pero donde la mejor actuación realmente corrió a cargo de Ferrer. Su perversidad encubierta supo reflejarla magistralmente en su papel. A continuación, actuó en el drama “Crisis (1950)” de Richard Brooks con Cary Grant, donde interpretó el papel de un dictador latinoamericano, de nombre Raoul Farrago.

Protagonizó “Cyrano de Bergerac (1950)” de Michael Gordon, donde una vez más encarnó el papel del famoso poeta y espadachín, cuya actuación le mereció Globo de Oro y el Oscar como mejor actor, primero obtenido por actor latino en Hollywood. A pesar del éxito de Ferrer, la película dejó pérdidas. La estatuilla de mejor actor fue donada a la Universidad de San Juan por el agraciado, la cual fue robada cuando este centro docente estaba en renovación.

El actor-director John Huston le dio el papel principal, el del pintor Henri de Toulouse-Lautrec, futuro Conde, a Ferrer en la película biográfica “Moulin Rouge (1952)”. Ferrer preparó unas almohadillas que le ayudaron a caminar de rodillas en varias escenas. Por esta formidable actuación recibió una nueva nominación de Oscar como mejor actor, que incompresiblemente se le otorgó a Gary Cooper por su casi silenciosa actuación en el oeste “Solo ante el peligro (1952)”.

“Miss Sadie Thompson” o “La bella del Pacífico (1953)” de Curtis Bernhardt y protagonizado por la estelar Rita Hayworth, fue la primera incursión de Ferrer en película musical, algo que le venía muy bien debido a sus dotes como músico.

Otra actuación para recordar tuvo en el drama-film bélico “El motín del Caine (1954)” de Edward Dmytryk con Humphrey Bogart, Fred MacMurray y Van Johnson. Mucha gente habla de las actuaciones de Humphrey Bogart, a veces sin mencionar esta, donde el gran actor se lució con un papel que no dejó dudas de su capacidad histriónica, pero sucede que a Ferrer le tocó interpretar el papel de un abogado defensor militar, lo que hizo con su maestría acostumbrada. Si bien no hubo nominación para Oscar, los premios BAFTA le nominaron como mejor actor extranjero por esta película.

Nuevamente en el mundo musical, interpretó el papel del compositor estadounidense Sigmund Romberg en el drama “Profundamente en mi corazón (1954)” de Stanley Donen con Merle Oberon. Le siguieron principalmente dramas de su propia dirección, como “The shrike (1955)” (El alcaudón) con June Allyson, “The great man (1956)” (El gran hombre) con Dean Jagger, “Yo acuso (1958)” con Anton Walbrook, donde interpreta el papel del Capitán Alfred Dreyfus, y la comedia “The high cost of loving (1958)” (El alto costo de amar) con Joanne Gilbert. Igualmente dirigió en ese período el filme bélico “El infierno de los héroes (1955)” con Trevor Howard.

En la década de los 60, sus actuaciones fueron mucho menos notables que en los 50. Así actuó en papeles de reparto:

• Del drama “Return to Peyton Place (1961)” (El regreso a Peyton) de su dirección con Jeff Chandler y Eleanor Parker
• Del drama –film aventura “Lawrence de Arabia (1962)” de David Lean con Peter O’Toole, Alec Guinness, Omar Sharif y Anthony Quinn, cuyo papel Ferrer entendió como su mejor actuación en cine
• De los dramas “La historia más grande jamás contada (1965)” de George Stevens con Max Von Sydow,
• “El barco de los locos (1965)” de Stanley Kramer con Vivien Leigh y, Simone Signoret,
• “Cervantes (1966)” de Vincent Sherman con Gina Lollobrigida y Louis Jourdan,
• “Españolear (1969)” de Jaime Jesús Balcázar con José Alfayate y Rafael Anglada

También en ese período protagonizó:

• El drama “El fugitivo del tren de Berlín (1963)” de Rolf Hädrich, película que versa sobre el espionaje entre las dos Alemania entonces existentes.
• La comedia “Enter laughing (1967)” (Entrar sonriendo) de Carl Reiner con Shelley Winters

En lo sucesivo hasta el final de su carrera, actuó:

• En papel secundario del drama “Paco (1975)” de Robert Vincent O’Neill con Richard C. Adams y Salvatore Basile
• Protagonizó el drama “Forever young, forever free (1976)” (Eternamente joven y libre) de Ashley Lazarus con Karen Valentine
• En papeles de reparto del drama “El viaje de los malditos (1976)” de Stuart Rosenberg con Faye Dunaway y Lee Grant
• Del film de horror “La centinela (1977)” de Michael Winner con Chris Sarandon y Cristina Raines, filmes en los que Ferrer interpreta el papel de sacerdote
• Del drama “Fedora (1978)” de Billy Wilder con William Holden y Marthe Keller
• De las comedias “La comedia sexual de una noche de verano (1982)” dirigida y protagonizada por Woody Allen con Mia Farrow,
• “Soy o no soy (1983)” de Alan Johnson con Mel Brooks
• Del film de acción “Dune (1984)” de David Lynch con Francesca Annis y Leonardo Cimino
• Su última presentación en la gran pantalla, en el film de crimen “Laam Gong Juen ji Faan Fei jo fun wan” (1992) (la leyenda de Nam Kong) del director Lawrence Ah Mon con Charles Heung.

Ferrer actuó en varias obras y series televisivas, entre ellas:

• Los dramas “Gideon’s trumpet (1980)” (La trompeta de Gedeón) de Robert E. Collins con Henry Fonda,
• “Blood and orchids (1986)” (Sangre y orquídeas) de Jerry Thorpe con Kris Kristoferson
• El serial comedia “Newhart (1982)” de Barry Kemp

También continuó a la par su carrera en el teatro. También dirigió otros dramas, como:

• “La feria del estado (1962)” con Pat Boone y Bobby Darin
• El film para la TV “A conflict of interest (1982)” (Un conflicto de interés) con Ed Binns y Sidney Eden

Su hijo, Miguel Ferrer es también actor, y José es tío político del actor George Clooney.

Ferrer fue el primer actor en recibir la Medalla Nacional de Artes de los EE.UU. en 1985. En resumen, actuó en 121 películas entre 1948 y 1991, director de siete y guionista de un film.

 Fuentes

Anon. Jose Ferrer. IMDB.com. https://www.imdb.com/name/nm0001207/?ref_=fn_al_nm_1

Lechner Ernesto. 2018. José Ferrer, polifacético. AARP, 12 oct. https://www.aarp.org/espanol/entretenimiento/cine-y-television/info-2018/jose-ferrer-pionero-hispano-hollywood-ernesto-lechner.html

Escrito por Esteban Hernández, 10 abril de 2020

“La segregación racial debe verse como lo que es,
un sistema diabólico y una nueva forma de esclavitud
encubierta con algunas sutilezas complejas.”
Martin Luther King

En este mundo nadie sabe mejor que es la segregación racial, que aquellos que la sufren o la sufrieron. Saber que uno es rechazado por el color de la piel y que se vea sometido a la pobreza o a los peores empleos, es algo que golpea mentalmente a las personas oprimidas hasta el día de su muerte.

Este filme dirigido y protagonizado por Denzel Washington con trama de August Wilson nos muestra un poco de la vida de los pobres negros en una barriada de EE.UU. El título en inglés significa Cercas o Vallas, cualquiera puede pensar que se llama así por una valla de madera en construcción en la casa, donde se desarrolla el filme, pero en realidad se trata de una metáfora muy bien utilizada. En un ambiente de pobreza, como el que viven o vivieron miles de familias afro-estadounidenses, muchos terminan en la cárcel acusados de robos, los que cometen realmente para comer, otros sirven de instrumentos de venta y distribución en el narcotráfico, servicio que realizan por unos centavos, cuya tajada gorda es para la mafia, la que a su vez financia las campañas electorales de varios alcaldes, representantes y senadores. Las oportunidades laborales se limitan al deporte, muy segregado hasta finales de la década de los 40; a la música, algo que les nace y lo realizan muy bien, o a los trabajos más duros y sucios que se puedan tener, como es el de basurero por unos centavos nuevamente.

Esta realidad se muestra en la cinta fehacientemente. Sin embargo, la trama trata de entrar en el pensamiento de los afectados, su comportamiento con los suyos, sus virtudes y sus defectos, en definitiva, un argumento que hace reflexionar que el daño de la segregación no es sólo económico, es también psíquico. No deja de faltar en esos núcleos familiares afro-estadounidenses la violencia de género en mayor o menor grado, la discriminación a la mujer y los vicios de siempre, sobre todo el alcoholismo.

Personalmente no creo que a algunos guste ver una película así, sobre todos aquellos que siempre concluyen que a ellos eso no les tocó ni les toca, pero quienes deseen conocer realidades y adentrarse un poco dentro de ellas, no les defraudará.

Todos conocemos la calidad histriónica de Denzel Washington, demostrada una vez más en esta película. No obstante, no es osado decir que los aplausos los merece Viola Davis con su interpretación de madre y esposa abnegada. El joven actor afro-inglés Jovan Adepo se desenvolvió muy bien en su papel, pero Russell Hornsby estuvo a una altura superior en las escenas en que participó. Otro tanto se puede decir de Mykelti Williamson en el papel de hombre enajenado producto de la pobreza o miseria, a la que siempre se vio sometido.

Escrito por Esteban Hernández, 7 abril de 2020, con información consultada en IMDB.com

“Lo más importante en el mundo es la familia y el amor.”
John Wooden (1910-2010 entrenador deportivo)

El tiempo pasa y las historias sobre las operaciones de la llamada Stasi de la Alemania Oriental han quedado al descubierto y sobre esa base han surgido algunos filmes con tramas veraces, entre ellos “La vida de los otros (2006)”, que ha recorrido buena parte de los cines de este planeta, y ahora el film que nos ocupa, “Dos vidas (2012) (Zwei Leben, en alemán), de producción noruego-germana, bajo la dirección de Georg Maas y Judith Kaufmann, con el protagonismo de la experimentada actriz escandinava Liv Ullmann y la alemana Julianne Köhler en el papel principal.

Para los que no conocen que es la Stasi, se les informa que es una forma abreviada de llamar al Ministerium für Staatssicherheit (Ministerio para la Seguridad del Estado) de la desaparecida República Democrática Alemana, DDR o RDA o también llamada Alemania Oriental. La Stasi fue un órgano que llegó a contar con más de 91 mil espìas, además de más de 180 mil informantes civiles (Inoffizielle Mitarbeiter o IM). Toda una red que lograba infiltrar sus agentes en distintas partes del mundo. De hecho, fue creada e inspirada por el KGB de la URSS. La Stasi llegó a acumular una enorme información sobre sus ciudadanos y otros de varias partes del mundo.

Tan pronto el Muro de Berlín cayó en 1989, la Stasi fue disuelta, pero la información acumulada quedó intacta y se corría el riesgo de su destrucción. El pueblo alemán, a sabiendas de esta situación, se lanzó a tomar la sede de los archivos y evitar la desaparición de esos archivos, lo cual tuvo lugar el 15 de enero de 1990. Con esa acción, muchos agentes oficiales e informales quedaron al descubierto, por lo que era menester de muchos de ellos poner su vida en otro lado y esconder su propia identidad, algo que no era nuevo, pues los agentes de las SS hicieron algo similar al término de la II Guerra Mundial.

El presente film es una muestra de los enredos de la Stasi, en este caso en Noruega. Algo de la trama es predecible, como es la suplantación de personalidades desaparecidas con otras, aunque lo importante es conocer como se pudo fraguar todo eso. Luego el juego de sentimientos. Los seres humanos no son robots, sean agentes o no, sienten y padecen, y es ahí donde al final la persona que desea ser sincera, al menos una vez en su vida, decide abrirse y declarar todo lo realizado. Al mismo tiempo, la reacción agria de los seres queridos, engañados en este caso, es algo natural. El valor de la película radica ahí mismo, mostrar los sentimientos, como estos pueden echar abajo cualquier ideología o práctica nociva. Los jefes o instructores de los agentes diseñan a sus discípulos a su manera, pero al final los sentimientos logran sobreponerse a todas esas enseñanzas de fidelidad a una causa de dudoso valor humano.

El filme lo mantiene a uno en vilo todo el tiempo, el enredo no se descubre hasta el mismo final cuando todas las cartas realmente quedan abiertas sobre la mesa. Es posible que algunas partes no queden claras, sobre todo cuando la agente encubierta viaja a Alemania. También surge la duda si la Stasi tuvo fuerza, aún después de disuelta, para tratar de mantener algunos de sus secretos. Los agentes decían que ya ellos no existían, cierto, pero ¿de dónde salían los fondos para su movimiento fuera de Alemania y disuelta la Stasi?

Fuentes

Anon. Dos Vidas (2012). IMDB.com. https://www.imdb.com/title/tt1783422/reference

Román Silvia. 2007. ¿Qué fue la Stasi? ElMundo.es, 14 febr. https://www.elmundo.es/metropoli/2007/02/16/cine/1171580404.html

Escrito por Esteban Hernández, 31 marzo de 2020

“La corrupción policial se basa en mirar para otro lado y
proteger a alguien, pero no hace su trabajo.”
Anon.

Hace buen rato había visto esta película de producción italiana, estrenada en 1973, dirigida por Sidney Lumet y con el excelente protagonismo de Al Pacino, pero por esas cosas me dio por volverla a ver, además de revisar el comentario que había enviado años antes como crítico en la Base Internacional de Datos de Cine (IMDB.com) sobre este filme, cuya trama está basada en la biografía del policía de referencia.

Se puede decir que policías como Francesco Vincent Serpico no son muy frecuentes, sobre todo en aquellos ambientes donde dinero y droga campean por su respeto. Frank o Paco, como así también le llamaban, es un italo-americano, cuyos padres napolitanos le dieron buena educación formal, valores de respeto muy fieles a sus creencias cristianas. Al llegar a la policía se creyó haber llegado al órgano supremo de imponer justicia, pero el mito poco después se desplomó.

No es nada nuevo saber que los cuerpos de policía en muchos lugares son sobornados, son ellos los que dan vida a la mafia muy estrechamente vinculados a los poderes políticos locales. Senadores, representantes, jueces, jefes de órganos policiales, en fin, un tejido extenso y complejo, donde cada cual trata de sacar su tajada. Tampoco faltan los corderos, aquellos que distribuyen la “medicina”, casi siempre lumpen de familias pobres o miserables, que son los que pagan al final los platos rotos. Son ellos los que van a la prisión, mientras que los corruptos les condenan por haber violado las leyes. Paradójico pero cierto.

Serpico se opuso a toda esa podredumbre, jamás la aceptó y las consecuencias eran de esperar. Enredado sin haber hecho nada delictivo, se vio amenazado de vida, al final, después de sufrir física y moralmente, decidió tomar otro rumbo en la vida, ya que luchar contra ella solo no es nada gratificante. En nada cambió la medalla que se le concedió por sus extraordinarios servicios, de hecho, la rechazó y tomó un nuevo rumbo en su vida lejos de la patria que le vio nacer.

Cualquier lector puede decir que el problema está en los EE.UU. o en Nueva York, lo cual es un error. En varios lugares del planeta hay policía corrupta y que poco hace por imponer justicia. Desgraciadamente la propia corrupción gubernamental a cualquier nivel, municipal, provincial o estatal, viralmente contamina a los órganos de represión y provoca estas situaciones.

Escrito por Esteban Hernández, 24 marzo de 2020, con información consultada en IMDB.com

“Supongo que lo que realmente digo es
aquello que escribo para sorprender.”
Ian McEwan, guionista del filme

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El director Richard Eyre nos lleva a situaciones inéditas en el cine, muchas veces evitadas por la mayoría de los cineastas, pero muy reales en la vida.

Tres temas se entrelazan en este filme, por un lado, la posición de una secta religiosa contraria a la transfusión de sangre a aquellos que la necesitan. Por otro, la vida conyugal formal, y en tercer lugar, la vida de personas mayores que tratan de evitar aquello que la sociedad no admite o penaliza, a pesar de ser lo que en realidad desean.

La vida de un hombre, sea quien sea, es algo que se debe preservar a través de prácticas sanas. No obstante, sucede que el genoma humano puede tener sus anormalidades en cada individuo, algo incontrolable, a lo cual la medicina obra de acuerdo a los conocimientos y recursos disponibles. Si arriba de las dificultades materiales y cognoscitivas existentes se unen tabúes sin sentido, entonces no se irá muy lejos a la hora de salvar esa vida.

Uno debe respetar las creencias religiosas ajenas, lo cual no quiere decir que tenga que aceptarlas, como tampoco ninguna religión o creencia se puede ir por encima de la ley vigente en el país, lo cual queda plenamente mostrado en esta película.

El problema de mujer y marido viviendo como buenos hermanos es algo muy normal en las llamadas sociedades desarrolladas. Tú por un lado y yo por el otro, de sexo nada. Se ven en la noche, una se vira para un lado y el otro para el otro. En la sociedad aparecen como mujer y marido, y no cruces las líneas rojas establecidas.

Es por eso que surgen deseos, que se deben reprimir. Una mujer o un hombre pueden en un momento dado desear estar con alguna persona, que no está acorde en cuanto a edad. No se habla de niños, ya que eso es inadmisible y hasta criminal, pero sí de jóvenes que sienten atracción por personas mayores y que éstas últimas caen igualmente en ese sentimiento sin proponérselos.  Es algo que sucede y que los directores de cine no gustan abordar. Richard Eyre, por el contrario, lo logra sin dar ninguna solución, pues la misma realmente no existe, a no ser que se crucen las líneas rojas.

El valor de la peli está en la rara trama de entrelazar los tres problemas, cuyo guion fue aportado por el escritor Ian McEwan. La actriz londinense Emma Thompson magistralmente interpreta el papel de jueza y esposa. Stanley Tucci nos ha deleitado con sus actuaciones en comedias, pero no deja de ser un actor convincente en filmes de otros géneros, como es el caso   de “El veredicto (La ley del menor) (2017)”.

Escrito por Esteban Hernández, 2 marzo de 2020

“Estoy interesado en lo que es ser humano como humano, y cuánto de nuestra historia es lo contrario. La solución a eso, hasta cierto punto, es la empatía. Estamos perdidos por nuestra incapacidad para vivir dentro de nuestros impulsos empáticos, y las contradicciones son intrigantes.”
Hampton Fancher (guionista de Blade runner 1982 y Blade runner 2049)

No es de dudar que la película en cuestión haya sido realizada con una idea de entretenimiento y taquilla. Se trata de un filme de ciencia ficción, con una trama fatal ya conocida en su anterior versión del año 1982 dirigida por Ridley Scott y con el protagonismo de Harrison Ford y el difunto Rutger Hauer.

La nueva versión del 2017 es dirigida por Denis Villeneuve y cuenta en su reparto con actores jóvenes como Ryan Gosling y la cubana Ana de Armas, así como otros experimentados como Harrison Ford y Robin Wright.

La versión de 1982 se basa en el libro “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?” del escritor Phillip K. Dick, la que fuera adaptada por Scott para el cine, donde el tema de la radioactividad es reemplazado por el de los replicantes y su peligro en la sociedad.

La plaga en ambos filmes son los replicantes, especies de organismos que asemejan a los humanos y producidos por bioingeniería o son androides, de lo cual no se da mucho detalle. Si bien Harrison Ford (Rick Deckard) en la versión de 1982 trata de eliminar replicantes esparcidos en Los Ángeles, la nueva versión es una sociedad con una alta tecnología, colonizada por replicantes, donde el ser humano es un ente extraño y al cual se le trata de erradicar.

Técnicamente la película merece elogios, tanto la fotografía como el sonido es excelente, los efectos especiales están a tono con la película. El carácter fatalista de esta cinta se nota cuando en ningún momento uno ve escenas de días soleados. Es como si se acabara con la humanidad incluido todo su entorno.

La ciencia en el mundo debe estar al servicio del ser humano para elevar su bienestar. Nuevos avances deben traducirse en mejores remedios para los males que afectan la salud, en comodidades para el desenvolvimiento de las familias, pero no para enriquecer a las grandes corporaciones, las que, en su afán de potenciar sus ganancias, buscan avance tecnológico para reemplazar al hombre como fuerza de trabajo, lo cual al final se traduce en desempleo, a no ser que los gobiernos legislen algo útil al efecto.

Un ser clonado o un robot es un ente que puede resultar más productivo que el mismo hombre, y a la vez no hay que pagarle salario alguno. Por lo tanto, en un mundo de presidentes ignorantes, que niegan el cambio climático, despreocupados por los incendios en sus bosques, que desean extraer petróleo en el Ártico, así mueran especies en ese hábitat y provoquen un deshielo impensable, no hay porque pensar que la deshumanización a largo plazo pudiera tener lugar, cuando los que gobiernan son cada día más irresponsables y ambiciosos.

“Blade runner (2049)” se puede ver como algo fantástico y no es así. La clonación humana o la producción de androides puede tener lugar en laboratorios secretos y el mundo vivir de espalda a todo eso. Es cierto que en 1998 se logró un acuerdo que prohíbe la clonación humana, pero sobre los androides es punto de interrogación. Sin embargo, no existen mecanismos para descubrir que eso no se realice, lo mismo que suele pasar con la producción de armas biológicas o químicas.

Esos transhumanos en el filme tratan de asemejarse a los humanos en sus deseos y aspiraciones, quieren amar y realizar todas las mismas. Es de dudar que eso ocurra si son androides como tal y no entes clonados.

La presente película puede ser un medio de reflexión dentro de la población mundial, sobre un tema del cual se habla poco o que no es de amplio dominio.

Desde el punto de vista cinematográfico, el canadiense Ryan Gosling se comportó a la altura acostumbrada y siguió bien la dirección de su coterráneo Denis Villeneuve. Otras actuaciones destacadas fueron a la cuenta de la cubana Ana de Armas y de Jared Leto. Harrison Ford, como siempre, muy eficiente en papeles de hombre perseguido.

La duración del filme sí es excesiva, podría haber sido menos extensa. No vale la pena comparar mucho la primera versión con la segunda, la trama incluye la misma problemática, pero con otras situaciones, la segunda muestra un mundo en estado crítico, al cual no se deberá nunca llegar.

Escrito por Esteban Hernández, 18 febrero de 2020, con información consultada en IMDB.com.

“El cine no tiene límites, es una cinta de sueño”.
Orson Welles

Usualmente las actrices y actores canadienses se confunden con los estadounidenses, algo que sucede también con otros nacidos en países otrora colonias de Inglaterra, como es el caso de África del Sur y Australia. El de los canadienses es más común, viven al lado de los EE.UU., país que pueden visitar sin limitaciones. Algunos de estos artistas pueden ser hijos de padres estadounidenses y nacidos en Canadá, donde han vivido por un tiempo, entonces sucede que al artista no se le toma como canadiense. De una u otra forma, muchos de estos artistas han logrado destacarse en la meca del cine de EE.UU. y han dejado su impronta en numerosas películas.

Quizás todos no sean mencionados, pero si los principales. El orden a seguir es por su éxito y fama. Al final se citan los nombres de varios artistas que logran su éxito en el mundo de los seriales y películas en la TV.

Glenn Ford es probablemente el más exitoso de esta lista. Nació el 1 de mayo de 1916 en Sainte-Christine-d’Auvergne, Quebec. Era hijo de padre ferroviario y la familia se trasladó a Santa Monica, California cuando Glenn tenía ocho años. Como actor se destacó en los más diversos géneros: drama, cine negro, comedia y oeste. En la década de los 50 fue un actor muy reconocido en Hollywood. Hizo dúo de actuación con Rita Hayworth en varias películas, la más famosa fue “Gilda 1946)”.

Donald Sutherland ha sido otro muy destacado, nació el 17 de julio de 1935 en Saint John, New Brunswick, sus papeles más recordados son en el film bélico “Los doce del patíbulo (1967)” y  en el de crimen “Klute (1971)”. Sutherland está aún activo y hace sus apariciones con frecuencia en la gran pantalla.

Christopher Plummer es uno de los actores más laboriosos que se conozca, nació el 13 de diciembre de 1929 en Toronto. Siempre es recordado por sus actuaciones en “Sonrisas y lágrimas (1965)”, “Waterloo (1970)” y más de 200 filmes más.

John Ireland fue un incansable actor de reparto, nacido el 30 de enero de 1914 en Vancouver, Columbia Británica. Parte de su niñez transcurrió en Nueva York. Su actuación fue fenomenal en el drama “El político (1949)”, pero era más dado a interpretar papeles de vaqueros como en “Río Rojo (1948), “Duelo de Titanes (1957)” o también en películas épicas como “Espartaco (1960)” y “La caída del Imperio Romano (1964)”.

Michael J. Fox ha sido un comediante de mucho éxito, pero capaz de interpretar papeles serios también. Nació el 9 de junio de 1961 en Edmonton, Alberta. Como comediante se destacó en “Regreso al futuro (1985) y sus secuelas en 1989 y 1990, así como en los dramas “Corazones de hierro (1989)” y “El presidente y Miss Wade (1995)”.

Leslie Nielsen otro comediante de éxito y laborioso, nacido el 11 febrero de 1926 en Regina, Saskatchewan, aunque se crió en Tulita (anteriormente Fort Norman), en los Territorios del Nord Occidente. Aunque comediante, se hizo conocer en el film de ciencia ficción “El planeta prohibido (1956)” en el papel de astronauta principal de la peli.

Jim Carrey  probablemente el comediante más destacado de la década del 90 del siglo pasado, nacido el 17 de enero de 1962 en Newmarket, Ontario. Entre sus papeles más recordados están los de “Ace Ventura, un detective diferente (1994)”, “Dos tontos muy tontos (1994)” y “La máscara (1994)”

Martin Short   un veterano actor que ha deleitado con sus actuaciones en programas en la TV, por los cuales ha ganado varios premios Emmy. Short nació el 26 de marzo de 1950 en Hamilton, Ontario.

Dan Aykroyd otro grande de la comedia, quien nació el 1 de julio de 1952 en Ottawa, Ontario, famoso por su protagonismo en el film “Los Cazafantasmas (1984)” y su secuela en 1989.

Rick Moranis igualmente eficiente en la comedia, pero capaz de actuar en filmes de otros géneros incluido seriales en la TV. Nació el 18 de abril de 1953 en Toronto, Ontario, Recordado son sus papeles en “El gran despilfarro (1985), “Dinero y poder (1985)” y “Los Cazafantasmas (1989)”.

Pamela Anderson la desbordante actriz, que se hiciera famosa por sus actuaciones en el serial Baywatch (1995), nació el 1 de julio de 1967 en Ladysmith, Columbia Británica.

Carrie-Anne Moss se hizo famosa con su actuación en “Matrix (1999)” y su secuela en 2003. También actuó en “Memento (2000)”. Ella nació el 21 de agosto de 1967 en Vancouver. Luego de concluir estudios en la academia de artes dramáticos en EE.UU., se trasladó a Europa para trabajar como modelo y después se enroló en el show para la TV “Dark Justice”, el que se producía en Barcelona, España.

Ryan Thomas Gosling  probablemente el actor canadiense más famoso del momento, Ryan nació el 12 de noviembre de 1980, en Londres, Ontario. Inicialmente se destacó en el drama “El diario de Noa (2004)”, luego en el film de crimen “Gangster Squad. Brigada de élite (2013)”, la comedia “La ciudad de las estrellas (La La Land) (2016)” y el drama-ciencia ficción “Blade Runner 2049 (2017)”.

Rachel McAdams otra actriz canadiense muy popular en la actualidad. Nació el 17 de noviembre de 1978 en Londres, Ontario, y su primera gran actuación fue por coincidencia en el drama “El diario de Noa (2004)” junto a su coterráneo Ryan Gosling. Luego actuó en “Chicas Malas (2004)” y “Todos los días de mi vida (2012)”.

Anna Paquin fue la primera actriz en obtener Oscar en el nuevo milenio, el que octuvo como mejor actriz de reparto por “El piano (1999)”. Anna es nacida el 24 de julio de 1982 en Winnipeg, Manitoba.

Ellen Page es una actriz nacida el 21 de febrero de 1987 en Halifax, Nueva Escocia, muy destacada como protagonista de la comedia-drama “Juno (2007)” con varias nominaciones, incluido Oscar y Globo de Oro.

Ryan Reynolds es otro de los famosos actores canadienses del momento. Nació el 23 de octubre de 1976 en Vancouver, Columbia Británica, destacado por su protagonismo en “Deadpool” y su secuela, además de otros seriales en la TV.

Hayden Christensen nació el 19 de abril de 1981 en Vancouver, Columbia Británica, interpretó el papel de Anakin Skywalker en “Star Wars: Episodio II – El ataque de los clones (2002)” y en “Star Wars: Episodio III – La venganza de los Sith (2005)”.

Evangeline Lilly, nació el 3 de agosto de 1979 en Fort Saskatchewan, Alberta. Se destacó en “El Hobbit: la desolación de Smaug (2013)” y “El Hobbit: la batalla de los cinco ejércitos (2014)”, así como en “Ant-man (2015)”.

Emily Irene VanCamp nació el 12 de mayo de 1986 en Port Perry, Ontario, actuó en papeles protagonista de “Captain America (2014)” y su secuela, además de “Revenge (2011-15)”.

Gloria Reuben, nació el 9 de junio de 1964 en Toronto, Ontario. Actuó en “Lincoln (2012)”.

Elisha Cuthbert nació el 30 de noviembre de 1982 en Calgary, Albert. Modelo y actriz en «La vecina de al lado (2004)» y en «La casa de cera (2005)».

Allison Pill nació el 27 de noviembre de 1985 en Toronto, Ontario, actuó en “Milk (2008)”.

Sarah Polley nació el 8 de enero de 1979 en Toronto, Ontario. Actuó en “Mi vida sin mí (2003)” y “Amanecer de los muertos (2004)” entre otros títulos.

Mike Myers nació el 25 de mayo de 1963 en Scarborough, Ontario, ha puesto su voz en varios animados, protagonista de “Austin Powers” y sus secuelas.

Seth Rogen actor, comedian y guionista, nacido el 15 de abril de 1982 en Vancouver, Columbia Británica, activo en TV, dirigió, escribió y actuó en la comedia “Juerga hasta el fin (2013)”

Joshua Carter Jackson nació el 11 de julio de 1979 en Vancouver, Columbia Británica. Director y actor en mini-series en la TV.

Cobie Smulders. Nació el 3 de abril de 1982 en Vancouver, Columbia Británica, muy activa en seriales en la TV.

Eugene Levy nació el 17 de diciembre de 1946 en Hamilton, Ontario. Destacado por su papel en el serial comedia “Schitt’s Creek (2015)”

Sarah Gadon nació el 4 de abril de 1987 en Toronto, Ontario, actuó en “Cosmopolis (2012)” y “Belle (2013)”

Sandra Oh de origen coreano, nació el 20 de julio de 1971 en Nepean, Ontario, fue estudiante de ballet, luego actriz, destacada en el serial “Anatomía de Grey (2005-19)”.

Stephen Amell nació el 8 de mayo de 1981 en Toronto, Ontario, activo como protagonista en seriales de acción en la TV.

Michael Cera nació el 7 de junio de 1988 en Brampton, Ontario, activo en la TV y en cortos para el cine. Fue co-protagonista de “Juno (2007)”.

Neve Campbell nació el 3 de octubre de 1973 en Guelph, Ontario, activa en TV y en las películas de terror “Scream” y sus secuelas.

Nathan Fillion nació el 27 de marzo de 1971 en Edmonton, Alberta, activo en TV.

Stana Katic nació el 26 de abril de 1978 en Hamilton, Ontario, activa y destacada en TV.

Charlotte Le Bon nació el 4 de setiembre de 1986 en Montréal, Québec, ostenta una nominación a César en papel de reparto del film “Yves St Laurent (2014)”.

Vanessa Morgan nació el 23 de marzo de 1992 en Ottawa, Ontario, activa en TV.

Kate Todd nació el 12 de diciembre de 1987 en Barrie, Ontario, activa en TV.

Dianne Doan nació el 8 de setiembre de 1990 en Abbotsford, Columbia Británica, hija de padres vienamitas. Actuó en “Los Vikingos (2016)”.

Keegan Conor Tracy nació el 3 de diciembre de 1971 en Windsor, Ontario, activa en TV.

Missy Peregrin, nació el 16 de junio de 1982 en Montreal, Quebec, muy activa en seriales televisivos

Catherine O´Hara actriz, guionista y comediante, nacida el 4 de marzo de 1954 en Toronto, Ontario, muy activa en seriales y películas para la TV.

Jay Baruchel nació el 9 abril en Ottawa, Ontario, activo en la TV.

Kristin Kreuk nació el 30 de diciembre de 1982 en Vancouver, Columbia Británica, descendiente de chino y holandés. Actuó en el serial «Bella y bestia (2012-16)».

Erica Durance nació el 21 de junio de 1978 in Calgary, Alberta. Es actriz y productora de “Smallville (2001)” y “Saving Hope (2012)”.

Fuentes

Spark872. 2014. Famous Canadian actors and actresses. IMDB.com., 13 marzo. https://www.imdb.com/list/ls058085511/

Anon. 2016. 32 actores canadienses que creías eran estadounidenses. Fotograma, 24 junio.

Escrito por Esteban Hernández, 17 febrero de 2020

“Nadie nace odiando a otra persona por el
color de su piel, o su origen, o su religión.”
Nelson Mandela

Esta película del director Rob Reiner debiera ser retitulada al español, para ello basta con traducir el título original del inglés “Ghosts of Mississippi”, Fantasmas de Mississippi, pero no del pasado, ya que incluso en la actualidad, año 2020, siguen los problemas de racismo en la sociedad estadounidense como en otras de Europa. Por lo tanto hablar de pasado es poco real.

La trama gira sobre un hecho real, alrededor de un asesino, es de suponer miembro del KKK o de los movimientos supremacistas existentes en EE.UU., el que muy cansado con las exigencia de un activista negro del movimiento de los derechos, decide matarlo en altas horas de la noche.

Ese asesinato ocurrió en 1963, ambiente totalmente adverso para quien no fuera blanco, y donde la supuesta justicia estaba en manos de blancos, casi todos ellos tan racistas como los que practicaron el apartheid en Sudáfrica.

El racismo puede ser institucional como el indicado en Sudáfrica, pero EE.UU. tenía en aquel entonces prácticas establecidas de verdadera segregación racial. Todo lo que fuera a favor de la integración chocaba con los intereses y las formas de pensar de los que mandaban en muchos de estados de esa unión.

Aun cuando se prohíba el racismo de forma institucional, siempre queda el propio de la moral creada por los racistas, algo que no se borra fácilmente y llevará décadas de educación para poder realmente eliminarlo. Es ahí el valor de la película, ya que nos muestra como gran parte de una población piensa con respecto al racismo institucional existente en el pasado, cómo hay gente blanca que no desea que esa historia vuelva a revolverse y que no aceptan que en un momento del presente se haga la justicia que antes no existió.

He visto las calificaciones a esta peli y me llama la atención lo pobremente valorada que está, da mucho que pensar esta crítica.

Las actuaciones de Whoopy Goldberg y Alec Baldwin son sobresalientes. En términos superlativos se debe calificar la lograda por James Woods, como el típico blanco racista. Este actor logró con su interpretación provocar asco y rechazo, y otro tanto se puede decir de aquellos actores que encarnaron a los abogados defensores del blanco en el filme.

Escrito por Esteban Hernández, 28 enero de 2019, con información consultada en IMDB.com

“El santo pueblo de Dios nos mira y espera de nosotros no simple
y descontadas condenas, sino medidas concretas y eficaces.”
Papa Francisco (2018)

Se trata de una película de producción británica bajo la dirección del director brasileño Fernando Meirelles, cuya trama gira alrededor de las figuras de los dos últimos Papas del Vaticano, el Cardenal Ratzinger, interpretado por Anthony Hopkins, y el Cardenal Jorge Bergoglio, por Jonathan Pryce.

Ante todo una sincera felicitación al director y al guionista Anthony McCarten, ya que se adentraron en la vida de estos dos personajes como para esclarecer algo de lo que sucede en la iglesia actualmente y quizás lo que está aún por llegar.

El mundo se mueve, eso lo demuestra la dialéctica, a pesar que aún persisten ideas retrogradas a nivel de gobernantes y de creencias o religiones. Mucho ha cambiado en la iglesia en los últimos 60 años desde que el Papa Pio XII falleciera en 1958. A partir de entonces apareció un nuevo Juan XXIII (el lombardo Angelo Giuseppe Roncalli), debió ser XXIV, pero la iglesia había escondido al anterior, Baltassare Cossa, al que llamaron Antipapa y ejerció entre 1410 y 1414. En aquella época la iglesia llegó a tener tres Papas a la vez, el problema fue sumamente grave y merita una descripción más detallada en otro artículo.

Juan XXIII estuvo por poco tiempo ejerciendo en las funciones de Papa. Los italianos le recuerdan como Il Papa buono ( El Papa bueno), y por la publicación de la encíclica Pacem in Terris (Paz en la Tierra, 1963), que fuera escrita en plena guerra fría coincidiendo con la crisis de los misiles en Cuba, en octubre de 1962. Juan XXIII inició una nueva política a favor de la solución de los problemas que afectaban al mundo entonces. Su gestión fue muy distinta a la de su predecesor. Angelo Roncalli murió el 3 de junio de 1963 y su gestión fue continuada por su sucesor Pablo VI (Giovanni Battista Enrico Antonio Maria Montini), quien pudo ejercer en sus funciones hasta 1978.

Pablo VI fue promotor de mejores relaciones entre las  iglesias ortodoxas, anglicanas y protestantes, dialogó con otras religiones e incluso con los ateos. No pocas veces exigió mejor actitud de los grandes capitales con el mundo de los pobres.

Con el deceso de Pablo VI resultó electo como Papa Juan Pablo I a Albino Luciani en setiembre de 1978, quien poco duró, solo 33 días. Sin embargo, tuvo el mérito de ser el primer Papa que renunciara a la coronación papal. Su muerte ha sido siempre todo un misterio para los estudiosos de la iglesia, se informó que murió de infarto de miocardio.

A continuación el conclave eligió a un Papa no italiano, el polaco Karol Józef Wojtyla, en octubre de 1978. Observando la cronología de los Papas, se ve que desde 1523 no había habido más Papas no italianos. El último entonces fue Adriano VI (Adrian Florisz Boeyens – Adriano de Utrech), que fue el Papa número 218, y Wojtyla el 264. Fíjense cuántos cambios y evoluciones se produjeron en sólo tres décadas en la iglesia católica.

Como se sabe, Juan Pablo II sufrió un atentado en 1981, el cual afectó seriamente su salud. Como Pontífice continuó mucho de lo que habían emprendido sus predecesores, además de sus iniciativas en contra de los regímenes socialistas y de la misma doctrina marxista, lo cual realizaba con mucha sutileza. Basta recordar su visita a Cuba en enero de 1998 o los festivales mundiales de la juventud que organizó la iglesia en Roma, idea y eventos anteriormente organizados por los movimientos comunistas. De igual manera continuó su labor en favor de la paz, pidió ayudas para los pobres y más generosidad de los ricos y sus capitales, se pronunció por la democratización de los países del Este europeo que pasaban del anterior régimen a formas distintas de producción y gobierno, pidió perdón por muchas cosas que ya había hecho la iglesia durante la inquisición, incluyendo la condena de Galileo Galilei.

Se progresó pero no era todo, la posición de la iglesia respecto al aborto y a la homosexualidad no cambió nada.

Con el fallecimiento de Juan Pablo II en 2005, se eligió otro nuevo Papa no italiano, esta vez alemán, de nombre secular Joseph Aloisius Ratzinger, hombre de mucha cultura, quien se autonombró como Benedicto XVI. Durante su mandato nada se modificó respecto a los dos problemas anteriores, aunque ya entonces la iglesia venía sufriendo de múltiples casos de pedofilia de los sacerdotes en varios países del mundo.

En febrero de 2013 este Papa asombró al pedir su dimisión. ¿Qué lo movió a tomar semejante decisión?

La película comienza en un momento que Ratzinger aún estaba por renunciar y tuviera encuentros en Roma con el futuro Papa Francisco o Jorge Mario Bergoglio, argentino y primer latinoamericano en funciones de Primer Pontífice del Vaticano. El Papa Benedicto XVI, como ya se dijo, fue interpretado por un siempre admirable Anthony Hopkins, mientras que el papel de Bergoglio le tocó al galés Jonathan Pryce, a quien habíamos visto en cintas como la de acción-aventura “G.I. Joe (2009)” de mediana calidad, la de crimen “La conspiración del poder (2009)”, con igual valoración del público a la anterior, así como en otros papeles secundarios en las secuelas de “Piratas del Caribe” y muchos filmes más. Ciertamente, lo vimos pero no lo fijamos. Sin embargo, Pryce se roba el show en esta película, actuando e imitando muy bien al Papa Francisco.

Escena de Benedicto XVI y Francisco en una de sus pláticas

El film da a entender muchas cosas, bien Benedicto XVI se sentía impotente ante los problemas que aquejaban la iglesia o no quería ceder en determinados aspectos debido a su ideología conservadora, en fin, cada cual puede elaborar su conclusión. Este Papa no era de los que gustaba que le trataran asuntos como los ya mencionados anteriormente. La peli sí muestra que es una persona de una elevada cultura, asiduamente habla en latín con sus sacerdotes, toca con gusto el piano y otros atributos de una persona con una buena educación.

Bergoglio o Papa Francisco es más liberal en sus ideas, gusta de tratar con la gente de pueblo y se siente preocupado por muchas cosas que afectan a la iglesia. Dos caracteres enfrentados como compañeros en un plano ideológico, donde ambos revelan sus defectos como personas y sacerdotes. Entre ambas posiciones surge la conveniencia de hacer avanzar a la iglesia, pero ¿hasta qué punto?

La pedofilia ha marcado severamente a la iglesia, el maltrato a la mujer, entiéndase las mismas monjas, que no era tan solo la famosa de Monza, han sido muchas más; el tratamiento al asunto de la homosexualidad, la que no se acepta por la iglesia que cuenta en sus filas centenares de ellos, y yendo más al fondo, el celibato impuesto.

A la vista personal, Benedicto XVI renunció por su impotencia de enfrentar todos esos problemas reales, por cierto, pero tuvo la genial idea de invitar a Bergoglio a conversar, debatir, como preámbulo a una futura elección para ocupar su puesto, y para con sus ideas, emprender nuevas reformas.

Poco después de haber visto la película, se habló de un libro que critica el celibato que llevaba la autoría de Benedicto XVI, lo cual él inmediatamente negó. Queda la duda de ser cierto lo que dice. Lo verdadero es sus preocupaciones por hacer avanzar o retroceder a la iglesia. Para que sobreviva, debe cambiar en muchos aspectos y eliminar el celibato será un aporte a la causa creyente.

Fuentes

Anon. Los dos Papas (2019). IMDB.com. https://www.imdb.com/title/tt8404614/reference

Anon. Los dos Papas. Filmaffinity.com. https://www.filmaffinity.com/es/film691766.html

Anon. Listado de Papas- Iglesia Católica. http://www.jdiezarnal.com/papas.html

Escrito por Esteban Hernández, 25 enero de 2020

“Respetuosamente me niego a responder debido a que honestamente
entiendo que mi respuesta puede inducir a mi incriminación.”
Joey Gallo (gánster en Nueva York de la familia criminal Profaci)

Vaya idea del director Martin Scorsese de realizar un filme que revela aspectos muy importantes de ese mundo corrupto de sindicatos, políticos y mafia en los EE.UU. Me pregunto si son cosas de un pasado o no tienen que ver con el presente, cuando uno oye a gente importante referirse a sus subalternos como ratas, o twitear cuanta amenaza se le ocurre por esas cabezas enfermas.

Lo bueno es que al final todos terminan en prisión por un tiempo y reciben no pocas zurras de sus compañeros de celdas, pero tampoco llegan a cumplir toda la condena.

Yendo a la película en cuestión, a uno le hace recordar aquella joya del cine que fue “Nido de ratas (1954)”, la que en España se conoce como “La ley del silencio (1954)”, por la cual Marlon Brando como actor principal, Eva Marie Saint como mejor actriz de reparto, Lee J. Cobb como mejor actor de reparto y su director Elia Kazan, se llevaron Oscar en aquella oportunidad. Aparte de las actuaciones, todas formidables, la trama giraba igualmente en ese mundo de sindicatos, que en realidad no protegen a trabajador alguno, rompehuelgas y otros elementos más de un medio, donde la miseria se abraza con la criminalidad. Tampoco deja uno de recordar “El Padrino (1972)”, que pone en evidencia como políticos y mafia se hacen favores mutuos.

“El irlandés (2019)” se refiere a la vida de seres reales, los que ya no existen, unos por la vía del asesinato, y los más afortunados, por muerte natural. La trama viene del libro “I Heard You Paint Houses” (Oí que pintabas casas) escrito por Charles Brandt, quien fuera investigador de homicidios, fiscal y, finalmente, Fiscal General Adjunto del Estado de Delaware. Ese libro es como una biografía parcial del jefe de sindicatos Jimmy Hoffa (Al Pacino en el filme), el poder que disponía, quienes lo sustentaban, todos los detalles, incluidos la de su escolta principal, Frank Sheeran (Robert De Niro) y otros poderes ocultos, como la familia Bufalino, encabezada por Russell (Joe Pesci). No faltó otro ente oscuro, casi silente, Angelo Bruno (Harvey Keitel), con lo cual Scorsese volvió a juntar gran parte de esa pandilla que le acompañara en otros filmes como “Malas calles (1973)”, “Taxi driver (1976)”, “Toro salvaje (1980)” y “Uno de los nuestros (1990)”.

La peli dura 3:30, larga verdaderamente, pero su trama a uno lo agarra desde el principio y sigue la misma con interés. Hay más sucesos esperados que inesperados, a cualquiera le pasará si recuerda las tres secuelas del “Padrino” y otros filmes parecidos. Hay mafia, pero no piense que son solo italianos, no, amigo, hay judía y americana, todos en una misma salsa. Veremos pasajes de la historia, algunos difíciles, como el ataque de Playa Girón o Bahía de Cochinos en 1961, la crisis de los misiles en octubre de 1962, el paso de los Kennedy por la Casa Blanca y el final de sus vidas, pero lo importante es conocer a Hoffa, sus “aliados” y sus “amigos”.

Ciertos elementos de poder carecen de la debida legalidad democrática, eso se evidencia cuando jueces, políticos, dirigentes sindicales se asocian con gánsteres, los llamados mobsters en inglés, y cuando el dinero, de dudoso origen, sirve para comprar votos y corromper a cuánto obstáculo pueda aparecer en el camino. No hay que ser muy inteligente para darse cuenta de lo que sucede.

Espero que esta peli logre Oscar, pero hay uno que no le debió faltar, es por el maquillaje de los actores. A De Niro, sobre todo, se le puede ver joven, más maduro, luego viejo, muy anciano, algo similar con Joe Pesci. Realmente el trabajo de maquillaje en este filme fue de los mejores que uno pueda ver, pero para asombro, ni siquiera está nominado.

Las nominaciones son para Joe Pesci y Al Pacino como actores de reparto, Scorsese como mejor director, además de diseño, vestuario, edición fílmica, efectos visuales, mejor montaje y producción, en total nueve nominaciones. Veremos qué sucede el 10 de febrero de 2020 y cómo esta película será premiada.

Escrito por Esteban Hernández, 27 enero de 2020, con información consultada en IMDB.com y el propio film.

“La ira y la intolerancia son enemigas del saber.”
Mahatma Gandhi

Cuando uno oye a un político alardeando del armamento que su país posee, uno con que tiene la madre de las armas, el otro el padre, mientras que no faltan los “gallitos” de pelea del tercer mundo, los que no le resuelven alimentación y vivienda a sus pueblos y al final terminan ofreciendo lemas con la muerte como promesa ineludible, es porque esos mandatarios o supuestos valentones jamas han estado en la guerra y si lo han estado es escondido en una trinchera o en una cuneta, nunca combatiendo, por lo que carecen de sentido de los sufrimientos que estas confrontaciones bélicas ocasionan.

El filme “1917 (2019)” del director británico Sam Mendes, basado en los relatos de un antecesor familiar que tuvo la desgracia de participar en la I Guerra Mundial, es una muestra clara del número de vidas que se pierden en una guerra, los dolores que causan en las familias de los caídos y los daños económicos que ocasiona.

No es el primer film bélico que invita a la paz, a la memoria nos vienen aquel film protagonizado por Jack Palance y Eddie Albert “Ataque! (1956)” del director Robert Aldrich; o el de producción soviética “Zhivie i Mertvie (1963)” (Vivos y muertos) del director Alexander Stoper, basado en la novela del escritor Konstantin Simonov, y protagonizado por Kiril Lavrov y Mikhail Ulianov; o el de producción de varios países europeos, “Le soldatesse (1965)” de Valerio Zurlini con Tomas Milian, Anna Karina, Marie Laforêt y Lea Massari, donde claramente se ve las miserias de la guerra y sugiere a todos que la paz es la única vía para el desarrollo y bienestar de los pueblos.

Sin embargo, “1917 (2019)” es como un recordatorio de lo anteriormente apuntado. Ya hay críticas adversas, muy bien, aceptadas, como que el sikh estaba fuera de lugar, ya que las tropas británicas segregaban sus soldados, o sea negros e hindúes por un lado y blancos por el otro, de acuerdo, pero profundicemos en el mensaje que nos ofrece la película más que todo y que personalmente la veo con todos los atributos para ganar varios premios Oscar.

Este film refleja los daños con muchos detalles, uno de ellos es el odio entre los soldados rivales, al extremo de agredir cuando te están haciendo hasta un favor de vida o muerte.

Las actuaciones de los dos soldados protagonistas del film, desconocidos para este autor, fueron sencillamente excelentes. Ellos son Dean-Charles Chapman y George MacKay, ambos lograron atraer toda la atención del público a lo largo de la película y su desenvolvimiento era tal que parecían ellos los mismos soldados en el campo de batalla. Lograron traer la realidad a la gran pantalla. No hubo escenas necias de esas vulgares pelis de guerra que muestran supermanes inexistentes en esas confrontaciones.

George MacKay en una escena del filme

El director Sam Mendes, más productor que director en el cine, logró una cinta de calidad, que se llama sencillamente, trama real, con ficción bien concebida, excelente fotografía y efectos para trasladarnos a los campos de combate. Varios premios Oscar seguramente le aguardan en la premiación de 2020 en Hollywood.

Escrito por Esteban Hernández, 22 enero de 2020

“Uno tiene que ser la mejor versión de uno mismo.”
Dr. Bennet Omalu

Título muy compatible con la realidad el del film “Concussion (2015)” del director Peter Landesman y que fuera protagonizado por estelares de la pantalla, como Will Smith, Alec Baldwin y Albert Brooks.

Smith y Baldwin en una escena del film

La palabra concussion se traduce al español como conmoción cerebral, la misma que sufren los futbolistas estadounidenses que practican asiduamente este violento deporte. Por lo que la película trata sobre este tema y cómo los magnates se empeñan en restar importancia a los daños ocasionados a innumerables deportistas. El título en español es apropiado y describe una realidad, una verdad que realmente le duele a los que le sacan lascas al negocio del fútbol norteamericano.

La figura de un médico de origen nigeriano, Dr. Bennet Omalu, neuropatólogo forense, muy dedicado a estudiar el cerebro de las personas que mueren, comienza a recopilar un número de resultados y evidencias con futbolistas fallecidos, los que paulatinamente van configurando una conclusión. La suerte fue tener el apoyo de la más alta dirigencia de la institución en que laboraba.

Había algo que uno aprende, muchos animales tienen mejor protección de su cabeza y cerebro que el ser humano. A manera de ejemplo, el Dr. Omalu aseveraba que la lengua del pájaro carpintero se extiende a través de la parte posterior de la boca fuera de la fosa nasal, rodeando todo el cráneo, lo que viene a ser como una especie de cinturón de seguridad para ese órgano vital. El ser humano no tiene nada de eso, chocas tu cabeza y te quedas con el golpe, el cual a mediano plazo traerá consecuencias fatales, muchos más si se repite semanalmente.

La película es una denuncia clara del abuso del ser humano, elegantemente llamado futbolista, para provocar emociones en la fanaticada, así el deporte en cuestión cause muertes a mediano plazo.  Lo que el Dr. Omalu descubrió, llevó tiempo para que fuera reconocido y no íntegramente por la NFL (National Football League).

Hay mucho dinero de por medio. La Sony fue la productora del film y se sabe que ordenó suavizar el guión. Para el Dr. Omalu, la batalla era como escalar el Everest, un hombre sin los medios que posee la Sony, la que no quiso enfrentarse directamente a la NFL.

La dirigencia de la institución, donde laboraba el Dr. Omalu en Pittsburgh, fue acusada con invenciones todas claramente mal intencionadas, las que con el tiempo se diluyeron y mostraron que a los que había que juzgar era a los ejecutivos de la NFL.

Es cierto que la actitud de la NFL se parece bastante a la que tenían las productoras de cigarrillos en la década de los 90. Negaban todo el daño que el tabaco ocasionaba a la salud humana.

El otro aspecto dentro del film, tocado superficialmente, es el asunto racial, la discriminación que en los EE.UU. aún persevera gracias a la acción de políticos empujados a cargos mayores por una masa blanca supremacista, que olvida que ese es un país de emigrantes. El Dr. Omalu llegó con una idea a Norteamérica y se convenció que se había equivocado, algo similar le pasó a su esposa, interpretado por la bella actriz mestiza inglesa Gugu Mbatha-Raw.

Gugu Mbatha-Ram en escena

Ellos hicieron y hacen del bien en la sociedad en la que viven, sin esta llegar a reconocer su aporte cabalmente.

Will Smith una vez más mostró su versatilidad como actor, mientras que Albert Brooks fue el eficiente de siempre. Alec Baldwin demostró que sabe interpretar igualmente los más variados papeles en drama como en comedia. Como detalle, el mismo Dr. Omalu enseñó a Will Smith y al director del film, Peter Landesman, como realizaba sus autopsias.

Escrito por Esteban Hernández, 10 de enero de 2020

“Gracias a Dios” es el fruto de un minucioso trabajo
periodístico del director Ozon, que convierte estos
hechos reales en un poderoso drama coral sobre
traumas infantiles, fragilidad masculina y perdón.”
Sinopsis de 20minutos.es

El mundo entero exige justicia ante los miles de casos de pedofilia que han cometido muchos sacerdotes de la iglesia católica, apostólica y romana. Las altas autoridades del Vaticano se limitan a condenar los hechos, los que ellos conocen y ocultan para  beneficio de la iglesia. Desde el Papa hasta otros jerarcas de esta institución llegan palabras que tratan de decir pero no dicen nada, pues no van al fondo del problema ni desean erradicar las causas que lo originan, entre ellos el celibato, medida egoísta implantada hace más de 1000 años por el llamado Concilio de Letrán.

La película “Gracias a Dios (2018)”, co-producción franco-belga del director François Ozon, es un excelente documento de los crímenes cometidos por curas en la ciudad Lyon, Francia. La cinta tiene su parte de ficción y su trama está basada en hechos reales de los abusos de un cura local con tres niños boyscouts, que con el tiempo, ya adultos, sus vidas se cruzan para finalmente acusar al criminal aún vestido de sotana y oficiando como cualquier otro sacerdote.

De más está decir que las víctimas no se sentían muy feliz de tener que presentar testimonio público al respecto y dar detalles a las autoridades del manoseo asqueroso del cura. Lo odioso de todo esto es ver las defensas que hacen de sus actos los curas, sobre todo el implicado principal.

Lo importante de esta película es que resalta las consecuencias negativas en la vida de los afectados y sus familiares. Se trata de un daño moral que afecta la psiquis de esas personas e incluso de los seres queridos que le rodean.

La iglesia sataniza al sexo y termina con curas agrediendo la inocencia de miles de niños, esa es la clara evidencia del film de Ozon. Al parecer, por las críticas leídas, hay quienes prefieren el silencio de estas inmoralidades.

Tres detalles de esta película, el primero fue que la cinta fue rodada en secreto bajo el título de “Alexander” y se usaron interiores de iglesias en Bélgica y Luxemburgo. El segundo detalle, fue que al final la iglesia tuvo conocimiento de la producción, por lo que el director Ozon fue demandado por Régine Maire, colaboradora  de la Diócesis de Lyon, y Bernard Preynat, el sacerdote implicado. Ambas personas reclamaban derecho a la intimidad y la presunción de inocencia.  Finalmente, la idea inicial de Ozon fue realizar un documental sobre este problema, pero al final se decidió por un largometraje de ficción.

La película no es antirreligiosa, deja a cada cual pensar como le dicte su conciencia, pero sí es implacable con el cura culpable de los hechos, que como sabemos no es el único, ya que la pedofilia es un mal que aqueja a la iglesia católica universalmente. No basta con llamar a este problema monstruosidad, es menester ir a las causas del mismo para su prevención.

Fuentes

Anon. Gracias a Dios. 20 Minutos.es. https://www.20minutos.es/cine/cartelera/pelicula/36777/gracias-a-dios/

Anon. Gracias a Dios. IMDB.com. https://www.imdb.com/title/tt8095860/reference

Anon. Gracias a Dios. ABC.es. https://www.abc.es/play/pelicula/gracias-a-dios-52897/

Anon. 2017. El celibato en las diferentes religiones. La Hora, 25 sept. https://lahora.com.ec/noticia/1102102377/el-celibato-en-las-diferentes-religiones-

Escrito por Esteban Hernández, 22 diciembre de 2019

«El sufrimiento de unos puede ser provocado por la ambición de otros.»
María Teresa de Calcuta

Cuando me hablaron de Joker inmediatamente recordé a Jack Nicholson en ese papel en la peli “Batman (1989)” del director Tim Burton, donde el destacado actor es el perfecto villano y enemigo acérrimo de Bruce Wayne, personaje real del encubierto Batman. Igualmente pensé que era una enésima versión de Batman, el héroe repetido durante más de dos décadas por más de un director en cine. Para mi suerte me equivoqué, previamente me habían advertido que Batman no aparecía en la nueva cinta “Joker (2019)” dirigida por Todd Philipps y que contó con la también actuación de Robert De Niro y Frances Conroy, mientras el papel principal, el de Arthur Fleck, alias Joker, lo interpreta Joaquin Phoenix, actor muy competente que ha logrado tres nominaciones a Oscar, dos como actor principal y otra como secundario en el pasado.

El diccionario compacto de inglés Collins dice que la palabra Joker es sinónimo de Banter, o sea persona que gusta de las chanzas o las bromas. En inglés to joke es bromear, así que Joker es un bromista. De la historia ficticia del personaje así llamado no conozco nada. En la peli de “Batman (1989)”, Joker es todo un mafioso, cuyo nombre es Jack Napier, mientras que en esta aparece bajo el nombre de Arthur Fleck. Sea en un film como en otro, el personaje es repulsivo de conducta y forma. Sin embargo, todo tiene sus causas y adentrarse en ellas no viene mal para entender cómo este ser social se forma, al cual la sociedad castigó desde que nació.

La peli trata de explicar o justificar su conducta antisocial y su aversión por el personaje de alta burguesía, Thomas Wayne, o sea el padre de Bruce, alias Batman ya de adulto. El rechazo a Wayne se traduce en odio despiadado de muchos como Fleck hacia la sociedad en la que viven y son maltratados. Es la sociedad que los explota y les paga con migajas, por lo que no es sólo Fleck, son muchos más los descontentos y los que desean exterminar todo aquello que los oprime.

Joker es un payaso más, de los tantos que uno podría encontrarse en un lugar como Times Square en Nueva York, ciudad que en la fábula de Batman es llamada Gotham. Se ganaba la vida haciendo reír a la gente, a veces hasta con sus propias desgracias. Aún en ese trabajo eran explotados y maltratados por entes sin escrúpulos.

No vale la pena decir más para evitar los spoilers. Mejor es ver el film y al final sacar sus propias conclusiones. La realidad que ahí se vive es igual a la actual, solo que es menos elegante, menos sofisticada, pero engañosa como siempre.

La actuación de Phoenyx bien le puede valer una nueva nominación o, quizás, su primer Oscar como mejor actor. Repulsivo, asqueroso, odioso, en conclusiones logró reflejar lo que precisamente director y guionistas buscaban de su actuación. No menos destacada fue la de Frances Conroy en el papel de madre de Arthur. Robert De Niro, como siempre, muy convincente.

Escrito por Esteban Hernández, 17 noviembre de 2019

“Yo no recuerdo haber sido joven alguna vez en mi vida”
Audie Murphy

Audie Murphy con Lori Nelson en «Honor y Venganza (1954)».
Cortesía doctormacro.com

El cine estadounidense se ha nutrido de muchas figuras, que anteriormente se han destacado en otras esferas antes de llegar a actuar en la gran pantalla.. Esta vez se hablará de Audie Leon Murphy, más conocido como Audie Murphy, hombre nacido el 20 de junio de 1924 en Kingston, Condado de Hunt, Texas, en el seno de una familia pobre de agricultores. Asistió a la escuela y terminó octavo grado. Cuando su madre murió Audie no tardó en alistarse en el ejército de su país para combatir en la II Guerra Mundial, lo cual tuvo lugar en junio de 1942. Primero sirvió en Túnez, África, y de ahí a Francia. Audie era un muchacho de poco hablar, usualmente tímido, que realmente no asustaba a nadie, pero el enemigo debe haber pensado lo opuesto, ya que el muchacho, se dice, que llegó a matar a más de 240 soldados alemanes en combate.

Según relata frankfob2@yahoo.com, durante una batalla, Audie saltó encima de un tanque en llamas, que estaba cargado de combustible y municiones, que podría haber explotado en cualquier momento, y usó su ametralladora para contener el ataque de las tropas alemanas, matando a docenas de ellos y salvando a su propia unidad y a toda la línea de ser invadida.

Fue tanto lo que se destacó Audie Murphy militarmente que al final le condecoraron 33 veces, obtuvo medalla de honor, la distinción más alta que se le puede otorgar a un soldado, además los gobiernos de Bélgica y Francia igualmente le otorgaron otras condecoraciones. Murphy fue sin dudas el soldado estadounidense más destacado en las batallas de Europa durante la II Guerra Mundial.

Su liberación del servicio militar llegó en septiembre de 1945, y desde entonces luchó nuevamente para convertirse en actor de cine, algo que le fue más difícil que combatir en los campos de batalla. Tuvo la suerte de tener como maestro a un actor muy experimentado y de éxito, como lo fue James Cagney, quien en realidad fue el que le invitó a que se hiciera actor de cine. Murphy apenas sobrepasaba los 170 cm de altura, por lo que no había forma de hacerlo un galán de acuerdo a los patrones establecidos, tampoco era muy dado a los romances en las películas.

Su debut como actor fue en el drama, con trama bélica, “Beyond Glory (1948)” (Más allá de la gloria) de John Farrow y protagonizado por Alan Ladd y Donna Reed. Murphy tuvo un papelito insignificante. En ese mismo período actuó como actor de reparto en el romance-comedia “Texas, Brooklyn & Heaven (1948)” (Texas, Brooklyn y Paraíso) de William Castle.

Su primer papel protagónico vino con el drama “Bad boy (1949)” (Niño malo) de Kurt Neumann, donde interpretó el papel de delincuente juvenil. A esta cinta le siguió su primer oeste “La leyenda de Billy el Niño (1950)” de Neumann, donde Murphy aparece como el famoso William Bonney o Billy El Niño. El director John Huston le dio el papel protagónico del film bélico “Medalla roja al valor (1951)”, cuya trama giraba alrededor de la guerra civil en los EE.UU.

El género del Oeste fue precisamente el que más le encajó en la carrera artística de Murphy. Siempre aparecía como hombre de silencio y de mucho carácter. Así protagonizó los oestes:

• “Sierra (1950)” de Alfred E. Green con Wanda Hendrix, que fuera su primera esposa y cuyo matrimonio fuera un desastre, apenas duró 14 meses.
• “Cimarron Kid (1952)” de Budd Boetticher con Beverly Tyler,
• “Humo de revólver (1953)” de Nathan Juran con Susan Cabot,
• “Honor y venganza (1954)” de George Marshall con Lori Nelson y Mari Blanchard, donde interpreta el papel del vaquero Tom Destry
• “Tambores fraternos (1954)” de Juran con Walter Brennan

Su siguiente actuación fue la mejor de su carrera, se trataba de interpretarse él mismo en pantalla y combatiendo durante la II Guerra Mundial. El guión fue escrito por Gil Doud junto con Murphy, y dirigido por Jesse Hibbs. La peli resultó ser una de las más vistas de todos los tiempos. Su actuación como soldado fue realmente impresionante. El film se llama originalmente “To hell and back (1955)” (Al infierno y de vuelta), su título en países de habla hispana es “Regreso del infierno”.

Sus actuaciones como vaquero continuaron en:

• “La tierra del orgullo (1956)” de Hibbs con Anne Bancroft y Charles Drake
• En papel de reparto de “La última bala (1957)” de James Neilson con James Stewart y Dan Duryea
• “Sendas tortuosas (1958)” de Hibbs con Gia Scala y Walter Matthau
• En papel de reparto de “Los que no perdonan (1960)” de John Huston con Burt Lancaster y Audrey Hepburn,
• “Una bala sin nombre (1959)” de Jack Arnold con Charles Drake, que fuera su mejor amigo personal en su vida
• “El renegado de Arizona (1965)” de William Witney con Michael Dante y Buster Crabbe
• Su último film, el oeste “Un tiempo para morir (1969)” de Budd Boetticher con Peter Brocco

Además de vaquero en el cine, Murphy era vaquero en la vida real. Poseía varios ranchos en Texas, Arizona y California, con grandes crías de caballos. Era aficionado a componer canciones, algunas de las cuales fueron luego interpretadas por cantantes como Dean Martin. Sin embargo, la guerra dejó sus secuelas en la psiquis del actor, el que padecía de insomnio, por lo que debía tomar pastillas para dormir. Su humor no era el mejor y sus propios negocios sufrieron, al extremo de tener que declararse en bancarrota en 1968. La Guerra en Vietnam estaba en su apogeo y Murphy abogó por el retorno de los soldados a su país. Lo hacía al saber y sufrir él mismo las secuelas que dejaban las guerras.

En resumen, actuó en 50 filmes entre 1948 y 1969, guionista de 1 y productor de 2 películas. Murphy fue nominado para Laurel de Oro como mejor actuación por “Sendas tortuosas (1958)”, escogido por la revista Empire como miembro del grupo de 100 actores más sexy del mundo fílmico en 1955. Fue miembro de por vida de la Asociación Nacional del Rifle de EE.UU., la llamada NRA en inglés, y miembro del partido Demócrata. En si vida personal, no fumaba, declinó ofertas para hacer publicidad de cigarrillos, raramente bebía alcohol. Su segundo matrimonio fue con la aeromoza Pamela Archer, el cual duró hasta su muerte y  en el cual tuvieron dos hijos.

El 18 de mayo de 1971 Murphy iba a bordo de su avión privado rumbo a Virginia para un asunto de negocios. Lamentablemente la nave se estrelló cerca de Roanoke, Condado Craig en  Virginia.

Fuentes

IMDB.com. Audie Murphy. https://www.imdb.com/name/nm0001559/

Enciclopaedia Britannica. Audie Murphy. https://www.britannica.com/biography/Audie-Murphy

Escrito por Esteban Hernández, el 30 octubre de 2019

“Si no tenemos policías, jueces, abogados, fiscales, honestos,
valerosos y eficientes; si se rinden al crimen y a la corrupción,
están condenando al país a la ignominia más desesperante y atroz.”
Javier Sicilia (1956, periodista y poeta mexicano)

Se trata de una cinta de acción y crimen, del director Ruben Fleischer, con trama escrita por Paul Lieberman, de la cual es positivo hacer una abstracción de las escenas de violencia que no faltan, y reflexionar sobre varios aspectos, probablemente de actualidad.

El malvado de la peli es un personaje real, un mafioso asqueroso, de nombre Mickey Cohen, apellido muy judío, hombre que fuera boxeador y luego entrara en el mundo de la perversión, incluida la prostitución, la droga y el alcohol de la mano de un experto como Al Capone en Chicago.

Con el tiempo Cohen se las arregló para convertirse en el Capone de Los Ángeles. Su poder fue casi absoluto en esa ciudad, ya que políticos, fiscales, policía y negociantes de todo tipo se subordinaban a su palabra. La corrupción llegó a extremos insostenibles, los legales angelinos usaban la constitución estadounidense para ir al baño y limpiarse con la misma.

Veía la peli por segunda vez y surgía una pregunta: ¿cuántos Mickey Cohen existen actualmente en el mundo? Una ciudad no es nada, el poder de estos hombres es como el patógeno que se disemina por todo un país hasta llegar a dominarlo. Hay muchas tiranías abiertas y encubiertas en el mundo, esos son los primeros Cohen, en territorios donde las constituciones son puras fachadas o instrumentos para dominar a toda la población. Esos tiranos surgen de la carencia de democracia, algunos hasta elegidos en las urnas, cuyas votaciones son usualmente fraudulentas. Así aparecen presidentes que duran décadas en el poder, los que hacen y deshacen, narcotrafican, se apoderan de los recursos disponibles y su obra poco favorece al bienestar del pueblo.

El problema es peor en aquellos países donde hay una constitución bien establecida y los poderes claramente independientes, que cuando surge un Mickey Cohen a nivel nacional se convierte en una debacle. Esos individuos tienen un vocabulario populista y demagógico, ofrecen villas y castillas, al final sólo se benefician los de la cúpula gobernante. Peor aún es cuando el Mickey Cohen se hace del poder en una potencia nuclear y las claves de los botones para detonar las bombas y cohetes están en sus manos. En ese caso, ese Cohen no respeta constitución, ni a los otros poderes, suele reunir a su alrededor a verdaderos “guatacas”, hombres que alaban todo lo adverso que realiza su amo y termina dividiendo a un país peligrosamente. Si ese Cohen no respeta a sus aliados y entra en arreglos con su verdadero enemigo externo, entonces la democracia corre riesgos impensables, que de no corregirse a tiempo pueden terminar devastando la economía, y el estado de bienestar de esa nación y de parte del mundo.

Sean Penn interpreta muy bien el papel de Mickey Cohen, cuyo nombre real era Meyer Harris. Lo mismo se puede decir de los actores encarnando el papel de sus secuaces en Los Ángeles, mientras Josh Brolin era el bueno e implacable enemigo de Cohen, con una interpretación muy convincente, lo mismo que su aliado, el joven Ryan Gosling, y el veterano Nick Nolte.

Si desea ver este film, olvídese de las escenas de violencia y concéntrese en todo lo que Cohen llegó a tener y dominar, cómo a él subordinaba la justicia a su voluntad, la que al final terminaba en atropellos con la población. Esos Cohen, usualmente narcisistas e incapaces de hacer algo correctamente, siempre hablan de progreso cuando lo que aportan es crimen y pánico. Las tiranías del mundo con mafiosos eternos deben desaparecer, las democracias existentes deben evitar con todos los medios posibles la aparición de semejantes monstruos.

Escrito por Esteban Hernández, el 29 octubre de 2019, con información consultada en IMDB.com y Wikipedia.com

“Habría sido apropiado que yo entrara en esta vida en las alas de una tormenta
de nieve, ya que he estado haciendo estallar una tormenta desde entonces.»
Charles Bickford

Charles Bickford izq. con José Ferrer en «Vorágine (1949)». Cortesía doctormacro.com

En la actualidad cuando uno habla de grandes actores del pasado es como si se hablara de la antigüedad. Ciertamente lo es, la antigüedad y los primeros tiempos del cine sonoro. Esta vez el artículo va dedicado a un gran actor de reparto de aquella época, uno que puede haber quedado en el olvido y que no fuera muy reconocido por la crítica y el propio público de su tiempo. Sin embargo, el que suscribe sitúa al actor de referencia como entre los cinco mejores de reparto de todos los tiempos. ¿Su nombre? Charles Ambrose Bickford o simplemente omitiendo Ambrose.

Bickford nació el 1 de enero de 1891 en Cambridge, Massachusetts. Se afirma que su nacimiento tuvo lugar en el primer minuto del 1891. En su familia nada opulenta vino a ser el quinto hijo de una prole que llegó a ser de siete. De niño era algo alborotado y atrevido, con solo 9 años fue juzgado por intento de asesinato y finalmente absuelto. Le había disparado a un motorista que había atropellado a su perro. Para su suerte, no hubo puntería ni hubo muertos.

Durante la I Guerra Mundial sirvió como teniente del Cuerpo de Ingenieros del Ejército. Fuera de este servicio, antes o después, buscó la forma de ganarse la vida, primero como leñador, estudió ingeniería, después se desempeñó como promotor de inversiones, luego al frente de una empresa de control de plagas. Lo abandonó todo y se dedicó a viajar. Por el camino se enamoró de una comediante y el resultado fue que le propusieron que actuara en la compañía de la diva. Era un hombre alto de 185 cm y su porte le daba aire de actor. Así comenzó a actuar en grupos itinerantes hasta que logró un papel en la obra “Outside Looking In” (Desde fuera mirando dentro) en sala de Broadway, en la cual actuaba James Cagney y donde Bickford fue descubierto por el famoso Cecil B. DeMille, el que le propuso actuar en el drama “Dinamita (1929)” protagonizado por Conrad Nagel y Kay Johnson. Al siguiente año co-protagonizó con Greta Garbo el drama-romance “Anna Christie” de Clarence Brown

Charles Bickford con Greta Garbo en «Anna Christie (1930)»

Su vida en cine no fue nada halagüeña, tuvo enfrentamientos con Louis B. Mayer, el casi zar de la MGM, por lo que decidió actuar en filmes de producción independiente hasta que la Fox le ofreció otro contrato, el cual no fue por largo tiempo, ya que fue herido por un león durante el rodaje del film de aventuras “Mares de Java (1935) de George Melford, que él protagonizara junto a Elizabeth Young. Bickford quedó con enormes cicatrices en su cuello, además que su edad avanzaba, por lo que el contrato de la Fox fue cesado.

A pesar de todo lo relatado, Bickford trabajó incansablemente e interpretó los más variados papeles, sea como hombre decente o villano y sinvergüenza en distintas producciones. Su mirada en pantalla era un enigma, no se sabía si lo que pretendía hacer era bueno o malo. Gustaba de dar lecciones con sus afirmaciones en las actuaciones, las que desarrollaba como si él fuera el mismo personaje real en la pantalla. Así se le vio como protagonista en:

• El suspense “El demonio del mar (1930)” de Lionel Barrymore y Wesley Ruggles con Raquel Torres
• El drama-oeste “El prófugo (1931)” con Warner Baxter y Lupe Vélez
• El film de crimen “La juventud manda (1933)” con Richard Cromwell, estos dos últimos de DeMille

También en papeles de reparto de:

• El drama “Una mujer de mala fama (1934)” de Charles Brabin con Mady Christians y Jean Parker
• Junto a Gary Cooper y Jean Arthur en el film de guerra-oeste “Buffalo Bill (1936)” de DeMille
• El film de aventura “Valley of the giants (1938)” (El valle de los gigantes) de William Keighley con Wayne Morris y Claire Trevor
• El drama “Fuerza bruta (1939)” de Lewis Milestone con Burgess Meredith y Betty Field
• El oeste “Riders of death valley (1941)” (Jinetes del valle muerto) de Ford Beebe y Ray Taylor con Dick Foran y Leo Carrillo
• Los filmes de aventura “Tarzán en Nueva York (1942)” de Richard Thorpe con Johnny Weissmuller y Maureen O’Sullivan, donde Bickford es el villano ambicioso
• “Piratas del Mar Caribe (1942)” de DeMille con John Wayne y Ray Milland

Una actuación brillante tuvo Bickford en el drama “La canción de Bernadette (1943)” de Henry King con Jennifer Jones y Vincent Price. Tuvo otra actuación destacada en el drama-oeste “Duelo al sol (1946)” de King Vidor con Joseph Cotten, Gregory Peck y Jennifer Jones nuevamente, donde interpreta el papel de un arrogante terrateniente. No menos exitosa resultó su interpretación en la comedia-drama “Un destino de mujer (1948)” de H.C. Potter con Loretta Young y Joseph Cotten. Aunque no al nivel de las anteriores, pero sí convincente estuvo en el drama “Una mujer en la playa (1947)” de Jean Renoir con Joan Bennett y Robert Ryan, donde Bickford interpreta el papel de un ex-Guardacosta ciego. En el drama “Belinda (1948)” de Jean Negulesco con Jane Wyman, Bickford volvió a sobresalir. Junto a Burt Lancaster actuó en el film de crimen “Fuerza Bruta (1948)” de Jules Dassin, donde interpreta el papel de un experimentado presidiario. Para concluir la década de los 40, fue parte del reparto del film de crimen-drama “Vorágine (1949)” de Otto Preminger con Gene Tierney, Richard Conte y José Ferrer. La exigente crítica halagó todas estas actuaciones del actor de referencia.

En las siguientes décadas continuó su labor artística, donde sobresalen sus actuaciones en:

• “Jim Thorpe-All American (1951)” de Michael Curtiz con Burt Lancaster nuevamente
• “Ha nacido una estrella (1954)” de George Cukor con Judy Garland y James Mason
  “No serás un extraño (1955)” de Stanley Kramer con Robert Mitchum, Olivia De Havilland y Frank Sinatra
• “El temible Mr. Cory (1957)” de Blake Edwards con Tony Curtis y Martha Hyer, donde Bickford parecía interpretar algo de su vida personmal
• Los dramas-oestes “Horizontes de grandeza (1958)” de William Wyler con Peck, Jean Simmons, Charlton Heston, y su rival en la cinta, Burl Ives. Bickford interpreta el papel de un recalcitrante terrateniente, muy amigo de extender sus dominios a cualquier precio
• “Los que no perdonan (1960)” de John Huston con Lancaster y Audrey Hepburn
• El drama “Días de vino y rosas (1962)” de Edwards con Jack Lemmon y Lee Remick, donde interpreta el papel de un padre preocupado por el alcoholismo de su hija y yerno
• La comedia-oeste “El destino también juega (1966)” de Fielder Cook con Henry Fonda y Joanne Woodward, que fuera su última actuación en cine

Nominado para OSCAR como mejor actor de reparto por “La canción de Bernadette (1943)”, “Un destino de mujer (1947)” y “Belinda (1948)”. Obtuvo premio del National Board Review como mejor actor de reparto por “No serás un extraño (1955)”. Interesante hacer notar que las protagonistas de las tres películas por las que fue nominado para Oscar como actor de reparto, en este caso Jennifer Jones, Loretta Young y Jane Wyman, respectivamente, obtuvieron la estatuilla como mejor actriz. Las pelis “La fuerza bruta (1939)”, “La canción de Bernadette (1943)” y “Belinda (1948)” fueron igualmente nominadas para Oscar como mejores películas del año.

En el orden personal, solo tuvo un matrimonio, con Beatrice Loring, el que duró por siempre, del cual nacieron una hija y un hijo. A Bickford le interesaba la pintura y la extracción de oro en San Bernardino. Otro aspecto de su persona era su carácter de inversionista agresivo, llegó a poseer una gasolinera, un garaje, lanchas balleneras, un rancho de pollos, una granja de cerdos y una tienda de lencería, además de una isla  en el archipiélago indonesio, donde se recogían cocos.

Actuó en 114 filmes entre 1929 y 1968. Falleció el 9 de noviembre de 1967 en Los Ángeles a causa de una infección en sangre.

Escrito por Esteban Hernández, 20 octubre de 2019, con información extraída de IMDB.com.